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Mit ihrem neuen Album Nine setzt das aus Chicago stammende Post-Metal-Trio Russian Circles seine bedächtige Weiterentwicklung und disziplinierte Verfeinerung fort. Dabei besinnen sie sich auf ihre Stärken und erweitern zugleich die Grenzen ihres Klangspektrums. Dies ist eine Band ohne Radio-Hits. Es gibt keinen Konsens unter Fans darüber, welches ihr bestes Album ist. Was bleibt, ist der Ruf nach Beständigkeit und Qualität - ein Ruf, der sie zu einer der weltweit bedeutendsten Bands im Bereich des instrumentalen Heavy Rock gemacht hat. Auch wenn sie betonen, dass ihre Musik aus einer Vielzahl unterschiedlichster Einflüsse schöpft, lässt sich sagen, dass sich die experimentierfreudige Vielfalt von Russian Circles zu einem unverwechselbaren, einzigartigen Sound entwickelt hat. Obwohl die Mitglieder von Russian Circles mittlerweile über das ganz USA verstreut leben - Gitarrist Mike Sullivan in Los Angeles, Schlagzeuger Dave Turncrantz in Chicago und Bassist/Keyboarder Brian Cook auf Vashon Island bei Seattle -, haben sie für Nine ihre jeweiligen Standorte musikalisch miteinander verwoben. Die sieben gewaltigen, fast seismischen Titel wirken wie Soundtracks zu den Herausforderungen und Tragödien des modernen Lebens. "Unsere Musik ist ein gemeinsamer Prozess der Versöhnung, der Orientierung und der Reflexion über das Älterwerden - sowohl als Individuen als auch als kreative Einheit. Das Leben hat reale räumliche Distanzen zwischen uns geschaffen, doch die Band bildet weiterhin unseren gemeinsamen Mittelpunkt. Diese kreative Zusammenarbeit ermöglicht es uns, den Lauf der Zeit zu erfassen und zugleich voller Zuversicht in die Zukunft zu blicken", erklärt die Band. Während frühere Alben beim Erkunden verschiedener musikalischer Gefilde fast spielerisch wirkten, ist Nine das Zeugnis einer Band, die ihr Terrain genau kennt und ihre Position in dieser vielfältigen Klanglandschaft festigt.

Mit Afterlight legt das Londoner Indie-Quartett Starter Car ein beeindruckendes Debüt vor, das sofort unter die Haut geht. Gegründet von Songwriter Oisean Burnett nach seinem Umzug aus Glasgow, hat sich die Band schnell als Geheimtipp der South London Szene etabliert. Ihr Sound verbindet warmen, country-inspirierten Indie mit introspektiven Texten über Angst, Verlust und Hoffnung. Produziert von Joe Futák und veredelt durch Kollaborationen aus der Szene, entfaltet sich ein organisch gewachsenes Klangbild voller Harmonien, Fiddle, Banjo und emotionaler Tiefe. Zwischen melancholischer Reflexion und euphorischem Aufbruch entsteht ein Album, das gleichermaßen tröstet und mitreißt - ein intensives Hörerlebnis zwischen Schönheit und Zerbrechlichkeit. With Afterlight, London-based indie outfit Starter Car deliver a striking debut that resonates instantly. Formed by songwriter Oisean Burnett after relocating from Glasgow, the band quickly became a standout in the South London scene. Their sound blends warm, country-influenced indie with deeply introspective songwriting, exploring themes of anxiety, loss and hope. Produced by Joe Futák and enriched by collaborations within the scene, the album unfolds as an organic sonic landscape full of lush harmonies, fiddle, banjo and emotional nuance. Balancing melancholy reflection with uplifting energy, Afterlight captures a rare emotional intensity - a compelling listening experience poised between beauty and vulnerability.

"There Near" ist das sechste Studio-Album, das DINOSAUR JR. seit ihrer gefeierten Wiedervereinigung vor 20 Jahren aufgenommen haben. Zwar gab es seit "Sweep It Into Space" vor fünf Jahren einige Live Veröffentlichungen und Archivsammlungen, doch nichts kommt an ein komplett neues Album voller frischer DINO Songs heran. Und auf "There Near" stehen sämtliche Regler auf Anschlag. Das Album entstand in kurzen, intensiven Arbeitsphasen über den Zeitraum eines Jahres hinweg in den Bisquiteen Studios in Amherst. Aufgenommen wurde es nahezu vollständig vom Kerntrio der Band: Schlagzeuger Murph, Bassist und Sänger Lou Barlow sowie Gitarrist und Sänger J Mascis. Unterstützung kam lediglich durch einige Piano- und Orgelparts von Ken Mauri. Das Ergebnis entfaltet von Anfang bis Ende eine enorme Wucht. Der Gitarrensound von Mascis klingt auf "There Near" noch ursprünglicher und animalischer als gewohnt, was möglicherweise auch an einem kürzlich erworbenen Mesa Boogie MK 1 Verstärker aus den 1970er Jahren liegt. "Ich habe denselben Verstärker gekauft, den Chris Dixon hatte, als wir unser erstes Album aufgenommen haben", erklärt Mascis. "Chris hat uns damals bei sich zu Hause mit genau diesem Amp aufgenommen. Er hat einen wirklich interessanten Klang, den ich schon lange nicht mehr hinbekommen habe. Genau zu diesem Sound wollte ich auf diesem Album zurück. Die ROLLING STONES begannen in den 70ern Mesa Boogies zu benutzen, nachdem sie SANTANA damit gehört hatten. Danach machten es THE CLASH nach und so weiter. Mit den späteren Modellen wurde der Sound zunehmend Metal-lastiger. Aber der MK 1 klingt wie ein aufgemotzter Fender. Man hört immer wieder, dass Rick Rubin Bands dazu bringt, ihr erstes Album zu hören und zu sagen: Lasst uns wieder zu diesem Sound zurückkehren. Also habe ich mir seinen Rat einfach selbst gegeben." Auf die Frage nach der oft schwer greifbaren Bedeutung seiner Texte antwortet Mascis: "Wenn ich einen Song schreibe, weiß ich oft selbst nicht genau, worum es darin geht. Ich schätze, die Bedeutung zeigt sich irgendwann von allein. Ich verwende einfach die Worte, die funktionieren. Vieles wird auch von irgendeinem esoterischen Kram beeinflusst, den ich gerade lese. Ich versuche, nicht zu viel darüber nachzudenken. Mich nervt es, dass Spotify inzwischen alle Songtexte anzeigt. Wo bleibt da der Spaß?" Mit "There Near" setzen DINOSAUR JR. ihre Reihe von mittlerweile zu Klassikern mutierten Alben fort. Die neuen Songs dürften mit ihren gewaltigen Riffs live ebenso eindrucksvoll funktionieren wie die Klassiker des Bandschaffens. Bis die Band wieder auf der Bühne zu erleben ist, wird "There Near" ein treuer Begleiter sein. Je näher, desto besser.

Splatter Vinyl, exklusiv via 375 Media. "There Near" ist das sechste Studio-Album, das DINOSAUR JR. seit ihrer gefeierten Wiedervereinigung vor 20 Jahren aufgenommen haben. Zwar gab es seit "Sweep It Into Space" vor fünf Jahren einige Live Veröffentlichungen und Archivsammlungen, doch nichts kommt an ein komplett neues Album voller frischer DINO Songs heran. Und auf "There Near" stehen sämtliche Regler auf Anschlag. Das Album entstand in kurzen, intensiven Arbeitsphasen über den Zeitraum eines Jahres hinweg in den Bisquiteen Studios in Amherst. Aufgenommen wurde es nahezu vollständig vom Kerntrio der Band: Schlagzeuger Murph, Bassist und Sänger Lou Barlow sowie Gitarrist und Sänger J Mascis. Unterstützung kam lediglich durch einige Piano- und Orgelparts von Ken Mauri. Das Ergebnis entfaltet von Anfang bis Ende eine enorme Wucht. Der Gitarrensound von Mascis klingt auf "There Near" noch ursprünglicher und animalischer als gewohnt, was möglicherweise auch an einem kürzlich erworbenen Mesa Boogie MK 1 Verstärker aus den 1970er Jahren liegt. "Ich habe denselben Verstärker gekauft, den Chris Dixon hatte, als wir unser erstes Album aufgenommen haben", erklärt Mascis. "Chris hat uns damals bei sich zu Hause mit genau diesem Amp aufgenommen. Er hat einen wirklich interessanten Klang, den ich schon lange nicht mehr hinbekommen habe. Genau zu diesem Sound wollte ich auf diesem Album zurück. Die ROLLING STONES begannen in den 70ern Mesa Boogies zu benutzen, nachdem sie SANTANA damit gehört hatten. Danach machten es THE CLASH nach und so weiter. Mit den späteren Modellen wurde der Sound zunehmend Metal-lastiger. Aber der MK 1 klingt wie ein aufgemotzter Fender. Man hört immer wieder, dass Rick Rubin Bands dazu bringt, ihr erstes Album zu hören und zu sagen: Lasst uns wieder zu diesem Sound zurückkehren. Also habe ich mir seinen Rat einfach selbst gegeben." Auf die Frage nach der oft schwer greifbaren Bedeutung seiner Texte antwortet Mascis: "Wenn ich einen Song schreibe, weiß ich oft selbst nicht genau, worum es darin geht. Ich schätze, die Bedeutung zeigt sich irgendwann von allein. Ich verwende einfach die Worte, die funktionieren. Vieles wird auch von irgendeinem esoterischen Kram beeinflusst, den ich gerade lese. Ich versuche, nicht zu viel darüber nachzudenken. Mich nervt es, dass Spotify inzwischen alle Songtexte anzeigt. Wo bleibt da der Spaß?" Mit "There Near" setzen DINOSAUR JR. ihre Reihe von mittlerweile zu Klassikern mutierten Alben fort. Die neuen Songs dürften mit ihren gewaltigen Riffs live ebenso eindrucksvoll funktionieren wie die Klassiker des Bandschaffens. Bis die Band wieder auf der Bühne zu erleben ist, wird "There Near" ein treuer Begleiter sein. Je näher, desto besser.

Eighteen months on from the runaway success of The Only Place I Know — the debut that crashed in at #1 on the ARIA charts and #2 on the ARIA Vinyl Chart — Lake Macquarie's Surf Trash are back, and they're not watering it down. Their sophomore album No Chaser lands neat, on the rocks, no apologies: ten tracks of melodic surf-pop-punk hammered out by a band that has clearly spent the last year sharpening every edge.

It's a record you can hear the kilometres in. Between The Only Place I Know and now, Andrew Scott, Lachlan Jackson, Patrick Russell and Nick Scott have torn through a sold-out national run, criss-crossed the UK and Europe, and made a habit of leaving rooms louder than they found them. No Chaser carries the dust from all of it — bigger choruses, leaner production, a touch more bruise underneath the gloss. There's still that windows-down, salt-on-the-windscreen feel that made the debut impossible to ignore, but it's wired into songs that swing harder and cut deeper. Less wistful afternoon, more last-light drive home with the volume creeping up.

The four-piece make melodic surf-pop-punk that sounds great turned up loud — driving in your mate's car on the way back to the beach. Their debut, The Fire Note wrote, "delivers a dynamic debut… blending raw energy, introspective depth, and timeless indie rock flair." Manchester World called their first show on UK soil "epic… high energy and great song after great song," and the live reputation has only grown since: a band that's earned every inch of the ceiling it now hits.

No Chaser is the sound of them no longer waiting for permission. Singalong harmonies, fast tempo changes, good old-fashioned rock 'n' roll with a sense of urgency.

Mit Woodstock Experience kehrt der Spirit einer ganzen Generation zurück - eingefangen auf einer außergewöhnlichen Picture Disc Vinyl. Diese sorgfältig kuratierte Compilation versammelt ikonische Künstler, die den Sound der späten 60er und frühen 70er geprägt haben. Von Folk und Psychedelia bis hin zu Blues und ersten Rock-Explosionen entsteht ein authentisches Klangbild der Woodstock-Ära. Mit remasterten Originalaufnahmen von u. a. Joan Baez, Bob Dylan, Santana und Lee Hazlewood bietet diese Veröffentlichung eine musikalische Zeitreise voller Atmosphäre und kultureller Bedeutung. Ein visuell und klanglich starkes Sammlerstück, das den Geist von Freiheit, Aufbruch und musikalischer Vielfalt perfekt widerspiegelt.

Emerging in the early 2020’s - Static Abyss is a monstrous hybrid of twisted, doom-laden brutal death, comprising of longstanding members of the US metal scene. The band consists primarily of the duo of Deathgrave’s Greg Wilkinson (Guitars/bass) & Chris Reifert (vocals), both also members of legendary American masters of sickness, Autopsy, with Chris also notably starting his career with genre pioneers, Death. The band’s debut, ‘Labyrinth Of Veins’ was released in 2022, & their second album ‘Aborted From Reality’ followed in quick succession, surfacing in 2023.

Returning now for Static Abyss’ third studio album, & with the addition of Chad Gailey of fellow death merchants Necrot behind the drumkit for this release, ‘The Dying Hunt’ plummets the listener again into the festering, psychedelic swamps of lunacy, with the spiralling melodies texturing the relentless savage riffs for an effective nightmare inducing trip through the sonic abyss. Continuously & relentlessly flitting between brutal passages & hypnotic otherworldly craziness, ‘The Dying Hunt’ reflects the ailing world & the unravelling of the psyche of its inhabitants in this darkly dystopian landscape, for a masterful descent into sick Death Metal combined with Crust & Doom elements.

‘The Dying Hunt’ was recorded at Earhammer Studios in Oakland, CA, with engineering, mixing & mastering overseen by Greg Wilkinson himself. Cover art comes courtesy of Jon Santos.

This edition of ‘The Dying Hunt’ is presented on limited yellow marble vinyl, including printed inner sleeve with lyrics.

Andy Bell, Erasure-Frontmann und Electro-Pop-Legende, veröffentlicht mit "Extended Blue" sein Solo-Debütalbum "Electric Blue" (2005) als limitierte Deluxe-Edition auf dreifarbig-blauem Vinyl neu. "Electric Blue" - samt den Duetten mit Claudia Brücken (xPropaganda) und Jake Shears (Scissor Sisters) - wurde gemeinsam mit Manhattan Clique geschrieben und produziert, einem Duo, das zwei Jahrzehnte lang die Welt der Pop-Dance-Club-Remixe dominierte und mit Weltstars (Katy Perry, Britney Spears, Lady Gaga, OneRepublic, Moby) und wegweisenden Electronic-Acts (The Human League, Soft Cell, OMD, The B-52s und natürlich Erasure) zusammenarbeitete.

Die Deluxe-3LP enthält zudem sämtliche Bonustracks & B-Seiten der "Electric Blue"-Sessions erstmals auf Vinyl. Das Deluxe-Booklet kommt mit ausführlichen Liner Notes des Classic Pop-Autors John Earls samt Interviews mit Andy Bell und den Manhatten Clique-Produzenten Philip Larsen & Chris Smith, sowie unveröffentlichten Fotos aus der 2005er Session mit dem renommierten britischen Fotografen Tim Flach. Bei Erasure- und Electro-Pop-Fans zählt "Electric Blue" weithin als 'verlorenes Juwel', da kurz nach Veröffentlichung das damalige Label Sanctuary Records zusammenbrach und dieses herausragende Album sein Potential nicht vollständig ausschöpfen konnte.

Eine streng limitierte Erstauflage der 3LP enthält zusätzlich die CD "Extended Blue" mit dem identischen Tracklisting des Vinylformats.beitete.

Der finnische Sänger Bobby Oroza veröffentlicht sein Debütalbum This Love bei Big Crown Records. Das Label aus New York City ist bereits Heimat von Bands wie Lee Fields & The Expressions, The Shacks und El Michels Affair. Bobby ist in Helsinki geboren und in einer Musiker- und Künstlerfamilie aufgewachsen. Zu Bobbys Glück hatten seine Eltern eine große Plattensammlung mit frühem Jazz, Blues, Motown-Hits, Gospelchören und Doo-Wop-Gruppen wie The Drifters und The Clovers, aber auch Alben aus Brasilien und Afrika, Folksongs aus Nord- und Südamerika von Bobbys Mutter und Salsa-Musik aus New York. All diese Einflüsse sind heute in Bobbys Musik hör- und spürbar. Auf Kuba studierte er monatelang intensiv Schlagzeug und Gesang. Mit Cold Diamond & Mink, der Hausband von Timmion Records, bestehend aus Bandleader Jukka Sarapää, Sami Kantelinen und Gitarrist/Komponist Seppo Salmi, bildet er ein brillantes Quartett, mit dem er seine Vision in Musik umsetzt. CD&M liefern mit ihren LoFi-Instrumentals die perfekte Untermalung für Bobbys verrauchte Tenorstimme, die Herzen brechen und schmelzen lässt. Der bereits 2016 als 7" Single veröffentlichte Titelsong "This Love" ist längst zum Hit in Lowrider-Kreisen geworden und wurde auf "Hat Trick" von Odd Future Rapper Earl Sweatshirt gesamplet. Der Song ist mit seinen harten Drums, den wilden Riffs, dem vergrabenen Bass und Bobbys verhaltenem, aber intensivem Gesang ein Muss für Soul-Sammler und hat sich als 7? mehr als 3.000 Mal verkauft. Der Song "Your Love Is Too Cold" ist ein Stomper, der Soul-Grooves früher Motown-Stücke mit Gitarrenriffs aus einem Funk-Soundtrack von James Brown mischt und schon jetzt weltweit auf allen Soul-Partys schwer angesagt ist. Bobby hat einiges für die Tänzer im Publikum in petto: Stücke wie "Lonely Girl" und "Falling in Love" sind Verneigungen vor dem Northern Soul, "Keep On Believing" liefert Jazz-Funk wie aus den Siebzigern. Aber "This Love" wendet sich vor allem an die Balladenliebhaber, die voller Sehnsucht in die Nacht schauen. Mit Songs wie "Alone Again", "Down On My Knees" und "Deja Vu" beschwört er eine intensive, leicht abgründige Sinnlichkeit. Eine einzigartige Spielart von Soul, made in Finland.

Mike D veröffentlicht sein Debütalbum Thank You und damit das erste vollständige Album mit neuer
Musik eines Beastie Boys-Albums seit 2011. Das Album verfolgt seine Ursprünge bis zu einer Reihe von
experimentellen Aufnahmesessions in Mikes Heimstudio und bietet ein Dutzend klanglich post-elektronischer
Grooves und hypnotischer Hooks zusammen mit Mike Ds unverkennbare Stimme.
Das Album erscheint als CD und auf „clear“ Vinyl.

Swiss hard rock veterans Shakra return with renewed fire and unstoppable energy on *Just Live Loud*, their explosive new studio album and the band’s very first release through Frontiers Music Srl. Fueled by massive riffs, soaring melodies, and the unmistakable chemistry that has defined Shakra for decades, the album captures the spirit of classic European hard rock while pushing the band into a heavier, more modern sonic territory. Produced with a raw yet polished approach, *Just Live Loud* delivers a powerful mix of thunderous anthems, emotionally charged ballads, and adrenaline-fueled rockers designed for both festival stages and late-night highway drives. From razor-sharp guitar work and pounding rhythms to towering vocal hooks, every track reflects the band’s commitment to authenticity, passion, and pure rock’n’roll attitude. Lyrically, the album celebrates resilience, freedom, brotherhood, and the determination to live life at full volume — themes that resonate deeply with the band’s own journey through the international hard rock scene. *Just Live Loud* also marks an exciting new chapter for Shakra, combining the experience and songwriting strength of their legacy years with a fresh creative momentum that feels more vital than ever. With this landmark release, Shakra reaffirm their status as one of Switzerland’s premier hard rock exports and prove that true melodic heavy rock is alive, loud, and ready to conquer a new generation of fans.

Secret South zeigt die Band auf ihrem dunkelsten, weitläufigsten Terrain: eine fiebrige Mischung aus Gothic Americana, Folk, Country-Anklängen und okkult schimmernder Schwermut. Bandoneon, Banjo, Hurdy-Gurdy und entrückter Gesang formen einen Sound, der fernab jeder Moderne wirkt und dennoch zeitlos bleibt - archaisch, intensiv und voller Sogkraft. Während die Stücke zwischen asketischer Kargheit und opulenter Weite pendeln, entfaltet sich die volle emotionale Wucht eines Albums, das bis heute Kultstatus besitzt.

Mit "Hoarse" legten 16 Horsepower 2000 ein Live-Album der Extraklasse vor. Die elf Songs, aufgenommen 1998 in Denver und Paris, zeigen die Band auf der Höhe ihres Schaffens, mehr noch, die hier zu hörenden Versionen der Songs ihrer Studioklassiker "Low Estate" und "Sackloth"n"Ashes" sind nahe der Perfektion. Was für eine Kraft, was für eine Wucht! Von dem von David Eugene Edwards" Akkordeon dominierten Intro des Openers "American Wheeze" braucht es keine zwei Minuten, bis die Band die Hölle losbrechen lässt. 16 Horsepower waren anno 1998 eine Maschine, die alles niederwalzte - nicht brutal, aber immer gewaltig. Dabei blieben sie stets filigran, beherrschten auch die leisen Töne (man höre nur "Bad Moon Risin""!) in gleicher Souveränität wie das volle Brett. Neben dem CCR-Cover gibt es Gun Clubs "Fire Spirit" sowie ein fulminante Version von Joy Divisions "Day Of The Lords". Wer die Band jemals live erlebt hat, weiß um die Magie solcher Momente.

Emerging in the early 2020’s - Static Abyss is a monstrous hybrid of twisted, doom-laden brutal death, comprising of longstanding members of the US metal scene. The band consists primarily of the duo of Deathgrave’s Greg Wilkinson (Guitars/bass) & Chris Reifert (vocals), both also members of legendary American masters of sickness, Autopsy, with Chris also notably starting his career with genre pioneers, Death. The band’s debut, ‘Labyrinth Of Veins’ was released in 2022, & their second album ‘Aborted From Reality’ followed in quick succession, surfacing in 2023.

Returning now for Static Abyss’ third studio album, & with the addition of Chad Gailey of fellow death merchants Necrot behind the drumkit for this release, ‘The Dying Hunt’ plummets the listener again into the festering, psychedelic swamps of lunacy, with the spiralling melodies texturing the relentless savage riffs for an effective nightmare inducing trip through the sonic abyss. Continuously & relentlessly flitting between brutal passages & hypnotic otherworldly craziness, ‘The Dying Hunt’ reflects the ailing world & the unravelling of the psyche of its inhabitants in this darkly dystopian landscape, for a masterful descent into sick Death Metal combined with Crust & Doom elements.

‘The Dying Hunt’ was recorded at Earhammer Studios in Oakland, CA, with engineering, mixing & mastering overseen by Greg Wilkinson himself. Cover art comes courtesy of Jon Santos.

This edition of ‘The Dying Hunt’ is presented on limited yellow marble vinyl, including printed inner sleeve with lyrics.

Es gibt eine unbestreitbare Verbindung zwischen dem Süden und Ereignissen außerirdischen Ursprungs. Vom eklektischen Jazz-Guru Sun Ra bis zum deutschen Raketenwissenschaftler Wernher von Braun - Alabama hatte schon immer mehr als nur einen reißenden Anteil an Verbindungen zum Weltraum und zu Dingen außerirdischen Ursprungs. So war es auch bei ,Man or Astro-Man?", die vor einigen Jahren in einer kleinen Universitätsstadt in Alabama ankamen bzw. dort eine Bruchlandung hinlegten. Als sie ihre Plattensammlungen wiederentdeckten, die lange Zeit auf vergessenen Dachböden verstaut oder hinter Regalen mit alten Zeitschriftenausgaben in zahlreichen heruntergekommenen Secondhand-Läden in Alabama versteckt waren, verliebten sich die Mitglieder von ,Man or Astro-Man?" in die verkratzten Klänge von Link Wray, The Ventures, Dick Dale, The Shadows und Duane Eddy - also in Instrumental-Gitarren- und Surf-Musik der späten Fünfziger und frühen Sechziger. Gleichzeitig hatten bizarre Bühnenbilder und Auftritte von Kraftwerk, Sun Ra, Devo, Frank Zappa, The Sputniks und natürlich den Residents großen Einfluss auf die sich rasch entwickelnde Truppe. Dennoch war es das erzwungene Leben in einer hoffnungslos konservativen Kleinstadtumgebung, das Man or Astro-Man? dazu brachte, das Offensichtliche hinter sich zu lassen und sich viel stärker von dem beeinflussen zu lassen, was sie hassten, als von dem, was ihnen eigentlich gefiel. Im Grunde könnte man sagen, dass Man or Astro-Man? weitaus stärker von College-Football und muskelbepackten Verbindungs-Spinnern beeinflusst waren als von Science-Fiction. Die Band trieb es, besonders bei Live-Auftritten, auf die Spitze, so lächerlich wie möglich zu sein, und verspottete dabei ernsthafte ,alternative" Acts und mit ihnen die Musikindustrie selbst. ,Experiment Zero" (1996) war ihr Debütalbum bei Touch and Go. Es wurde in drei Tagen im eigenen Studio von Man or Astro-Man?, dem ,Zero Return" in Alabama, zusammen mit Steve Albini aufgenommen und gilt als eines der großartigen modernen, vom Surf-Stil beeinflussten Gitarren-Instrumentalalben. Da Man or Astro-Man? ,Experiment Zero" als ihr Meisterwerk der langen Entwicklung der Surf-Musik etablieren wollten, begannen sie, sich schneller als je zuvor weiterzuentwickeln. Sie veränderten ihren Sound weiter und erweiterten den Einsatz von Samples, Computerprogrammierung, Keyboards, elektronischen Spielereien sowie experimentellem analogem Schneiden und Einfügen von Tonband. Obwohl das Album von der Kritik weithin gelobt wurde, mussten sich langjährige Fans erst einmal daran gewöhnen. Wo die meisten Bands müde geworden wären oder einfach immer wieder dasselbe Album im Kreis gedreht hätten, erfanden sich Man or Astro-man? und ihre Live-Auftritte immer wieder neu.

The compositions recorded here are a product of work with computers in synthetic speech, song and vocal sounds and were created between 1972 and 1975. The music was realized on two different computer music systems and takes advantage of, and attempts to extend and explore their features. The system employed to realize speech songs was created at the Bell Telephone Laboratories for research in synthetic speech and speech communication. Since the system was not designed for musical purposes, its limitations were severe and its musical use a great (and often rewarding) challenge. The system used for In Celebration and The Story of Our Lives was designed with the expressed purpose of creating synthetic musical voices, and was therefore much better suited to the task at hand. As with any high technology project, there was extensive collaboration in the production of the works.

The works on this disk are called computer music because the sounds were created numerically in a computer before reaching magnetic tape and loudspeakers. The computer did not compose the music. However, it was only used as a sound synthesis and analysis medium. In order to hear the sounds which are represented in the computer as successions of numbers it was necessary to attach a digital-to-analogue converter to the computer. The converter transformed the succession of numbers into a fluctuating voltage which was recorded directly on to audio tape.

The technique used to create the synthetic voices is called speech synthesis-by-analysis. For this method of speech synthesis, only those words, phrases and sentences which have been spoken into the computer previously (via an analogue-to-digital converter) may be synthesized. First the digitally-recorded speech is analyzed by programs which extract the attributes (parameters) of the speech for short time segments (.01 sec.). From these parameters the speech may be recreated in a form which resembles the original recording very closely. But for musical purposes the parameters are most often altered before synthesis. It is possible, for example, to change the natural pitch contour of the speech into a melodic line or to change the speech speed without altering the natural pitch level.

The variety of musical patterns which may be created from the analytic parameters is limited only by the composer's imagination. Most of the speech sounds on the recording were created by changing the pitch and duration attributes of the original on resynthesis, but for a few, the resonances (the formants) of the speech were altered as well. The voice of the book in The Story of Our Lives was created by replacing the program which simulates the sound of the human vocal cords with one consisting of 64 sine tones glissandoing at different rates. All the textures in which more than one voice is heard were obtained by mixing the synthetic voices together digitally.

Mommy’s Little Monster, veröffentlicht 1983, ist das erste Album von Social Distortion. Es wurde in einer einzigen Session aufgenommen und enthält die Single ”Another State of Mind”. All Music bezeichnete das Album als ”Inbegriff des kalifornischen Vorstadt-Punks der frühen 80er Jahre und als Inspiration für viele spätere Kalifornier, darunter The Offspring und Rancid” und sagte, dass es ”die Band mit viel Attitüde und Aggression ausstattet, während sie sich durch neun Tracks voller harter, schneller, mit Powerchords gefüllter Tracks mit knurrigen Anti-Establishment-Texten und - Themen kämpft”.

Zu dem 40-jährigen Jubiläum wird es das Album neu gemastert von den analogen Originalbändern und auf 180-Gramm-Vinyl gepresst geben. Enthalten sein wird das Album die neun Originalsongs, darunter den Titeltrack ”Mommy’s Little Monster” und die Single ”Another State of Mind”.

Ab dem 10.11.2023 als 1LP verfügbar sein.

In 2023 we began our hugely successful 80s 12” series on CD – a year-by-year journey through the greatest 12” singles from the decade, and in 2024 we presented a selection of tracks from 1980-1982 as the first volume in our collectible vinyl boxset series, followed by Volume Two celebrating 1983-1984 in 2025.

This year, Now Music is proud to announce the third instalment in this essential collection, NOW Presents…12" 80s: Volume Three: 1985-1986, as a stunning 5-LP boxset. A limited edition and numbered set with each of the 5-LPs pressed on a different colour vinyl – red, yellow, blue, hot pink and lime green – to be released on July 17th, 2026, and for many of these tracks this marks the first time back on vinyl since their original 12” release!

Opening with one of the decade’s most powerful rock anthems, Queen’s ‘One Vision’ appears in its Extended Version, ahead of Eurythmics’ euphoric ‘There Must Be An Angel (Playing With My Heart)’ in the Special Dance Mix and Dead Or Alive’s irresistible ‘You Spin Me Round (Like A Record)’. Side A closes with Frankie Goes To Hollywood and the epic ‘Welcome To The Pleasuredome (An Alternative To Reality)’. Flip the LP over for more iconic 12” versions from 1985, beginning with Tears For Fears and the UK Extended Version of ‘Shout’, alongside Go West’s ‘We Close Our Eyes (The Total Overhang Mix)’, the massive soundtrack hit ‘Don’t You (Forget About Me)’ from Simple Minds and Arcadia’s sophisticated ‘Election Day (Consensus Mix)’.

LP2 opens with four defining tracks that perfectly capture the electronic and cinematic sound of the mid-80s. Paul Hardcastle’s groundbreaking hit ‘19 (The Destruction Mix)’ leads into two instrumental classics: Harold Faltermeyer’s ‘Axel F’ and Jan Hammer’s ‘Miami Vice Theme’, both featured in their Extended Versions, before Propaganda’s peerless ‘Duel (Bitter-Sweet)’ closes the side. Side B showcases some of the era’s biggest dancefloor favourites, from Mel & Kim’s ‘Showing Out (Get Fresh At The Weekend)’ and Gwen Guthrie’s enduring club anthem ‘Ain’t Nothin’ Goin’ On But The Rent’, to Aretha Franklin’s ‘Who’s Zoomin’ Who?’ in its Dance Mix and the soul-pop brilliance of Loose Ends’ ‘Hangin’ On A String (Extended Dance Mix)’.

LP3 brings together some of the decade’s most beloved pop and rock crossover hits. Side A opens with the powerhouse pairing of Philip Bailey and Phil Collins on ‘Easy Lover (Extended Dance Remix)’, followed by Bonnie Tyler’s dramatic ‘Holding Out For A Hero (Club Mix)’ and Pat Benatar’s classic ‘Love Is A Battlefield (Extended Version)’. Stephen Duffy’s infectious ‘Kiss Me (Mixe Plural)’ precedes The Human League’s U.S. #1 ‘Human (Extended Version)’. Over on Side B, Duran Duran lead with the ‘Extended Mix’ of ‘Notorious’ before a run of timeless dance-pop including Sly Fox’s ‘Let’s Go All The Way’, Jellybean’s ‘Sidewalk Talk’ and Maria Vidal’s ‘Body Rock’, culminating with Ashford & Simpson’s club classic ear-worm ‘Solid (Special Club Mix)’.

LP4 opens with huge examples of sophisticated synth-pop and dance-floor innovation from 1986. Pet Shop Boys’ era-defining ‘West End Girls (Dance Mix)’ is joined by New Order’s influential ‘Bizarre Love Triangle (Extended Dance Mix)’. Up next, Red Box’s pure-pop of ‘For America (Bazooka Mix)’ and Nick Kamen’s breakthrough hit ‘Each Time You Break My Heart (Extended Version)’. The reverse side celebrates some of the biggest floor-fillers of 1986 – all in their 12” Versions, beginning with The Communards with Sarah Jane Morris and their unforgettable #1 version of ‘Don’t Leave Me This Way’, alongside Bronski Beat’s ‘Hit That Perfect Beat’, Bananarama’s global smash ‘Venus’ and Five Star’s ‘Can’t Wait Another Minute’ in its ‘M&M New York Remix’ form.

The final LP opens with a side packed with some of the most enduring dance-pop and of the era. Whitney Houston’s ‘How Will I Know (Dance Remix)’ is followed by Steve Winwood’s uplifting ‘Remix’ of his massive hit ‘Higher Love’, the celebrated ‘Shep Pettibone Remix’ of Level 42’s ‘Lessons In Love’ and Bryan Ferry’s elegant and atmospheric ‘Slave To Love (12" Remix)’, whilst over on the final side some of the years’ most distinctive and innovative sounds are showcased: Big Audio Dynamite’s genre-blending ‘E=MC2 (12 Inch Remix)’ and Furniture’s cult classic ‘Brilliant Mind (12" Mix)’ feature alongside Talk Talk’s majestic ‘Extended Mix’ of ‘Life’s What You Make It’, and to close this superb collection, the full ‘Extended Version’ of Spandau Ballet’s powerful ‘Through The Barricades’ provides a fitting finale, bringing together 42 essential 12” versions from 1985 and 1986 across five superb LPs.

Jungle cemented their status as a major global force with their 2023 album ‘Volcano’ - a record that earned them their first BRIT Award and featured their worldwide smash hit single ‘Back On 74’. The trio - J Lloyd, Tom McFarland and Lydia Kitto - return with their eagerly anticipated new album ‘Sunshine’ set for release on August 14th. The album is launched alongside the new single ‘Carry On’, which was premiered as BBC Radio 1’s Hottest Record. Along with the single release and album announcement, Jungle have also confirmed details of their forthcoming global headline tour this autumn, which includes arena shows spanning three continents. 'Sunshine' will be available digitally and across a range of physical formats: standard black vinyl, 'desert peach' vinyl, translucent brown marble vinyl — all as single gatefold LPs — plus a digipak CD.

Mit Sowas von Egal Vol. 3 setzt das Hamburger DJ-Kollektiv Damaged Goods seine gefeierte Compilation-Reihe auf Bureau B fort - und richtet den Fokus erneut auf die subversiven Untergrundszenen im deutschsprachigen Raum der frühen 1980er Jahre. Abseits der kommerziellen NDW entstand eine kreative Parallelwelt: Bands zwischen Post-Punk, New Wave, Synth-Pop und Avantgarde veröffentlichten ihre Musik in kleinsten Auflagen oder im DIY-Kontext - roh, kantig und radikal eigenständig. Die hier versammelten Tracks spiegeln eine Zeit zwischen Aufbruch und Unsicherheit wider, geprägt von "No Future"-Attitüde, politischem Druck und künstlerischer Freiheit. Tanzbar, direkt und oft überraschend eingängig: Sowas von Egal Vol. 3 macht vergessene Schätze wieder hörbar - und holt sie zurück auf den Dancefloor.

Lange vergriffen, jetzt in einer neuen Auflage mit Obi erhältlich, Transparentes Doppelvinyl in Orange und Blaugrün. ,A Certain Distance" (2009) gilt als das vielleicht beliebteste Album von Lusine, auf dem unter anderem die bahnbrechende Single ,Two Dots" zu finden ist. Seit seinen frühen Veröffentlichungen als Lusine bilden Jeff McIlwains elektronische Experimente eine der vielfältigsten Diskografien der letzten anderthalb Jahrzehnte. Mühelos verwischt er die Grenzen zwischen Techno, Electro-Pop und experimenteller Komposition - die Arrangements des in Seattle ansässigen Produzenten sind akribisch konstruiert, aber auch voller Emotionen und Seele. ,Aber noch nie war das Seltsame so unterhaltsam wie auf A Certain Distance. Die Mischung aus Ambient, experimenteller Electronica, üppigen Melodien und durchdachten Beats sorgt für fesselnden Hörgenuss _ das Album hat zudem eine filmische Qualität. Bilder strömen in deinen Kopf, während du zuhörst - ein Soundtrack zu tausend imaginären Szenen." - Clash Magazine

Die Deluxe-Vinyl-Edition des letzten Albums von TBF. Enthält die zwei LPs (Horrorful Heights) plus eine weitere LP (Horrorful Offal) in einem schönen Schuber mit Stanzung sowie eine Download-Karte. Diese besondere Deluxe-Ausgabe vereint "Horrorful Heights" mit dem begleitenden Bonus-Album "Horrorful Offal" (11-Song-Extra-Album mit Outtakes und Sessiontracks). Horrorful Heights markiert ein beeindruckendes neues Kapitel im umfangreichen Werk von The Bevis Frond und zeigt die anhaltende Kreativität des Songwriters, Gitarristen und Frontmanns Nick Saloman, der nun in ein weiteres Jahrzehnt als Musiker startet. Seit langem als eine der markantesten Stimmen des britischen Underground-Rock etabliert, verfeinert Saloman weiterhin die Qualitäten der Band aus melodischer Psychedelia, drahtigen Gitarrenepen und Songwriter-Kunst. Einer der zugänglichsten Einstiege in die Bevis Frond Welt, welcher alle Stärken zu einem zusammenhängenden, lebendigen Ganzen vereint. Das Album bewegt sich fließend zwischen klirrendem Psych-Pop, schweren Gitarrenriffs und pastoralen Träumereien. Die Bandbreite des Albums ist groß, aber klar definiert. "Draining The Bad Blood" erinnert an den klassischen Bevis-Frond-Stil melodisch inspirierten Gitarrenpops der 60er Jahre, "Space Age Eyes", eine prägnante neunminütige Odyssee, verweist auf die transzendentalen Erkundungen des elektrischen Miles Davis der 70er Jahre. Der mit Sitar untermalte Titeltrack driftet durch rauchige Psychedelia mit mehrstimmigem Gesang und geschichteten Tablas - ein liebevolles Echo der Headshop-Mystik, mit der Saloman während der gesamten Bandgeschichte gespielt hat. An anderer Stelle verbindet "Mossback's Dream" lysergische Leads mit der treibenden Energie des amerikanischen Hardcore der 80er Jahre und schafft so einen Hybrid, der sowohl zeitlos als auch völlig eigenständig wirkt. Weitere Höhepunkte sind das von den Byrds beeinflusste "Buffaloed", das wirbelnde "Silver Insects" und "That's Your Lot", ein rasantes Feuerwerk melancholischer Euphorie und einer der unmittelbarsten Songs des Albums. Obwohl eklektisch anmutend, ist es ein fokussiertes Porträt von The Bevis Frond im Jahr 2025 - vital, melodisch und frei von Nostalgie. Saloman beschreibt die Sammlung ganz einfach: die besten Songs, die er in den letzten Jahren geschrieben hat, entstanden ohne Zwang und ganz instinktiv. Das Ergebnis ist ein Höhepunkt aus der Spätphase einer der stillsten einflussreichen Underground-Bands Großbritanniens.

Critical Thot ist das kraftvolle neue Kollaborationsalbum der in der Bay Area ansässigen Rapperin und Produzentin Sha Ray sowie der Produzentin und Elektronikmusikerin DJ Haram - zwei kompromisslose Künstlerinnen, die Rap und experimentellen Sound neu definieren. Es ist eine spannende Kombination: Haram ist die eine Hälfte des Duos 700 Bliss zusammen mit der Rapperin und Poetin Moor Mother und hat zudem mehrere Soloalben veröffentlicht - darunter Beside Myself (Hyperdub, 2025), das von der Kritik gefeiert wurde - sowie hochkarätige Kollaborationen mit BbyMutha, Fever Ray, Ghais Guevara und Armand Hammer.Währenddessen handelt es sich bei Critical Thot zwar um Sha Rays offizielles Debütalbum, doch ihr Ruf als aufstrebendes Talent der nächsten Generation eilte ihr bereits voraus. DJ Haram wurde 2022 auf sie aufmerksam, als sie Sha Ray bei einem Auftritt in Brooklyn sah: ,Wir haben uns vor Ort unterhalten, und danach habe ich ihr auf Social Media gefolgt. Sie hat eine unglaubliche Performance abgeliefert, also war ich sofort dabei, als sie mir später eine Nachricht geschrieben und nach Beats gefragt hat", erklärt Haram.Ein Armand Hammer/DJ Haram-Konzert in Los Angeles wurde schließlich zum entscheidenden Moment, an dem sich diese Verbindungen konkretisierten. Sha Ray reiste aus der Bay Area an, um sich mit Haram zu treffen. Auch wenn an diesem Tag noch keine Aufnahmen entstanden, bildete er den Ausgangspunkt für die spätere Zusammenarbeit über große Distanz hinweg, die in Critical Thot mündete. Das gesamte Album entstand remote: Haram produzierte Beats in Brooklyn und schickte sie an Sha Ray, die ihrerseits Demos und Anmerkungen zurücksandte. Während der Arbeit an diesem Projekt lernten sie sich sowohl künstlerisch als auch persönlich besser kennen.,Haram und ich haben viele ähnliche Erfahrungen als Frauen in der Musikindustrie gemacht, was unsere Verbindung enorm gestärkt hat. Außerdem hat mich ihr markanter Produktionsstil stark beim Schreiben dieses Albums inspiriert", sagt Sha Ray.Diese Texte sind messerscharf und erfrischend direkt. Sha Ray beweist schnell, dass sie in ihrer eigenen Liga spielt und selbst die komplexesten Produktionen von DJ Haram mühelos meistert, ohne an Energie zu verlieren. Haram schöpft aus dem Vollen und bewegt sich mit ihren Beats zwischen experimentell-abrasiven Sounds, geschmeidiger Leichtigkeit und dunkel bedrohlicher Atmosphäre. Perkussive Einschläge und Schüsse werden mit feinen Details und weichen Klangflächen kombiniert. Ein traplastiger Banger löst sich plötzlich in einem Strom aus Streichern auf, während eine minimale industrielle Klanglandschaft sich langsam zu einer wuchtigen, kakophonischen Rap-Attacke steigert. Sha Ray navigiert sich souverän und trotzig durch jede Drumstruktur und jeden Synthesizer.,Als Rapperin interessiere ich mich fast ausschließlich dafür, Misogynie und Sexualität in meiner Arbeit zu hinterfragen. Critical Thot ist eine Auseinandersetzung mit unapologetischer weiblicher Autorität und gleichzeitig eine ehrliche Reflexion darüber, wie komplex es ist, an Selbstobjektifizierung teilzuhaben und Sexualität als soziale Währung zu begreifen", erläutert Sha Ray. ,Auf diesem Album geht es stark darum, Macht in weiblicher Sexualität als etwas Relationales und ständig Wandelndes zu definieren - und damit als grundsätzlich unvollkommen. Aber es ist eine Macht, die ich habe, und ich werde sie nutzen."Critical Thot enthält Beiträge von Nappy Nina, JWords und Archangel.

Critical Thot ist das kraftvolle neue Kollaborationsalbum der in der Bay Area ansässigen Rapperin und Produzentin Sha Ray sowie der Produzentin und Elektronikmusikerin DJ Haram - zwei kompromisslose Künstlerinnen, die Rap und experimentellen Sound neu definieren. Es ist eine spannende Kombination: Haram ist die eine Hälfte des Duos 700 Bliss zusammen mit der Rapperin und Poetin Moor Mother und hat zudem mehrere Soloalben veröffentlicht - darunter Beside Myself (Hyperdub, 2025), das von der Kritik gefeiert wurde - sowie hochkarätige Kollaborationen mit BbyMutha, Fever Ray, Ghais Guevara und Armand Hammer.Währenddessen handelt es sich bei Critical Thot zwar um Sha Rays offizielles Debütalbum, doch ihr Ruf als aufstrebendes Talent der nächsten Generation eilte ihr bereits voraus. DJ Haram wurde 2022 auf sie aufmerksam, als sie Sha Ray bei einem Auftritt in Brooklyn sah: ,Wir haben uns vor Ort unterhalten, und danach habe ich ihr auf Social Media gefolgt. Sie hat eine unglaubliche Performance abgeliefert, also war ich sofort dabei, als sie mir später eine Nachricht geschrieben und nach Beats gefragt hat", erklärt Haram.Ein Armand Hammer/DJ Haram-Konzert in Los Angeles wurde schließlich zum entscheidenden Moment, an dem sich diese Verbindungen konkretisierten. Sha Ray reiste aus der Bay Area an, um sich mit Haram zu treffen. Auch wenn an diesem Tag noch keine Aufnahmen entstanden, bildete er den Ausgangspunkt für die spätere Zusammenarbeit über große Distanz hinweg, die in Critical Thot mündete. Das gesamte Album entstand remote: Haram produzierte Beats in Brooklyn und schickte sie an Sha Ray, die ihrerseits Demos und Anmerkungen zurücksandte. Während der Arbeit an diesem Projekt lernten sie sich sowohl künstlerisch als auch persönlich besser kennen.,Haram und ich haben viele ähnliche Erfahrungen als Frauen in der Musikindustrie gemacht, was unsere Verbindung enorm gestärkt hat. Außerdem hat mich ihr markanter Produktionsstil stark beim Schreiben dieses Albums inspiriert", sagt Sha Ray.Diese Texte sind messerscharf und erfrischend direkt. Sha Ray beweist schnell, dass sie in ihrer eigenen Liga spielt und selbst die komplexesten Produktionen von DJ Haram mühelos meistert, ohne an Energie zu verlieren. Haram schöpft aus dem Vollen und bewegt sich mit ihren Beats zwischen experimentell-abrasiven Sounds, geschmeidiger Leichtigkeit und dunkel bedrohlicher Atmosphäre. Perkussive Einschläge und Schüsse werden mit feinen Details und weichen Klangflächen kombiniert. Ein traplastiger Banger löst sich plötzlich in einem Strom aus Streichern auf, während eine minimale industrielle Klanglandschaft sich langsam zu einer wuchtigen, kakophonischen Rap-Attacke steigert. Sha Ray navigiert sich souverän und trotzig durch jede Drumstruktur und jeden Synthesizer.,Als Rapperin interessiere ich mich fast ausschließlich dafür, Misogynie und Sexualität in meiner Arbeit zu hinterfragen. Critical Thot ist eine Auseinandersetzung mit unapologetischer weiblicher Autorität und gleichzeitig eine ehrliche Reflexion darüber, wie komplex es ist, an Selbstobjektifizierung teilzuhaben und Sexualität als soziale Währung zu begreifen", erläutert Sha Ray. ,Auf diesem Album geht es stark darum, Macht in weiblicher Sexualität als etwas Relationales und ständig Wandelndes zu definieren - und damit als grundsätzlich unvollkommen. Aber es ist eine Macht, die ich habe, und ich werde sie nutzen."Critical Thot enthält Beiträge von Nappy Nina, JWords und Archangel.

Dim City is a very juicey and special boy crafting hypnotic club music where deep grooves, acid textures and raw emotion collide - if it feels good, proceed with caution. Rarely seen and never chasing trends, every release is treated as a statement—designed for late-night dance floors rather than algorithms. With a sound balancing underground house, leftfield electronics and timeless rhythm, Dim City lets the music speak louder than the artist, building a reputation through carefully selected releases and uncompromising quality.

Can we still have fun with house music? Lets get mad, juicey & fun together.

Erleben Sie die zeitlose Faszination der Country- und Westernmusik auf einer hochwertigen LP. Diese Compilation vereint unvergessliche Klassiker und präsentiert die größten Stimmen des Genres – authentisch, emotional und voller musikalischer Geschichte.

Mit legendären Künstlern wie Hank Williams, Patsy Cline, Willie Nelson, Elvis Presley und Johnny Cash bietet diese Vinyl-Ausgabe eine Auswahl der schönsten Country- und Western-Songs aller Zeiten. Von gefühlvollen Balladen über traditionelle Honky-Tonk-Klänge bis hin zu mitreißenden Klassikern – jede Seite dieser LP lädt zu einer musikalischen Reise durch das Herz Amerikas ein.

Highlights:

Große Country- & Western-Klassiker auf Vinyl

Mit den Legenden Hank Williams, Patsy Cline, Willie Nelson, Elvis Presley und Johnny Cash

Zeitlose Songs voller Emotion, Tradition und authentischem Country-Feeling

Ein Muss für Vinyl-Liebhaber und Fans klassischer Countrymusik

Ideal zum Sammeln, Verschenken und Genießen

Diese LP bringt den unverwechselbaren Klang der goldenen

Ära des Country & Western direkt auf Ihren Plattenspieler – ein musikalischer Schatz für alle Liebhaber echter Klassiker

YHWH Nailgun waren schon immer von einer schonungslosen Direktheit geprägt. Was einst als rohes Duo begann, hat sich längst zu einer kompromisslosen Band entwickelt, deren Klang ebenso aggressiv wie eigenständig ist. Mit ihrem neuen Album Magazine schärfen sie dieses Profil weiter und entziehen sich bewusst jeder klaren Einordnung. Das kurze, nur etwa elf Minuten lange Werk wirkt wie ein konzentrierter Ausbruch von Energie. Schon der Opener "Ghost of Love" baut sich langsam auf, bevor Schlagzeug und grelle Gitarren plötzlich mit voller Wucht einsetzen. Diese Idee des "Ein- und Ausblendens" verstehen sie nicht nur als Stilmittel, sondern als Hinweis darauf, dass ihre Musik über das Hörbare hinaus weiterexistiert. Im Vergleich zum Debüt 45 Pounds zeigt sich Magazine reduzierter und präziser. Das Schlagzeug klingt roher, fast karg, während der Fokus stärker auf Klarheit liegt-vor allem bei Zack Borzones Stimme. Statt sich hinter Effekten zu verstecken, tritt sein Gesang nun unverhüllt hervor. Seine Texte, voller düsterer Bilder und religiöser Symbolik, gewinnen dadurch an Gewicht: Visionen von Asche, Blut und mythischen Kreaturen entfalten eine unmittelbare, beinahe bedrückende Intensität. Religiöse Motive waren schon immer zentral für die Band, doch auf Magazine werden sie klarer ausgesprochen. Der Name YHWH verweist selbst auf das unaussprechliche Gottesbild; nun stehen Themen wie Gott, Teufel und Moral offen im Raum. Im abschließenden Track "To the Devil" kulminiert dies in einer fast beschwörenden Atmosphäre, die zugleich beunruhigt und fasziniert. Trotz ihrer extremen Klangsprache verfolgen YHWH Nailgun keinen konfrontativen Ansatz gegenüber anderen Genres. Ihr Fokus liegt allein auf dem eigenen kreativen Raum-fern von Trends oder Erwartungen. Magazine wirkt dadurch wie ein Fragment eines endlosen musikalischen Flusses: kurz, intensiv und bewusst unvollständig, als würde die eigentliche Musik jenseits des Albums weiterlaufen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Taylor Hollingsworth aus Birmingham, Alabama, hat sich schon immer einer einfachen Einstufung widersetzt. Als er gebeten wurde, seine Musik zu beschreiben, tat er sich schwer - ein bisschen Folk, ein Hauch von Blues, eine Prise Rock 'n' Roll, aber nicht wirklich in eine einzige Schublade zu stecken. Schließlich prägte er den Begriff ,Folk n' Roll", um seinen Sound zu beschreiben. Jetzt bekennt er sich stolz zu diesem Sound mit seinem neuesten Album, das treffend den Titel ,Folk n' Roll" trägt. Fans von JJ Cale, Mississippi John Hurt, Chuck Berry, Richard Thompson, Jonathan Richman und John Prine werden große Freude an Hollingsworths Mischung aus zeitlosen Einflüssen haben. In den frühen 2000er Jahren tourte Hollingsworth ausgiebig mit seiner punkigen Rockband (stell dir eine Mischung aus Ramones, Chuck Berry und ZZ Top vor) und arbeitete als Session-Musiker, der auf Tour mit verschiedenen Künstlern Gitarre spielte (vor allem mit Conor Oberst und der Mystic Valley Band). Doch nach der Geburt seiner Tochter legte er eine Tourpause ein, um sich ganz seiner Familie zu widmen und sein Handwerk als Vollzeit-Musiker vor Ort in Birmingham, Alabama, zu verfeinern. In dieser Zeit perfektionierte er seine fesselnde Ein-Mann-Show, die er nun ,Folk n' Roll" nennt. Seine Auftritte sind ein unvergessliches Erlebnis - fingergepickte E-Gitarre, ein mit Mikrofonen ausgestattetes Fußstampfer-Pedal, das den rhythmischen Rückgrat bildet, und gelegentlich ein Looper-Pedal, um Gitarrensoli einzuflechten, während er seine charakteristischen erzählerischen Texte vorträgt - Texte, die von zahlreichen Künstlern gecovert wurden, vor allem von Conor Oberst und Phoebe Bridgers bei Better Oblivion Community Center. ,Folk `N Roll" ist sein zweites Album für das beliebte Indie-Label Dial Back Sound, nach dem von Kritikern gefeierten und geliebten ,Yahola" aus dem Jahr 2025.

Die Instrumentalgruppe von Guiding Light hatte bereits ihre ersten Songs fertig, als sie Elise Cook als Sängerin ansprachen - und die hatte wie durch ein Wunder schon fertige Texte parat. Dieser Moment des Schicksals führte zu ihrer ersten EP, elf Minuten und fünfzig Sekunden voller Raserei, die ihren Post-Punk-Sound für kulturell Neugierige definierten. Heute entstehen Cooks Melodien im selben Raum wie das präzise Klimpern von John Morales' Gitarre, der bissige Bass von Rachel Kirk und die hämmernde Intensität von Charles Powell am Schlagzeug. Das Ergebnis ist ,Fear On My Own Time", ein neues Album einer Band, die weiß, was sie kann, und immer besser wird. Man merkt kaum, dass die Aufnahmen in zwei Sessions im Abstand von sechs Monaten entstanden sind, denn man spürt die Dringlichkeit in der Arbeit. So wie Wut zum Handeln antreibt, wird Energie zur Reaktion. Die Erzählung von ,Fear On My Own Time" gewinnt an Umfang, während Reflexionen über eine Trennung zu Erkenntnissen über zwischenmenschliche Verbindungen führen. Selbstkritik speist sich aus Ego, Verwirrung und unverblümter Ehrlichkeit, doch die Wurzel dieser Probleme liegt in einem viel größeren Thema. Die letzten beiden Songs gipfeln in einem Aufruf gegen den Faschismus und zeigen, wie uns - nachdem wir niedergeschlagen wurden - unsere Unfähigkeit, verletzlich zu sein, auseinander treibt. Man muss nicht die für Guiding Light übliche deutsche Sprache sprechen, um das zu verstehen - tatsächlich enthält das Album ihre ersten ins Englische übersetzten Songtexte: ,In the cage - only together we find the key." Wenn wir alle zu Guiding Light tanzen würden, wäre die Welt ein besserer Ort. - Sydney Salk

Trotz vielen modernen Strömungen in den letzten 30 Jahren, sind es doch die traditionellen Spielarten des Heavy Metal, die den Motor am Laufen halten und auf die junge und alte Fans immer wieder zurückgreifen.
Diese Box repräsentiert drei Alben aus den „goldenen Achtzigern“, während die LP von OBLIVION beweist, dass es im Underground auch in den Neunzigern Musik jenseits von Grunge und Crossover gab. Die US-Metal-Legende GRIFFIN ist die bekannteste Band in dieser Box. Ihre beiden Alben auf dem Steamhammer Label (in den USA auf Shrapnel) gelten heute als Klassiker und man tritt sogar noch sporadisch auf, unter andere, beim Keep It True Festival. Enthalten ist das zweite Album „Protectors Of The Lair“ als Doppel-LP mit einem neuen Remix, aber auch mit dem Original als Remaster. HAMMER´S RULE gehören zu den besten Underground US-Metal Bands. In Deutschland wurden deren EP und LP zusammengeschnitten und man konnte das Werk der Gruppe nicht vollständig erwerben. Golden Core haben das nun gelöst, in dem der LP eine zusätzliche 7“ Single beiliegt. Somit hat man „Show No Mercy“ zusammen mit „After The Bomb“ endlich komplett und das auch noch remastert. Hammer´s Rule fallen durch einen melodischen, aber harten und teils epischen Stil, sowie durch eine der besten Rhythmusgruppen im US-Metal auf. SQUADRON aus Deutschland wurden erst kürzlich „entdeckt“ und gelten seitdem als eine der besten unsigned Bands des German Metal der Achtziger.
Es ist zudem die erste Band von Drummer Klaus Sperling, der in Folge mit Primal Fear, Sinner oder Nitrogods bekannt wurde. Squadron habe zwei professionell klingende Demos aufgenommen, die hier nun erstmals restauriert und gemastert vorliegen.

Fans und Presse sind sich einig: Hätte diese Band ein Album bei den damals einschlägigen Labels veröffentlicht, wären sie heute bekannt wie Running Wild oder Helloween. OBLIVION haben in den Neunzigern eine CD in Eigenregie veröffentlicht – ganz schlechte Zeiten für einen kreativen, aber dennoch traditionellen Heavy Metal-Stil. „Reflections“ wurde nach und nach zur Rarität und zu einem Sammlerobjekt, aber die Rufe nach einer Vinylausgabe wurden lauter. Golden Core haben reagiert und dieses versteckte Kleinod auf LP veröffentlicht

Auf der Carnival EP versammeln Trauma Ray einige ihrer stärksten, intensivsten und experimentellsten Werke. Seit ihrem Durchbruch mit Chameleon, ihrem Debütalbum von 2024 bei Dais Records, hat die Band in der aktuellen Welle der Shoegaze-Revivalisten sich weiter etabliert, ist dabei aber immer agiler geworden und sind 2025 mit Kollegen wie Deafheaven, Loathe, und Toucheì Amoreì auf Tour gewesen. Mit einer Mischung aus blitzschnellen Riffs und karger Schönheit entwickelt sich ihr Sound weiter und knüpft an die Laut-Leise-Laut-Größen aus Metal, Grunge und Shoegaze von Slowdive bis Smashing Pumpkins an. Die Carnival EP taucht in stimmungsvolleres, intellektuelleres Material ein, als würde man ihre früheren Ausflüge vor einem Zerrspiegel betrachten. Diese Songs vermitteln ein deutliches Gefühl der Unruhe, entstanden in einer flüchtigen Zeitspanne, was beweist, dass die Band unter Druck und wenn sie aus den dunkelsten Ecken ihres Unterbewusstseins schöpft, am besten funktioniert. Das wortlose ,Carousel" leitet die beunruhigende Atmosphäre der EP mit Störgeräuschen und melancholischen Gitarrenklängen ein, die in ,Hannibal" übergehen, einem hymnischen Track voller kraftvoller Riffs und roher Emotionen. Die Band hat diese Art von purer Kraft schon mal gezeigt, von ,Solstice" aus dem Jahr 2018 bis zu "Chameleon", während ,Hannibal" mit einem Hauch von beispielloser Boshaftigkeit, Schlängeligkeit, ,Stone Temple-y, Alice in Chains-y", wie Avila witzelt, verzerrt ist. Textlich greift er die Angst der Teenager auf, das Gefühl, zerlegt und abgelehnt zu werden. ,Méliès", benannt nach dem französischen Illusionisten und Filmemacher, wechselt zwischen schweren, schlammigen Akkorden und einem himmlischen Refrain, ,von etwas Beängstigendem zu etwas wie einem Traumzustand", sagt Avila, der die surreale Abstraktion seines Namensvetters kanalisiert. ,Funhouse" taucht in den Doom Metal ein, mit spärlicher Gitarrenarbeit und dem wahrscheinlich langsamsten BPM der Band. Im Gegensatz dazu rüttelt, blitzt und hämmert der letzte Track ,Clown", als hätte der Hörer das andere Ende eines Horrorhauses erreicht und wäre nun vollständig in die grelle, verwirrende Beleuchtung des Jahrmarkts eingetaucht. Personifiziert durch eine knorrige, synthetische Leadgitarre erinnert ,Clown" an Robin Williams, einen Archetyp tragischer Fröhlichkeit, der zeigt, dass diejenigen, die am meisten versuchen, andere zum Lachen zu bringen, insgeheim vielleicht die Traurigsten sind. Klanglich verweist die Band schnell auf den Einfluss von ,Undone" und ,Stuck on You" von der Kultband Failure aus den 90ern, neben dem allgegenwärtigen Loveless, was die Größe von Trauma Ray ausmacht: fünf Musiker, die das, was sie lieben, aufnehmen, synthetisieren und erweitern. Die Carnival EP bietet einen kurzen und sehr loopbaren Abstecher in die Dunkelheit einer Band, die von Minute zu Minute beeindruckender wird.

Mit „So ist das mit dem Glück“ veröffentlicht Montez am 21.08.2026 sein mit Spannung erwartetes neues
Studioalbum. Auf 15 Songs erzählt einer der erfolgreichsten deutschsprachigen Künstler so persönlich wie
nie von Liebe, Verlust, Hoffnung und den kleinen Momenten, die das Leben ausmachen.
Bereits die Vorab-Singles haben eindrucksvoll gezeigt, wohin die Reise geht: Mit „Herzensmensch“, „Niemand ist wie du“, „Wenn du mich fragst“, „Glück“ feat. Sido, „Die Falschen geküsst“ feat. Chapo102,
„Wie es ist“ und zuletzt „Panzer“ baut Montez die Geschichte des Albums Stück für Stück auf. Gemeinsam
verzeichnen die Songs bereits über 35 Millionen Streams und unterstreichen einmal mehr seine außergewöhnliche Fähigkeit, große Emotionen in eingängige Melodien zu verwandeln.
Auch live setzt Montez seinen Erfolgskurs fort: Im Sommer 2026 feiert er 15 Jahre Montez mit einer
großen Jubiläumstour durch Deutschlands größte Open-Air-Locations. Die 15 Termine führen ihn u. a.
nach Fulda, Berlin (Parkbühne Wuhlheide), Dresden, Ulm, Balingen, Bonn, Nürnberg, Füssen, Zwickau,
Heringsdorf, Losheim am See, Braunschweig, Bielefeld, Hamburg und Rastede – auf Bühnen mit Kapazitäten von mehreren Tausend bis hin zu rund 17.000 Besucher.
Der Album-Release fällt dabei mitten in die Tour: Am 21.08.2026 erscheint „So ist das mit dem Glück“
parallel zum Konzert auf der Volksbank BRAWO Bühne in Braunschweig. So wird das neue Album direkt
im Rahmen der laufenden Jubiläumstour begleitet und zusätzlich in den Fokus der Fans gerückt.
Und die Erfolgsgeschichte geht weiter: 2027 wird Montez erneut auf große Arena-Tour gehen und damit
seine Position als einer der wichtigsten deutschsprachigen Künstler weiter festigen.
Das Album ist erhältlich als CD sowie als attraktive Marbled Vinyl, die Sammler und Fans gleichermaßen
anspricht.

Der fünffache GRAMMY-Gewinner Keb’ Mo’ ist eine lebende Legende in der Blues-Szene. Seit 30 Jahren
bringt er verlässlich wunderschöne, hervorragend produzierte Platten heraus und steuert nun auf sein 17.
Solo-Studioalbum zu.
The Breakdown zeigt ihn in einem neuen, intimeren Rahmen, während er sich mit Themen wie Ehe,
Sterblichkeit und dem Menschsein auseinandersetzt. Dieses Album rückt das Scheinwerferlicht ganz nah
an Keb’ und seine Songwriting-Qualitäten heran. Abgesehen von zwei Tracks mit Gastgesang konzentriert
sich der Rest des Albums voll und ganz auf Keb’ und seine Gitarre – und zeigt ihn als wahren Troubadour.

Mit „Goodbye Logik“ veröffentlichten Madsen am 11. August 2006 ihr zweites Studioalbum. Nach dem
gleichnamigen Debüt ein Jahr zuvor markierte das Folgewerk einen wichtigen Schritt in der Entwicklung
der Band: Die Energie und Direktheit der frühen Jahre blieb erhalten, gleichzeitig wurden das Songwriting
und die thematische Bandbreite exponentiell erweitert. Der Longplayer erreichte erstmals die Top 10 der
deutschen Album-Charts und etablierte Madsen dauerhaft in der deutschsprachigen Rocklandschaft.
Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint „Goodbye Logik“ am 21. August 2026 nun als neu aufgelegte und
strikt auf 1.000 Exemplare limitierte LP in transparentem Vinyl. Die Wiederveröffentlichung rückt ein
Album in den Mittelpunkt, das viele zentrale Elemente des Madsen-Kosmos bereits vereinte: persönliche
Beobachtungen, gesellschaftliche Kommentare und eine klare Haltung, getragen von Songs zwischen IndieRock, Punk-Einflüssen und melodischen Pop-Refrains.
Mit Titeln wie „Du schreibst Geschichte“, „Ein Sturm“, „Der Moment“ oder dem titelgebenden „Goodbye
Logik“ enthält das etliche Songs, die bis heute zum festen Repertoire der Band gehören. Die elf Stücke
dokumentieren eine Phase, in der Madsen ihren eigenen Stil weiter schärften und gleichzeitig den Übergang
von einer aufstrebenden Festival-Band zu einer festen nationalen Größe vollzogen.
Die „20th Anniversary Edition“ lädt dazu ein, „Goodbye Logik“ in seiner ursprünglichen Form neu zu
und/oder wiederzuentdecken – als Momentaufnahme einer Band, die Mitte der 2000er Jahre ihren Platz gefunden hatte und deren Songs auch zwei Jahrzehnte später nichts von ihrer Unmittelbarkeit und Dringlichkeit
verloren haben.
Als besonderes Schmankerl liegt jeder Vinyl ein signierter Kunstdruck im Breitbild-Format bei, das ein
unveröffentlichtes Band-Foto von Ingo Pertramer zeigt. Zudem hat Sebastian Madsen persönliche Linernotes mit Blick in den eigenen Band-Historie-Rückspiegel verfasst.

2LP Wide
1997 erschien „The Great Milenko“ von Insane Clown Posse nicht einfach nur – es schlug ein wie eine
Bombe. Gegenreaktionen der Branche. Trotz allem Platin. Nun verspottet die „Joker’s Card“, die eine
ganze Generation von Juggalos und Juggalettes geprägt hat, die Welt zum ersten Mal auf prächtigem
schwarzem Vinyl mit vollständigem Booklet und ist damit ein Muss für alle eingefleischten Sammler und
neuen Fans des abgedrehten „Dark Carnival“ gleichermaßen. Enthält „Hokus Pokus“, „Halls of Illusions“
und „What Is A Juggalo?“

Here I Am - 1LP, Standard Black Vinyl
Kelly Rowlands Soloalbum „Here I Am“ ist eine kühne und dynamische Sammlung, die sinnliche R&BGrooves, mitreißende Pop-Melodien und energiegeladene Dance-Tracks miteinander verbindet. Angetrieben
vom Chartstürmer „Motivation“ unterstreicht das Album Rowlands sanfte Stimme, ihr Selbstbewusstsein
und ihre Vielseitigkeit in einer Mischung aus clubtauglichen Hymnen und intimen Slow Jams. Mit Kollaborationen mit Lil Wayne, David Guetta, Big Sean und Rico Love zeigt „Here I Am“ Kelly von ihrer
selbstbewusstesten Seite und liefert einen kraftvollen Soundtrack voller Leidenschaft, Attitüde und unwiderstehlicher Hooks.
Als herausragendes Werk in ihrem Repertoire bleibt dieses Album ein prägender Meilenstein in ihrer Entwicklung als Solokünstlerin. Anlässlich des 15-jährigen Jubiläums haben wir „Here I Am“ erstmals als
Standard-Pressung auf schwarzer 1LP neu aufgelegt.

Ein Album, das der Blütezeit der 90er Jahre entsprungen zu sein scheint. Subtil grungy, alternativ, voller Melancholie und Gelassenheit in den Gesangslinien. Mit »Glue« zeigen Daily Thompson vor allem, dass sie nicht nur meisterhafte Musiker sind, sondern auch ein tiefes Gespür für Atmosphäre und Emotion haben, vor allem aber für Songwriting.

Ein Ausnahme-Album, das zwischen Melancholie und purer musikalischer Freude den Hörer mitnimmt auf eine Reise vom Nordwesten Amerikas in den Nordwesten Dortmunds. Trotz aller musikalischen Vorbilder wird jedoch die bandeigene DNA niemals vergessen.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.