quête:von

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

Maximum Penalty wurden 1986 gegründet und gelten als eine der einzigartigsten Bands, die während der Blütezeit des New Yorker Hardcore entstanden sind. Die Band, die von Sänger Jimmy Williams ins Leben gerufen wurde und 1988 durch den Gitarristen Joseph Affe verstärkt wurde, begann mit schnellem Hardcore-Punk und entwickelte sich nach und nach zu etwas Größerem, angetrieben von melodischen Rhythmen und gefühlvollem, klarem Gesang. Maximum Penalty war von Anfang an ein fester Bestandteil legendärer Veranstaltungsorte wie CBGB und Coney Island High und tourte in den 90er Jahren auch durch Nordamerika und Europa, wo sie die Bühne mit Bands wie Agnostic Front, Madball, Sick Of It All und Gorilla Biscuits teilten. Die erste Schaffensphase von Maximum Penalty umfasste eine beeindruckende Diskografie - ,Demo 89", die EP ,East Side Story" von 1995, die LP ,Independent" von 1996, die LP ,Super Life" von 1997 sowie eine Reihe von Titeln auf verschiedenen Compilations, darunter ,Where The Wild Things Are" und ,Satisfaction Guaranteed" von Blackout Records. Maximum Penalty tauchte 2009 mit der LP ,Life & Times" (Reaper Records) wieder auf und brachte ihren Sound neuen und alten Hörern näher. Der Einfluss, den Maximum Penalty auf die moderne Hardcore-Szene hatte, ist unbestreitbar. Turnstile nahm die Band in eine einflussreiche Playlist auf, und der Hardlore-Podcast erklärte Maximum Penalty zu einer der ,am meisten unterschätzten Hardcore-Bands". Im Jahr 2025 veröffentlichte die Hardcore-Band End It aus Baltimore ein Cover von ,Could You Love Me?" aus dem 1996er Album ,Independent", hauchte dem Titel neues Leben ein und veranlasste Fans, das Original zu entdecken. Zum 30-jährigen Jubiläum wird ,Independent" zum ersten Mal überhaupt auf Vinyl gepresst, und zwar über Flatspot Records. Gitarrist Joseph Affe bemerkt: ,Maximum Penaltys ,Independent` ist das einzige Album, das nie auf Vinyl erschienen ist, da Vinyl zu der Zeit, als es auf CD veröffentlicht wurde, nur eine Nebensache war. Während wir weiter spielten und neue Veröffentlichungen herausbrachten, war die Veröffentlichung von ,Independent` auf Vinyl etwas, das wir schon immer tun wollten, und nun sind wir endlich, 30 Jahre später, so weit. Die ,Independent`-Ära war eine großartige Zeit in der Geschichte von Maximum Penalty - es bedeutet uns sehr viel, zu sehen, dass ein neues Publikum die Platte zum ersten Mal entdeckt, das ist unglaublich!"

Red "Eruption" Marble Blend" Doppel-Vinyl, inklusive 16-seitigem Booklet mit Texten und ausführlichen Liner Notes. Ursprünglich 1998 veröffentlicht, fing ,South Central Thynk Taynk" von Abstract Tribe Unique (Abstract Rude, Fat Jack, Zulu Butterfly Priest, Irie Lion King und DJ Drez) einen entscheidenden Moment in der Underground-Szene von Los Angeles ein - als junge schwarze Künstler den Hip-Hop von Grund auf neu erfanden. Mit einer Mischung aus jazzigen Beats, spiritueller Einsicht und einer äußerst unabhängigen Produktion wurde das Album zu einer Hymne auf Selbstständigkeit und kreative Rebellion. Jetzt wird dieser lange nicht mehr erhältliche Klassiker von Rhymesayers Entertainment als Deluxe-2xLP-Set mit einem Text-Booklet und einem Bonustrack neu aufgelegt und kehrt für eine neue Generation zurück. Im kulturellen Zentrum der Platte steht Project Blowed, eine legendäre Crew aus L.A., die von Abstract Rude und Aceyalone gegründet wurde und eine Reihe von Rap-Innovatoren hervorbrachte, deren Einfluss bis heute im globalen Hip-Hop zu spüren ist. Während der Mainstream-Rap den G-Funk-Boom der Westküste aufgriff, schlug die Blowed-Crew einen anderen Weg ein - geprägt von Jazz, radikaler Politik und afrozentrischem Futurismus. ,South Central Thynk Taynk" ist eine vielschichtige Zeitkapsel aus dieser revolutionären Zeit, die Ab Rudes tiefgründige Lyrik mit Fat Jacks genreübergreifendem Produktionsansatz verbindet und eine poetische Reflexion über Familie, Kampf und künstlerische Bestimmung schafft. Diese Neuauflage enthält den Titel ,L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)" mit einer generationsübergreifenden Besetzung von Schwergewichten - Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore und NGAFSH -, die unterstreicht, wie die Underground-Szene von L.A. seit Jahrzehnten ein kreatives Epizentrum geblieben ist. ,South Central Thynk Taynk" ist mehr als ein Kultartefakt; es ist ein lebendiges Dokument der Transformation, der Gemeinschaft und der künstlerischen Kraft.















[o] 15 : L.A. Styles Back (Project Blowed Remix)” [feat. Aceyalone, Myka 9, Medusa, Pigeon John, Blu, 2Mex, Ellay Khule, Riddlore, NGAFSH]

Erweiterte Deluxe-Jubiläumsausgabe von "The Fallen By Watch Bird", das neben dem Originalalbum auch das Kompendium "The Watchbird Alluminate" enthält, alternative Versionen und Neuinterpretationen von u.a. Demdike Stare, The Focus Group, Anworth Kirk und Emma Tricca. Seit der ursprünglichen Veröffentlichung vor 15 Jahren hat sich Jane Weaver zu einer der markantesten und experimentierfreudigsten Stimmen aus UK entwickelt und eine Reihe von gefeierten Alben veröffentlicht, darunter "The Silver Globe", "Modern Kosmology", "Flock" und "Love In Constant Spectacle". Es ist ein psychedelischer Femme-Folk-Rock-Teppich, der Einflüsse aus dem osteuropäischen Kinderkino, deutschen Kunstmärchen, der TV-Musik der 70er Jahre und elektronischen Soundtracks der 80er Jahre aufgreift. Dieses konzeptionelle Album, das von Synths und Mystik durchdrungen ist, verwebt Bilder von abwesenden Seeleuten, Telekinese, Tierbotschaften und weißer Magie mit heidnischen Themen wie Tod und Wiedergeburt. Ein prägendes Meisterwerk aus ihrer ständig wachsenden Diskografie, das ihre Reise von ihren folkloristischen und poporientierten Anfängen bis hin zu den psychedelischen Synth-Pop-Experimenten von heute dokumentiert. Das Album umfasst sieben Kapitel und enthält Beiträge von Septième Soeur Wendy Flower vom Folk-Pop-Duo Wendy & Bonnie, das 1969 das Album Genesis veröffentlichte, Lisa Jen, der walisischen Sängerin auf Gruff Rhys' Candylion, der verstorbenen amerikanischen Folk-Pop-Sängerin Susan Christie und dem bosnischen Folk-Musiker und Violinisten Behar. Als Extra setzt "The Watchbird Alluminate" die Reise fort, indem es in Drone, Psychedelia, Folk und weitere Klanglandschaften eintaucht. Einzel-CD oder limitierte 2LP-Edition in Marineblau und Cremefarbenem Vinyl, Gatefold-Sleeve + Obi-Streifen & DL-Karte.

FEAR - das gemeinsame Album von Jared Mattson von The Mattson 2 und Ruban Nielson von Unknown Mortal Orchestra - wurde im Juni 2024 aufgenommen. Alle Aufnahmen und der Mix fanden in Palm Springs statt. Gemastert von Matt Colton in den Metropolis Studios in London. --- "Ich wachte gegen Mittag auf, desorientiert, noch halb im Traum. Musik lief - unbekannt, voll ausgereift, die Art von Klang, von der man annimmt, dass sie zum Leben eines anderen gehört. Einen Moment lang dachte ich, ich würde noch schlafen und Musik hören, von der ich mir wünschte, ich hätte sie gemacht. Dann dämmerte es mir: Ruban Nielson war bereits wach, im Studio, und hörte sich an, was wir geschaffen hatten. Wir wussten es beide. Diese Musik hatte etwas Unvermeidliches an sich - als wäre sie weniger geschaffen als vielmehr entdeckt worden. Wir hörten sie uns immer wieder an, lachten und schüttelten den Kopf. Ein Track rief ein gemeinsames Bild hervor: einen immergrünen Wald an einem See bei Sonnenuntergang. Ruban blickte plötzlich auf, die Augen weit aufgerissen, als hätte man ihm gerade eine Botschaft überreicht. ,Ich habe den Titel", sagte er. American Eagle. Der Name wirkte genauso wie die Musik - klar, offensichtlich, unbestreitbar. Der amerikanische Traum: Hot Dogs, Cola, Fahrten bei Sonnenuntergang. Wir brachen beide in Gelächter aus, Tränen in den Augen, weil wir minutenlang so heftig lachten. Wir schwammen in seinem Pool. Das Gespräch hörte nie auf. Der Fluss blieb konstant, nährend, mühelos. Dann sagte Ruban es noch einmal - den Satz, der bereits zu einem Grundsatz geworden war: ,Lass uns mehr davon machen, das genau so klingt." Also taten wir das. Zwei Tage später war ,FEAR" fertig." - Jared Mattson

"SABLE, fABLE" ist das fünfte Album des Projekts von Justin Vernon und enthält eine Liebesgeschichte, die mit üppiger, strahlender Popmusik unterlegt ist. Während das Album mit der verletzlichen Entlastung der im vorangegangenen Herbst erschienenen "SABLE," EP beginnt, geht das Triptychon nahtlos in eine neue, neunsongige Saga über, in der aus einer Person zwei werden, Dunkelheit sich in lachsfarbene Schönheit verwandelt und Traurigkeit in unbändige Freude umschlägt. Während SABLE eine karge und einsame Abrechnung mit einem Schmerz ist, der lange die Vergangenheit bestimmte, blickt fABLE in eine lebendige Zukunft voller Licht, Sinn und Möglichkeiten. "SABLE, fABLE" wurde von Justin Vernon und Jim-E Stack produziert und hauptsächlich in Vernons April Base in Wisconsin aufgenommen, nachdem das Studio während einer Renovierung jahrelang still lag. Das Konzept für das Album entstand am 22.2.22, als Stack mit Danielle Haim dort eintraf. Mehrere Tage lang eingeschneit, vereinten sich Vernons und Haims Stimmen auf "If Only I Could Wait", einem Duett mit entscheidender Perspektive, in dem es darum geht, dass man nicht die Kraft hat, die beste Version von sich selbst außerhalb des Glühens einer neuen Liebe zu sein. Wenn SABLE der Prolog war, ein Prolog in der Dunkelheit, eine kontrollierte Verbrennung, die den Weg für neue Möglichkeiten ebnet, dann ist fABLE das Buch, das folgt. Wo SABLE, ein Werk der Einsamkeit war, ist fABLE eine ausgestreckte Hand. Strahlende, verschnörkelte Popmusik umspielt Vernons Stimme, während er sich auf eine neue und schöne Ära konzentriert. Bei jedem Lied sind seine Augen auf eine bestimmte Person gerichtet. Es ist Liebe, was bedeutet, dass in fABLE eine intensive Klarheit, Konzentration und Ehrlichkeit herrscht. Es ist das Porträt eines Mannes, der von dieser ersten Begegnung überflutet und überwältigt ist ("Everything Is Peaceful Love"). Es ist ein Tableau, das von Sex und unbändigem Verlangen geprägt ist ("Walk Home"). Ein Mann, voller Licht und Tatendrang, der eine ganze Zukunft vor sich sieht. Verliebtheit hat etwas unbestreitbar Heilendes an sich, und die intensive Klarheit, Konzentration, Ehrlichkeit und Feierlichkeit, die sie in diese Songs bringt. Doch der Schatten von SABLE liegt noch immer in der Luft, und alte Gefühle können zurückkehren, selbst wenn man sich die Mühe gemacht hat, neu anzufangen. Wie in einer Fabel vermittelt jeder Track eine Lektion, und in fABLE geht es um den selbstlosen Rhythmus, der erforderlich ist, wenn man mit einer anderen Person verstrickt ist. Der vorletzte Song - und im weiteren Sinne das ganze Album - ist ein Versprechen. Er ist bereit, diesen Rhythmus zu finden.

Erstauflage als "Sparkle Starlight Vinyl" 2LP mit Etching auf der vierten Seite. Im technischen Sinne war jedes bisherige Album des französischen Trios SLIFT eine Fantasie - ein Mix aus Genres und Formen, der es der Band ermöglichte, zu improvisieren und so lange zu jammen, bis sie sich scheinbar gemeinsam ins All zu winden schienen. Ihr gefeiertes drittes Album, "Ilion" aus dem Jahr 2024, war eine Science-Fiction-Geschichte, aufgebaut aus 10- bis 13-minütigen explorativen Eskapaden, die oft mit Doom Metal oder Stoner Rock begannen, bevor sie sich frei in glorreiche instrumentale Vergessenheit drehten. Doch mit einer gewissen absichtlichen Ironie heißt SLIFTs viertes Album tatsächlich "Fantasia". Es ist ihr bisher schlankstes und direktestes Album. Es ist auch ihr bisher fesselndstes Album, eine pointierte Saga über die Überwindung internationaler Umbrüche, vorgetragen von einer Band, die mit voller Kraft vorangeht und dabei keine einzige Sekunde verschwendet. Obwohl nur Jean und Bassist Rémi Fossat verwandt sind, ist SLIFT im Grunde eine Band von Brüdern. Mit Schlagzeuger Canek Flores sind sie schon seit der Highschool befreundet, und 2026 markiert ein Jahrzehnt zusammen in diesem Trio. Sie proben mit religiöser Regelmäßigkeit in einem Keller auf dem Land in der Nähe von Toulouse, in dem Jam-Raum, in dem sie schon lange ihrer Vorliebe für langatmige Wunder frönen. Für die Albumaufnahmen zu "Fantasia" überquerten sie die französische Nordgrenze nach Belgien, um in dem riesigen Live-Raum der Daft Studios ein kompaktes Set aus schlanken, agilen und druckvollen Songs aufzunehmen. Die vielfältigen Einflüsse der Band sind offensichtlich: Das Album erinnert an Clutch in voller Wildheit, John Coltrane, Charlie Parker, den sowjetischen Schriftsteller Michail Bulgakow, Pink Floyd und Black Sabbath aus der "Master of Reality"-Ära. Und das klangliche Gewebe wird durch das gekonnte Mixing von Kurt Ballou (Converge, Cave In, High on Fire) unterstützt. Den Songs fehlt es nicht an der Komplexität oder Intensität, die SLIFT zu einem aufstrebenden Star der Heavy-Musik gemacht haben; sie haben einfach neue Wege gefunden, die Komplexität ihrer Vergangenheit in jedes Stück einzuflechten, wie ein Wandteppich, der jedes Mal, wenn man hinschaut, eine neue Ebene offenbart. Damit vermitteln sie eine bestätigende und dringliche Botschaft: Gemeinsam können wir die Zeiten, in denen wir leben, noch immer verändern. Heutzutage ist es furchtbar leicht, sich machtlos zu fühlen. SLIFT setzt sich auf "Fantasia" direkt mit dem modernen Ansturm von Grausamkeit und Absurdität auseinander, sei es die Gleichgültigkeit gegenüber unserem Heimatplaneten oder zueinander. Aber in diesen acht Songs geht es darum, auf eine verborgene Kraft zu vertrauen, um zurückzuschlagen, um an eine Welt zu glauben, in der etwas, das wir noch nicht in Worte fassen oder definieren können, nicht nur einen Weg bietet, den Status quo zu durchbrechen, sondern ihn vielleicht sogar vollständig zu zerstören. SLIFT sind laut, heavy und aggressiv in diesen Hymnen. Sie bereiten sich auf einen Kampf vor, von dem sie glauben, dass wir ihn noch gewinnen können.

Mit Africanism Vol. 5 kehrt das legendäre Afro-House-Kollektiv rund um Bob Sinclar zurück und präsentiert ein kraftvolles, globales Club-Statement voller Rhythmus, Identität und musikalischer Verbindung. Das Album vereint herausragende Produzenten und Artists wie DJ Gregory, Moonlight Benjamin, Boddhi Satva, Arkadyan, Jesús Fernández, Bonga u. v. a. in zwölf Tracks, die moderne House-Produktionen mit afrikanischer Energie, traditionellen Instrumenten und organischen Grooves verschmelzen lassen. Von der voodoo-getränkten Intensität von "Zanmi Kanmarad" über die angolanische Tiefenwärme von "Mulemba Xangola" bis hin zum treibenden Club-Momentum von "Block Party (Baron Remix)" oder "Salsa House" liefert Africanism Vol. 5 ein Panorama aktueller Afro-House-Kultur. Die musikalische Bandbreite reicht von haitianischer Soul-Elektronik über pan-afrikanische Percussion bis zu modernen House-Arrangements mit französischer Produktionshandschrift. Ein hochkarätiges Producer-Album, das die DNA des Africanism-Sounds konsequent fortschreibt: international, zeitgemäß, tanzbar und voller musikalischer Identität.

Diese LP präsentiert eine Auswahl besinnlicher Werke der klassischen Musik und richtet sich an Hörer:innen, die eine ruhige, reflektierte Klangatmosphäre suchen. Das Tracklisting verbindet groß besetzte orchestrale Kompositionen von Mahler und Williams mit der kammermusikalischen Präzision von Bach und Debussy. Seite A wird durch das Adagietto aus Mahlers 5. Sinfonie eröffnet, das insbesondere durch seine Verwendung im Film „Tod in Venedig” bekannt wurde. Es folgen das Thema aus „Schindlers Liste“ von John Williams sowie Faurés „Après un rêve“. Dadurch wird der erste Teil des Albums von dichten, orchestralen Arrangements geprägt. Die B-Seite wechselt in einen intimeren Rahmen und stellt die Solisten in den Vordergrund. Nach den impressionistischen Klängen Debussys folgt Saint-Saëns' „Aquarium“, das als Erkennungsmelodie der Filmfestspiele von Cannes bekannt wurde. Den Abschluss bildet Beethovens „Pathétique“-Sonate.

Eine der geheimnisvollsten Bands der klassischen 4AD-Ära: Swallow. Gegründet von Louise Trehy und Mike Mason, die sich Anfang der 90er im kreativen Schmelztiegel Camberwell in London begegneten. Was folgte, hatte fast etwas Mythisches: Kaum geschrieben, wurden ihre ersten Songs auf einem einfachen Tascam-4-Track aufgenommen. Ein Demo - roh, direkt, voller Atmosphäre - landete bei Ivo Watts-Russell. Ohne die Band je gesehen zu haben, unterschrieb er sie sofort bei 4AD. Für die Aufnahmen ihres Debüts borgten sie sich Instrumente, zogen von Edinburghs Palladium Studios bis zu den legendären Blackwing Studios in London und arbeiteten mit Produzent John Fryer, frisch von den Arbeiten an Pretty Hate Machine. Mit Hilfe von Eventide Harmonizern - bekannt aus dem Klangkosmos der Cocteau Twins - entstand ein schillernder, fast schwereloser Sound. Doch als Blow 1992 erschien, fühlte es sich für die Band nicht richtig an. Zu glatt, zu weit entfernt von ihrer ursprünglichen Vision. Anstatt neu aufzunehmen, entschieden sie sich für einen radikaleren Schritt: Sie zerlegten die Songs und bauten sie neu zusammen. Das Ergebnis war Blowback - düsterer, fragmentierter, näher an ihrem inneren Klangbild. Diese Version erschien nur in kleiner Auflage und verschwand schnell wieder - ein verborgenes Juwel, das nur eingefleischte 4AD-Fans kannten. Jetzt, Jahrzehnte später, wird dieses Kapitel endlich neu erzählt: Mit Blown, einer liebevoll kuratierten Veröffentlichung, die beide Versionen vereint und den ursprünglichen Aufnahmen neues Leben einhaucht.

Seit der Veröffentlichung seines von Kritikern hochgelobten Debütalbums 'Come Around and Love Me' im Jahr 2023 hat Jalen Ngonda eine kometenhafte Karriere hingelegt. Der Song 'If You Don’t Want My Love' wurde zum viralen Hit und wurde bis heute 253 Millionen Mal gestreamt. Jalen war in einer Reihe von großen Fernsehsendungen zu Gast, darunter 'The Graham Norton Show', 'The Late Show with Stephen Colbert' und 'Later with Jools Holland'. Er war Support-Act für Thee Sacred Souls auf ihrer US-Tournee und hat als Headliner unzählige Clubkonzerte auf der ganzen Welt ausverkauft. Jetzt, im Jahr 2026, während die Glut seines Debüts noch hell lodert, bereitet sich Jalen Ngonda auf die Veröffentlichung seines mit Spannung erwarteten zweiten Albums 'Doctrine Of Love' vor.
Die harte Arbeit und die unermüdlichen Tourneen nach seinem Debüt haben sein Handwerk gestärkt. Seine Botschaft: 'Die Lehre der Liebe besagt, dass jeder Gedanke und jede Handlung in erster Linie von Mitgefühl für andere geleitet sein sollte, denn Liebe ist der höchste Maßstab für den Wert eines Menschen.' Die Titel des neuen Albums sind aus diesem Credo entstanden. Mit seinem tiefen Wissen und seiner Liebe zum klassischen Soul vermittelt Jalen Ngonda Authentizität in Hülle und Fülle. 'Doctrine Of Love' verbindet Pop-Sensibilität und soulige Melodien mit roher Kraft und Groove und erweitert die orchestralen Arrangements von 'Come Around And Love Me' um bläserreiche und gospelartige Backing Vocals, wodurch ein äußerst stilvolles Beispiel für moderne Soul-Kunst entsteht. Tipp!

Neu-Auflage auif schwarzem Vinyl im Gatefold

Die schwedischen High-Energy-Rocker The Hellacopters haben kürzlich ihr 30-jähriges Jubiläum gefeiert und nach der Veröffentlichung ihres neuen, vielgelobten Albums »Overdriver« am 31. Januar 2025, das zum zweiten Mal in der Bandgeschichte Platz 1 der schwedischen Charts erreichte 1 der schwedischen Charts erreichte – ist es nun an der Zeit, ihrer treuen Fangemeinde etwas wirklich Nostalgisches zu bieten.

»Cream Of The Crap! Collected Non-Album Works • Volume 3« ist der lang erwartete Nachfolger einer Reihe von Raritäten-Sammlungen, die 2002 begann und Material aus einer Vielzahl von Singles, EPs und Compilations vereint. Die 24 Titel dieses Sets wurden ursprünglich zwischen 1995 und 2004 veröffentlicht, die meisten davon nur auf Vinyl, und umfassen Originale wie »Disappointment Blues«, »Freeway To Hell«, »Doggone Your Bad-Luck Soul« und »Long Gone Losers« sowie Coverversionen von Songs von Motörhead, Wilson Pickett, Mc5, Smokey Robinson, Alice Cooper, The Ramones, The Nomads, Adam West – dessen Sänger Jake Starr die Liner Notes für diese Veröffentlichung verfasst hat – und vielen, vielen anderen.

Seit mehr als drei Jahrzehnten befindet sich AFI in einem nahezu ständigen Prozess der Neuerfindung. Die Band hat es sich zum Ziel gesetzt, sich mit jedem Album weiterzuentwickeln - manchmal sogar dramatisch - und sich niemals zu sehr in einem Genre einzurichten oder sich auf ihren beeindruckenden Erfolgen auszuruhen. Dieser Ansatz hat ihr Publikum vergrößert, aber auch herausgefordert mit einer klanglichen Identität, die sich in wilde, unerwartete Richtungen entwickeln kann. Mit ihrem zwölften Album "Silver Bleeds the Black Sun_" stehen AFI erneut am Anfang eines mutigen neuen Kapitels, nur dass sie es diesmal geschafft haben, sich selbst zu überraschen. Wie schafft es eine Band, die für kreative Umbrüche bekannt ist, immer wieder Wege zu finden, sich selbst aus ihrer Komfortzone herauszuziehen? Normalerweise beginnt die Band ein Album, indem sie sich sofort in das Schreiben stürzt und sich einfach von ihrer intuitiven musikalischen Sprache leiten lässt. Für "Silver Bleeds the Black Sun_" jedoch haben AFI sich bewusst dazu entschlossen, ihren kreativen Ansatz komplett zu ändern. Diesmal begann alles mit einer Frage: Wie könnten sie neue Wege beschreiten? Der Schlüssel zum Fortschritt lag letztendlich in der gemeinsamen Vergangenheit von AFI. "Wir begannen mit etwas, das wie Echo & the Bunnymen klang", erklärt Gitarrist Jade Puget, der das Album produzierte und abmischte. "Aber schließlich landeten wir bei dieser Mischung aus Death Rock und Postpunk - all diesen Einflüssen aus den späten 70ern und frühen 80ern, mit denen wir aufgewachsen sind, wie Sisters of Mercy, Bauhaus und Siouxsie and the Banshees." Das Ziel war es, ein Album mit einer einzigartigen Stimmung zu schaffen, etwas Verträumtes und Ätherisches, und die Bandmitglieder tauchten kopfüber in Einflüsse ein, die schon immer tief in der Musik von AFI verwurzelt waren, jetzt aber in den Vordergrund rückten. "Silver Bleeds the Black Sun_" ist düster und jenseitig, aber auch grandios und würdevoll, bissig und schön zugleich - mit anderen Worten: Es ist sehr AFI, aber doch anders als alles, was man bisher von der Band gehört hat.

Das Debütalbum ,Good To Go" von Occrasy wurde auf analogem 8-Spur-Tonband aufgenommen - eine bewusste Entscheidung, um alles Überflüssige wegzulassen und sich auf das Wesentliche zu konzentrieren: rohe Energie, live und hautnah. Gemeinsam mit Produzent Niklas Berglöf, bekannt unter anderem durch seine Arbeit mit Hurula und Linn Koch-Emmery, nahm die Band elf Songs auf, die schrill aufschreien, unkontrolliert verzerren und der schwedischen Rockszene neue Energie verleihen. Das Ergebnis ist ein Hexengebräu musikalischer Einflüsse - von Boogie-Grooves und Rock im Stil von Primal Scream bis hin zu liebevollen Verbeugungen vor dem Debütalbum von The Strokes.Musikjournalist Fredrik Strage beschreibt Occrasy als ,den besten Garage-Krach aus Borlänge seit Mando Diao - oder vielleicht sogar seit Sator."

Aus der fruchtbaren skandinavischen Post-Rock-Landschaft hervorgegangen, haben sich Oh Hiroshima einen Ruf dafür erarbeitet, Introspektion in einen weiten, cineastischen Klang zu verwandeln. Mit ,And the Dead Tree Gives No Shelter" setzen Oh Hiroshima ihr Streben fort, das Gleichgewicht zwischen Verletzlichkeit und Kraft zu verfeinern. Im Kern des Sounds von Oh Hiroshima liegt ein filigranes Wechselspiel zwischen Zurückhaltung und Entladung. Ihre Kompositionen bauen behutsam Spannung auf und lassen jede Ebene organisch entfalten: Klingende Gitarren, ferne Nachklänge und minimale rhythmische Impulse - die scheinbar schwerelos in der Luft schweben - bilden einen Kontrast zu jener wuchtigen Kraft, die sie entfesseln können. Klare, schimmernde Gitarrentöne breiten sich wellenartig durch dichten Hall und subtile Delays aus, während sich einzelne Linien oft in sanftem Kontrapunkt miteinander verflechten. Während sich diese Ebenen schichten, intensivieren sie sich allmählich und steuern auf jene Momente zu, in denen Verzerrung und Lautstärke die einst fragile Atmosphäre in etwas Immenses und Kathartisches verwandeln.Wenn die Musik ihre emotionalen Höhepunkte erreicht, tritt die Perkussion zwar bestimmender hervor, bleibt dabei jedoch behutsam in die Gesamtatmosphäre eingebettet. Oh Hiroshima beweisen beständig ein wachsendes Selbstvertrauen darin, die Grenzen ihres Sounds auszuloten. Durch die Verschmelzung von Harmonien, einer immersiven Produktion und einem tief intuitiven Gespür für das richtige Tempo haben Oh Hiroshima ein Album geschaffen, das von Intimität durchwoben ist und sich zugleich weit und raumgreifend anfühlt. Für Freunde von Alcest, Mogwai, God Is an Astronaut. CD, klassisch schwarzes und farbiges (limitiertes) Vinyl erhältlich.

Aus der fruchtbaren skandinavischen Post-Rock-Landschaft hervorgegangen, haben sich Oh Hiroshima einen Ruf dafür erarbeitet, Introspektion in einen weiten, cineastischen Klang zu verwandeln. Mit ,And the Dead Tree Gives No Shelter" setzen Oh Hiroshima ihr Streben fort, das Gleichgewicht zwischen Verletzlichkeit und Kraft zu verfeinern. Im Kern des Sounds von Oh Hiroshima liegt ein filigranes Wechselspiel zwischen Zurückhaltung und Entladung. Ihre Kompositionen bauen behutsam Spannung auf und lassen jede Ebene organisch entfalten: Klingende Gitarren, ferne Nachklänge und minimale rhythmische Impulse - die scheinbar schwerelos in der Luft schweben - bilden einen Kontrast zu jener wuchtigen Kraft, die sie entfesseln können. Klare, schimmernde Gitarrentöne breiten sich wellenartig durch dichten Hall und subtile Delays aus, während sich einzelne Linien oft in sanftem Kontrapunkt miteinander verflechten. Während sich diese Ebenen schichten, intensivieren sie sich allmählich und steuern auf jene Momente zu, in denen Verzerrung und Lautstärke die einst fragile Atmosphäre in etwas Immenses und Kathartisches verwandeln.Wenn die Musik ihre emotionalen Höhepunkte erreicht, tritt die Perkussion zwar bestimmender hervor, bleibt dabei jedoch behutsam in die Gesamtatmosphäre eingebettet. Oh Hiroshima beweisen beständig ein wachsendes Selbstvertrauen darin, die Grenzen ihres Sounds auszuloten. Durch die Verschmelzung von Harmonien, einer immersiven Produktion und einem tief intuitiven Gespür für das richtige Tempo haben Oh Hiroshima ein Album geschaffen, das von Intimität durchwoben ist und sich zugleich weit und raumgreifend anfühlt. Für Freunde von Alcest, Mogwai, God Is an Astronaut. CD, klassisch schwarzes und farbiges (limitiertes) Vinyl erhältlich.

Blood Sanctum Vinyl w/ Poster

Futurismo präsentiert das legendäre Debütalbum "Only Theatre Of Pain" (1982) der Gothic-Legenden Christian Death in neuen limitierten Deluxe-Formaten - remastert und erweitert um frühe Demos und rarem Material, samt Poster. "Only Theatre Of Pain" gilt als Meisterwerk und Ursprung des Deathrock - ein wegweisendes Epos von unheiliger Kraft und tiefschwarzer Emotionalität. Obwohl seine Wurzeln im Punk liegen – die Ursprünge der Christian Death-Originalbesetzung liegen in der Früh-1980er Hardcore-Explosion in Südkalifornien –, kann die Bedeutung dieses Werks für die nachfolgende Musiklandschaft nicht hoch genug eingeschätzt werden. Wie ein Adrenalinstoß ins Herz der Finsternis entspringt diese ungezügelte und geheimnisvolle Aufnahme bis heute jeder Kategorisierung. Mit dem visionären Rozz Williams (damals noch Teenager) sowie Punk-Legende Rikk Agnew (Adolescents), James McGearty und George Belanger präsentiert "Only Theatre Of Pain" eine musikalische Erkundung, geprägt von psychosexueller Lyrik und einem tiefen Glaubenskampf, aufgenommen innerhalb weniger Tage mit Produzentenlegende Thom Wilson. Klanglich und visuell seiner Zeit voraus, ist dieses Stück sakrilegischer US-Punk ein absolutes Muss für alle, die sich für Gothic begeistern, für Fans von The Misfits, Bauhaus und The Cramps.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

,Ruin Everything" ist das fünfte Studioalbum der Stockholmer Psychedelic-Rock-Pioniere Les Big Byrd. Seit ihrer Gründung im Jahr 2011 hat das Quartett seine Mischung aus Space Rock, hypnotisierender Psychedelia und diszipliniertem Krautrock perfektioniert. Angeführt von Songwriter und Produzent Jocke Åhlund Byrd um die ganze Welt getourt und sich dabei eine begeisterte Fangemeinde aufgebaut, wobei sie abwechselnd zu Hause als eine der größten Rockbands Schwedens und im Ausland als Underground-Psych-Act auftraten. Nach dem experimentellen und stark instrumentalen ,Diamonds, Rhinestones and Hard Rain" (2024) kehren Les Big Byrd auf ,Ruin Everything" zu einem stärker songorientierten Ansatz zurück, der an ihren Klassiker ,Iran Iraq IKEA" aus dem Jahr 2018 erinnert. Da die abenteuerlichsten Tendenzen der Band zugunsten eines strafferen, fokussierteren Sounds zurückgenommen wurden - der von dem dystopischen Epos ,Big Flood" bis zum Vollgas-Space-Rock von ,Hökvind" reicht -, ist ,Ruin Everything" Les Big Byrd in ihrer bisher besten Form.

Inkl. Bonus-LP mit rarem Livematerial aus Dänemark und Göteborg. "Rock för kropp och själ" markiert das letzte und endgültige Statement von Träd, Gräs och Stenar während ihrer ersten Zeit beim legendären Label Silence. Im Jahr 1972 hatte die Band einen Wendepunkt erreicht. Nach fünf Jahren unablässigen Tourens - geprägt von drei- bis vierstündigen Marathon-Konzerten an vier oder fünf Abenden pro Woche - war das Kollektiv körperlich wie kreativ erschöpft. Was einst befreiende Intensität gewesen war, wurde zunehmend zur Belastung. Die Band spürte einen stetigen Druck, bei jedem Auftritt ,maximale Ekstase" und vollständige psychische Immersion zu liefern. Diese Phase hochintensiver, völlig ,abgehobener" Live-Performances fand ihren Abschluss im Auftritt im Gefängnis von Falun im Juli 1972. Kurz darauf gingen die Mitglieder getrennte Wege, um Abstand zu gewinnen, sich neu zu orientieren und ihre individuellen künstlerischen Wege neu zu gestalten.