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In ,Osni the Flare", dem zweiten Teil von Tristan Allens mythischer Trilogie, zeigt der Komponist, Produzent und Puppenspieler, wie ein Sterblicher durch die Entdeckung des Feuers zu einer Gottheit wird. ,Osni the Flare" wurde über vier Jahre hinweg mit wortlosen Gesängen, Orgeln, Okarinas, einer Menge Spielzeuginstrumenten und einem ausgeklügelten Sounddesign aufgenommen und erzählt in vier akustisch und visuell beeindruckenden Akten von den Ursprüngen der Flamme und der Zeitlichkeit. Allen webt einen Schöpfungsmythos, der zwischen Schönheit, Schatten und wehmütiger Glut wechselt, und schafft so ein Portal zu einem sorgfältig gestalteten, emotional kraftvollen Klang und einer Geschichte, die durch ein fantastisches Reich hallen. Allen wurde in Saratoga Springs, New York, geboren und hat Kindheitserinnerungen an den Aufenthalt seiner Familie in Japan. Sein Weg führte ihn zu prägenden Begegnungen, darunter mit seinem Lehrer Andy Lorio, der das wachsende Interesse und Können des jungen Musikers am Klavier durch Improvisationstechniken förderte, und Amanda Palmer, die ihn mit 16 Jahren während eines Sommerprogramms am Berklee College entdeckte und seine erste Veröffentlichung durch Crowdfunding finanzierte. Nachdem er an der Berklee Klavier studiert, das Live-Elektronik-Kollektiv Nue mitbegründet, mit der Metal-Band Dent durch China getourt und zwei Solo-Klavier-EPs veröffentlicht hatte, zog Allen 2018 von Boston nach Brooklyn. Eine Anzeige auf Craigslist führte zu einer Puppenspielausbildung bei Mike Leach, der ihnen sechs Monate lang beibrachte, wie man eine Marionette richtig führt, was ihnen eine Stelle als Darsteller am renommierten Puppetworks Theater einbrachte. Diese harte Arbeit, zusammen mit dem Kontakt zu den Artefakten des Bread and Puppet Theater ihres Vaters und dem balinesischen Schattenspiel, brachte Allen zu ihrer kreativen Praxis: Komponieren für akustische Instrumente, elektronisches Arrangieren und Auftritte mit Puppenspiel. Osni the Flare erzählt einen Schöpfungsmythos, in dem die Titelfigur in einem Garten aufwacht und Äpfel von einem Baum pflückt. Von einem Loon herbeigerufen, macht sich Osni auf, den Baum vor der Kälte des Winters zu schützen. Als der Loon von einem Drachen verschlungen wird, wagt sich Osni in dessen Bauch und entdeckt dort Glut. Als er diese Glut dem Baum anbietet, entzündet sich dieser - der Ursprung des Feuers selbst. Iso, der Gott des Meeres, greift mit einer Flut ein, die Osnis Garten überschwemmt. Nach seinem Tod gelangt Osnis Seele in das Reich der Schatten, wo sie sich Tin und Iso anschließt und zur Gottheit des Feuers wird - Osni the Flare. Das Album klingt menschlicher und kindlicher als sein Vorgänger ,Tin Iso and The Dawn" und wechselt von der Perspektive der Götter als Beobachter zu der des ersten sterblichen Charakters in Allens Welt. Unterstützt durch neue Liebe, kanalisiert das Projekt Gefühle in Musik, die zu einem ganz eigenen Zauber wird. Wie Tin Iso beginnt und endet das Album mit Klavierklängen als Portal, das die Heimat repräsentiert, während Osni sich auf eine Reise durch drei Reiche begibt: das Land der Lebenden, das Zwischenreich und das Jenseits. Osni the Flare wurde fast komplett mit einem Aston-Kondensatormikrofon in Allens Wohnung in Brooklyn mit Blick auf den Cypress Hills Friedhof aufgenommen und besteht aus Spielzeugklavier und Flöten, Okarinas, Harmonium, Pumporgel, E-Bass und Kontrabass, Gadgets und einer umfangreichen Sammlung von Spieluhren und Glocken. Die Gesangsmelodie - inspiriert vom Summen seiner Partnerin Virginia Garcia Ruiz, das an Pans Labyrinth erinnert - war Allens erster Ausflug in den Gesangsbereich, wobei er eine Melodie ohne Worte verwendete, um den Zuhörern zu ermöglichen, die Protagonisten zu bleiben. Die Flöten wurden Note für Note akribisch aufgenommen, darunter balinesische Sulings, Fundstücke aus chinesischen Souvenirläden und vogelförmige Okarinas. Die Spieluhren wurden langsam aufgezogen, einzeln gesampelt und dann neu arrangiert und gestimmt, um Virginias Summen zu verdoppeln. Ein ausgedientes Casio SK-1 mit einem kaputten Lautsprecher wird mit einem Harmonium kombiniert, um Akkordtexturen zu erzeugen. Stundenlange Improvisationen, die durch Bastl Thyme und NanoVerb geleitet wurden, erzeugten lange, ausklingende Delays, wobei die besten Momente für Songs ausgewählt wurden. Feuergeräusche entstanden durch Fingernagelklicken auf Klaviertasten. Feldaufnahmen hielten das Zerlegen eines Klavieruntergestells, das Löschen von Kerzen und Geräusche aus einem Hospiz fest. Die Stimme des Drachen spricht Worte aus Allens erfundener Sprache. Die Melodie liegt oft im Bass - inspiriert von Goth und Gamelan - mit nach oben gerichteten Verzierungen. Der detailreiche Ansatz spiegelt eine Punktierung wider, die Allens Original-Artwork für das Albumcover ähnelt und durch ihre obsessive Arbeit kleine Teile zu einem großen Bild zusammenfügt - unter der Dusche, vor dem Einschlafen, mitten im Satz. Das Klavier wurde von der Toningenieurin Katie Von Schleicher bei Figure 8 Recording neu aufgenommen, gemischt wurde das Album von Paul Corley. Der technische Leiter Jim Freeman arbeitete vier Monate lang am Halsgelenk und fünf Monate lang an den Schultern der Basswood-Stabpuppe, die von Bruce Schwartz' Ballerina inspiriert ist. Freeman verbrachte Jahre damit, ein selbstgebautes LED-System zu entwickeln, um das Puppenspiel von der Bühne aus zu beleuchten, und sein unwillkürliches Pfeifen während der Arbeit wurde heimlich aufgenommen und ist im Schlussmoment zu hören. Die Herstellung der Puppen wurde von Miryam Moutillet und Lauder Weldon überwacht, die hybriden Köpfe wurden von Duygu Bayar Ekren entworfen. Seit der Veröffentlichung von Tin Iso im Jahr 2023 hat Allen in der experimentellen Puppenspiel-Community von New York City eine Heimat gefunden und wird von der Jim Henson Foundation und La MaMa unterstützt. ,Osni the Flare" steht für Tristan Allens kontinuierliche Weltgestaltung mit akribischer Kontinuität - viele bewegliche Teile, die in funkelnder Kohäsion präsentiert werden, wobei sich jede Komponente aus einer Idee entwickelt, wie eine Fantasy-Serie, die im selben Reich spielt. Das Album erreicht das, was sich Allens kindliches Ich beim Anschauen von Fantasy-Filmen vorgestellt hat: Musik, die nicht so klingt, als würden Menschen Instrumente spielen, sondern wie das Werk der fantastischen Welt selbst. Durch die Kunst des Puppenspielers, ,wahre Lügen zu erzählen", lädt Allen die Zuhörer ein, etwas Ursprüngliches und Unmittelbares zu erleben. Während Osni sich von einem Sterblichen zu einer Gottheit verwandelt, zeichnet das Album nicht nur den Ursprung des Feuers nach, sondern auch den Ursprung des Mythos selbst.

Mark IJzerman’s debut album Flounder Maps sounds like wandering through a world that's both familiar and strange. Forests humming with electricity, machines that breathe. Warm synths drift into chaos, calm moments crack open into something urgent. It's about things growing, falling apart, becoming something else. Inspired by eco-fiction and near-future imaginings, it pulls you through landscapes that feel alive and uncertain. The album takes its name from navigating uncertain ground. Music for a world in flux.

long content, you may need to expand row to see all... Mutant freut sich, in Zusammenarbeit mit Milan Records das offizielle Soundtrack-Album zu Edgar Wrights Sci-Fi-Action-Thriller The Running Man zu veröffentlichen.Das Album enthält die Original-Filmmusik des Oscar-Preisträgers Steven Price (Gravity, Last Night in Soho, Baby Driver). The Running Man, bei dem Wright als Co-Autor und Regisseur fungierte, handelt von einem Vater aus der Arbeiterklasse, der alles daran setzt, seine kranke Tochter zu retten. Er nimmt an einer tödlichen TV-Gameshow teil, in der die Kandidaten 30 Tage lang überleben müssen, während sie von Profikillern gejagt werden. Durch seinen Instinkt, seinen Widerstand und seine Entschlossenheit wird er zum unerwarteten Publikumsliebling – und zu einer Bedrohung für das gesamte System.Wir sind große Fans von Edgar und Steven und freuen uns sehr, dass sie uns erneut ein fantastisches Kinoerlebnis bescheren. Steven Prices Score für The Running Man ist eine schillernde Mischung aus treibenden Beats, brodelnden Synthesizern und traditionellen orchestralen Elementen, die vor Einfallsreichtum und Stil nur so sprühen. Das Hauptthema besitzt eine elegante, zeitlose Qualität mit üppigen, beruhigenden Streichern, die eine hypnotische Melodie weben. Im Gegensatz dazu stehen die Titel der Gameshow-Sequenzen, die wirklich unterhaltsam, bombastisch und im Retro-Stil gehalten sind – was wiederum einen Kontrast zu den düstereren, dystopischen Stücken bildet, die im gesamten Werk verteilt sind. Im Film wirkt die Musik wie ein weiterer Charakter, der die Geschichte vorantreibt. Als eigenständiges Hörerlebnis ist sie fesselnd, dynamisch, macht großen Spaß und fängt die vielen Facetten und Stimmungen des Films perfekt ein.Die Vinyl-Edition mit dem Artwork von Luke Preece ist auf zwei farbige 140g-LPs gepresst. Sie enthält ein „The Truth“-Zine als Replika aus dem Film mit exklusiven Liner Notes von Edgar Wright und Komponist Steven Price.Ebenfalls auf CD erhältlich.

Afrikanische Meisterwerke der Akustikgitarre, die auf Mississippis beliebter ,African Guitar Box" aufbauen. 1979 und 1980 machte sich ein junger britisch-kenianischer Musiker namens John Low auf den Weg, um von seinen Helden das Fingerstyle-Gitarrenspiel zu lernen. Er reiste durch Kenia, Tansania, Kongo und Sambia, besuchte Stars wie Jean-Bosco Mwenda, Losta Abelo und Emmanuel Mulemena und wohnte manchmal sogar bei ihnen. Außerdem nahm er brillante, aber bisher wenig bekannte Künstler wie Francis Kitime aus Tansania und Mtonga Wanganangu aus Kenia auf. Unabhängig von ihrem Status ging John jedem Künstler demütig wie ein Schüler entgegen. Er nahm in Häusern, auf Dorfplätzen und an Wasserstellen auf. Die Sessions sind intim und ungezwungen, die Künstler fühlen sich wohl. Johns Kassettendeck nahm einige der größten Künstler des Kontinents auf, zusammen mit dem Klang von Gelächter, spielenden Kindern und klirrenden Gläsern. Fünf Jahrzehnte später bieten diese Bänder einen seltenen Einblick, wie Fingerstyle-Gitarre außerhalb der angespannten Atmosphäre kommerzieller Studios tatsächlich klang. Einige dieser Songs erschienen auf John Storm Roberts' vergriffenen Original Music-Compilations (die Mississippi stark inspirierten). Andere wurden nie öffentlich zugänglich gemacht. Alle wurden von Andrew Walter (Honest Jon's, Abbey Road) fachmännisch restauriert und von den Originalbändern remastert. John Low liefert Notizen und Songtexte, und der tansanische Musikwissenschaftler John Kitime gibt die Perspektive der Musiker wieder. Lizenziert von John Low und den Künstlern, gepresst auf hochwertigem Vinyl bei Smashed Plastic in Chicago.

Magma, is a French cross-genre, jazz-rock rooted, progressive rock and fusion band founded in 1969 by drummer Christian Vander. Magma have existed in two phases, the first was formed in the summer of 1969 and debuted on LP in 1970, continuing through to 1983. Kobaia was released spring 1970 and 1001 Centigrades was released April of 71.

Coming out of some serious health issues which undermined his singing capacity, Jon came back with this solo album which can easily be rated among his best ever. The album has a convincing spiritual mood enriched by means of an intelligent variety of tunes, from the most religious ones, to more symphonic compositions à-la "Jon & Vangelis”. His old buddy Rick Wakeman appears on this album along with other brilliant musicians who are able to create a very organic work as a whole. It is a wonderful, a hugely enjoyable musical, spiritual, and vocal journey with one of rock's most important contributors.

DYING VICTIMS PRODUCTIONS is proud to present ZERRE’s highly anticipated second album, Rotting on a Golden Throne, on CD and vinyl LP formats. From the cellars of Würzburg, Germany, ZERRE have been keeping the torch of old-school thrash metal burning while carving their own vicious path. Their sound draws on the razor-sharp aggression of classic Metallica and Exodus and the stomping groove of early Faith No More: no frills, no mercy. Their third full-length, 2024’s Scorched Souls, tore through the scene and earned critical acclaim for its searing riffs and unflinching energy. Now, ZERRE take a decisive step forward with Rotting on a Golden Throne. Darker, more overtly political, and more aggressive than its predecessor, this fourth full-length dives headfirst into the rot of power, corruption, and human decay – a brutal soundtrack for a world teetering on the edge. Onstage, ZERRE embody the chaos of their music: riff-driven assaults, breakneck tempos, and a raw intensity that leaves no room to breathe. On record, while those influences still remain, but the DNA has been splintered into something more unique and definitely more powerful: thrashing, yes, but within a crossover framework that feels titanic. The production is razor-sharp, but with ominous atmosphere to spare; the execution is even sharper, as the drumming especially pulses like a dread locomotive; and vocals spit forth venom, raging against a machine fatted by suffering. As the throne collapses, ZERRE deliver the anthem of its fall. Keep on Rotting on a Golden Throne!

“The spirit moves us to sing these fight songs”, schreiben die Irreversible Entanglements in einem Statement
zu ihrem von Fans heiß erwarteten zweiten Album auf Impulse! Records. Seit zehn Jahren mischt die Band
mit spektakulären Live-Auftritten und abenteuerlichen Alben nun schon die internationale Jazzszene auf.
Das Quintett um die Spoken-Word-Künstlerin Camae Ayewa (a.k.a. Moor Mother), die als “Internationale
Künstlerin des Jahres” mit dem Deutschen Jazzpreis 2023 ausgezeichnet wurde, ist in der Vergangenheit
schon mit John und Alice Coltrane, Pharoah Sanders, aber auch der Schroffheit des Punk und aktuellen
Zeitgenossen wie Shabaka Hutchings und Makaya McCraven verglichen worden.
Sein zweites Impulse!-Album ”Future Present Past“ hat das Quintett erneut im legendären Rudy Van
Gelder Studio aufgenommen, in dem auch der Coltrane-Klassiker ”A Love Supreme“ entstand. Mit dem
Album wollen die fünf Musiker einmal mehr dynamischen Jazz, globale Musiktraditionen, Spoken Word
und klare politische Standpunkte verbinden. Als Gäste sind erstmals die beiden Künstler MOTHERBOARD
und Helado Negro dabei.

Mit dieser Modern-Jazz-Perle von Pianist Neil Ardley, Trompeter Ian Carr und Saxofonist Don Rendell
macht die BRITISH JAZZ EXPLOSION-Serie ein englisches Kult-Album von 1970 wieder verfügbar, das
im Original nur noch für hohe dreistellige Summen zu ergattern ist. Auch die Side-Musiker wie Barbara
Thompson, Chris Spedding und Jack Bruce machen dieses Album, das der britische Guardian auf seiner
Liste ”1.000 Albums to Hear Before You Die” führt, zum Muss für Fans des Genres.
Erstmals seit 50 Jahren erscheint dieses Album nun wieder auf Vinyl, gemastert von den originalen StereoAnalogbändern, 180g-Pallas-Pressung, bebildertes Innersleeve mit neuen Liner Notes von Autor und Produzent Tony Higgins.

Mit der neuen Ausgabe der Vintage Sounds Vinyl Collection kehrt ein echter musikalischer Schatz zurück - diesmal ganz im Zeichen der Bossa Nova. Diese liebevoll kuratierte Zusammenstellung präsentiert 16 zeitlose Klassiker, die den unverwechselbaren Klang Brasiliens geprägt haben und bis heute weltweit für entspannten Groove und federleichte Eleganz stehen. Auf dem Album versammeln sich die wichtigsten Künstler einer Ära, die Musikgeschichte geschrieben hat: Joao Gilberto, Baden Powell, Silvia Telles, Quincy Jones und natürlich Antônio Carlos Jobim, dessen Kompositionen bis heute als Herzstück des Genres gelten. Freuen Sie sich auf unvergängliche Perlen wie "Chega De Saudade", "Garota De Ipanema", "Desafinado", "Corcovado", "A Felicidade", "Soul Bossa Nova", "O Barquinho" oder "Meditaçao" - alle sorgfältig ausgewählt und auf hochwertigem Vinyl neu erlebbar gemacht.

Das fünfte Studioalbum von Avenged Sevenfold, "Nightmare", stieg 2010 auf Platz 1 der Billboard 200 Charts und auf Platz 5 der UK OCC Charts ein. Nach dem unerwarteten Tod des Schlagzeugers Jimmy "The Rev" Sullivan ist das Album seinem Andenken gewidmet und spiegelt in seinem Themen Tod und Verzweiflung wider. Mike Portnoy von Dream Theater sprang am Schlagzeug ein, um die Aufnahmen fertigzustellen. Metal Hammer bewertete das Album mit acht von zehn Punkten. Billboard bewertete es mit vier von fünf Punkten und Kerrang! gab dem Album vier von fünf Ks. Das Album gewann die Golden God Awards für den besten Schlagzeuger, den besten Gitarristen und das Album des Jahres. Es wurde für die Kerrang! Awards als bestes Album und beste Single (Nightmare) nominiert und vom Revolver Magazine für Buried Alive zum Song des Jahres 2011 gekürt. "Like their previous outings, the group incorporates a New Wave of British Heavy Metal influence throughout Nightmare while paying tribute to `80s hair metal with guitar god appeal; but playing retroactive music doesn't seem to concern them, as long as they play it more skillfully than their forefathers. The group's influences may be worn on their sleeves, (check out the chugging Metallica "One" breakdown in "Buried Alive," or the Queensrÿche-style power-ballad "Victim"), but there is no denying that they have some of the best chops in the metal world. M. Shadows continually amazes with his vocal acrobatics, the opening riff of "Natural Born Killer" ramps up to an inhuman speed. "Save Me" ends the album as one of their most epic songs to date, in a proper 21 gun salute, as thunderous blasts and guitar divebombs interweave into a heartfeltoutro. It's a fitting tribute for their fallen 28-year-old comrade, and excellent proof of the band's ability." - Für Fans von Metallica, Slipknot, Bullet For My Valentine, NWOBHM, Heavy Hair Metal, Metal

Their fifth studio album, Avenged Sevenfold’s album Nightmare debuted No. 1 on the Billboard 200 Chart and No. 5 on UK OCC chart.

Following the unexpected death of drummer Jimmy “The Rev” Sullivan, the album is dedicated to his memory and a reflection of death and despair. Dream Theater’s Mike Portnoy would step in to finish the recording.

Metal Hammer rated the album eight out of ten. Billboard rates four out of five and Kerrang! gave the album four K’s out of five. The album won Golden God Awards for Best Drummer, Best Guitarist, and Album of the Year. Nominated for Kerrang! Awards Best Album and Single (Nightmare) & Revolver Magazine’s Song of the Year 2011 for Buried Alive.

For Fans Of | Metallica, Slipknot, & Bullet For My Valentine

Jeb Loy Nichols is at it again with a brand new 7” that pairs two sides of his soulful storytelling. On the A-side, the exclusive cut “Do The Get Together” makes its debut – a slow-burning southern soul dancer that gently calls people closer, both on the dancefloor and beyond it. With warmth, patience, and a steady groove, Nichols invites connection without force, offering a quiet reminder that togetherness can still feel natural and unpretentious.

Driven by Cold Diamond & Mink’s deep-pocket rhythm and understated analog textures, “Do The Get Together” unfolds with ease. The groove never rushes, allowing Jeb’s voice to guide the message with soft authority and lived-in wisdom. It’s a song that feels tailor-made for late-night spins, where movement and meaning find common ground.
On the flip, “First Night Away From Home” brings listeners back to the opening chapter of Nichols’ latest album This House is Empty Without You. Warm, melodic, and intimate, the track captures that mix of vulnerability and quiet resolve that defines Jeb’s songwriting. Together, these two sides form a perfect 7” pairing, pressed for those who value soul that speaks gently but stays with you

As collaborative projects often do, 33 has in time found a more fixed form, a kind of structure that turned it from a loose collection of collaborators gravitating around founders Bill John Bultheel and Alexander Iezzi into something resembling more of a traditional band. Not that there is anything conventional in their creative process tho, nor in the music itself… Nontheless Tripolar - their second album and first for Haunter - seems to take them closer to song territory than ever before.

The (progressive) graduation of multi-instrumentalist Cem Dukkha and vocalist/clarinet player Ivan Cheng from collaborators to full-time members has brought 33 to a more refined awareness of their possibilities as a creative unit, although their compositional process has retained a high level of spontaneity and musical madness. Tripolar was in fact assembled by editing hours of improvisation that Bultheel, Iezzi and Dukkah recorded with no specific endgame in mind. The sessions saw them exchange a variety of acoustic, electronic and electric musical instruments: percussions, guitars, strings, piano, hurdy gurdy, synthesizers and even CDJs as a tool of live sampling manipulation.

By molding the pieces into what they are now, the band managed to concoct some beautiful vignettes of contradictory mental and emotional states, as sonically playful as a renaissance fair happening within a broken timestream. Cheng’s lyrical and vocal contributions helped them coalesce even further into proper songs, adding a melodic presence that’s at once seductive and uncanny. But vocal duties are often ceded to guests, namely Danish pop-neoclassicist Astrid Sonne, Kenyan metal guru Lord Spikeheart, Irish goth raconteur Olan Monk and Japanese body-poet Golin.The amount of different sounds arranged into each of the tracks produces a unique sense of awe and bewilderment, a testament to the incredible talent and craft the musicians have employed into putting together such a broad range of influences and approaches into a coherent and extremely effective musical journey.

An equally erratic thematic thread seems to run through all the tracks, one ultimately preoccupied with mental health and its ramifications. Without turning the project into a concept album, 33 and their collaborators have sprinkled it with references to personality disorders and mental conditions that are all too relevant to the contemporary age, reflecting on the lineage of human inner life. A wide display of lyrical and musical tools is employed to explore these themes, ranging from Sonne’s expressionist depiction of ADHD in the opener, to Cheng’s queer-themed reinvention of an Irish murder ballad in closing track ‘Babymusicc’. Tracing lateral trajectories for introspection, Tripolar is not only highly captivating, but it ultimately sounds esoteric in the best possible way: progressively revealing layer after layer of incredible aural magic, its true meaning living in the form and in its manic scope of energies.

"Static Shock out here still pushing the finest in international punk and hardcore. This time with a smoking debut from Oslo’s Draümar. Their influences are from the same city block with groundwork laid by groups like So Much Hate and Svart Framtid. Unfortunately, the songs are blasting away at the same monumental enemies albeit with different faces. The never-ending nuclear question, societal unease, genocide, and a steadfast approach to not turn away from the constant horror of today’s world make up the tapestry of this 12”.
The intro and outro track nod and update John Carpenter’s Assault On Precinct 13 setting the stage for a flurry of cold, desperate Norwegian punk - instantly identifiable and as potent as ever. Indeed, they’ve scraped the blood, sweat and victory off the floors of Blitz and distilled it into a Molotov aimed directly at a world in constant crisis. These are chords and context against a rising fascist world where screaming is not limp response but also tactic, celebration and affirmation. Aside from the fury contained in the original tracks you get a bonus treat in the dual vocal attack on the Bannlyst song ‘Herrene’ which features original Bannlyst vocalist, Finn Erik Tangen - instantly identifiable and still just as pissed."

Working with 32 writers, vocalists, musicians, and producers across the U.S., the U.K., and Brazil, the album carries an intimate feel that resonates with vinyl buyers who value authenticity, context, and artistry. Blending roots- influenced Americana and soulful pop, the album delivers a warm, organic sound designed for full-album listening. With songs focused on relationships, friendships, and everyday life, Behind the Scenes offers a cohesive yet varied listening experience that encourages repeat spins and long-term shelf appeal. Performing, writing, and recording since the age of 16, lead singer Liz Lenten relaunched Auburn in 2012 and has since released four albums recorded in Nashville with Grammy-nominated producer Thomm Jutz, earning critical acclaim, an extensive international airplay. Liz tours regularly with Auburn Acoustic; hosts the podcast Behind the Scenes of an Indie Artist and was awarded a British Empire Medal in 2022 for Services to Music.

Campbell Owens, Douglas MacIntyre and Mick Slaven worked on the album alongside founding members Robert 'Bobby Bluebell' Hodgens, David McCluskey and Ken McCluskey to create the new collection of tracks. The result is a stunning body of work; rich, melodic, thoughtful and infectious. First single No Pasaran! premiered on BBC Radio Scotland and in The Herald in September 2025. The Bluebells rose to fame in the 1980s as jangle-pop pioneers of the Sound of Young Scotland era with their three hits Young at Heart, Cath and I'm Falling.

Despite only releasing one readily-available album during their initial run (Sisters, 1984) the band have remained as one of Scotland's most beloved bands, currently boasting over 144,000 monthly Spotify listeners. The band enjoyed a post-breakup revival in 1993 after a Volkswagen advert featured Young at Heart, pushing the single to No.1 for 4 weeks. They have since reunited over the years, to play various festival slots and develop new material. In 2023, the band released The Bluebells In The 21st Century, their first LP in decades. In 2025, The Bluebells played Glastonbury.

Campbell Owens, Douglas MacIntyre and Mick Slaven worked on the album alongside founding members Robert 'Bobby Bluebell' Hodgens, David McCluskey and Ken McCluskey to create the new collection of tracks. The result is a stunning body of work; rich, melodic, thoughtful and infectious. First single No Pasaran! premiered on BBC Radio Scotland and in The Herald in September 2025. The Bluebells rose to fame in the 1980s as jangle-pop pioneers of the Sound of Young Scotland era with their three hits Young at Heart, Cath and I'm Falling.

Despite only releasing one readily-available album during their initial run (Sisters, 1984) the band have remained as one of Scotland's most beloved bands, currently boasting over 144,000 monthly Spotify listeners. The band enjoyed a post-breakup revival in 1993 after a Volkswagen advert featured Young at Heart, pushing the single to No.1 for 4 weeks. They have since reunited over the years, to play various festival slots and develop new material. In 2023, the band released The Bluebells In The 21st Century, their first LP in decades. In 2025, The Bluebells played Glastonbury.

Their debut album, Why Trains Crash was released in June of that year to rave reviews. In 2023 they released their follow-up LP, A Company Sleeve, solidifying their reputation with critics and fans alike for all- killer/ no- filler indie rock. Their third LP, Never Felt Bitter, will be released on March 27, 2026. The music on Never Felt Bitter -- the quartet's first release for Chicago- based Forge Again Records--is the result of playing together on hundreds of nights in innumerable bars and clubs across Southern California and beyond. Over the years the band has honed a fearsome melding of pop melodicism and raw physicality. Their knack for crafting catchy anthems for outsiders and underdogs has made them one of the most respected underground bands in L.A.

Thomas Peter debuts on Hallow Ground with »changing bodies,« an album inspired by the resonance and reaction of objects with and to sound. The Swiss composer and sound artist has worked with sounds generated with various materials, field recordings, and an array of analogue and digital synthesizers to create five ever-shifting pieces full of twists and turns in which even silence plays a significant role. Peter composed and recorded the album over the course of four years in an inherently physical process, led by both his intuition and his perception—what you hear on »changing bodies« is an artist intently listening to the material world around him.

Peter laid the foundation for »changing bodies« by making field recordings wherever he went, whether in closed rooms, cities, or rural environments, while also recording organic-sounding material with different synthesizers as well as working with objects made of wood, stone, or metal. »I viewed all these sounds as a kind of language that I was trying to understand,« he says. »I paid close attention to differences between sounds in motion, rhythmic patterns, and dense textures.« He further describes this as an inherently corporeal endeavour, quite literally becoming all ears and internalising the different sounds.

This process of concretion led to one of abstraction when Peter translated the source material and its psycho-physical reverberations into new musical structures. He applied repetition, densification, and recombination to unlock their true potential. Across its five tracks, the album sets literally unheard-of sounds into motion, creating intricate dynamics without ever overwhelming its listeners. »changing bodies« was born out of listening intently and physically.
It is recommended to listen to it in the exact same way.