quête:the oh no s

THE 7000 DOLLAR ACETATE
The year is 1971, a time when nightclubs still had live bands perform the musical hits of the day. Every city had its local stars and for the club scene of the city of Columbus, Ohio it was the CROWD PLEASERS. Founded in 1968 by June Carey along with her younger brothers, twins El & Al, the seven-piece band grew into an in-demand act that performed all over the city. In April 1971 they went into the studio to record eight songs, but an actual release never materialized. In time the master tape was destroyed and all that was left were two acetates. But as time passed, these too were lost. Over the years, a growing market for obscure funk and soul albums emerged. When one of the acetates went up for sale on eBay in 2011, it sold for $3,900! Eleven years later, in 2022, the last remaining copy also appeared on eBay. Collectors drove the price up until it finally sold for a staggering $7,000! So now, after more than 53 years, Al Carey & Regrooved Records proudly presents the previously unreleased 1971 album of the CROWD PLEASERS featuring renditions of hits by Marvin Gaye, Sly Stone's Little Sister, Neil Young, Gladys Knight & The Pips, Cold Blood, Dionne Warwick, The Lettermen and the original funk break track “Eggs & Bacon”.

Blood Red w/ Cyan Blue Splatter Vinyl. Remember Sports is a Philadelphia-based band, originally conceived in the tiny Midwestern college town of Gambier, OH, comprised of members Carmen Perry (vocals, guitar), Jack Washburn (guitar), Catherine Dwyer (bass), and Connor Perry (drums). Their peppy indie power pop encapsulates the melancholy and excitement of growing up while Carmen's writing is diaristic and intimate; a strange amalgam of both melancholy and joy. Remember Sports recorded Sunchokes in 2014 with school mates Teddy Farkas and Alex Evans while Carmen, Catherine, Benji Dossetter (drums) and James Karlin (bass) attended Kenyon College. Sunchokes (Deluxe Edition) is a remastered version of the original album plus eight bonus demo + original versions of some of the songs.

2024 repress !

One of the leading names in the current UKG revival Prozak returns to DJ Mag's 'breakthrough label of the year' Time Is Now with another weighty cut of bass driven goodness. TIP!

Ein Jazz-Trio ist eigentlich nicht mehr als ein Pianist, ein Bassist und ein Schlagzeuger. Im Falle von Bill Charlap ist ein Jazz-Trio viel mehr: eine ganze Welt aus Rhythmus, Melodie, Kontrapunkt, zupackendem
Drive und ausgefeilter Eleganz. Der mit dem GRAMMY ausgezeichnete Pianist gründete sein langjähriges Trio mit Bassist Peter Washington und Schlagzeuger Kenny Washington bereits 1997 und konnte es schon bald als eines der führenden Ensembles im Jazz etablieren.
Obwohl Bill Charlap und seine beiden Mitstreiter sich „nur“ im Kosmos aus bekannten Jazz Standards und Broadway Tunes bewegen, ist ihre Musik auch nach 27 Jahren und beinahe 20 Alben noch immer so spannend und erfrischend, als hätte man all diese Ohrwürmer noch nie zuvor gehört – besonders wenn man das Trio live erleben kann, so wie bei diesem energiesprühenden Mitschnitt aus dem New Yorker Village Vanguard.

"Two-time GRAMMY Award Winner and multi-platinum selling performing artist Lauren Daigle will release a very special collection of reimagined songs entitled Sessions, on August 16th. Recorded live in front of a limited audience, the 8-tracks highlight the beauty in the songcraft and purity of Daigle vocal prowess. In a first for Daigle, Sessions will be available on numbered limited- edition vinyl variant in addition to digital platforms.
“I love that we’re able to share versions of these songs that people might not have heard before,” shares Daigle. “I think it’s what makes them special. I also thought it’d be cool to add something a little different, something we’ve never done before, so I thought what better, more poignant song is there than Joe Cocker’s “You Are So Beautiful”. It’s up there on my list of all- time favorites.”
Sessions marks the debut release of the recordings captured at SiriusXM, which were previously only heard during the original performances. The Apple Music performances will now be available for the first time across all streaming platforms. Sessions includes her rendition of Joe Cocker’s “You Are So Beautiful,” two new versions of her recently Gold Certified hit “Thank God I Do,” her current radio single, “Be Okay” and the first new recording of her 6x Platinum smash “You Say.”
Daigle recently wrapped the long-awaited European Leg of The Kaleidoscope Nights Tour including sold out performances in London, Manchester, and Amsterdam. The tour will make its debut in the US on July 29th in Columbus, OH with stops in Amphitheaters across the states including Brandon, MS, Colorado Springs, CO, and Santa Barbara, CA before wrapping September 5th in Honolulu, HI. The Kaleidoscope Nights Tour features many of Daigle’s #1s including her groundbreaking 6x Platinum smash “You Say,” 2x Platinum hit “Rescue,” “Look Up Child,” her latest No.1 and Gold Certified GRAMMY Nominated “Thank God I Do.”"

Lavender Eco-Mix Vinyl. It took more than two years for all of the pieces to come together for Remember Sports' third album. In the time that has elapsed, Carmen Perry (vocals, guitar), Jack Washburn (guitar), and Catherine Dwyer (bass) have relocated from the tiny Midwestern college town of Gambier, OH, to Philadelphia, PA, adding new drummer Connor Perry and retiring their original nom de plume, SPORTS, along the way. Slow Buzz centers around a break up and comes at a crossroads for the band. The record is the first official release under Remember Sports, a moniker that functions as both a question and a command, which foreshadows all of the deeply personal emotions Carmen experiences at the painful end of a good relationship. Recorded in Valatie, NY by Evan M. Marré (Russel the Leaf), Slow Buzz focuses intently on all of the nuances of arrangement and production that Remember Sports has fine tuned over five years of playing together and is their most ambitious record to date.

Neues Studioalbum der Neuseeländischen Independent-Helden unter der Leitung des rätselhaften Martin Phillipps. Mit Artwork von Trees' David Costa, meerblaues Vinyl mit Mamor-Effekt, LP inklusive DLC. Dunedin's finest, The Chills, veröffentlichen ihr siebtes Studioalbum "Scatterbrain" zweieinhalb Jahre nach dem enorm erfolgreichen "Snowbound" (2018) und des von der Kritik gefeierten Films "The Chills: The Triumph And Tragedy Of Martin Phillipps' im Jahr 2019. "Es geht um künstlerische Integrität, Selbstverwirklichung, Selbstakzeptanz, und es ist eine Reflexion über Sterblichkeit." (The Guardian) Jetzt, im Jahr 2021, zieht Phillipps Bilanz - über alles. Ja, alles. Das Ergebnis ist das triumphale neue Chills'-Album "Scatterbrain", eine nachdenklich stimmende Aufnahme von einem Mann, der gute und schlechte Zeiten erlebt hat.Eine reife und ehrliche Reflexion über das Leben, das Schicksal und die Geschicke unserer Zeit, vorgetragen in wunderschönen Melodien und mit Phillipps' typischer, prägnanter Wortwahl.Aus der Sicht eines Mannes, der sich seines Alters und seiner eigenen Sterblichkeit bewusst ist, wirft das neue Album einen reifen Blick auf die Dinge, die da kommen, durchaus mit Perspektiven. Scatterbrain" ist ein Leben, das vor Ihren Ohren vorbeizieht, während die Ungewissheit zunimmt und die Fake News weiter rumoren, während Aliens eindringen, Verlassenheit groß wirkt, Welten innerhalb der Welten sich auftun und die Sanduhr sich füllt. Ein bahnbrechendes Album von einem der großen modernen Songwriter, es ist pure Popmusik für eine neue Normalität, spannend zu hören, wie all dies endet...oder weitergeht.

Doppel-LP auf rotem Vinyl, limitiert auf 2000 Stück. Das lange vergriffene Debütalbum der beliebten Indie-Rock-Band Velocity Girl aus dem Jahr 1993 ist wieder erhältlich, mit einem neuen, von der Band genehmigten Mix und einem kompletten Album mit Bonustracks, das Singles, Outtakes und die Peel Session der Band von 1993 enthält. Velocity Girl gründeten sich etwa 1989 an der Universität von Maryland außerhalb von Washington DC und setzten sich kurz darauf aus Gitarrist Archie Moore (Black Tambourine), Gitarrist Brian Nelson (Black Tambourine), Schlagzeuger Jim Spellman (Starry Eyes, Foxhall Stacks, High Back Chairs, Julie Ocean, Piper Club), Bassist Kelly Riles (Starry Eyes) und Sängerin Sarah Shannon (Starry Eyes, The Not Its) zusammen. Die Band kombinierte englisch inspirierten lärmenden Shoegaze-Fuzz mit rauem US-Indie-Rock und klassischem 60er-Jahre-Pop-Songwriting. Eine Killer-Single auf Slumberland und pausenloses Touren erregten die Aufmerksamkeit der damaligen Indie-Rock-Kenner, und nach einem hitzigen Werben, das sowohl Abendessen als auch Nachtisch beinhaltete, unterzeichneten Velocity Girl in Hoboken, New Jersey einen Vertrag auf einer Motorhaube, und machten Sub Pop zu ihrer Heimat. 1992 begann die Band mit der Arbeit an ihrem Debütalbum "Copacetic" in den Easley Studios in Memphis - einst Heimat der Bar-Kays und anderer klassischer Soul-Bands - unter der Leitung von Bob Weston (Volcano Suns, Shellac), und mischte das Album anschließend mit Weston in Chicago. Obwohl das Album starke Songs enthielt - Popsongs wie "Audrey's Eyes", "Pop Loser" und "Living Well" neben ehrgeizigen Erkundungen wie "Pretty Sister" und "Here Comes" - hatte die Band wenig Erfahrung mit der Produktion und es fehlte ihr an den Fähigkeiten, im Studio "das Boot zu steuern". Infolgedessen war das Album eine eher schlichte Angelegenheit, der es an der Üppigkeit der früheren Aufnahmen mangelte. In den Ohren der Band war das ein Schock, und sie merkten bald, dass dies nicht die Platte war, die sie zu machen hofften. Bob Weston hatte genau das getan, was von ihm verlangt wurde, und die Klänge eingefangen, aber die Band hatte nicht ihren Teil dazu beigetragen, eine klare Vision zu formulieren. Aber die Zeit der Band im Studio war vorbei, und Polvo war gerade aufgetaucht, um an ihrem Album zu arbeiten, also machten sich Velocity Girl auf, um das Video zu Audrey's Eyes" zu drehen. "Copacetic" kam 1993 auf den Markt und die Leute schienen es zu mögen, aber innerhalb der Band gab es ein Gefühl der Enttäuschung bis zu dem Punkt, an dem die meisten Mitglieder es nicht mehr ertragen konnten, die Platte zu hören. Seitdem hat die Band viel über Aufnahmen gelernt, und Archie Moore eine Karriere als Tontechniker eingeschlagen, so dass die Band schließlich beschloss, sich mit "Copacetic" nochmal auseinanderzusetzen. Nach umfangreichen Ausgrabungen tauchten die 2"-Bandspulen im Haus der Mutter von Jims Ex-Frau auf, und im Frühjahr 2023 begann Archie mit der Arbeit an einem Remix. Song für Song entstanden die neuen Abmischungen genau so, wie die Band sie sich vorgestellt hatte. Der erhabene Gesang von Sarah (die am College Oper studiert hat), die klingende Leadgitarre, die saftigen, verwaschenen Rhythmusgitarren und das klare, stampfende Schlagzeug. Die Popsongs sind viel poppiger. Der Klang ist kraftvoller, und die Platte ist ein zusammenhängendes Werk, das von Song zu Song fließt. Der Ansatz war nicht, ein Album zu machen, das nach 2024 klingt, sondern sich auf das Jahr 1992 zurückzubesinnen und das Album zu machen, das die Band damals hätte machen sollen. Das Ergebnis, "UltraCopacetic (Copacetic Remixed and Expanded)", ist eine spannende alternative Geschichte von "Copacetic". Und während sie dabei waren, hat die Band den Rest ihres Studiomaterials aus dieser Zeit ausgegraben und aufgefrischt: "Ultracopacetic" enthält "Warm/Crawl" von der Velocity Girl/Tsunami Split 7", ,Creepy' von der Crazy Town 7", "Stupid Thing" von der Audrey's Eyes 7" und die unveröffentlichte Albumauskopplung ,Even Die'. Abgerundet wird das Ganze durch die komplette John-Peel-Session der Band aus dem Jahr 1993 mit fünf Liedern, darunter zwei Tracks, die seit der ursprünglichen Sendung nicht mehr zu hören waren. "UltraCopacetic" ist wirklich die definitive Version von Velocity Girls erstem Album.

The elegant City Pop album released in 1979, which shines with Junko Ohashi's unchanging overwhelming singing and the sophisticated
performance of the second generation
Minoya Central Station, which added new members, is available exclusively on milky pink vinyl. Re-release!

ohn Fahey’s Takoma label is best known for pushing the envelope when it comes to acoustic guitar playing, but in 1967 it released a record that has become one of the true cult classics of the ‘60s free jazz movement. Charles Martin Simon was an aspiring writer whose artist wife died in 1965. When he tried to pick up the torch and become an artist using her art supplies, he was, in his words, “reduced to nothing,” and thus created an alter ego or “psyche fragmentation,” Charlie Nothing. Under that moniker he became most famous for creating “dingulators,” working guitar sculptures made from parts of American cars; in 1967, though, he recorded The Psychedelic Saxophone of Charlie Nothing/In Eternity with Brother Frederic, an album consisting of two separate saxophone improvisations accompanied only with gong, tabla, and ukelele. Its cover adorned by Nothing’s own hand-drawn art, this record has since become not only something of a “secret handshake” among free jazz fans, but also a classic of outsider art, fitting right next to your Moondog records if not in sound than in spirit. For its first ever reissue in any format, we’ve gone back to the original tapes to present an all-analog release of The Psychedelic Saxophone of Charlie Nothing/In Eternity with Brother Frederic on black vinyl with the original art intact, offering an unfiltered experience of this man’s cracked genius. A memorable look ‘n’ listen to say the least.

Vibes player Johnny Lytle was one of the heroes of the early acid jazz club circuit, with his cut 'Selim' being an anthem of the scene.

The Ohio born player had made his name at Riverside where his 1965 album "The Village Caller" made him a star. When Riverside ceased trading, owner Orrin Keepnews collaborated with Lytle on two albums which came out on the Detroit label, Tuba

Ace reissued the first album “The Loop” last year (HIQLP 115). We are delighted to now put out the second, “New And Groovy”. The line-up features Milt Harris (organ) Wynton Kelly (piano), George Duvivier (bass) “Peppy” Hinnant or Jimmy Cobb (drums) Montego Joe (congas) and Lytle on vibes. The band power through a selection of original material such as ‘The Snapper’, ‘The Pulpit’ and ‘Screamin’ Loud’. The album also contains Lytle’s radical reworking of Miles Davis' 'Miles' which Lytle retitles 'Selim'. With poor distribution, “New And Groovy” barely made it to the shops back in 1967 and was ignored for twenty years until DJs such as Bob Jones and Gilles Peterson started playing it in the 80s making it a sought-after LP.

The popularity of “New And Groovy” has remained, and this is first time it has been legally reissued on vinyl. “Snapper one up…!”

Ein allumfassender akustischer Angriff, eine Kraft, die so unaufhaltsam und lebendig ist wie die Flut. Das Post-Rock-Kraftpaket AND SO I WATCH YOU FROM AFAR kehrt mit seinem 7. Studioalbum ,Megafauna" zurück. Studioalbum "Megafauna" zurück. Das neue Album ist eine eigenwillige Erkundung und eine von Herzen kommende Würdigung mit der ganzen Intuition, Intimität und dem Humor von vier festen Freunden, die sich ihrem 20-jährigen Bandbestehen nähern. Die Absicht hinter "Megafauna" ist von Anfang an klar. Zwei Gitarren, ein Bass und ein Schlagzeug, allesamt in einer Woche aufgenommen, erwachen in einem Endorphinrausch der Zusammenarbeit und des Miteinanders nach der physischen und psychischen Wildnis der Isolation zu überschäumendem Leben. Die Leadsingle "Do Mór" ist eine absurd verspielte Kollision aus unbeschwerten Gitarrenhooks, mühelosen Jazz-Synkopen und der triumphalen Rückkehr von ASIWYFAs unnachahmlicher Wall-of-Sound-Verzerrung, während der Eröffnungstrack "North Coast Megafauna" als Hymne für das gesamte Album und vielleicht auch für eine wiedererstarkte Band dient, die die freudig-schockierende Konfrontation ihres Sounds stolz auf ihren Ärmeln trägt. An anderer Stelle stehen Introspektion und düstere Sentimentalität im Mittelpunkt, wobei das Downtempo-Stück "Years Ago" eine bemerkenswerte dynamische Tiefe bietet. "Megafauna" ist das erste neue Werk der Band seitdem von der Kritik hochgelobten, aber nur sehr limitiert veröffentlichten "Jettison" aus dem Jahr 2022, ein ambitioniertes Multimedia-Ensemblewerk voller Experimente mit Gästen. Gitarrist Niall Keenedy bezeichnete "Jettison" scherzhaft als "das reife Album" der Band und umrahmte das Schreiben von "Megafauna" mit dem langjährigen Mantra der Band "DO THE SCARY THING", das sie ständig auf das Neue, den Fortschritt, die Evolution und das Unbekannte zusteuern lässt. Während die neue Platte ASIWYFA in einer vertrauteren, traditionellen Form zeigt, ist "Megafauna" in dieser Post-"Jettison"- und Post-Pandemie-Welt eine ohrenbetäubende und trotzige Absichtserklärung des treibenden Kerns der Band, die Zusammengehörigkeit statt Trennung zelebriert. Übrigens, das klasse "Jettison" jetzt auch wiederveröffentlicht!

Ein allumfassender akustischer Angriff, eine Kraft, die so unaufhaltsam und lebendig ist wie die Flut. Das Post-Rock-Kraftpaket AND SO I WATCH YOU FROM AFAR kehrt mit seinem 7. Studioalbum ,Megafauna" zurück. Studioalbum "Megafauna" zurück. Das neue Album ist eine eigenwillige Erkundung und eine von Herzen kommende Würdigung mit der ganzen Intuition, Intimität und dem Humor von vier festen Freunden, die sich ihrem 20-jährigen Bandbestehen nähern. Die Absicht hinter "Megafauna" ist von Anfang an klar. Zwei Gitarren, ein Bass und ein Schlagzeug, allesamt in einer Woche aufgenommen, erwachen in einem Endorphinrausch der Zusammenarbeit und des Miteinanders nach der physischen und psychischen Wildnis der Isolation zu überschäumendem Leben. Die Leadsingle "Do Mór" ist eine absurd verspielte Kollision aus unbeschwerten Gitarrenhooks, mühelosen Jazz-Synkopen und der triumphalen Rückkehr von ASIWYFAs unnachahmlicher Wall-of-Sound-Verzerrung, während der Eröffnungstrack "North Coast Megafauna" als Hymne für das gesamte Album und vielleicht auch für eine wiedererstarkte Band dient, die die freudig-schockierende Konfrontation ihres Sounds stolz auf ihren Ärmeln trägt. An anderer Stelle stehen Introspektion und düstere Sentimentalität im Mittelpunkt, wobei das Downtempo-Stück "Years Ago" eine bemerkenswerte dynamische Tiefe bietet. "Megafauna" ist das erste neue Werk der Band seitdem von der Kritik hochgelobten, aber nur sehr limitiert veröffentlichten "Jettison" aus dem Jahr 2022, ein ambitioniertes Multimedia-Ensemblewerk voller Experimente mit Gästen. Gitarrist Niall Keenedy bezeichnete "Jettison" scherzhaft als "das reife Album" der Band und umrahmte das Schreiben von "Megafauna" mit dem langjährigen Mantra der Band "DO THE SCARY THING", das sie ständig auf das Neue, den Fortschritt, die Evolution und das Unbekannte zusteuern lässt. Während die neue Platte ASIWYFA in einer vertrauteren, traditionellen Form zeigt, ist "Megafauna" in dieser Post-"Jettison"- und Post-Pandemie-Welt eine ohrenbetäubende und trotzige Absichtserklärung des treibenden Kerns der Band, die Zusammengehörigkeit statt Trennung zelebriert. Übrigens, das klasse "Jettison" jetzt auch wiederveröffentlicht!

Reggae Charmers is the 1970 album by Lloyd Charmers, born Lloyd Tyrell. His career spans some of the most fertile periods of Jamaica's musical history. From the late-'50s era of Jamaican shuffle R&B and the subsequent ska boom, to the rocksteady and roots reggae of the late '60s and early '70s, Charmers made valuable contributions not only as a vocalist, but as a session musician and producer, as well. Charmers took up the piano in 1966. A few years later, he was an accomplished enough player to form a band of his own with a few friends. The band eventually backed Ken Parker, Max Romeo, Pat Kelly, John Holt, and Slim Smith & the Uniques (Charmers would also spend some time singing for the Uniques). Buoyed by their reputation for laying down some of the rawest and driving rhythms of the time. Charmers is joined by Byron Lee and the Dragonaires on this record, that is a must for all true fans of vintage Jamaican sounds. Reggae Charmers is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on orange colored vinyl.

"Oyster Cuts", das vierte Album und Merge Records-Debüt von Quivers, zeigt, dass die in Melbourne, Australien, ansässige Band in der Art von Emotionen schwimmt, in denen sich die meisten Menschen zu verlieren fürchten. Der überdimensionierte Gitarrenpop von Quivers schimmert wie die Oberfläche eines Ozeans, unter der ein Riff liegt, das abwechselnd schön und schmerzhaft ist, dessen Züge fremdartig und scharf genug sind, um zu verwunden. Angetrieben von Melodien, die manchmal an Galaxie 500 und The Pretenders erinnern, machen Quivers Musik, die zart und hart ist und den Hörer dazu zwingt, immer wieder einzutauchen, wobei jeder Song einen neuen Gefühls-Blickwinkel eröffnet. "Oyster Cuts" ist Sonnenschein-Pop mit Blut im Wasser. Die Verluste und Lieben, die Quivers' Musik seit ihren Anfängen geprägt haben - der plötzliche Verlust eines Bruders im gebrochenen Optimismus von "We'll Go Riding on the Hearses" (2018) und das Leben in und nach der Trauer von "Golden Doubt" (2021) - fließen in "Oyster Cuts" ein, das sich dem Weitermachen verschrieben hat, während es akzeptiert, dass einige Gefühle, wie Trauer, ein Kreislauf sind. Entscheidend ist, dass Quivers sich verpflichten, miteinander Vorwärts zu gehen. Ohne den Chor und die Streicher von "Golden Doubt" ist "Oyster Cuts" ein Beispiel dafür, was immer noch möglich ist, wenn vier Leute - Sam Nicholson (Gitarren), Bella Quinlan (Bass), Michael Panton (Gitarren) und Holly Thomas (Schlagzeug) - zusammen Musik machen. Durch die Verwendung von Tape Loops - die "Oyster Cuts" eröffnen und schließen und das Album wie Haie umkreisen - legen Quivers Wert auf Wiederholung, setzen gemusterte Riffs ein und navigieren durch kreisförmige Gedanken, bis sie an ihre Grenzen stoßen und schließlich zu einem neuen Song zusammenfinden. Ihr verträumter, sonnenverwaschener Jangle-Pop ist dadurch schlanker und muskulöser geworden, und ihre Sound-Palette wird durch Anklänge an The Cure, Echo & the Bunnymen und The Durutti Column verdunkelt. Innerhalb dieses Rahmens betreten Quivers als Band Neuland, indem sie ihrem charakteristischen Gruppengesang eine neue Dimension hinzufügen: Quinlan übernimmt bei vier Songs die Leadstimme, die ineinander verwobenen Gitarren von Nicholson und Panton werden in den Mittelpunkt gestellt und der zielgerichtete Groove von Quinlan und Thomas treibt das Ganze voran. Die Songs von Quivers fühlen sich wie lange Gespräche zwischen Freunden an, in dem Sinne, dass ein Gespräch sowohl ein Akt der Sprache als auch ein Raum ist, den Menschen füreinander einnehmen. Die ersten beiden Tracks auf "Oyster Cuts", "Never Be Lonely" und "Pink Smoke", nehmen diese privaten Universen, die aus gemeinsamer Sprache, Erinnerungen, Songfetzen und dem Licht eines Handybildschirms mitten im Doomscroll bestehen, und verwandeln sie in ein Leuchtfeuer, in suchende Texte, die von massiven Hooks entfacht werden. "All I ever wanted was a true friend / All I wanted was a friend with benefits / All I ever wanted was transcendence" singen Quinlan und Thomas zu Beginn des Albums, und von da an spult "Oyster Cuts" in den Horizont hinaus. Die vier Mitglieder von Quivers erforschen diesen Raum nicht nur, sondern füllen ihn auch so weit wie möglich mit sich selbst aus, indem sie sich aneinanderbinden, egal wie unklar und chaotisch Herzensangelegenheiten werden können. Jeder Moment der Katharsis, den Quivers aus dem Äther zaubern, ist eine Einladung, sich ihnen anzuschließen. Wenn man ihnen zuhört, wie sie dort aufsteigen, wo andere grübeln würden, ist es unmöglich, ihrer Einladung zu widerstehen.

Isata Kanneh-Mason erkundet mit ”Mendelssohn” drei Facetten eines der berühmtesten Namen der klassischen Musik: das glanzvolle Klavierkonzert Nr. 1 von Felix mit den London Mozart Players, die lange verschollene ”Ostersonate” seiner Schwester Fanny sowie Transkriptionen von Mendelssohns berühmtester Musik durch andere Komponisten.

Im Jahr 2024 spielte Isata in dem von der Kritik hochgelobten Film ”The Other Mendelssohn” mit, der das Leben der außergewöhnlich talentierten, aber übersehenen Fanny Mendelssohn, später Fanny Hensel, beleuchtet. In dem Film wird die Tatsache aufgedeckt, dass die Ostersonate, ein seit 150 Jahren verschollenes Stück, in irklichkeit von Fanny und nicht von Felix geschrieben wurde. Isata war die erste
Künstlerin, die das Werk, das dem richtigen Komponisten ugeschrieben wird, aufführte.

Das Album enthält die Weltersteinspielung der neuen Urtextausgabe von Fanny Mendelssohns Ostersonate sowie wunderschöne Transkriptionen für Soloklavier von Liszt (”Auf den Flügeln des Liedes”) und Rachmaninoff (”Ein Sommernachtstraum”). Zwei der ”Lieder ohne Worte” von Felix und Fannys ”Nocturne”, ebenfalls für Soloklavier, werden auch von Isata auf diesem Album präsentiert.

Diese Dreifach-Vinyl-Compilation vereint bisher schwer erhältliche Tracks aus Paul Wellers Zeit bei Go!
Discs und später auch Island Records.
Das Set, das sich über den Zeitraum von 1991 bis 2001 erstreckt, war seit seiner ursprünglichen Veröffentlichung im Jahr 2003 nicht mehr erhältlich, bis jetzt. Die 3LP ist bei allen teilnehmenden Händlern ab
dem 09.08.2024 erhältlich.

Indignation Meeting are punky rail fans from Leeds. 15-year-old Peter is the driver - he's the drummer and lead singer, writes most of the songs, and also plays bass and trumpet on the album. The rest of the crew is his dad Michael on guitar, Hugo on bass, and with Keith, Heather and Sally often along for the ride when they play out. Here at DGHQ we've been listening to their self-released debut album Trouble In The Shed since last year and finally spoke with the band and agreed to release it on vinyl for the first time. It was very good timing as they've just been in the studio to finish recording their second album, so we'll be releasing that later in 2024. Welcome on-board! We caught up with Peter to ask as few questions about the band_ Q: "In a week when the Labour Party promised to return the rail network to public ownership, we ask how did your fascination with trains begin?" A: "Honestly, I don't really know - I've just loved them ever since I can remember. It's not like with some people who had a family connection or watched Thomas the Tank Engine; I've just always loved them. I guess it's just a childhood obsession that never went away!" Q: "'Trouble In The Shed' is quickly becoming a firm office favourite here at DG. There's a touch of punk, indie and new wave about it. What would you say are the key influences that make up your musical DNA?" A: "My main influence when this album was released was Blyth Power. They'd been my favourite band for years when this was recorded, so everything on it was influenced by them in some way. They've had so many different musical styles over the years that they kind of conglomerated into this album, to create yet another eclectic mix of songs. The only real exception to that on this album is Electrification - no prizes for guessing the influence there! If you see us live, however, you may notice another influence pervading through our songs. That influence is the anarcho-hippy band 'The Astronauts,' whom I discovered midway through the recording process, and have quickly become one of my all-time favourite bands!" Q: "What's the story behind your song 'Hornby Horrors'?" A: "Hornby Horrors is an interesting one. People who haven't heard it may assume it's about some ill-fated model railway endeavour, but it's actually a tale of corruption in, of all places, the model train company Hornby! This song was the result of several minor scandals at Hornby HQ making their way to the modelling masses, the main ones of which were an ill-fated tier list, which placed retailers in three categories as to whether or not they received Hornby's products, with tier 3 retailers barely getting anything at all. Interestingly, the UK's former biggest retailer, Hatton's Model Railways, was a tier 3 retailer due to their 'competing products' (made by their own small brand Hatton's Originals') and has recently announced closure due to financial hardship. Now as we all know, correlation does not equal causation, but I wonder_" Q: "The album is being released on a specific shade of green vinyl. What's the significance?" A: "The shade of green on the vinyl is very similar to the shade worn by the locomotives from the Great Western Railway in the 1870s - 1940s. Due to this connection, we thought it was only proper we picked this colour, which we have dubbed 'Great Western Green!'" Q: "The album release coincides with an appearance at Rebellion Festival in Blackpool this August. Can you give the readers three reasons why they should come and see your performance?" A: "1 - We like to think we provide something different with our music - it is very obviously punk, but it's a bit more light-hearted than a lot of the political stuff, with nearly all the songs being about some sort of obscure steam loco engine. If you just want something light-hearted to enjoy, we might just be the band for you! 2 - We've got a rather interesting line up - instead of the usual line-ups you see, we've got a 15 year-old singing drummer with his dad on guitar, a newly-turned adult with a massive ginger afro playing the bass, the guitarist from the old anarcho band 'Dog On A Rope' playing some gnarly lead parts, and all topped off with some beautiful backing vocals from the drummer's sister and mother. As Attila the Stockbroker described us, Blyth Power meets the Partridge Family - not to be missed! 3 - Here's something you won't forget in a hurry - as well as his vocals, our 15-year-old frontman Peter plays drums and trumpet at the same time! If that's something you want to see, make sure you get down to see us!"