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NOTE. WITH THE PURCHASE OF THE VINYL YOU WILL ALSO RECEIVE THE TRACKS OF THE TOTAL 23 DIGITAL VERSION AS A DIGITAL DOWNLOAD. THE DOWNLOAD CODE CARD CONTAINS ALSO ALL TRACKS OF THE CD.

Okay, you’re listening to the 23rd edition of Kompakt’s annual compilation series TOTAL… hold on… 23??? It’s impossible to look at this number without thinking of William S. Burrough’s Captain Clark anecdote, the Illuminatus trilogy and the Justified Ancients of Mu Mu. But don’t you worry, we’re not giving in to eikositriophobia. We’re enlighted folks, after all.

Total 23 kicks off in a disco mood with a well tempered double punch from label co-founders Michael Mayer and Jürgen Paape. Jörg Burger calls out a trippy new genre named Cinematic Dance before C.A.R. and Patrice Bäumel resurface with a club mix of their early 2023 single ‘Four Down’. Sofia Kourtesis’ sultry remix of Perel ‘Matrix’ finally gets a well deserved vinyl release. ‘Ice Cream Cake’ by Cologne’s newcomer M.A.P.E. helps cooling things down a bit before another debutante, Argia from Madrid makes her first entry to the Kompakt catalogue. Gui Boratto’s recent single ‘Drink In Paris’ raises the energy levels just in time for Reinhard Voigt’s ruthless closing track ‘Endlich XXL’, an ode to some of the best things in this world: Beer and techno.

Okay, du hörst die 23. Ausgabe der jährlichen Kompilationsreihe TOTAL von Kompakt. Moment mal… 23??? Man kann diese Zahl unmöglich betrachten, ohne an William S. Burroughs’ Anekdote über Captain Clark, die Illuminatus-Trilogie und die Justified Ancients of Mu Mu zu denken. Aber keine Sorge, wir erliegen nicht der Eikositriophobie. Immerhin sind wir aufgeklärte Leute.

Total 23 beginnt in Discostimmung und einem wohltemperierten Doppelschlag von den Mitbegründern des Labels, Michael Mayer und Jürgen Paape. Jörg Burger ruft ein psychedelisches neues Genre namens Cinematic Dance aus, bevor C.A.R. und Patrice Bäumel mit einem Club-Mix ihrer Single ‘Four Down’ aus dem Frühjahr 2023 wieder auftauchen. Der tropisch-schwüle Sofia Kourtesis Remix von Perels ‘Matrix’ erhält endlich eine verdiente Vinyl-Veröffentlichung. ‘Ice Cream Cake’ von M.A.P.E., einem Newcomer aus Köln, sorgt für etwas Abkühlung, bevor mit Argia aus Madrid eine weitere Debütantin ihre ersten Spuren im Kompakt Katalog hinterlässt. Gui Borattos aktuelle Single ‘Drink In Paris’ steigert rechtzeitig das Energielevel für Reinhard Voigts gnadenlosen Schlusstrack ‘Endlich XXL’, eine feierliche Ode an einige der besten Dinge dieser Welt: Bier und Techno.

The long awaited return of Faetch is here. A pair of stunning EPs by this mysterious entity dropped in 2015 and 2016 on Earwiggle, soon followed by a collaborative release with Sunil Sharpe on On The Hoof. After a 6-year hiatus, Faetch doesn't miss a beat on this return, powering through a range of dynamic dancefloor styles. Starting with the pounding funky jig of peak-time party track "Dialectic", the A-side moves on with the multi-coloured noises and squelching rhythms of "Untec". The stomping FM-riffing industrial techno of "H11" and deep commanding groove of "Jaunt" round off yet another expertly sound-designed 4 tracker, as we reach the completion of the initial Faetch trilogy!

Next on Allchival is a compilation tracing the musical pursuits of Cork’s (via Belfast) Finbarr Donnelly and his trilogy of bands – Nun Attax, Five Go Down To The Sea? and Beethoven - before his untimely death by drowning in London’s Hyde Park in 1989. From the post punk of the first band via the discordant indie of the second to the chaos of Beethoven’s short lived existence this compilation shines some light on one of Irelands most enigmatic frontmen over a ten year period. Released on 18th April Record Store Day on a 15 track LP and an expanded CD version with 24 tracks. Featuring tracks released on Setanta, Creation, Kabuki & Abstract plus previously unreleased Fanning Sessions, the LP also comes with a fanzine with detailed liner notes and ephemera.

Nun Attax, formed in the late 70s, are synonymous with the Downtown Kampus at Cork’s Arcadia Ballroom, the lynchpin of the city’s post-punk music scene. Their live performances being the stuff of Southern legend - unforgettable, incendiary events, examples of which can be heard on the tracks here White Cortina, Reekus Sunfare. In the early-80s the band changed its name to Five Go Down To the Sea? and recorded the Knot A Fish EP 7’’ for London–Irish label Kabuki Records and soon after the band left recession-ridden Cork for the UK capital.

Squatting south of the River, working on building sites and collecting welfare under several aliases recording and gigs were sporadic but by 1984 they had hooked into the early Creation scene, and played gigs at Alan McGee’s Living Room club. Working with The Mekons Jon Langford they release The Glee Club on Edward Christie’s Abstract Sounds label. Following it up with the last of their three releases as Five..on Creation itself the band’s chaotic existence led to its demise only re-emerging in 1988 as Beethoven. Down to two original members – Donnelly and guitarist Ricky Dineen – plus two new additions their only release – a 12” on the fledgling Setanta records – features a cover of “Day Tripper” backed with original tracks and was NME’s Single of the Week in the summer of ‘89 when such things carried weight. The planned second single doesn’t go ahead after Donnelly’s death.

"Perfect Saviors ist unser völlig unironischer, aufrichtiger Versuch, das größte und beste Rockalbum des 21. Jahrhunderts zu schaffen." The Armed - das in Detroit gegründete Alternative Metal-Post-Hardcore - Kollektiv - meldet sich mit neuen Album Perfect Saviors zurück, dem nächsten Schritt seit ihrem Durchbruch ULTRAPOP aus dem Jahr 2021. Perfect Saviors wurde von Tony Wolski zusammen mit Ben Chisholm und Troy Van Leeuwen produziert, mit Beiträgen von Julien Baker, Sarah Tudzin, Mark Guiliana, Justin Meldal-Johnsen, Eric Avery, Stephen Perkins, Josh Klinghoffer und vielen anderen. Das Album wurde von zudem von Alan Moulder (u.a. NIN, Iggy Pop, Jesus & Mary Chain, Wet Leg, Foo Fighters...) gemischt. Sänger Tony Wolski äußerte sich wie folgt zu dem Album: "Zu viele Informationen haben uns dumm und verwirrt gemacht. Zu viele Möglichkeiten, sich zu vernetzen, haben versehentlich zur Isolation geführt. Und zu viele Erwartungen haben jeden gezwungen, eine Berühmtheit zu werden. Vorhersehbare ursprüngliche Gefahren sind neueren sozialen Gefahren gewichen. Das Ergebnis ist eine Welt, die verwirrend und beängstigend, aber letztlich auch schön ist. Wir hoffen, dass diese Platte genau das alles auch ist. Perfect Saviors ist der Abschluss einer Trilogie von Alben, die untersucht und seziert, was "Popkultur" in einer Welt der grenzenlosen Information und des Zugangs ausmacht. Jedes Album nutzt "Popmusik" als lockeres Format, um diese Ideen auszudrücken, und nutzt Komposition und Präsentation als eine Möglichkeit, diese Fragen weiter zu hinterfragen. Perfect Saviors ist das ultimative Produkt dieser Entwicklung. Mit Hilfe eines der weltweit bekanntesten Mixing Engineers haben The Armed ein wunderschönes Album geschaffen, das die Sprache und die Welt des Pop durch eine einzigartige, extreme und perverse Linse betrachtet und so ihre Kunst vermittelt. Perfect Saviors folgt auf das von der Kritik gefeierte Album ULTRAPOP von 2021, das auf zahlreichen Best of 2021-Listen landete, darunter Pitchfork, New York Times, Stereogum, Revolver und vielen mehr. Vinyl im Klappcover mit zwei 12seitigen Booklets, Insert + DLC!

"Perfect Saviors ist unser völlig unironischer, aufrichtiger Versuch, das größte und beste Rockalbum des 21. Jahrhunderts zu schaffen." The Armed - das in Detroit gegründete Alternative Metal-Post-Hardcore - Kollektiv - meldet sich mit neuen Album Perfect Saviors zurück, dem nächsten Schritt seit ihrem Durchbruch ULTRAPOP aus dem Jahr 2021. Perfect Saviors wurde von Tony Wolski zusammen mit Ben Chisholm und Troy Van Leeuwen produziert, mit Beiträgen von Julien Baker, Sarah Tudzin, Mark Guiliana, Justin Meldal-Johnsen, Eric Avery, Stephen Perkins, Josh Klinghoffer und vielen anderen. Das Album wurde von zudem von Alan Moulder (u.a. NIN, Iggy Pop, Jesus & Mary Chain, Wet Leg, Foo Fighters...) gemischt. Sänger Tony Wolski äußerte sich wie folgt zu dem Album: "Zu viele Informationen haben uns dumm und verwirrt gemacht. Zu viele Möglichkeiten, sich zu vernetzen, haben versehentlich zur Isolation geführt. Und zu viele Erwartungen haben jeden gezwungen, eine Berühmtheit zu werden. Vorhersehbare ursprüngliche Gefahren sind neueren sozialen Gefahren gewichen. Das Ergebnis ist eine Welt, die verwirrend und beängstigend, aber letztlich auch schön ist. Wir hoffen, dass diese Platte genau das alles auch ist. Perfect Saviors ist der Abschluss einer Trilogie von Alben, die untersucht und seziert, was "Popkultur" in einer Welt der grenzenlosen Information und des Zugangs ausmacht. Jedes Album nutzt "Popmusik" als lockeres Format, um diese Ideen auszudrücken, und nutzt Komposition und Präsentation als eine Möglichkeit, diese Fragen weiter zu hinterfragen. Perfect Saviors ist das ultimative Produkt dieser Entwicklung. Mit Hilfe eines der weltweit bekanntesten Mixing Engineers haben The Armed ein wunderschönes Album geschaffen, das die Sprache und die Welt des Pop durch eine einzigartige, extreme und perverse Linse betrachtet und so ihre Kunst vermittelt. Perfect Saviors folgt auf das von der Kritik gefeierte Album ULTRAPOP von 2021, das auf zahlreichen Best of 2021-Listen landete, darunter Pitchfork, New York Times, Stereogum, Revolver und vielen mehr. Vinyl im Klappcover mit zwei 12seitigen Booklets, Insert + DLC!

British epic doom metallers Godthrymm (featuring members once
involved in such luminaries as My Dying Bride, Anathema, Vallenfyre, and
Solstice) return with their new album, Distortions
The follow- up to 2020's widely- lauded 'Reflections' shows the Halifax- based
quartet of Hamish Glencross (guitars/ vocals), Catherine Glencross (keyboards/
vocals), "Sasquatch" Bob Crolla (bass), and Shaun "Winter" Taylor-Steels (drums)
elegantly expanding upon their sound and vision. With tracks like "Follow Me,"
featuring former My Dying Bride compatriot Aaron Stainthorpe, "Echoes," and
"Devils," Distortions advances Godthrymm into the hallowed halls of the genre
they adore to death.
"I absolutely wanted to create a much more layered and complex arrangement in
the sound," says Godthrymm's Hamish Glencross. "Totally amping up the
contrasts to the extreme--the light shines brighter, and the darker depths are vast
trenches. There is a lot more harmony and melancholy for much of it, but also
some slab-heavy riffing, too. We wanted a total progression in the production and
more class and clarity in the sound, as opposed to Reflections, which could get
quite dense in tone."
Distortions is the second part of Glencross' Visions trilogy-- the third part,
Projections, is already in the works. Throughout its seven- track, hour- long
expanse, Godthrymm's sophomore effort delves deeper into the despondent
march of post-pandemic singles "Chasm" and "In Perpetuum," the latter released
exclusively on Decibel Magazine's Decibel Flexi Series in 2022. Glencross'
emotionally-charged vocals pair perfectly with his towering riffs and thoughtful,
crestfallen harmonies. The rhythmic foundation of Crolla and Taylor- Steels is
absolutely critical to Glencross' woebegone eclat. With Catherine Glencross'
angelic vocals and atmospheric keyboards stitched into the monumental "As
Titans," the granite-hard "Obsess and Regress," and the stirring "Pictures Remain,"
Distortions has it all.
The songwriting for Distortions began during the first lockdown. For an album
centered lyrically on grief, loss, regret, resolve, love, and determination, it's hard to
imagine something inexplicably heavy yet remarkably beautiful. Producer Andy
Hawkins (Hark, Grave Lines) was the perfect man for the job. Spread across The
Nave Studio in Leeds and Sasquatch Music Studio in Huddersfield, he captured
Godthrymm at their most menacing ("Unseen Unheard") and vulnerable ("Follow
Me"). The tones he extracted from Glencross, Crolla, and Taylor-Steels absolutely
crush, while the brighter moments (like Catherine Glencross' spell-binding vocals
on "Obsess and Regress") splinter Godthrymm's disheartened darkness in two.
Distortions was mastered by Mark Midgley (Doom, Hellkrusher) for Northern
Mastering Co.

Am 29. September 2023 erscheint mit „Portugal“ ein neues Album der Band „Die Zöllner“.


„Mama Unser“ ist die mittlerweile dritte Vorab-Single in Vinyl Version. Das akustische Erlebnis hat eine optische Entsprechung. Der renommierte Maler Jörg Menge konnte für das Artwork der nun vollendeten Vinyl-Trilogie gewonnen werden. Die auf jeweils 300 Stück limitierten Kunstwerke versprechen einen hohen Sammlerwert. Der Text von „Mama Unser“ stammt vom Poeten Henry-Martin Klemt und ist eine intensive Anbetung der weiblichen Göttlichkeit. „Die Zöllner“ kommen außergewöhnlich rauh daher, die Musik des Songs ist in einer Bandsession entstanden.


Der psychedelische Bläsersatz wurde von Trompeter David „Skip Reinhart und Saxophonist Frank Fritsch arrangiert. Auf der B-Seite der Single befindet sich der Titel „Neue Wege“, den Dirk Zöllner mit seinen Kindern Rubini (Sängerin und Musical-Darstellerin) und Egon (The Voice Kids Gewinner 2021) eingesungen hat. Eine deutsche Popnummer mit Hitpotential.

Neurotwin is a Trilogy:

Part I
In the fight against Alzheimer's, epilepsy, schizophrenia and other diseases characterized by an imbalance in neuronal activity, there are chemical weapons, such as those that try to prevent the protein fragments known as beta-amyloid plaques from developing in the cerebral cortex , and physical, such as electrical stimulation that allow to restore the functionality of brain cells. This last resort, which has already been shown to be effective in modifying the activity of the cerebral cortex, is today a weapon of general intervention. Converting it to precision requires the development of individualized and predictive brain models that allow identifying where and how much to stimulate each patient. To achieve this, an international European team is working on the creation of virtual replicas of the most unknown organ in the body: the Neurotwin project.

According to recent research, the decrease in power in the neuronal oscillations of the gamma band of the cerebral cortex (a pattern whose frequency ranges between 20 and 50 Hertz) favors the development of protein fragments related to Alzheimer's.

Transcranial application of weak electrical currents has proven to be an effective and painless way to modulate brain activity without side effects.

The objective is to create complete computational models of the brain with real data of living beings (human patients) and that allow to anticipate and specify the effects of non-invasive stimulation techniques on neurological mechanisms.

"Never turn your back on a friend."
- Alfred Hitchcock

Part II
The Neurotwin project is the successor to an initiative that encompasses many projects called Virtual Physiological Human, which was based on the idea of creating a complete model of a human being on a computer, to perform non-invasive tests at the computational level. Now the concept has been derived to "Digital Twin", which seeks not only to have an equal computational model for everyone, but to create "twin" digital models of each patient in order to be able to make personalized medicine from the genome of each individual. Specifically, in our project, we have focused on digital twin brains, which would be representations of patient brains created from data extracted with current neuroimaging and brain activity monitoring techniques.

"Mirrors are used to see the face, Art to see the soul."
- George Bernard Shaw

Part III
A digital twin is a computer system programmed in such a way that, receiving the same inputs as the physical object or process it is a twin of, it provides the same outputs.

Characteristics of digital twin technology
1 Connectivity
2 Homogenization
3 Reprogrammable and intelligent
4 Digital traces

"There is no light without shadows and no fullness of mind without imperfections. Life requires for its realization, not perfection, but fullness. Without imperfection, there is no progress or growth."
- Carl Gustav Young

Rebellion ist aktuell in aller Munde, aber DYMNA LOTVA haben dafür gewichtige persönliche Gründe: Das Duo musste aus seinem Heimatland Belarus aufgrund politischer Verfolgung fliehen. Die Kunst der Metal-Band wird von der Lukaschenka-Diktatur aktuell zensiert und unterdrückt. Doch auch auf ihrem dritten Album, "The Land under the Black Wings: Blood" singen DYMNA LOTVA weiterhin von Trauer und Schmerz. Dabei haben die Belarussen hörbar ihren markanten Stil dynamisch weiterentwickelt. Über einem soliden Black Metal Fundament, das auch Bausteine aus dem Doom und traditioneller Musik enthält, baut das Duo mit Hilfe von melancholischen, eindringlichen Melodien emotionalere und gewaltigere musikalische Strukturen auf. Die Texte von DYMNA LOTVA basieren auf wahren Geschichten aus ihrer Heimat. Diese stammen aus Berichten voller Leid, die das Duo in historischen Archiven und in der Folklore findet - während in ihrem Land an jedem Tag neue Schreckenstaten hinzukommen. Komponist und Multiinstrumentalist Jauhien Charkasau sowie Sängerin Katsiaryna "Nokt Aeon" Mankevich datieren die Gründung von DYMNA LOTVA präzise auf den 8. November 2015. Am diesen Tag entzündete die Nachricht, dass die belarussische Schriftstellerin Swetlana Alexandrowna Alexijewitsch den Literaturnobelpreis erhalten hat, das musikalische Feuer der Band. Noch am gleichen Tag schuf das Duo seinen ersten Song, der von der Nuklearkatastrophe von Tschernobyl inspiriert wurde. Dieser erschien im Jahr 2016 als Single unter dem Titel ("A Solitary Human Voice"). DYMNA LOTVAs erstes Album "The Land under the Black Wings: Swamp" kam noch im gleichen Jahr heraus. Das Debüt stellt auch den ersten Teil einer konzeptionellen Trilogie über Belarus dar. Mit dem Nachfolger, "Wormwood" der nicht zur geplanten Album-Trilogie zählt, kehren DYMNA LOTVA im Jahr 2017 zum Thema Tschernobyl zurück. Nach den gefälschten Wahlen im Jahr 2020 unterstützte DYMNA LOTVA offen die Proteste gegen den Diktator Lukaschenka. Nach einem politisch motivierten Prozess gegen den Metal-Sänger Lesley Knife, der auch als Gast auf der Single 'To Freedom' zu hören ist, werden alle geplanten Konzerte von DYMNA LOTVA offiziell verboten und die Live-Besetzung der Band ist zur Auflösung gezwungen. Sängerin Nokt Aeon kann ihrer politisch motivierten Verhaftung nur durch Flucht außer Landes entgehen. Das Duo will sich in der Ukraine treffen, als der russische Überfall den Plan zunichte macht. Nach zwei Wochen schweren Bombardements durch Russland und harten Kämpfen um Irpin gelingt Nokt Aeon die Flucht aus der Stadt. Beide Musiker finden schließlich Aufnahme in Polen. Für DYMNA LOTVA ist die Veröffentlichung von "The Land under the Black Wings: Blood" daher auch ein Akt des Widerstands. Ihre Musik kann auf mehr als eine Weise gehört werden: Es handelt sich zunächst, nur für sich genommen, um ein wundervoll melancholisches, zeitgenössisches Metal-Album auf der dunklen Seite des Genres; mit einem hörbar belarussischen Einschlag. Doch aus einer erweiterten künstlerischen Perspektive betrachtet, ist DYMNA LOTVAs "The Land under the Black Wings": Blood" ein klagender, wütender Schrei nach Freiheit und Gerechtigkeit!

Rebellion ist aktuell in aller Munde, aber DYMNA LOTVA haben dafür gewichtige persönliche Gründe: Das Duo musste aus seinem Heimatland Belarus aufgrund politischer Verfolgung fliehen. Die Kunst der Metal-Band wird von der Lukaschenka-Diktatur aktuell zensiert und unterdrückt. Doch auch auf ihrem dritten Album, "The Land under the Black Wings: Blood" singen DYMNA LOTVA weiterhin von Trauer und Schmerz. Dabei haben die Belarussen hörbar ihren markanten Stil dynamisch weiterentwickelt. Über einem soliden Black Metal Fundament, das auch Bausteine aus dem Doom und traditioneller Musik enthält, baut das Duo mit Hilfe von melancholischen, eindringlichen Melodien emotionalere und gewaltigere musikalische Strukturen auf. Die Texte von DYMNA LOTVA basieren auf wahren Geschichten aus ihrer Heimat. Diese stammen aus Berichten voller Leid, die das Duo in historischen Archiven und in der Folklore findet - während in ihrem Land an jedem Tag neue Schreckenstaten hinzukommen. Komponist und Multiinstrumentalist Jauhien Charkasau sowie Sängerin Katsiaryna "Nokt Aeon" Mankevich datieren die Gründung von DYMNA LOTVA präzise auf den 8. November 2015. Am diesen Tag entzündete die Nachricht, dass die belarussische Schriftstellerin Swetlana Alexandrowna Alexijewitsch den Literaturnobelpreis erhalten hat, das musikalische Feuer der Band. Noch am gleichen Tag schuf das Duo seinen ersten Song, der von der Nuklearkatastrophe von Tschernobyl inspiriert wurde. Dieser erschien im Jahr 2016 als Single unter dem Titel ("A Solitary Human Voice"). DYMNA LOTVAs erstes Album "The Land under the Black Wings: Swamp" kam noch im gleichen Jahr heraus. Das Debüt stellt auch den ersten Teil einer konzeptionellen Trilogie über Belarus dar. Mit dem Nachfolger, "Wormwood" der nicht zur geplanten Album-Trilogie zählt, kehren DYMNA LOTVA im Jahr 2017 zum Thema Tschernobyl zurück. Nach den gefälschten Wahlen im Jahr 2020 unterstützte DYMNA LOTVA offen die Proteste gegen den Diktator Lukaschenka. Nach einem politisch motivierten Prozess gegen den Metal-Sänger Lesley Knife, der auch als Gast auf der Single 'To Freedom' zu hören ist, werden alle geplanten Konzerte von DYMNA LOTVA offiziell verboten und die Live-Besetzung der Band ist zur Auflösung gezwungen. Sängerin Nokt Aeon kann ihrer politisch motivierten Verhaftung nur durch Flucht außer Landes entgehen. Das Duo will sich in der Ukraine treffen, als der russische Überfall den Plan zunichte macht. Nach zwei Wochen schweren Bombardements durch Russland und harten Kämpfen um Irpin gelingt Nokt Aeon die Flucht aus der Stadt. Beide Musiker finden schließlich Aufnahme in Polen. Für DYMNA LOTVA ist die Veröffentlichung von "The Land under the Black Wings: Blood" daher auch ein Akt des Widerstands. Ihre Musik kann auf mehr als eine Weise gehört werden: Es handelt sich zunächst, nur für sich genommen, um ein wundervoll melancholisches, zeitgenössisches Metal-Album auf der dunklen Seite des Genres; mit einem hörbar belarussischen Einschlag. Doch aus einer erweiterten künstlerischen Perspektive betrachtet, ist DYMNA LOTVAs "The Land under the Black Wings": Blood" ein klagender, wütender Schrei nach Freiheit und Gerechtigkeit!

Routed through an interdimensional gateway; the latest message from Psy-fi Sounds has materialized. Reporting back to the home world with 4 separate accounts of their latest cosmic endeavors. Encounters with complex life forms, analysis of digital realities and investigations into the true nature of the universe are transcribed within. The trilogy is now complete.

indian green vinyl 2022 repress

City Of Light is the sixth solo album by American composer Bill Laswell, released on July 29, 1997. While it may appear an anachronism in his catalog, fans of Bill Laswell will find City Of Light an extension of ideas he has explored throughout his career. His strong interest in Eastern music and religion resulted in this 1997 collaboration with Janet Rienstra. Part sacred, spoken word, part meditative soundscape, City Of Light takes as its inspiration the holy region of Banaras, India. Said to belong to Shiva, Banaras also contains the Ganges river: a place sought by Hindus for their cremation. Surrounding the texts is some of the most compelling music this genre has produced featuring Trilok Gurtu on tablas, Coil (Peter Christopherson & John Balance) on electronic, Tetsu Inoue at sound collages and Lori Carson at vocals.

How To Train Your Dragon 2 is the sequel to the massively successful 2010 animated feature film How To Train Your Dragon, and the second film in the trilogy by DreamWorks Animation. The story takes place five years after Hiccup and Toothless united the dragons and Vikings of Berk. While investigating a burnt forest, the pair discover a secret cave that houses hundreds of wild dragons and a mysterious Dragon Rider. The two find themselves at the center of a battle to protect the peace.

Composer John Powell, who earned his first Academy Award-nomination for his music in the original How To Train Your Dragon movie, returned to score the sequel. It was conducted by Gavin Greenaway and recorded at Abbey Road Studios in London with a 120-piece orchestra, a 100-voice choir, and a wide array of ethnic instruments, including Celtic harp, uilleann pipes, tin whistle, bodhrán, and bagpipes.

Sigur Rós-lead vocalist, Jónsi, who wrote and performed the song "Sticks and Stones" for the original movie, provided two new original songs for the sequel in collaboration with Powell. The track "Where No One Goes" that is featured on this release, is not only written, but also performed by Jónsi and Powell. Belarusian-Norwegian artist and Eurovision Song Contest winner Alexander Rybak, who voices Hiccup in Norwegian, also wrote and performs on the song "Into a Fantasy".

How To Train Your Dragon 2 is available as a limited edition of 750 individually numbered copies on flaming coloured vinyl and includes an insert.

Graham Lambkin (of Shadow Ring fame) returns with a long awaited epic double LP, Aphorisms, his first major solo outing since Community (Kye, 2016). Recorded mostly during the early winter months of 2022, in post-pandemic New York and post-Brexit London, Aphorisms assembles the sonic detritus of daily life into hauntingly intimate aural soundscapes. Made between Lambkin's residence in East London and Blank Forms in New York, Aphorisms superimposes the two spaces onto one another creating an imaginary stage where his musical dramas unfold. A transatlantic mediation on the rooms where Lambkin has lived and worked, Aphorisms summons up hallucinatory vistas by way of the composer’s collage technique, layering field recordings, piano, guitar, percussion, vocal fragments, and repurposed elements on top of one another in double, triple, and quadruple exposures. Like the Shadow Ring’s Lindus (Swill Radio, 2001) recorded between Folkestone and Miami Aphorisms ruminates on estrangement and displacement, catching Lambkin as he returns to London after two decades of living in the States, in his words, “leaving home to return home.” Aphorisms continues Lambkin’s synthetic-naturalist approach to sound-making, twisting disparate and unique elements together to create the sensation of a coherent sonic space. At the heart of his practice is the illusion of form, whereby Lambkin combines sonic elements, documenting the moment that they coalesce into music only to disintegrate back into incidental sound. The album is centered around two pianos, one in New York and one in London, sounding together as if through the ether, creating a spectral atmosphere that Lambkin fills with melodic snippets, fragments of songs, spoken-word musings, and guttural barks or “the animal purity of voice,” as he has it. The superimposition of the two spaces is maximized in the album's closing titular track, where, much like on earlier works such as Salmon Run (Kye, 2007) and Softly Softly Copy Copy (Kye, 2009) fragments of familiar melodies float through the mix as though being played from afar. Aphorisms is Lambkin at his best, extending methodologies only hinted at previously and taking his now-idiosyncratic mission statement to a new chapter.

Third in a trilogy of LPs of Library Music miniatures from composer and multi-instrumentalist Daniel O’Sullivan (Æthenor, Ulver, This is Not This Heat, etc) following 2020’s Electric Māyā and 2021’s Fourth Density. For heads, the term “Library Music” in 2021 might evoke dodgy Italian gray market LPs and crate diggers hunting for “funky breaks” - but London’s venerable KPM Music is working with groundbreakers like Daniel to open up new avenues for composers to experiment. The 15 tracks on “The Physic Garden” are fully-formed and orchestrated compositions, which would be highlights on anyone’s LP, never mind as incidental music. Of the music, Dan says: “The Physic Garden is an album of diverse instrumentals inspired by a swathe of verdant vistas from manicured gardens and follies to urban common land, overgrown and forgotten. Convalescent memories in the shape of psychedelic auditory botanics.”

Key tracks include the droning acoustic folk of the title song; the Canterbury-esque rolling horn and woodwind melody of “Return the Heart” (with expert drum kit from Frank Byng); The prog-ish odd meter interlude “Buttercup Tea”; The quiet ambience and delicate melody of “Dusty Feather:”; and the Eno-like drift of “Vapourer Larvae.”

“Library music. Akasha. Here you accept that music behaves like a thing to accentuate another thing, seemingly unrelated. A beautiful, shining blankness. Not passive. An opportunity to wade. A brief encounter with an open-ended destiny. As in, you never know who or what it will be partnered with. With library music the emphasis tends to be on functionality and less on sonic self-portraiture. So it compels you to be concise, like what is the function of this work? The distance is liberating. It’s less “What Am I? and more “What Is This?”. It compels you to be brief, each little cell is a world of its own in an assemblage of miniatures all vibrating in their collective identity. Then there is the occult nature of library music which is fetishized by many for its ability to induce time travel, often to send us back to some televisual memory. However, despite its broad-brush strokes, the library can be so profoundly alien, especially when experienced independently of the televisual realm; an unruly chimera of genre mutations, compositional curiosities and the deepest wallpaper you ever laid ears on. Perhaps the observances of library music can help unshackle us from our artistic insecurities and delusions, where one is drawn to the shape of music as a whole instrument unto itself; as a vehicle carrying our intention and consisting of everything we have to give at that moment; so things that are seemingly unrelated are ultimately connected.” – Daniel O’Sullivan

Lisa Bassenge ist zurück, und sie hat Blumen mitgebracht. Mit "Wildflowers" vollendet sie ihre Trio-Trilogie, wieder mit Jacob Karlzon am Klavier und Andreas Lang am Bass - wie schon bei "Borrowed and Blue" (2018) und "Mothers" (2020).

Elf Songs sind es diesmal, scheinbar querbeet und doch aus einem Guss. Von Dolly Parton bis Depeche Mode reicht die Bandbreite auf "Wildflowers", von Bob Dylan bis Death Cab for Cutie. Dazu Lisa Bassenges hintergründig-melancholische Eigenkomposition "Morning Song". Ein bunter Strauß, aber so wie die drei ihn arrangieren und darbieten, wirken die einzelnen Stücke nicht zusammengewürfelt, sondern wie Kapitel einer Erzählung. Jedes schillert für sich, doch das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile.

Das gilt auch für das Trio selbst. Die beiden Musiker - Jacob Karlzon aus Schweden und Andreas Lang aus Dänemark - betten Lisa Bassenges unverwechselbare Stimme in einen warmen, im besten Sinn skandinavischen Sound: entspannt, aber stets verbindlich; sehr spielfreudig, aber nie aufdringlich. "Dieser Sound hat uns gefunden", sagt Lisa Bassenge. Und auf "Wildflowers" haben die drei ihn zur Vollendung gebracht. Jeder Takt des Albums bezeugt die unglaubliche Chemie zwischen der Sängerin und den Musikern.

Was die Songs außerdem verbindet, ist die Qualität der Lyrics. Es sind poetische Texte von existentieller Tiefe, und in Lisa Bassenges eindringlicher Interpretation und glasklarer Phrasierung werden sie zum berauschenden Kopfkino.

Ist das nun Jazz, Pop oder Chanson? Mit "Wildflowers" zeigt das Lisa Bassenge Trio einmal mehr souverän, wie fließend die Grenzen zwischen vermeintlich ganz unterschiedlichen Genres sind. Diese Musik braucht keine Schublade. Es geht ihr um die Schönheit und Wahrheit der Songs.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

Das nunmehr 20. Studioalbum der erfolgreichsten deutschen Art- & Progressive Rockband ELOY. Es ist zugleich das 3. Album einer einzigartigen, vom Band- Mastermind Frank Bornemann als Rock Opera gestalteten Trilogie über das Leben und Schicksal der französischen Nationalheldin und Heiligen Jeanne d´Arc.
Bereits die beiden ersten Alben mit dem Titel „The Vision, the Sword and the Pyre, Part 1 & 2“, auf denen sich diverse illustre Künstler (u.a. Alice Merton) auf der Gästeliste befinden, wurden nicht nur durchweg positiv rezensiert, und erreichten hohe Chartsplatzierungen, sondern fanden auch aufgrund ihrer auf profunden Kenntnissen basierenden Umsetzung in allen historischen Details auf kultureller Ebene viel Beachtung.


Mit „Echoes from the Past” legt nun der Autor nochmal nach, und lässt den durch die Handlung der ersten beiden Alben führenden Protagonisten und Waffengefährten von Jeanne d´Arc, Jean de Metz, die aufwühlenden Ereignisse der Vergangenheit auf sehr emotionale Weise reflektieren.


Musikalisch entstand dadurch ein Werk, bei dem sich sensible und atmosphärische Passagen mit gewaltigen, dramaturgisch geprägten Klangwogen abwechseln, die den ELOY-Fan sicherlich an frühere Konzept-Werke der Band erinnern werden.


Diese Melange ist aber gemäß Frank Bornemann, der sich bei dieser Produktion erneut mit Veränderungen im Line up konfrontiert sah, voll beabsichtigt. Obwohl es sich bzgl. seiner musikalischen Elemente bestens in die Trilogie integriert, ließ es bei seiner Entstehung offensichtlich doch viel Spielraum für künstlerische Momente, die man nicht erwartet, aber die sich außerordentlich prägend für das Album auswirken, welches wieder einmal einzigartig ist.

Für Fifth Angel-Fans oder Fans von melodischem Power Metal ist dieses Album einfach ein Muss. Die Texte und Themen der letzten Trilogie der Fifth Angel-Alben werden zu einem doppelten Konzeptalbum verwoben, das sich in die Reihe von Helloweens "Keeper of the Seven Keys", Pink Floyds "The Wall" oder Queensryches "Operation Mindcrime" einreiht: "When Angels Kill" ist ein Paradebeispiel für "All Killer No Filler" US Metal. Jeder Song ist ein eigenständiges Werk, und die Doppelvinyl-, CD- und Digitalversionen sind fast siebzig Minuten lang. Fifth Angel melden sich nach ihrem gefeierten "The Third Secret" (2018) mit einem Paukenschlag zurück, der herausragende Tracks wie "When Angels Kill", "On Wings of Steel", "We Are Immortal", "Resist The Tyrant" und "Empire of Hate" zu bieten hat.

Extrem melodischer, eingängiger und makelloser Metal für Fans von Queensryche, Judas Priest und Metal Church ist, was FIFTH ANGEL auf dem Titeltrack ihres vierten Werks "When Angels Kill" liefern. Obwohl die Band in den 80er Jahren gegründet wurde, ist Retro nicht das, was diese Jungs wollen. Das hier ist zeitloser, kraftvoller Metal in seiner besten Form!