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Weiß-blaues Halstuch, das Dorf im Rücken, die große Bühne vor der Brust: TREAM hat in den vergangenen Jahren aus einer Welt, die lange eher nach Bierzelt, A-Klasse-Fußball und letzter Zigarette am
Weiher klang, eines der eigenständigsten Erfolgsmodelle der deutschen Poplandschaft gebaut. Der 27-
Jährige aus Büchelkühn bei Schwandorf verbindet HipHop, Pop und modernen Schlager zu einem Sound,
der genauso drückt wie er mitsingtauglich ist, genauso größenwahnsinnig wie bodenständig und genauso
laut wie herzlich. Oder, wie TREAM selbst es sagt: »Meine Musik klingt nach Leben«. Genau das ist auch
die Überschrift über seinem neuen Album »STAMMTISCHPAROLEN«.
Dass TREAM längst mehr ist als ein Phänomen mit Kultstatus, zeigt sein Weg der letzten Jahre ziemlich
eindeutig. Nach der restlos ausverkauften »Biergarnitour 2024«, einer Arena-Tour 2025 mit über 130.000
verkauften Tickets und drei Abenden hintereinander in der Münchner Olympiahalle geht es im Sommer
2026 auf die nächste Stufe: die erste große Open-Air-Tour. Dazu kommt in diesem Jahr seine Teilnahme
bei »Sing meinen Song – Das Tauschkonzert«. Das alles wirkt bei TREAM nicht wie der glattgebügelte
Aufstieg eines Künstlers, der sich für den Mainstream passend gemacht hat, sondern eher wie das konsequente Durchziehen einer eigenen Vision.
Genau deshalb passt auch der Albumtitel so gut. »STAMMTISCHPAROLEN« ist nicht politisch gemeint,
sondern ein selbstbewusstes Etikett für 15 Songs, die TREAMs eigenes Lebensgefühl bündeln: Provokation,
Herz, Heimweg, Heimweh, Abriss, Eskalation, Freundschaft, Sehnsucht und ein Humor, der nur funktioniert, wenn einer weiß, wo er herkommt. Das Album spielt mit bayerischen Bildern, ohne darin stecken zu
bleiben, und macht aus Klischees Gegenwart.
Schon der Opener »BAYERN GO HIGH (INTRO)« macht klar, dass hier niemand langsam anlaufen will:
808s drücken, Hörner dröhnen, irgendwo zwischen US-Rap-Sound und bayerischer Folklore wird sofort der
Claim abgesteckt. »DIE KENN ICH NICHT« zieht als vergnügter Spießrutenlauf weiter, »SAUNAKONTAKT« erzählt mit Uptempo-Beats den Wahnsinn einer Begegnung, und »HASENJAGD« liefert eine
Hymne, die klingt, als würde die Nacht schon beim Intro eskalieren.
Auch in den Kollabos zeigt sich die Erweiterung seiner Welt: »EISENBAHN« mit Bausa, »APRES SKI«
mit Gzuz oder »K2« feat. Blümchen verbinden scheinbar Gegensätzliches und funktionieren genau deshalb.
Dass »STAMMTISCHPAROLEN« mehr kann als Abriss, zeigen die ruhigeren Momente: »WUNSCH FREI«
erzählt von den Schattenseiten eines Lebens, das von außen nach Dauerparty aussieht, »99 LUFTBALLONS« ist ein Lovesong, während »PSYCHO« und »ALLERLETZTE FAHRT« die Platte in eine nachden-klichere Richtung ziehen.
Gerade darin liegt die Stärke des Albums: Es macht aus Bayern kein Postkartenmotiv und aus TREAM
keine Kunstfigur, sondern zeigt einen Künstler, der Wirtshaus, Wahnsinn und Weltoffenheit gleichzeitig
denken kann – laut, liebevoll, verletzlich und provokant.

Gravity Freeze ist die andere Seite derselben Medaille und entstand im gleichen Zeitraum wie Electric War.
Beide Alben wurden parallel aufgenommen, wobei bei Gravity Freeze Tony Coote am Schlagzeug sitzt. Die
Songs wurden in derselben Phase geschrieben und aufgenommen, allerdings gab es Stücke, die sich natürlicher in den Little Barrie-Kosmos einfügten – Gravity Freeze verfolgt dabei einen stärker songorientierten
Ansatz mit einer direkten Verbindung zu Rhythm & Blues, während Electric War experimenteller angelegt
ist.
Barrie hatte zuvor bereits mit dem Produzenten Rupert Lyddon an verschiedenen Soundtrack- und Filmprojekten gearbeitet, darunter der Dokumentarfilm-Soundtrack zu Dogs On The Streets sowie Barries
musikalische Beiträge zu Elvis und The Black Phone von Scott Derrickson.
Dies ist das erste Little Barrie-Album seit dem tragischen Tod von Virgil Howe im Jahr 2017.

Ray Barrettos Acid ist mehr als nur ein Debütalbum – es ist ein Moment, in dem sich die Energie der New
Yorker Latin-Szene der späten 60er entlädt. Zwischen Salsa, Boogaloo, Funk und Afro-Cuban Jazz entsteht
hier ein Sound, der bis heute nachhallt. Besonders der Titeltrack „Acid“, in einem Take aufgenommen,
entwickelt sich von einem reduzierten, treibenden Groove zu einem explosiven Percussion-Feuerwerk. Songs
wie „A Deeper Shade of Soul“ verbinden Latin und Soul auf eine Weise, die damals wie heute sofort zündet,
während „El Nuevo Barretto“ direkt zu Beginn klar macht, mit welcher Selbstverständlichkeit Barretto
seinen eigenen Stil definiert. Mit „Espíritu Libre“ endet das Album in einer fast schon hypnotischen,
atmosphärischen Reise, die die afro-kubanischen Wurzeln noch einmal eindrucksvoll in den Fokus rückt.
Acid ist damit nicht nur ein Klassiker, sondern ein prägender Soundtrack einer ganzen Ära – roh, lebendig
und voller ikonischer Momente.

Richard Pinhas" Projekt Heldon zählt zu den markantesten Außenseitern des europäischen Undergrounds der 1970er Jahre, eine Verbindung aus den avancierten Spielarten des Progressive Rock und früher elektronischer Musik, die bis heute nichts von ihrer Dringlichkeit verloren hat. 1976 erschienen, markiert Agneta Nilsson einen Moment der Verdichtung: Die ausgedehnten Stücke entfalten sich in Zyklen aus Spannung, Schwebezustand und Entladung. Dabei folgt das Album einer inneren Logik, die zugleich präzise und offen wirkt, kontrolliert und doch jederzeit bereit, in Intensität umzuschlagen. Zum 50-jährigen gibt es nun eine Sonderedition in rotem Vinyl, handnummeriert und limitiert. Ein zentrales Album im Katalog Heldons, hier in einer sorgfältig produzierten Neuausgabe.

Zeitgleich mit der Fußball-Weltmeisterschaft 2026 veröffentlicht das Label 4AD eine besondere Double-A-Side-7-Inch-Single mit zwei alternativen WM-Hymnen von Air Miami und Colourbox. Die Single trägt den Titel "Complicated Opposition". Das Artwork stammt von Chris Bigg und verwendet Fotografien von The Douglas Brothers. Der Song "World Cup Fever" von Air Miami erschien ursprünglich 1995 auf dem Album "Me. Me. Me.". Er entstand im Sommer 1994, als Mark Robinson mit Blast Off Country Style auf Tour war - während die USA erstmals Gastgeber der Fußball-WM waren. Robinson erinnerte sich, dass er sich damals Fußballschuhe und grellorange Trainer-Shorts aus einem Second-Hand-Laden kaufte. Seine Bandkollegen nannten ihn daraufhin "Coach". Bei einem Konzert in North Carolina meinte Esther Oliver zu ihm: "Du hast World-Cup-Fieber" - eine Bemerkung, die schließlich den Song inspirierte. Der Titel wurde von Pete Weiss neu gemastert. Der zweite Track, "The Official Colourbox World Cup Theme", erschien ursprünglich 1986 als Bonustrack einer CD-Neuauflage des Debüt-Mini-Albums von Colourbox. Das Stück war als Fußball-Thema gedacht und wurde sogar für die BBC-Sendung während der 1986 FIFA World Cup in Betracht gezogen, jedoch letztlich nicht verwendet. Das Remaster stammt von Kevin Vanbergen. Auch darüber hinaus gibt es Verbindungen zwischen 4AD und Fußball. Designer Vaughan Oliver war leidenschaftlicher Fußballfan und gestaltete unter anderem Artwork für Sunderland AFC. Die Indie-Supergroup The Lillies veröffentlichte zudem den Song "And David Seaman Will Be Very Disappointed About That...", der 1991 einem Fanzine von Tottenham Hotspur beilag.

Sternenhimmel ist ein eindrucksvolles Klangwerk von Ulrike Haage und Eric Schaefer, das den nächtlichen Himmel als ältestes "Kino der Menschheit" musikalisch erfahrbar macht. Inspiriert von Raoul Schrotts kosmologischen Erzählungen und einem begleitenden Hörspiel entfaltet das Album zwölf Stücke, die um einen komponierten Kern frei improvisiert wurden. Haage verbindet Klavier, Harmonium und die schimmernde Celesta mit großer Sensibilität, während Schaefer mit Gongs, Becken, Pauken und seltenen Klangelementen wie "Mondgestein" eine fein modulierte Klangarchitektur entwirft. Die Stücke verzichten bewusst auf Hall- und Raumeffekte und schaffen so intime, präzise definierte musikalische Räume, die dem Hörer Zeit zum Nachspüren geben.

Falls Sie Lowertown - die faszinierende Band bestehend aus Olivia Osby und Avsha Weinberg - noch nicht kennen, ist jetzt der ideale Zeitpunkt dafür dies zu ändern. Es hat einige Jahre gedauert, bis das in New York ansässige Duo wieder zu Atem gekommen ist: Nachdem die Band aufgrund von Streitigkeiten mit ihrem Label, kreativen Frustrationen und einer ungesunden Bindung an ihre künstlerische Partnerschaft jahrelang am Rande des Zusammenbruchs stand, war es Zeit für einen Neuanfang. Ihr neues Album ,Ugly Duckling Union" beginnt mit einem gelassenen Ausatmen von Osby, einem symbolischen Moment, der die Bühne für ihre bisher nachdenklichste, ungehemmteste, eingängigste und exzentrischste Sammlung von Songs bereitet. ,Ugly Duckling Union" ist ein Konzeptalbum, das auf den eigenen Erfahrungen der Band basiert, durch ihre Musik eine Gemeinschaft zu schaffen. Der Protagonist Dale und seine Gefährten schließen sich zusammen, um LBH zu besiegen, ein tyrannisches Medienunternehmen, das in seinem Streben nach Kontrolle auf Spaltung und Isolation setzt. Das Album enthält ein Handbuch mit Überlieferungen und illustrierten Comics von Doctor Nowhere (Silias Orion). Darüber hinaus können Fans mit Plüschpuppen und einer spielbaren Minecraft-Welt, die von ,Ugly Duckling Union" inspiriert ist, noch tiefer in die Materie eintauchen. Inspiriert von der konzeptionellen Kreativität von Bands wie Gorillaz und der Betonung des gemeinschaftlichen Konzerterlebnisses von Fugazi, verbindet Lowertown Online- und Offline-Fandoms zu einem umfassenden Erlebnis.,Ugly Duckling Union" wurde vollständig von Osby und Weinberg geschrieben, aufgenommen, produziert und gemischt. Obwohl Lowertown die alleinigen Hüter ihrer Kunst sind, ist der Titel ihres neuen Albums eine Hommage an die bedeutungsvolle Gemeinschaft, die sie aufgebaut haben.

Future Islands feiern ihr 20-jähriges Bestehen mit From a Hole in the Floor to a Fountain of Youth, einer besonderen Sammlung aus Raritäten, alternativen Versionen und Fanlieblingen, von denen viele erstmals digital verfügbar sind. Statt eines klassischen Best-of-Albums zeigt die Band damit ihre Entwicklung und künstlerische Tiefe jenseits ihrer bekanntesten Momente. Die 20 Songs spiegeln 20 Jahre Bandgeschichte wider - von frühen Auftritten in kleinen Clubs bis hin zu einer gefestigten, zeitlosen Klangidentität. Der Titel steht sinnbildlich für diesen Weg: vom Alltag ("Hole in the Floor") hin zur Verwirklichung von Träumen ("Fountain of Youth"). Musikalisch bleibt die Band ihrem Stil treu: treibende Basslinien, atmosphärische Synthesizer und der eindringliche Gesang von Samuel T. Herring sorgen für einen roten Faden. Themen wie Sehnsucht, Liebe, Vergänglichkeit und emotionale Erinnerung durchziehen das Album. Die Veröffentlichung ist keine nostalgische Rückschau, sondern eine bewusste Neupositionierung. Sie macht verborgene Facetten sichtbar und zeigt eine Band, die in ihrer Zurückhaltung, Reife und Beständigkeit überzeugt. Gleichzeitig wird deutlich, dass ihr Erfolg nicht nur auf Musik, sondern auch auf langjähriger Freundschaft und echter Verbundenheit beruht. So entsteht ein vielschichtiges Porträt, das die Geschichte von Future Islands vervollständigt und ihre besondere künstlerische Identität unterstreicht.

“ich will mehr wunder im kleinen, in jedem detail”

diese musik, die lieder auf meinem album haben mich gerettet. nicht nur weil ich dadurch das gefühl hatte, “weitermachen” zu können trotz trauer, sondern weil damit ein kleiner funken in mir geblieben ist. trauer krempelt alles um. jedes gefühl, jede verbindung, das erleben. ich bin sehr dankbar dafür, dass nähe und liebe in mir, aber auch auf diesem album in einem neuen licht stehen. ich hatte noch nie ein so privates erlebnis, das unmittelbar, nicht erst in der reflexion, meine kunst, meine texte, derart umhergewirbelt und beeinflusst hat und auch noch nie habe ich im entstehungsprozess eines albums im studio so viel geweint und gefühlt.



mein album "nur mut" ist für mich ganz nah, mein team ganz klein, die sichtbarkeit in meiner hand, mit meinem label. ich lasse alles fallen: jeden schutz, jeden schmerz, alles harte und das erzeugt in mir und ich hoffe in allen, die sich mit diesem album beschäftigen: nur mut.



“ich glaub die Welt macht dass wir schnell vergessen was wir können und was wir wirklich wert sind”um dagegen zu steuern gibt es diese ganzen Lieder. Ich möchte mit meinem album ein zeichen setzen in einer welt voller schlechter Nachrichten. die einzelnen Lieder sind aus unterschiedlichsten emotionen entstanden und fühlen sich an wie ein potpourri der

gefühle.



wut, zusammenhalt, antrieb, leichtigkeit, tiefe verbindung, trauer und viel Liebe. ich hab alles gefühlt und mitgeschrieben. das kam dabei raus und das schönste für mich wäre, wenn

meine vulnerabilität dafür sorgt das ich herzen bewege, auch wenn sie nur gestupst oder in irgendeiner form berührt werden. “zusammen können wir wieder ein kleines bisschen Hoffnung haben” das wäre dann mein plan. danke fürs zuhören. aus liebe, wilhelmine

2026 Repress

Ob Krypto-Mensch oder Krypto-Substanz, es wird auf jeden Fall eine verhängnisvolle Affäre. Molas Musik ist die ungeschönte Antithese zu einer rosaroten Welt.
Sie feiert sich kaputt, zieht dich mit in ihr inneres Chaos und verzichtet auf übliche romantisierende Verklärungen der unbarmherzigen Orientierungslosigkeit, die einen nach der letzten Kippe auf dem Nachhauseweg einholt.?Das Album erzählt düster und doch fragil von kompromisslosen Autopilot Nächten die uns vereinen und trennen. Temporär reduziert intim, um dann in ikonischem 80er "Purpel Rain" Pathos zu eskalieren, illustriert MOLA das Gefühlschaos, das der innere Dialog von linker und rechter Gehirnhälfte in ihr auslöst.
Bei MOLA werden alle Erfahrungen misstrauisch auf links gedreht, um zu sehen was sich hinter der alltagstauglichen Fassade verbirgt. Sie kehrt ihr Inneres nach außen und spricht an was sie verletzt - unverzerrt, nicht übertrieben, nahbar.?MOLA beschreibt die eigenen Tiefschläge mit trotzigem Selbstbewusstsein, ohne sentimentaler Glasur.
"Schnee im Sommer" könnte ein Album einer 80er Jahre Punkrockband mit Liebeskummer sein, aber auch einer Alternative Band aus den 90ern kurz vor ihrem Urlaub in einer Betty Ford Klinik.

Steig ein in die neueste Mega-Firma von Seattle, Telehealth. Sind sie Rebellen, die mit Synth-Punk/New Wave die Grundlagen unserer techno-kapitalistischen Hölle untergraben wollen? Oder sind sie Unternehmer, die Marken aufbauen, um die Märkte zu stören und die Massen auszunehmen? Der einzige Weg, das rauszufinden, ist, ihr Debütalbum für Seattles älteste Mega-Firma, Sub Pop Records, zu kaufen. Green World Image folgt auf eine ausgedehnte US-Tournee, ein selbst veröffentlichtes Album und eine knackige 7"-Single aus dem Sub Pop Singles Club aus dem Jahr 2023. Für Fans von B-52s, Water From Your Eyes, Devo und Snooper. Die Kalshi-App ist ein ,Prognosemarkt für den Handel mit der Zukunft", eine Plattform, auf der Leute auf das Ergebnis von fast jedem realen Ereignis wetten können - von der Genauigkeit der Wettervorhersage bis hin zur Frage, ob in Gaza offiziell eine Hungersnot ausgerufen wird oder nicht. Als der Mitbegründer der Plattform, Tarek Mansour, Ende 2025 als offizieller Wett-Partner zu CNN kam, meinte er nach dem Deal: ,Die langfristige Vision ist, alles zu finanzieren und aus jeder Meinungsverschiedenheit einen handelbaren Vermögenswert zu machen." Telehealth wurde in dem chancenreichen Umfeld des Post-COVID-Seattle als skalierbares Musik-Startup mit ähnlichen Zielen gegründet. Das Unternehmen wurde 2022 von dem Ehepaar und Glücksspielbegeisterten Alexander Attitude (Synthesizer/Gesang/Gitarre) und Kendra Cox (Synthesizer/Gesang) gegründet, zu denen sich die langjährigen Mitarbeiter Ian McCutcheon (Schlagzeug), John O'Connor (Bass) und Dillon Sturtevant (Gitarre) gegründet. Die Gruppe will alle Meinungsverschiedenheiten darüber, wie die chaotische lokale ,Musikszene" weitergehen soll, zu Geld machen. Kann man DIY sein und gleichzeitig eine gute Suchmaschinenoptimierung haben? Kann man progressives kulturelles Ansehen und bares Geld gleichzeitig verdienen? Ist Kunst, die durch ,Kulturförderungen" der Tech-Industrie finanziert wird, irgendwie langweilig, authentisch gorpcore (junge Männer leben laut der New York Times den ,Quarter-Zip-Lifestyle") oder ironischerweise punkig? Für Telehealth ist die Antwort auf diese Fragen nicht ja oder nein, sondern eher eine unerschlossene Lücke im Musikmarkt, die auf eine Band wartet, die visionär und verrückt genug ist, auf die Verbreitung zu setzen. Produziert von Trevor Spencer, Green World Image, ist das zweite Album von Telehealth (nach dem Debütalbum Content Oscillator und einer Veröffentlichung des Sub Pop Singles Club, beide aus dem Jahr 2023) und sein Börsengang mit den Angel-Investoren Sub Pop ein vertikal integriertes Kunstwerk für die Post-Grunge-, Post-Flanell-Seattleiter und Konsumenten auf der ganzen Welt, die ebenfalls bereit sind, ihre eigene Leidenschaft für Musik zu finanzieren. Das traumainformierte, ergebnisorientierte und äußerst tanzbare Weirdo-Punk-Album ist inspiriert von Attitudes Zeit als ehemaliger Architekt in einer Climate PledgedÖ-Stadt, die mit ihrem Netzwerk aus effizient zonierten 5-über-1-Gebäuden die Kunst der ,Green World"-Architektur perfektioniert hat. Der PNW-Post-Punk von Telehealth schafft ähnliche architektonische Räume, in denen sich die glänzenden, futuristischen, techno-industriellen Rhythmen und Synthesizer des Seattle der Bezos-Ära mit dem rohen, unabhängigen Underground-Sound vermischen, den die Stadt aus kulturellen und Marketinggründen liebevoll bewahrt. Das Ergebnis? Stell dir XTC, REM und YMO vor, mit einem stärkeren Fokus auf ROI. Stell dir The B-52s vor, aber B2B. Stell dir einen intelligenteren Brainiac, einen transhumanen Gary Numan oder einen terminalen Online-Pylon vor. Endlich eine Band mit so vielfältigen Talenten, dass sie sowohl in deinem Keller als auch in den Amazon Spheres spielen kann.

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Rostams drittes Album, American Stories, erscheint am 15. Mai und ist sein erstes neues Album seit über fünf Jahren. Der iranisch-amerikanische Künstler und renommierte Produzent kehrt mit einem Album zurück, das sein Leben in zwei kulturellen Welten beleuchtet. Die Musik verwebt Elemente der amerikanischen und persischen Tradition und verbindet Fingerpicking auf der Gitarre, Pedal Steel und gezupfte Akkorde mit mikrotonalen persischen Melodien. ,Diese Verbindung von Ost und West fühlte sich wie die Musik an, die ich für dieses Album machen musste." Rostams Texte, in denen er seine eigenen Erfahrungen verwebt, sind eine Sammlung von Geschichten und Reflexionen. ,The Weight" spielt im Frühjahr 2025 auf College-Campus in Amerika. In ,Forgive is to Know" verarbeitet Rostam reale Ereignisse und den Akt des Songwritings selbst. Rostam reflektiert das Ende einer Beziehung in ,Hardy ft. Clairo" und setzt sich mit der ungewissen Zukunft der Menschheit auseinander. Das Ergebnis ist ein Album, das sich zutiefst individuell und doch unverkennbar amerikanisch anfühlt. ,Letztendlich hoffe ich, dass die Zuhörer Trost in diesem Album finden und ich möchte den Menschen ein Gefühl des Optimismus vermitteln."

Rostams drittes Album, American Stories, erscheint am 15. Mai und ist sein erstes neues Album seit über fünf Jahren. Der iranisch-amerikanische Künstler und renommierte Produzent kehrt mit einem Album zurück, das sein Leben in zwei kulturellen Welten beleuchtet. Die Musik verwebt Elemente der amerikanischen und persischen Tradition und verbindet Fingerpicking auf der Gitarre, Pedal Steel und gezupfte Akkorde mit mikrotonalen persischen Melodien. ,Diese Verbindung von Ost und West fühlte sich wie die Musik an, die ich für dieses Album machen musste." Rostams Texte, in denen er seine eigenen Erfahrungen verwebt, sind eine Sammlung von Geschichten und Reflexionen. ,The Weight" spielt im Frühjahr 2025 auf College-Campus in Amerika. In ,Forgive is to Know" verarbeitet Rostam reale Ereignisse und den Akt des Songwritings selbst. Rostam reflektiert das Ende einer Beziehung in ,Hardy ft. Clairo" und setzt sich mit der ungewissen Zukunft der Menschheit auseinander. Das Ergebnis ist ein Album, das sich zutiefst individuell und doch unverkennbar amerikanisch anfühlt. ,Letztendlich hoffe ich, dass die Zuhörer Trost in diesem Album finden und ich möchte den Menschen ein Gefühl des Optimismus vermitteln."

Der sudanesisch-amerikanische Künstler Dua Saleh setzt seinen unaufhaltsamen Aufstieg mit ,Of Earth & Wires" fort, einem durchweg warmherzigen, spirituellen und mitreißenden Album, das sich mit den Themen Heimat, Menschlichkeit und Erneuerung auseinandersetzt. Mit Beiträgen von Justin Vernon (Bon Iver), aja monet, Gaidaa und anderen verwebt und dekonstruiert Saleh Indie, R&B und elektronischen Pop mit Einflüssen aus sudanesischer Volksmusik, britischer Dance-Musik und elektronischer Popmusik. ,Of Earth & Wires" ist ein Album, das sich durch seine Vielseitigkeit und seine Fähigkeit auszeichnet, die Zuhörer in seinen Bann zu ziehen. Mit Beiträgen von Justin Vernon (Bon Iver), aja monet, Gaidaa und anderen verwebt und dekonstruiert Saleh Indie, R&B und elektronischen Pop mit Einflüssen aus sudanesischer Folk-Musik, UK Dance und Reggaeton - Klänge, die untrennbar mit ihrer Geschichte verbunden sind und durch eine ambitionierte, zukunftsorientierte Produktion und klare Lyrik zusammengehalten werden. Salehs gefühlvoller, kraftvoller und wandlungsfähiger Stil hat Fans von der New York Times bis zum NME überzeugt, ebenso wie ihre Durchbruchrolle in der Netflix-Serie ,Sex Education". Salehs gefühlvoller, kraftvoller und wandlungsfähiger Stil hat Fans von der New York Times bis zum NME gefunden, ebenso wie ihre Durchbruchrolle in der Netflix-Serie Sex Education, die das Debüt von Ghostly International im Jahr 2024, I SHOULD CALL THEM, zu einem echten Erfolg machte. Das mit Spannung erwartete Album ,Of Earth & Wires" ist sowohl ein Meilenstein in ihrer Karriere als auch ein dringender Dialog mit den Herausforderungen, denen man sich auf universeller Ebene gegenübersieht. Zusätzlich zu ihren musikalischen Aktivitäten ist Dua ein aufstrebender Schauspieler, der mit einer Durchbruchrolle in der beliebten Netflix-Serie ,Sex Education" bekannt wurde, in der er drei Staffeln lang die Rolle des Cal Bowman spielte.

Entstanden aus einem Live-Auftritt, offenbart ,unfamiliar music (paris)" das Wesen der Obsessionen und des Klanguniversums von Giuseppe Ielasi - einem Musiker, dessen Zurückhaltung nur von seinem Talent und seiner grenzenlosen Hingabe an das musikalische Schaffen seit fast 30 Jahren übertroffen wird. unfamiliar music (paris) ist ein bemerkenswerter Ausdruck von Ielasis Herangehensweise, einer Herangehensweise, in der Feinfühligkeit, manchmal Nostalgie und Emotionen es verstehen, mit Zurückhaltung ein Klanguniversum zu durchdringen, das um Polyphonie und Reminiszenz herum aufgebaut ist, um Texturen und Motive, die sich mit Anmut und Inspiration verflechten, verbinden und gegenseitig antreiben. ,Sparkling or Silent" des Duos Crys Cole und Oren Ambarchi ist ein eigenständiger Moment in ihren jeweiligen künstlerischen Ansätzen, ein Schritt zur Seite, der einen Fixpunkt um eine elektroakustische Methode markiert, die zwar in beiden Werken stets latent vorhanden war, sich hier jedoch als zentrale Kompositionsmodalität durchsetzt. Der elektroakustische Ansatz wird hier jedoch nicht aus formalen Gründen herangezogen, geschweige denn als ästhetische Leitlinie. Im Gegenteil, er wird als Kompositionswerkzeug betrachtet, offen für alle klanglichen Möglichkeiten, ein Werkzeug, das es dem Künstler ermöglicht, innerhalb des Klangs selbst einen verwobenen Raum zu entwerfen, in dem Erinnerungen, Eindrücke und Empfindungen eine Erzählung am Rande der Vorstellungskraft und der gemeinsam erlebten Momente weben - eine Erzählung, in die eine komplexe und sensible Klangschicht eingebettet ist, die die Grenzen zwischen künstlerischem Projekt, intimer Reise und geteilten Träumen verschwimmen lässt.

Das neueste Projekt von SPEED, ,ALL MY ANGELS", ist eine EP mit drei Titeln, die dem Tod dreier enger Freunde in den letzten Jahren gewidmet ist. Diese Ereignisse haben ihrer Community großen Kummer bereitet, aber mit der Zeit haben sie das unterstrichen, was SPEED schon immer als ihr zentrales Credo angesehen haben: bedingungslos zu lieben, ohne Angst oder Reue. In den Jahren vor ,ALL MY ANGELS" kämpfte die Band mit ihrer gemeinsamen Trauer und dem Leben auf Tour. Momente der Trauer fanden auf Tour statt, in engen Transportern, die durch fremde Länder fuhren; eingeklemmt zwischen SPEED-Auftritten, auf grandiosen Festivalbühnen vor 15.000 Fans. Während die Band eine Auszeichnung und einen Erfolg nach dem anderen verbuchte - einer außergewöhnlicher als der andere -, hielt der Schmerz hartnäckig an.Auf ALL MY ANGELS hat genau diese gemeinsame Trauer die fünf Freunde näher zusammengebracht; sie ermutigt sie, ihr Leben mit größerer Klarheit zu leben, und verschafft ihnen eine fundiertere Perspektive darauf, woran es sich wirklich lohnt festzuhalten. Die Texte auf der EP thematisieren die ernüchternde Realität des Verlusts und enthalten Gedanken über die Sterblichkeit - verletzlicher und unverfälschter als je zuvor. Der Titeltrack endet mit einer direkten Absichtserklärung: ,All my angels, I can't give up."

SURFILMUSIC, ein Dokumentarfilm, der Johnsons Entwicklung vom Surfer zum Filmemacher und schließlich
zum weltbekannten Musiker nachzeichnet, begleitet ihn bei der Entstehung seiner legendären Surf-Filme
”Thicker Than Water” (1999) und ”The September Sessions” (2000). Diese Klassiker offenbarten Johnsons
künstlerische Sichtweise durch seine Kamera und seine Gitarre und begründeten letztlich seine Musikkarriere.
Der neue Film feiert die lebenslangen Freundschaften und die vom Meer geprägte Gemeinschaft, die Johnsons Weg geprägt haben, und zeigt viele der Surfer, die in den Originalfilmen zu sehen waren, darunter Kelly
Slater, Rob Machado und die Malloy-Brüder. Er fängt auch den gemeinsamen Geist der Entdeckungslust
und Kreativität ein, der seine Musik und seinen Umweltschutz bis heute inspiriert.
Für den Soundtrack schlossen sich Hermanos Gutiérrez, langjährige Bewunderer von Johnsons Musik und
Surf-Filmen, ihm im Studio an, wo Johnson auch wieder mit dem Produzenten Mario Caldato Jr. (Beastie
Boys, Seu Jorge, Beck) zusammenkam, der mehrere von Johnsons beliebtesten Alben, darunter ”In Between
Dreams” und ”Sleep Through the Static”, co-produziert hatte. Was als gegenseitige Wertschätzung begann, entwickelte sich schnell zu einer kreativen Verbindung und Freundschaft, aus der ein wunderschöner
neuer Song, „Hold On To The Light“, und eine originelle Filmmusik hervorgingen. Ihre Zusammenarbeit
wird sich auch auf die Bühne erstrecken, wo die Brüder an vielen Terminen als Vorgruppe für Johnson
auftreten werden.
Außerdem enthält das Album 4 einzigartige Tracks, welche Johnson in den 1990er Jahren auf seinem 4-
Spur-Kassettenrekorder aufgenommen hat.

Stephen Houghs vier Klavierkonzerte von Sergei Rachmaninoff gelten seit Langem als Maßstab für dieses
bedeutende Repertoire. Unterstützt vom Dallas Symphony Orchestra unter Andrew Litton kehrte Hough
bewusst zur raschen und schlanken Aufführungstradition des Komponisten selbst zurück. Damit vermeidet
er den sentimentalen „Hollywood“-Ansatz, der für diesen preisgekrönten Rachmaninoff-Zyklus weit verbreitet ist.
Der Titel erscheint als limitierte Edition auf drei 180-g-LPs in einer vollfarbigen Gatefold-Hülle und enthält umfangreiche Begleittexte. Erstmals innerhalb dieser Reihe wurden die Aufnahmen von Sidney Claire
Meyer in den Emil Berliner Studios (EBS) gemastert – dem renommierten Team hinter den Serien „Original
Source“ (DG) und „Pure Analogue“ (Decca).

Multi-Instrumentalist, Produzent & The Pineapple Thief Frontmann Bruce Soord kehrt 2026 mit einem starken neuen Soloalbum zurück.

Als Gründungsmitglied und Hauptsongwriter von The Pineapple Thief hat Bruce Soord das letzte Jahrzehnt damit verbracht, seine Stimme zu verfeinern, die emotionale Direktheit mit musikalischer Zurückhaltung in Einklang bringt. »Ghosts In The Park«, sein neuestes Solo-Album, ist sein bisher persönlichstes und ungeschütztes Werk: eine Platte, die von Verlust, Erinnerung und den stillen Räumen geprägt ist, die sich offenbaren, wenn das Leben weitergeht, während alles andere stillzustehen scheint.

Das Album wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren geschrieben, während Soord ausgiebig mit The Pineapple Thief auf Tournee war, und entstand in Hotelzimmern, fremden Städten und in Momenten erzwungener Einsamkeit. Vor diesem Hintergrund verarbeitete Soord den langwierigen Verfall und schließlich den Tod seines Vaters sowie das Fortschreiten der Alzheimer-Krankheit seiner Mutter. Diese Erfahrungen bilden das emotionale Rückgrat von »Ghosts In The Park« - Trauer in Bewegung, unvorhersehbar auftauchende Erinnerungen und die stille Entschlossenheit, weiterzumachen.

Die Akustikgitarre steht im Mittelpunkt des Albums, oft in rohen Erstaufnahmen, die direkt in Hotelzimmern aufgenommen wurden, bevor sie sorgfältig mit Studioaufnahmen kombiniert wurden. Diese Spannung zwischen Zerbrechlichkeit und Kontrolle bestimmt den Klang des Albums. Tracks wie »Concepción«, »Meet Me On The Downs« und das Titelstück entstanden an bestimmten Orten - Chile, Hamburg, Oberhausen -, wobei jeder Ort einen subtilen Eindruck in der Musik hinterlässt. Parks, Häfen und anonyme Räume werden zu wiederkehrenden Schauplätzen, an denen Vergangenheit und Gegenwart nebeneinander existieren, durchschnitten von flüchtigen Momenten der Klarheit inmitten der Unordnung.

Das Album wurde fast vollständig von Soord selbst eingespielt, mit Bassbeiträgen von Jon Sykes bei »Kept Me Thinking«, und wurde in einer Kombination aus Hotelzimmeraufnahmen und Studiosessions aufgenommen, um die Unmittelbarkeit seiner Ursprünge zu bewahren. »Ghosts In The Park« wurde von Steve Kitch gemastert und ist ein starkes, reflektierendes und evolutionäres Gegenstück zu Soords gefeierten früheren Soloarbeiten

Multi-Instrumentalist, Produzent & The Pineapple Thief Frontmann Bruce Soord kehrt 2026 mit einem starken neuen Soloalbum zurück.

Als Gründungsmitglied und Hauptsongwriter von The Pineapple Thief hat Bruce Soord das letzte Jahrzehnt damit verbracht, seine Stimme zu verfeinern, die emotionale Direktheit mit musikalischer Zurückhaltung in Einklang bringt. »Ghosts In The Park«, sein neuestes Solo-Album, ist sein bisher persönlichstes und ungeschütztes Werk: eine Platte, die von Verlust, Erinnerung und den stillen Räumen geprägt ist, die sich offenbaren, wenn das Leben weitergeht, während alles andere stillzustehen scheint.

Das Album wurde über einen Zeitraum von zwei Jahren geschrieben, während Soord ausgiebig mit The Pineapple Thief auf Tournee war, und entstand in Hotelzimmern, fremden Städten und in Momenten erzwungener Einsamkeit. Vor diesem Hintergrund verarbeitete Soord den langwierigen Verfall und schließlich den Tod seines Vaters sowie das Fortschreiten der Alzheimer-Krankheit seiner Mutter. Diese Erfahrungen bilden das emotionale Rückgrat von »Ghosts In The Park« - Trauer in Bewegung, unvorhersehbar auftauchende Erinnerungen und die stille Entschlossenheit, weiterzumachen.

Die Akustikgitarre steht im Mittelpunkt des Albums, oft in rohen Erstaufnahmen, die direkt in Hotelzimmern aufgenommen wurden, bevor sie sorgfältig mit Studioaufnahmen kombiniert wurden. Diese Spannung zwischen Zerbrechlichkeit und Kontrolle bestimmt den Klang des Albums. Tracks wie »Concepción«, »Meet Me On The Downs« und das Titelstück entstanden an bestimmten Orten - Chile, Hamburg, Oberhausen -, wobei jeder Ort einen subtilen Eindruck in der Musik hinterlässt. Parks, Häfen und anonyme Räume werden zu wiederkehrenden Schauplätzen, an denen Vergangenheit und Gegenwart nebeneinander existieren, durchschnitten von flüchtigen Momenten der Klarheit inmitten der Unordnung.

Das Album wurde fast vollständig von Soord selbst eingespielt, mit Bassbeiträgen von Jon Sykes bei »Kept Me Thinking«, und wurde in einer Kombination aus Hotelzimmeraufnahmen und Studiosessions aufgenommen, um die Unmittelbarkeit seiner Ursprünge zu bewahren. »Ghosts In The Park« wurde von Steve Kitch gemastert und ist ein starkes, reflektierendes und evolutionäres Gegenstück zu Soords gefeierten früheren Soloarbeiten

Die 10-Jahre-Jubiläumsausgabe mit zwei Bonustracks. Das selbstbetitelte Debütalbum von Palms (2013) vereint Chino Moreno von den Deftones mit ehemaligen Mitgliedern der Post-Metal-Ikonen ISIS. Das Ergebnis verbindet schimmernde Atmosphären, weitläufige Gitarrenklänge und Morenos hochfliegenden Gesang zu einer traumhaften Fusion aus Shoegaze, Post-Rock und Metal. Stimmungsvoll und filmisch erweitert das Album das Vokabular der Heavy-Musik in ätherische Gefilde.

D: Das mit Spannung erwartete neue Album von Kungs, ”Out Loud”, verspricht ein bedeutendes und
vielseitiges Werk zu werden. Es verbindet Rock-, Disco- und elektronische Klänge, genau wie die erste
Single ”Light Me Up”. Dieses Album mit 10 Titeln enthält überraschende Kollaborationen und präsentiert
den einzigartigen Stil des Künstlers.
F: Le nouvel album très attendu de Kungs, Out Loud, s’annonce comme une sortie majeure et éclectique. Il mêle rock, disco et sons électroniques, à l’image du premier single Light Me Up. Cet album de
10 titres réserve des collaborations surprises et met en valeur le style unique de l’artiste. Pour les collectionneurs, l’édition vinyle est une véritable œuvre d’art : son artwork exclusif est imprimé sur du papier
métallisé miroir, avec le titre de l’album en relief. ”Out Loud” est également disponible en CD dans une
édition collector qui est présentée dans un digisleeve 3 volets haut de gamme. Son artwork exclusif, imprimé
sur du papier métallisé miroir et estampillé du titre de l’album, en fait un véritable bijou, tout comme le
vinyle.

Mit "Folklore" vertiefen 16 Horsepower ihre unverwechselbare, düster-spirituelle Interpretation amerikanischer und osteuropäischer Traditionals. Das Album verbindet eigene Songs mit radikal neu gedeuteten Klassikern, die die Band in rituelle, minimalistische und zugleich kraftvoll aufgeladene Klanglandschaften verwandelt. Banjo, Cello, Hurdy-Gurdy und Bandoneon bilden ein archaisches Fundament, das David Eugene Edwards" intensiven Gesang eindrucksvoll trägt. Die Oxblood Vinyl Edition bringt diesen Meilenstein in besonderer Form zurück - passend zur Reunion-Tour 2026, bei der die Band erstmals seit zwei Jahrzehnten in ihrer Originalbesetzung auf europäischen Bühnen steht. Folklore bleibt eines der charakteristischsten und atmosphärisch dichtesten Werke der Band: dunkel, entrückt, hypnotisch - ein Album, das die Grenzen zwischen Tradition, Mythos und moderner Alternativkultur auflöst.

Der US-amerikanische Musiker Anjimile Chithambo (ann-JIM-uh-lee) hat sich in den vergangenen Jahren als eigenständige Stimme etabliert. In der Indie-Szene Bostons bekannt geworden, entwickelte er einen persönlichen, ehrlichen Stil, der Spiritualität, Identität und Nähe miteinander verbindet. Mit dem gefeierten Album "Giver Taker" (2020) setzte sich Anjimile mit Zugehörigkeit und Selbstverständnis auseinander. "The King" (2023), sein erstes Album auf 4AD, thematisierte Selbstbestimmung und seine Erfahrungen als schwarze Trans-Person in einer Zeit tiefgreifender persönlicher und gesellschaftlicher Veränderungen. Diese Themen führt Anjimile auf seinem neuen Album "You"re Free to Go" weiter. Im Mittelpunkt steht die Frage, was geschieht, wenn man Kontrolle loslässt und neue Formen von Bindung und Freiheit zulässt. Das Album verarbeitet Trennungen, neue Beziehungen, Verluste und Neuanfänge und beschreibt einen Weg zurück zu Vertrauen ins eigene Leben. Der Titel spiegelt eine offenere Sicht auf Beziehungen wider, geprägt durch Erfahrungen mit non-monogamen Modellen. Produziert von Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) und unterstützt von Gästen wie Sam Beam (Iron & Wine), entfaltet sich "You"re Free to Go" organisch und intim. Musikalisch verbindet Anjimile Folk mit Alternative-Pop-Einflüssen der späten 1990er-Jahre. Auch stimmlich zeigt er sich weiterentwickelt - eine bewusste Veränderung, die der emotionalen Tiefe des Albums zusätzliche Kraft verleiht.

Die Reise von MUNA war schon immer davon geprägt, Raum für die komplexen, chaotischen und ekstatischen Realitäten des Lebens zu schaffen, und mit ihrem vierten Album "Dancing On The Wall" sind sie so prägnant, düster und mitreißend wie nie zuvor. Ausgehend von den funkelnden, mit Konfetti übersäten Höhen ihres selbstbetitelten Albums aus dem Jahr 2022 kanalisieren sie nun die ängstliche, unsichere Energie des Lebens in einem Los Angeles, das von politischen Spannungen, Umweltzerstörung und dem stillen Druck der Prekarität der Millennials geprägt ist. Das Ergebnis ist ein Album, das sich sowohl intim als auch spektakulär anfühlt, eine Popwelt, die mit Biss, Witz und emotionaler Resonanz aufgebaut ist, ein Soundtrack für Herzen, die gleichzeitig in Flammen stehen und das Chaos um sie herum beobachten. Auf dem gesamten Album erkundet MUNA Sehnsucht, Intimität und Verbundenheit vor dem Hintergrund einer Welt im Wandel. Es gibt eine stille Auseinandersetzung damit, wie man weiterleben, lieben und sich gegenseitig erreichen kann, während man Zeuge politischer Brutalität und systemischer Gewalt wird, und wie Freude ohne Verleugnung überleben kann. Tracks wie "Wannabeher" fangen den schwindelerregenden Nervenkitzel ein, sich vollständig in die Fantasie eines anderen zu begeben, während "Why Do I Get A Good Feeling" noch lange nach dem Ende des Beats nachhallt, eine Meditation über flüchtige Freude und ausgesetzte Möglichkeiten. Das Album schließt mit "Buzzkiller", einer schonungslosen Auseinandersetzung mit Sehnsüchten und ihren Folgen, dem Schmerz, etwas erreicht zu haben, nur um festzustellen, dass neue Fragen, Zweifel und Sehnsüchte zurückbleiben. "Dancing On The Wall" wurde von Naomi McPherson produziert, wobei ihre charakteristische Liebe zum Detail mühelos mit der ausgefeilten Pop-Technik ihrer Bandkollegin Josette Maskin hinter den Kulissen verschmilzt, um lebendige, atmende Welten für die prägnanten Texte und die unverwechselbare Stimme der Leadsängerin Katie Gavin zu schaffen. "Dancing On The Wall" verbindet euphorische Klanglandschaften mit prägnanten, menschlichen Geschichten. Das Album spiegelt einen intensiven, selbstgesteuerten kreativen Prozess wider, der von Instinkt, Vertrauen und vollständiger künstlerischer Kontrolle geprägt ist. Es wirkt lebendig, eindringlich und filmisch und spiegelt eine Generation wider, die sich durch Unsicherheit navigiert und sich dennoch nicht von ihrer Freude abbringen lässt. Mit diesem Album beweisen MUNA erneut, dass Pop gewagt, intim und sozialbewusst zugleich sein kann: ein Album, das nicht nur den Moment einfängt, sondern ihn zu einer Welt destilliert, in der man leben möchte.

Die Reise von MUNA war schon immer davon geprägt, Raum für die komplexen, chaotischen und ekstatischen Realitäten des Lebens zu schaffen, und mit ihrem vierten Album "Dancing On The Wall" sind sie so prägnant, düster und mitreißend wie nie zuvor. Ausgehend von den funkelnden, mit Konfetti übersäten Höhen ihres selbstbetitelten Albums aus dem Jahr 2022 kanalisieren sie nun die ängstliche, unsichere Energie des Lebens in einem Los Angeles, das von politischen Spannungen, Umweltzerstörung und dem stillen Druck der Prekarität der Millennials geprägt ist. Das Ergebnis ist ein Album, das sich sowohl intim als auch spektakulär anfühlt, eine Popwelt, die mit Biss, Witz und emotionaler Resonanz aufgebaut ist, ein Soundtrack für Herzen, die gleichzeitig in Flammen stehen und das Chaos um sie herum beobachten. Auf dem gesamten Album erkundet MUNA Sehnsucht, Intimität und Verbundenheit vor dem Hintergrund einer Welt im Wandel. Es gibt eine stille Auseinandersetzung damit, wie man weiterleben, lieben und sich gegenseitig erreichen kann, während man Zeuge politischer Brutalität und systemischer Gewalt wird, und wie Freude ohne Verleugnung überleben kann. Tracks wie "Wannabeher" fangen den schwindelerregenden Nervenkitzel ein, sich vollständig in die Fantasie eines anderen zu begeben, während "Why Do I Get A Good Feeling" noch lange nach dem Ende des Beats nachhallt, eine Meditation über flüchtige Freude und ausgesetzte Möglichkeiten. Das Album schließt mit "Buzzkiller", einer schonungslosen Auseinandersetzung mit Sehnsüchten und ihren Folgen, dem Schmerz, etwas erreicht zu haben, nur um festzustellen, dass neue Fragen, Zweifel und Sehnsüchte zurückbleiben. "Dancing On The Wall" wurde von Naomi McPherson produziert, wobei ihre charakteristische Liebe zum Detail mühelos mit der ausgefeilten Pop-Technik ihrer Bandkollegin Josette Maskin hinter den Kulissen verschmilzt, um lebendige, atmende Welten für die prägnanten Texte und die unverwechselbare Stimme der Leadsängerin Katie Gavin zu schaffen. "Dancing On The Wall" verbindet euphorische Klanglandschaften mit prägnanten, menschlichen Geschichten. Das Album spiegelt einen intensiven, selbstgesteuerten kreativen Prozess wider, der von Instinkt, Vertrauen und vollständiger künstlerischer Kontrolle geprägt ist. Es wirkt lebendig, eindringlich und filmisch und spiegelt eine Generation wider, die sich durch Unsicherheit navigiert und sich dennoch nicht von ihrer Freude abbringen lässt. Mit diesem Album beweisen MUNA erneut, dass Pop gewagt, intim und sozialbewusst zugleich sein kann: ein Album, das nicht nur den Moment einfängt, sondern ihn zu einer Welt destilliert, in der man leben möchte.

"Die ""big voice"" aus Flint, Michigan, die uns den Smash-Hit „Norma Jean“ bescherte meldet sich kraftvoll mit „It’s so Hard“ zurück. „It’s so Hard“ ist eine tiefgründige, gefühlvolle Beat-Ballade mit einer Botschaft, die eine Geschichte erzählt, die wir leider nur zu gut kennen – die Geschichte zweier vielversprechender junger Menschen, deren Leben ein jähes Ende findet, als sie ungewollt in die Welt der Gaunereien, Drogen und Waffen geraten, die sie umgibt. Gestärkt durch eine unverkennbare Detroit-Härte nimmt dich der Track mit auf eine Reise quer durch das Land und verbindet den coolen East-Coast-Swagger der Isleys aus der T-Neck-Ära mit dem entspannten Groove, den die WC-Lowrider-Soul-Szene so liebt. Ein unverfälschter Ausdruck der Gewalt, die viel zu viele junge Menschen ertragen müssen.

"Wired" ist ein harter Neustart für Basement. Es markiert das erste Album der britischen Band seit acht Jahren, eine Wiedervereinigung mit ihrem ursprünglichen Label Run For Cover Records und eine Rückkehr zu jener ungebändigten Leidenschaft und kreativen Intuition, die schon immer ihr bestes Material ausgezeichnet hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2009 besteht Basement aus denselben fünf Freunden - Sänger Andrew Fisher, den Gitarristen Alex Henery und Ronan Crix, Bassist Duncan Stewart und Schlagzeuger James Fisher - und derselben alchemischen Verbundenheit. Das Einzige, was sich in den letzten Jahren verändert hat, ist ihr erneuertes Gefühl von Zielstrebigkeit. Und das macht ihr neues Album deutlich hörbar. "Wired" ist das dynamischste, mutigste und inspirierteste Werk, das Basement je geschaffen haben, und bewahrt zugleich die zeitlosen Grundlagen ihres einzigartigen Sounds: grollende Gitarren, mitreißende Refrains und eindringliche emotionale Sprache. Basement sind zurück und laufen auf allen Zylindern, aber sie haben kein Interesse daran, alte Erfolge zu wiederholen. Die gesamte Band war entschlossen, dass "Wired" ihr bisher klarstes künstlerisches Statement werden musste. Der Titelsong ist das drängendste Stück ihrer Karriere - ein sicherer Live-Favorit, getragen von stechenden Gitarren, einem wuchtigen Schlagzeug und einem himmelhohen Hook, bei dem Fishers Stimme in Bestform ist. "Broken By Design" zeigt den gegenteiligen Charakter: düster, zart, bassgeführt, aber dennoch typisch Basement in seiner sofortigen Eingängigkeit und stimmungsvollen Atmosphäre. Nichts auf Wired klingt stagnierend, kein Teil wirkt unausgereift. Die Band ließ sich von einer Vielzahl abenteuerlustiger Vorbilder inspirieren (R.E.M., Interpol, Smashing Pumpkins, um nur einige zu nennen), ohne jemals wie eine dieser Bands zu klingen - und auch nicht wie eine Kopie ihrer selbst. Der Albumtitel fasst all das in einem einzigen Wort zusammen. Die texturalen Konnotationen von "Wired" - metallisch, scharf, zackig - spiegeln die stählernen Klangwelten des Albums wider. Auf konzeptioneller Ebene spricht der Titel für die unerschütterliche Zähigkeit der Band: eine analoge Band, die in einer immer digitaleren Welt erfolgreich bleibt, ohne sich auf nostalgische Bequemlichkeit zu verlassen. Fünf Freunde, die mehrere Trennungen und Neuanfänge überstanden haben und dabei als Menschen und musikalische Einheit gewachsen sind. Basement müssen ihr Schicksal akzeptieren: Sie sind einfach dafür gemacht.

"Wired" ist ein harter Neustart für Basement. Es markiert das erste Album der britischen Band seit acht Jahren, eine Wiedervereinigung mit ihrem ursprünglichen Label Run For Cover Records und eine Rückkehr zu jener ungebändigten Leidenschaft und kreativen Intuition, die schon immer ihr bestes Material ausgezeichnet hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2009 besteht Basement aus denselben fünf Freunden - Sänger Andrew Fisher, den Gitarristen Alex Henery und Ronan Crix, Bassist Duncan Stewart und Schlagzeuger James Fisher - und derselben alchemischen Verbundenheit. Das Einzige, was sich in den letzten Jahren verändert hat, ist ihr erneuertes Gefühl von Zielstrebigkeit. Und das macht ihr neues Album deutlich hörbar. "Wired" ist das dynamischste, mutigste und inspirierteste Werk, das Basement je geschaffen haben, und bewahrt zugleich die zeitlosen Grundlagen ihres einzigartigen Sounds: grollende Gitarren, mitreißende Refrains und eindringliche emotionale Sprache. Basement sind zurück und laufen auf allen Zylindern, aber sie haben kein Interesse daran, alte Erfolge zu wiederholen. Die gesamte Band war entschlossen, dass "Wired" ihr bisher klarstes künstlerisches Statement werden musste. Der Titelsong ist das drängendste Stück ihrer Karriere - ein sicherer Live-Favorit, getragen von stechenden Gitarren, einem wuchtigen Schlagzeug und einem himmelhohen Hook, bei dem Fishers Stimme in Bestform ist. "Broken By Design" zeigt den gegenteiligen Charakter: düster, zart, bassgeführt, aber dennoch typisch Basement in seiner sofortigen Eingängigkeit und stimmungsvollen Atmosphäre. Nichts auf Wired klingt stagnierend, kein Teil wirkt unausgereift. Die Band ließ sich von einer Vielzahl abenteuerlustiger Vorbilder inspirieren (R.E.M., Interpol, Smashing Pumpkins, um nur einige zu nennen), ohne jemals wie eine dieser Bands zu klingen - und auch nicht wie eine Kopie ihrer selbst. Der Albumtitel fasst all das in einem einzigen Wort zusammen. Die texturalen Konnotationen von "Wired" - metallisch, scharf, zackig - spiegeln die stählernen Klangwelten des Albums wider. Auf konzeptioneller Ebene spricht der Titel für die unerschütterliche Zähigkeit der Band: eine analoge Band, die in einer immer digitaleren Welt erfolgreich bleibt, ohne sich auf nostalgische Bequemlichkeit zu verlassen. Fünf Freunde, die mehrere Trennungen und Neuanfänge überstanden haben und dabei als Menschen und musikalische Einheit gewachsen sind. Basement müssen ihr Schicksal akzeptieren: Sie sind einfach dafür gemacht.

Mit Maaya präsentiert Ami Yerewolo, die bedeutendste weibliche Hip-Hop-Stimme Malis und eine zentrale Figur des westafrikanischen Rap, ihr neues Studioalbum. Maaya ("Menschlichkeit") verbindet die rohe Energie modernen Hip-Hops mit traditionellen malischen Instrumenten wie Kamalé Ngoni und Tamani. Das Ergebnis ist ein kraftvoll geerdeter, zugleich zeitgenössischer Sound, der Amis künstlerische Identität präzise widerspiegelt. Als Rapperin, Produzentin und Gründerin eines eigenen Frauen-Rap-Festivals hat sich Ami Yerewolo gegen gesellschaftliche Widerstände durchgesetzt und eine Vorreiterrolle für eine gesamte Generation junger afrikanischer Künstlerinnen übernommen. Ihre Texte thematisieren Resilienz, Selbstbestimmung und den Mut, gegen konservative Normen aufzustehen - Botschaften, die weit über Mali hinaus Wirkung entfalten. Mit Gastbeiträgen von Jah Moko und Mina la Voilée erweitert Maaya seine musikalische und emotionale Tiefe. Das Album ist vollständig unabhängig produziert und überzeugt durch Authentizität, Haltung und eine klare, unverwechselbare Stimme.

Die Power-Punk Band ERECTION aus Regensburg steht für das, was moderne Musik oft nicht mehr zu bieten wagt: kompromisslose Ehrlichkeit, rohe Emotionen und eine Klangwelt, die sich irgendwo zwischen Hoffnung, Überforderung und purem elektrischen Aufbruch bewegt. Mit ihrem neuen Album präsentieren sie eine Sammlung von Songs, die das Lebensgefühl einer Generation einfangen, die zwischen Burnout und Selbstentdeckung, zwischen Existenzkampf und Freiheitsdrang ihren Platz sucht. Ihre Musik verbindet moderne Pop- und Elektro-Elemente mit rockiger Direktheit und einer lyrischen Offenheit, die man selten findet. Die neue Platte zeigt diese Ambivalenz deutlicher denn je: laut und leise, hart und zerbrechlich, düster und gleichzeitig voller Sehnsucht nach Licht.

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

Keine Ahnung wieviel ungezählte Stunden die Jungs von FLEISCHWOLF seit ihrer Gründung vor 10 Jahren auf der Autobahn verbracht haben, aber bei über 300 Club- und Festivalshows kommt da ganz schön was zusammen. Genug jedenfalls für die "Letzte Platte vor der Autobahn", ihre brandneues, 4. Album zum Bandjubliäum. "Blinker links" und ab auf die Überholspur: Genug neues Material haben die Punk-Thrash-Hardcore-Rotz(Rock)-Löffel jedenfalls gut verstaut im Kofferraum und auf ihre neue Scheibe gepackt. Da ächzen die Stoßdämpfer und freut sich die Schallplatten-Nadel, wenn mit "Jetzt geht es los" die wilde Fahrt beginnt. Dabei lassen die Mettcore-Spezialisten sich erneut nicht ausbremsen: Mit ihrer charmant-prolligen Art verheizen Sie alles was ihnen so unter den Asphalt brennt mit rebellischer "I don't give a fuck" -Attitüde und jeder Menge Spass in wohlklingenden Krach ohne Geschwindigkeitsbegrenzung. Fleischwolf kann weder ein "Punkrock-Polizist" stoppen und na klar - "Aufgeben ist keine Option"! Ein ganz besonderer Song zu dem die Band Vinnie van der Schnuut ("Fresse"/ "BPM") und Mr. Wheelchair ins Studio eingeladen hat, der seit seinem Unfall 2010 mit gebrochenem Genick nur noch den Kopf bewegen kann. Begleitet von Gitarrengewitter trifft hier Punkrock auf Metalcore, Gefühl auf Härte - Eine bewegende Kampfansage an das Leben! Das die Band jede Menge "Asi-Elixir" getankt hat, war schon mit der "Kleiner Vorgeschmack" Doppel-10nch Vinyl glasklar. Und so gibt's nicht nur musikalisch jede Menge Qualm aus den Auspuff: "Watt denn", "Geh Sterben" sind nicht gerade für Sonntagsfahrer geeignet und nicht nur bei der Fahrprüfung gilt "Mach die Augen auf"! Wenn Du also einen Hybrid aus klassischen Deutschpunk, Hardcore-Thrash mit fettem RocknRoll-Vergaser suchst und der Zugkraft eines 14-Tonners_, steig in die verdammte Karre und dreh das Radio auf! "Hier ist die letzte Platte vor der Autobahn"! Und hier ist garantiert nicht die letzte Platte von Fleischwolf, dafür aber die mit den bislang meisten Pferdestärken!

„Ranjha“ ist das neue Album und die Zusammenarbeit des preisgekrönten Komponisten und RadioheadGitarristen Jonny Greenwood, des gefeierten Komponisten und Musikers Shye Ben Tzur und des indischen
Ensembles The Rajasthan Express. Das Album ist der Nachfolger ihres gefeierten Debüts „Junun“, das
gerade sein zehnjähriges Jubiläum feierte. Während „Junun“ in einem provisorischen Studio im Mehrangarh
Fort aus dem 15. Jahrhundert in Rajasthan, Indien, aufgenommen wurde, entstand „Ranjha“ in einem
intimeren Rahmen – in Jonny Greenwoods Studio in Oxford, England.
Zum 10-jährigen Jubiläum von „Junun“, das von der Kritik hochgelobt wurde – unter anderem als Album
des Jahres von der Sunday Times, die es als „eine der inspiriertesten Veröffentlichungen des Jahres“
und „faszinierend, vielschichtig und unbedingt hörenswert“ bezeichnete –, veröffentlichte BMG am 16.
Januar 2026 eine Sonderausgabe des Originalalbums. Die Entstehung von „Junun“ wurde vom gefeierten
Filmemacher Paul Thomas Anderson dokumentiert und bietet einen intimen Einblick in den kreativen
Prozess und den pulsierenden Alltag während der Albumproduktion. „Ranjha“, das am 8. Mai 2026
erscheint, wird als spezielle rote und korallenrote Splatter-Vinyl-Edition im Gatefold-Cover sowie als CD
erhältlich sein. Das Album enthält elf brandneue Tracks, die den charakteristischen interkulturellen Sound
der Band mit einem modernen Touch verbinden. Es erscheint kurz nach der vielbeachteten Radiohead-Tour,
die Ende 2025 zu Ende ging.

Gregory Porters zweites Blue-Note-Werk erschien 2016 und wurde mit dem Grammy als bestes JazzGesangsalbum ausgezeichnet. Die eingängigen Songs mixen Jazz, Soul, Gospel und Funk und gehören noch
immer zu seinen beliebtesten, die Texte verbinden Persönliches mit Politischem und sind heute genauso
relevant wie vor zehn Jahren.
Zum Jubiläum erscheint ”Take Me To The Alley” jetzt als ”10th Anniversary Edition” in Form einer
limitierten farbigen Doppel-LP. Als Bonus-Track ist der 2026 veröffentlichte Rules-Remix von “Holding
On“ dabei, mit dem der britische Produzent zusammen mit Gregory Porter einen großen Streaming-Erfolg
feierte.

Mit "We Will Survive This" veröffentlichen 1816 ein Album, das seine Kraft aus Verletzlichkeit, Beharrlichkeit und leiser Zuversicht schöpft. Die Band - bestehend aus der Sängerin Wenche Losnegard, dem Bassisten und Hauptkomponisten Audun Ellingsen, Cellisten Gregor Riddell und Schlagzeuger Erik Nylander - knüpft an ihr gefeiertes Debüt an und vertieft die charakteristische Verbindung aus Kammermusik, Jazz und alternativer Pop-Sensibilität. Der Name 1816 verweist auf "das Jahr ohne Sommer" - ein historisches Sinnbild für Umbruch, Erschütterung und Überleben. Vor diesem Hintergrund erforscht das Album Themen wie Unsicherheit, Entbehrung und die fragile Hoffnung in Zeiten, in denen die Welt aus den Fugen zu geraten scheint. Die Musik reflektiert diese Stimmungen, ohne sie direkt zu kommentieren: stille Passagen treffen auf dynamische Ausbrüche, offene Formen auf dichte Klangszenen. Die Texte bewegen sich zwischen persönlicher Introspektion und alltäglicher Lebensnähe; literarische Anklänge - von Byron bis Dolly Parton - verleihen ihnen zusätzliche Tiefe. Gäste erweitern den Klangraum behutsam, ohne den unverwechselbaren Stil der Band zu überlagern. "We Will Survive This" ist ein berührendes, bewusstes Album über das Annehmen von Grenzen - und den Mut, dennoch aufzustehen.

Die aus Las Vegas / Orange County stammende Hardcore-/Punk-Band M.I.A. ist zum ersten Mal seit 40 Jahren mit neuem Material zurück! Nachdem sich die Band 2008 zu einem Gedenkkonzert anlässlich desvorzeitigen Todes ihres Sängers Mike Conley wieder zusammengefunden hatte, spielte sie noch einige Jahre mit dem ursprünglichen Sänger Todd Sampson weiter. Leider verstarb Todd kurz darauf an einem Hitzschlag. Die verbleibenden drei Mitglieder beschlossen, weiterzumachen, wobei Gitarrist Nick Adams nun den Gesang übernahm. Im Jahr 2017 veröffentlichte Darla Records die letzten beiden Alben der Band, ,Notes From the Underground" (1985) und ,After the Fact" (1987), erneut auf CD. Ab 2023 begann Modern City damit, den gesamten Katalog der Band auf Vinyl neu aufzulegen, darunter das bahnbrechende Album ,Murder In a Foreign Place" von 1984 (in Zusammenarbeit mit Alternative Tentacles) und ihren Teil der LP ,Last Rites for Genocide and M.I.A." aus dem Jahr 1982. Die Titel dieser neuen Veröffentlichung wurden im Dezember 2025 aufgenommen und umfassen drei brandneue Songs sowie "'Tomic Bomb", einen sehr alten, unveröffentlichten Song, der 1980 von der allerersten Inkarnation von M.I.A. geschrieben wurde, die damals als The Swell bekannt war. Diese Veröffentlichung ist auf 300 Exemplare limitiert und erscheint mit einem handgedruckten Cover und auf farbigem Vinyl.

Original Sufferhead beginnt mit einer minimalen Improvisation mit Felas neuer Band Egypt 80 und steigert sich dann zu einer kühnen, komplex strukturierten Afrobeat-Hymne, die die Situation der Massen in Nigeria anprangert. "Lasst uns zusammen ein schönes Lied singen", schlägt Fela vor, während der Refrain parallel zu der lebhaften Melodie seines Saxophons erklingt. Mit Hilfe des Refrains zählt er dann die Probleme auf, die das Volk plagen: keine Wasserversorgung, exorbitante Lebenshaltungskosten, keine Gesundheitsversorgung, zweistellige Inflationsraten. Die "großen, großen Leute" haben das Volk zum Sarg des Staatschefs gemacht: Nach der Plünderung und Verbrennung von Felas Kalakuta Republic 1977 schrieb Fela mehrere musikalische Antworten, in denen er die schuldige nigerianische Regierung direkt angriff, darunter diese traurige Hommage an seine Mutter, Coffin for Head of State. Nachdem seine Mutter an den Komplikationen der Verletzungen gestorben war, die sie erlitten hatte, nachdem sie während des Überfalls auf Kalakuta aus einem Fenster geworfen worden war, trugen Fela, seine Frauen und seine Anhänger den Sarg seiner Mutter zum Eingangstor der Armeekaserne: ein mutiger Akt des Trotzes.

"Coffin For Head of State" ist Felas düstere Anklage gegen diejenigen, die "durch Jesus Christus, unseren Herrn" das afrikanische Volk korrumpieren, bestehlen und berauben. Der wummernde, gleichmäßige Beat und die sich wiederholende Struktur des Liedes ahmen den Marsch zur Kaserne nach, während der Text Felas überwältigende Trauer über den Verlust seiner Mutter und den Zustand seines geliebten Nigerias direkt anspricht: eine Nation von ewig Leidenden. Seid nicht passiv, fordert er: Steht auf für eure Rechte.

Die B-Seite, Power Show, baut auf dem gleichen Thema auf und hebt die Unterdrückung der Massen durch die herrschende Klasse hervor. Der Text handelt von einem reichen Mann in einem schicken Auto, der an den Straßenrand ranfährt, um einen armen, allein reisenden Mann zu beschimpfen. Fela nennt dies die "Power Show" und prangert das Verhalten an. So verhält man sich nicht gegenüber seinen Mitmenschen.

Original Sufferhead war im Box Set #5 enthalten, das von Chris Martin und Femi Kuti kuratiert wurde. Das Album wurde auf opakem, hellgrünem Vinyl neu gepresst und ist untergebracht in einer bedruckten Innen- und single sleeve Außenhülle.