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Hör mal, es gibt jede Menge DJ-Duos in Brooklyn. Die meisten sind ganz okay. Fundido gehören zu denen, die schon seit 10 Jahren richtig gute Arbeit leisten. Was als euphorische, wilde Partys nach den Auftritten im vorderen Raum des ,Baby's All Right" begann, findet mittlerweile in immer größeren Locations statt, weiter außerhalb, wo Stammgäste und neue Gesichter Seite an Seite stehen. Es ist ein Paradies für Musikliebhaber und der schlimmste Albtraum eines verantwortungsbewussten Erwachsenen. Nachdem sie jahrelang beliebte jährliche Compilations kuratiert haben, machen Latane Hughes und Billy Scher nun mit Hilfe des Produzenten Miles Felix ihre eigene Musik. ,Get A Grip" wirkt fast wie maßgeschneidert für DFA: Four-on-the-Floor-Drums, ein Synth, der deine Hemmungen wegfrisst, und ein Gesang von Emma Dufaux, der den Sack zumacht. Es ist wirklich gut. Die 12" bietet dir vier Möglichkeiten, den Track zu hören: den Original Mix, einen Bliss Mix (weniger ,Maw") und Remixe von den aufstrebenden Stars Make A Dance und Asa Tate. Diese Jungs haben ein Jahrzehnt damit verbracht, herauszufinden, was die Leute dazu bringt, sich zu verlieren und immer wiederzukommen. Jetzt machen sie die passenden Tracks dazu.

Eingeklemmt zwischen dem Canyon und der Karibik gingen Cathy Hamers zwei privat gepresste LPs in den Hippie-Nachwehen der Me-Decade unter. Aufgenommen 1979 und 1980 bei Threshold Recordings, dem bekannten Bluegrass-Poerhouse aus Roanoke, Virginia, zeigen diese 11 Originalsongs die ganze Bandbreite des kosmischen amerikanischen Regenbogens - von Folk über Country bis hin zu Yacht Rock. Die remasterte LP kommt in einer Tip-On-Hülle mit einem Begleitheft mit Notizen und den wenigen wertvollen Fotos, die aus Hamers kurzer Zeit als Lady des Canyons überlebt haben, voller Träume und ohne Ziel.

Eingeklemmt zwischen dem Canyon und der Karibik gingen Cathy Hamers zwei privat gepresste LPs in den Hippie-Nachwehen der Me-Decade unter. Aufgenommen 1979 und 1980 bei Threshold Recordings, dem bekannten Bluegrass-Poerhouse aus Roanoke, Virginia, zeigen diese 11 Originalsongs die ganze Bandbreite des kosmischen amerikanischen Regenbogens von Folk über Country bis hin zu Yacht Rock. Die remasterte LP kommt in einer Tip-On-Hülle mit einem Begleitheft mit Notizen und den wenigen wertvollen Fotos, die aus Hamers kurzer Zeit als Lady des Canyons überlebt haben, voller Träume und ohne Ziel.

Die erste Veröffentlichung des Labels "From Cool Waters" aus Nairobi kombiniert traditionelle kenianische Folk Elemente mit minimalistischer Elektronik und klassischer Marimba. Entstanden aus dem Zusammentreffen dreier MusikerInnen - dem in Nairobi ansässigen Nyege Nyege-Kollaborateur und Schlagzeuger Sven Kacirek, der 83-jährigen "Queen Of Dodo" Ogoya Nengo und dem Sänger/Songwriter und Gitarrenbauer Olith Ratego - schafft PALAGOMA eine einzigartige elektroakustische Synergie. Die Künstler haben bereits zuvor in verschiedenen Konstellationen zusammengearbeitet: Der in Deutschland geborene Kacirek war Produzent und Toningenieur von Nengos faszinierendem Debütalbum Rang"ala, das 2014 bei Honest Jon"s Records erschien, während Ratego und Kacirek 2018 das Duo ODD OKODDO gründeten, das 2019 und 2023 beim einflussreichen Nyege Nyege Festival in Uganda sowie bei Veranstaltungen auf der ganzen Welt auftrat.

Nach einem bahnbrechenden Jahr hat die GRAMMY-Preisträgerin, Sängerin, Songwriterin und Multiinstrumentalistin Sierra Ferrell beendete ihre Tournee 2025 in ihrer Wahlheimat Nashville, Tennessee. Live aufgenommen, direkt auf Acetat im Blue Room von Third Man Records, fängt diese einzigartige Performance die rohe Energie, den feurigen Geist und die fesselnde Bühnenpräsenz ein, die Ferrell an die Spitze des modernen Bluegrass und Country katapultiert haben.

Der aus Sydney stammende Soul-Revival-Troubadour Don West – mit knapp 3 Mio. monatlichen Spotify-Hörern - veröffentlicht sein Debütalbum "Give Me All Your Love" parallel zu seinen ausverkauften Tourneen durch Europa, UK und seinem Heimatland Australien. Australiens einziger Spotify Radar Artist für 2025 wurde bereits für die Australian Independent Records Awards in der Kategorie "Beste Soul/R&B-Veröffentlichung" und für den APRA AMCOS Award in der Kategorie "Meistgespieltes Soul/RnB-Werk" nominiert und erreichte Platz 6 der australischen ARIA-Charts.

"Wenn Sie sich ein Gedankenexperiment gewünscht haben, das berauschend sinnliche Soulmusik aus der Blütezeit von Stax und Motown mit dem Charme eines angesagten Frauenschwarms verbindet, dann hat Don West die harte Arbeit für Sie erledigt; er ist die Antwort." – Onestowatch

2026 Repress

SPEICHER-Ikone und gefeierte Clubmacht KÖLSCH debütiert auf KOMPAKT mit dem Album '1977', einer außergewöhnlichen Sammlung von elektronischen Juwelen, die seine frühen Meisterwerke mit exklusivem neuen Material verzahnt. Hier finden Monument, Irrsinn & Biss unter einem gemeinsamen, kennerhaft austarierten Groove zusammen und bereichern die Erlebniswelten von
Heimtänzern wie Flurhunden... dein neuer bester Freund ist da und es ist eine Platte.

Tatsache: trotz des Namens und unserer wohldokumentierten Vorliebe für Kölner Bier ist KÖLSCH kein Rheinländer und er hat sich auch nicht nach dem Lokalbräu benannt. Selbst weltweit hoch gehandelte Hits und eine Reihe profilträchtiger Live-Auftritte scheinen allerdings nichts daran zu ändern, daß der preisgekrönte dänische Produzent Rune Reilly Kölsch regelmäßig konfuse Fragen nach dem eigenen Namen weggrätschen muß. Und doch könnte er nicht deutlicher werden: man denke an etablierte Flurfavoriten wie OPA, DER ALTE oder SILBERPFEIL... diese Tracktitel beziehen sich samt und sonders auf Runes Erinnerungen an eine Kindheit in Deutschland. Anders gesagt: ja, der heißt wirklich so.

'1977' ist nicht einfach nur entseeltes 'Best Of'-Gemenge: mit brandneuen Eisen wie BASSHUND, BAPPEDECKEL und EISWINTER im Feuer braucht KÖLSCH sich nun wirklich keine Gedanken über die zukünftige Wirkgeschichte seines Werks zu machen. Und dann ist da eine Rillenzirze wie OMA, hoch emotionaler Konterpart zum leicht sardonischen OPA und in jeder Hinsicht ebenso mitreissend wie die kanonische Überballade ALL THAT MATTERS. Für das große Finale schließlich wendet sich Rune an LORELEY, das bestimmende Initialrelease des Projekts und bis heute ein massiver Kracher von eigenem Recht - in der Tat so gewaltig, daß der Schock von gleich zwei weiteren Tracks gepuffert werden muss, dem dramatischen WASSERSCHUTZ und einem trojanischen Pferd namens FELIX. Letzteres sollte ja eigentlich eine Art Outro für das Album sein... doch dann hat jemand den Knopf gedrückt und das transdimensionale Portal erwachte zum Leben.

Der mehrfach preisgekrönte Londoner Jazz-Saxofonist startet mit seinerm neuen Soloalbum sein eigenes Label.

Multiinstrumentalist, Produzent und Künstler Shabaka (Hutchings) veröffentlicht mit "Of The Earth" sein drittes Soloalbum, das gleichzeitig das erste ist, das über sein eigenes Label Shabaka Records erscheint und komplett von ihm selbst geschrieben und produziert wurde. Auf "Of The Earth" kehrt Shabaka zu seinem charakteristischen Saxophonklang zurück, ergänzt durch ausgefeilte Elektronik und Produktion sowie traditionelle Holzblasinstrumente und Perkussion aus aller Welt. Diese Kombination unterstreicht sein vielseitiges Talent und prägt den Gesamtklang des Albums. Hutchings genießt hohes Ansehen für seine Arbeit mit The Comet Is Coming, Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors sowie für die beiden jüngsten Soloprojekte "Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace" (2024) und "Afrikan Culture" (2023). Als Musiker arbeitete er bereits mit einer Vielzahl namhafter Künstler zusammen, darunter Andre 3000, Floating Points, Mulatu Astatke, The Sun Ra Arkestra, Lianne La Havas, Saul Williams und viele mehr. "Of The Earth" erscheint als schwarze Vinyl-LP, als limitierte kornblumenblaue Vinyl-Edition und als CD. Beide Vinyl-Formate enthalten ein Booklet mit Hutchings' eigenem Artwork.

Das Album "Sperminator" von Drahdiwaberl wurde 1994 veröffentlicht und gilt als eines der provokantesten Werke der Band. Es zeichnet sich durch seinen kontroversen Titel und seine schockierenden Texte aus, die bewusst Tabus brechen und Grenzen überschreiten. Das Album enthält eine Mischung aus Punk, Rock und avantgardistischen Elementen und ist ein weiteres Beispiel für Drahdiwaberls künstlerische Experimentierfreude und rebellische Haltung.

A1 GIRL IN A BAND (ORIGINAL BY HALF GIRL)
A2 INCOMPREHENSIBLE WORLD (ORIGINAL BY LAUNDROMAT CHICKS)
A3 NACHT (ORIGINAL BY CULK)
A4 PAST LIFE (ORIGINAL BY EUROTEURO)
A5 INVISIBLE (ORIGINAL BY LUISE POP)
A6 CAN'T YOU SEE (ORIGINAL BY SALAMIRECORDER & THE HI-FI PHONOS)|TOPSY TURVY
B1 THE BULLSHIT (ORIGINAL BY TELEBRAINS)
B2 TOMORROW (ORIGINAL BY DIVES)
B3 SCHÖNE GRÜßE (ORIGINAL BY TCHI)
B4 WHO'S GONNA LOVE ME (ORIGINAL BY BAD WEED)
B5 TROUBLES CAUGHT (ORIGINAL BY MILE ME DEAF)
B6 PLEASE WASTE YOUR TIME (ORIGINAL BY POTATO BEACH)
B7 MARCELINO (ORIGINAL BY TOPSY TURVY)

Das Wiener Label SILUH RECORDS feiert 20-jähriges Jubiläum u.a. mit dieser limitierten wirklichen Vinyl Only-VÖ (no CD, no DL, no Stream)! Das Album kommt mit 13 Songs, aktuelle Label-Artists covern jeweils einen liebgewonnene Song von Labelkolleg*innen. Ein wilder Ritt zwischen den Genres ist vorprogrammiert, was auch den breiten Backkatalog der Wiener Indie-Institution Siluh Records gut widerspiegelt. Das 2005 gegründete Label mit mittlerweile über 100 Releases ist ein wahrliches Szene-Juwel, wo Bands wie DIVES, GARDENS, CULK, MILE ME DEAF, LAUNDROMAT CHICKS, SEX JAMS oder EUROTEURO ihr zuhause haben und zum kleinen Undeground-Hype der Musikstadt Wien maßgeblich beigetragen. Doch im Label-Backkatalog finden sich auch ein paar internationale illustre Gäste. So zum Beispiel gab es Releases mit JAD FAIR von Half Japanese bzw. dem französischen Elektro-Akustiker PHILIP PETIT, den 90er US-Indie-Rockern SWEARING AT MOTORISTS, eine Techno-Remix Platte mit ALEC EMPIRE, ERIC D. CLARKE, JASON FORREST und BERNHARD FLEISCHMANN, ein Single mit CASSIE RAMONE von The Babies, oder Alben vom Chokebore-Frontman TROY VON BALTHAZAR. Für die Jubiläumsplatte wurde jetzt der Auftrag an derzeitige Siluh Acts erteilt, je einen Song aus dem Katalog neu zu interpretieren. ISCHIA zaubern aus einem LAUNDROMAT CHICKS Song eine wahre Dream Pop Hymne mit Shoegaze Finale. LAUNDROMAT CHICKS wiederum basteln aus dem Garagenrock von TELEBRAINS eine Neil Young'esque Version. TELEBRAINS nehmen sich DIVES' "Tomorrow" vor, diese wiederum graben einen alten LUISE POP Song, der nie auf einem Album erschienen ist, aus und erwecken ihn zu neuem Leben. Die Indie-Folk-Gruppe GARDENS bearbeiten eine Dada-Pop-Nummer von EUROTEURO, die wiederum einen TOPSY TURVY Song eingedeutscht haben. Und so geht's munter weiter... Der Titel "POCKET SONGS" bezieht sich auf ein Zitat des befreundeten Betreibers von Bachelor Records, der mal meinte "Pocket Band, eine Band für die Hosentasche. Eine Band, die man liebt und von der man Freunden erzählen möchte, aber nicht zu vielen, denn die Band sollte klein und in der Hosentasche bleiben und nicht in den Playlists von jedem Tom, Dick und Harry vorkommen". Dem Vinylalbum beigelegt ist ein Siluh-Poster, alle Tracks nur auf LP hier exklusiv/original! Herzlichen Glückwunsch!

Vom Wall Street Journal als "eine der faszinierendsten Sängerinnen der modernen Musik" beschrieben, hat die in New York geborene und in Tamil Nadu aufgewachsene Sängerin und Multi-Instrumentalistin GANAVYA Details zu ihrem neuen Album "Daughter of a Temple" veröffentlicht, das am 15. November 2024 erscheinen soll. Das Album folgt auf ihren Auftritt bei SAULTs umjubeltem Live-Debüt 2023 in London, bei dem, laut The Guardian, ihre "Stimme eine zarte emotionale Kraft hatte, die selbst Stoiker zu weinenden Wracks machen konnte." Für "Daughter of a Temple" lud ganavya über 30 Künstler*innen verschiedener Disziplinen zu einer rituellen Zusammenkunft nach Houston ein. Dementsprechend sind auf dem entstandenen Album zahlreiche Mitwirkende zu hören, darunter renommierte Musiker*innen wie esperanza spalding, Vijay Iyer, Shabaka Hutchings, Immanuel Wilkins und Peter Sellars. Die Ergebnisse, eine innovative und zutiefst bewegende Mischung aus spirituellem Jazz und südasiatischer geistlicher Musik, wurden zunächst von Ryan Renteria aufgenommen und dann 2024 von Nils Frahm im LEITER Studio in Berlin weiter bearbeitet und abgemischt. ganavya ist die Autorin und Sängerin des ersten tamilischen Textes, der mit einem Latin Grammy ausgezeichnet wurde, sie war Sängerin in Vijay Iyers Ritual Quartet und Solosängerin auf dem von Quincy Jones produzierten "Tocororo", das Platz 1 der Jazz-Charts erreichte. Ihr letztes Album, "like the sky I"ve been too quiet", hat sie mit Shabaka Hutchings aufgenommen und versammelt Gäste wie Floating Points, Tom Herbert, Carlos Niño und Leafcutter John.

Lebanon Hanover kehren mit Songs zurück, welche die Zeit bis zum nächsten termin mit der Lieblingstherapeut*inn überbrücken können. Fast fünf Jahre nach der Veröffentlichung ihres letzten Werkes "Sci-Fi Sky" hat Lebanon Hanover nun mit "Asylum Lullabies" einen Soundtrack für einen Besuch in einer psychiatrischen Klinik kreiert. Das neue Album ist die Weiterentwicklung eines noch kälteren, noch bissigeren Sounds einer Band, die seit über einem Jahrzehnt die Nu Wave/Post-Punk-Szene dominiert, es ist ein sehr schweres Album, das sich mit psychischen Problemen, einer Trennung, andauernden Kriegen und dem aktuellen Horror der Welt befasst, der einen letztendlich mit Angst, Furcht und einem ständigen Gefühl der Erdrückung zurücklässt. Alles bricht gleichzeitig zusammen. Die Mitglieder Larissa Iceglass und William Maybeline schrieben diese Songs aus polarisierenden Perspektiven, haben dabei ein schlüssiges Album produziert. Für Fans von Twin Tribes, Ash Code, Selofan, Cold Wave, Independent, Postpunk

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Die Musik auf Horse Lords' "Demand to Be Taken to Heaven Alive!" wirkt zugleich unglaublich detailliert und zutiefst menschlich. Die zwölf versammelten Stücke sind vielschichtig, verflochten, tonal und rhythmisch komplex - moiré-artige Muster aus Interaktion und Verzahnung, die sich sowohl körperlich als auch geistig entfalten, voller klanglicher Gänge mit einem unausweichlichen Groove. Künstler sind nicht notwendigerweise Wissenschaftler, Logiker oder spirituelle Führer, doch durch ihr persönliches Verständnis von Ordnung und Erfahrung eröffnen sie einen unmittelbaren Zugang zu gesteigerten Zuständen von Materialität und Immaterialität. Horse Lords wurden 2010 in Baltimore gegründet; sie gingen aus einer anderen Gruppe namens Teeth Mountain hervor und starteten als Trio mit Gitarrist Owen Gardner, Bassist Max Eilbacher und Schlagzeuger Sam Haberman, bevor der Altsaxofonist Andrew Bernstein zum Kernensemble hinzustieß. Obwohl das Quartett aus einer fruchtbaren Noise- und Experimental-Rock-Szene hervorgegangen ist - einem legendären Umfeld für Künstler und Außenseiter, das viele einflussreiche Bands hervorgebracht hat (Lungfish, Matmos) - war ihr Ansatz über sechs Alben, zahlreiche Kollaborationen und als gefeierte Liveband weit vielseitiger, als es die punktierten Rhythmen instrumentaler elektrischer Rockmusik vermuten lassen. Für dieses Projekt wird die Band durch Bassklarinettistin Madison Greenstone, Posaunist Weston Olencki und - erstmals bei Horse Lords - durch Gesang von Nina Guo und Evelyn Saylor ergänzt. Der Entstehungsprozess von "D2BT2HA!" brachte geografische Hürden mit sich, da die vier Mitglieder seit 2021 in unterschiedlichen Städten leben. Nach sechzehn Jahren als funktionierende Band übersteigt ihre gemeinsame Sprache jedoch jeden Ort. Die aus Deutschland stammenden Gardner, Eilbacher und Bernstein trafen sich in Berlin für die Aufnahmen, während Haberman die Schlagzeugparts in Baltimore erarbeitete. Beim Hören würde man dies nicht unbedingt erkennen, und gemeinsames, räumlich getrenntes Arbeiten ist heutzutage ohnehin keine Seltenheit mehr. Die Band merkt an, dass "es wichtiger war, den Konzepten und Visionen der jeweils anderen zu vertrauen, als Abschnitte immer wieder zu spielen, um zu überprüfen, ob die Musik funktioniert - obwohl dieses Vertrauen nur durch sehr enges gemeinsames Arbeiten möglich wurde". Obwohl "D2BT2HA!" nicht im engeren Sinne eine Suite ist, beeinflusst und durchdringt sich die Musik in komplexen Verknüpfungen selbst. Horse Lords erklären: "Uns gefällt die Vorstellung von Kunst als Werkzeug zur Perspektivveränderung - dass man Ideen rotieren kann und sie aus einem anderen Blickpunkt sehen/hören/fühlen kann." Oder, wie es der Swami Satchidananda Saraswati zugeschriebene Satz ausdrückt: "Understanding is standing under where you are already standing." Das Eröffnungsstück ,Eureka 378-B" ist ein Arrangement von sakraler Harfenmusik aus dem 19. Jahrhundert, getragen vom Gesang von Guo und Saylor; seine Melodie entfaltet sich weit und setzt einen tonalen Startpunkt für vieles, was folgt. Dazu kommen die kurzen "Rotations", die Fragmente aus anderen Stücken isolieren. Offensichtlich tragen die Titel der Stücke einiges an Bedeutung, und "D2BT2HA!" bildet da keine Ausnahme - Transzendenz und Erhebung sind der Musik inhärent, und wenn jede Kunst politisch ist, so sind die Tendenzen von Horse Lords optimistisch und gemeinschaftsorientiert. Transformation und Neubetrachtung sind nicht nur kompositorische Strategien, sondern eine philosophische Haltung, was sich in Titeln wie ,A City Yet To Come", dem Titeltrack oder utopischen Bezügen zeigt. Wie sie selbst sagen: "Wir versuchen Musik zu machen, die den Status quo herausfordert und dem Hörer einen Weg zur Befreiung eröffnet. Das Studium und die Erforschung von Klang und Musik hat eine spirituelle und ekstatische Dimension, und wir haben große Ehrfurcht vor ihrer Wirkung auf den Einzelnen und die Welt." "D2BT2HA!" enthält unzählige klangliche und konzeptuelle Schichten, doch angesichts der unverkennbaren Kraft und Menschlichkeit der Musik ist der Prozess, sie zu entschlüsseln, begeisternd und zutiefst lohnend. Selten ist eine Platte, die einen so unmittelbar packt und zugleich bei jedem Hören vollkommen neu erscheint.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Der Mittlere Westen, insbesondere der Teil, aus dem Eric D. Johnson stammt, ist eine weitgehend flache Weite. Wenn man auf der Autobahn hindurchbraust, sieht man Städte und Ortschaften in der Ferne aufragen, doch wenn man blinzelt, verpasst man andere von Menschenhand geschaffene Gegenstücke zum Leben in der Ebene, die die Landschaft prägen: Hügel um Hügel, erbaut aus den Abfällen der Vergangenheit: Mülldeponien. Einige dieser Hügel eignen sich hervorragend als Schlittenhügel, Parks und Wanderwege. Andere verwandeln organische Abfälle in Kompost. ,The Landfill" ist etwas ganz anderes: ein Berg, der die Landschaft in Johnsons Herzen dominiert. Im Laufe seiner mittlerweile 25-jährigen Karriere unter dem Namen Fruit Bats war der Großteil von Eric D. Johnsons Schaffen das Ergebnis von Geduld und Feinschliff. Seine Songs sind, um einen Ausdruck zu verwenden, Langzeitprojekte, die auf Alben zum Leben erweckt werden, welche lange Zeiträume und Erinnerungen umfassen. "Baby Man" änderte das - er verbot sich, auf Material zurückzugreifen, an dem er vor der Aufnahme des Albums gearbeitet hatte. Es war sowohl ein atemberaubendes Dokument von Johnsons Können als Singer-Songwriter als auch ein ungeschönter Bericht über die zwei Wochen, in denen er das Album aufnahm. "Diese Session war vorbei", erklärt er, "aber es gab noch viel mehr zu erkunden. Mir gefiel die Unmittelbarkeit davon, und ich wollte sehen, wie sich das auf ein Fruit-Bats-Album mit voller Bandbesetzung übertragen lassen würde." Innerhalb weniger Wochen war er wieder im Studio, diesmal mit seiner Band: David Dawda (Bass), Josh Mease (Gitarren, Synthesizer), Frank LoCrasto (Klavier, Synthesizer) und Kosta Galanopoulos (Schlagzeug). Wenn man sich "The Landfill" anhört, stellt man fest: Diese Band rockt. Johnson produzierte die ersten Aufnahmesessions in den Bear Creek Studios in Washington und machte sich daran , "den Sound dieser Band einzufangen, die mich immer wieder in Staunen versetzt - das Gefühl, in einem Raum mit Musikern zu sein, die man liebt und denen man genug vertraut, um sie einfach machen zu lassen." Sie nahmen das meiste davon in einem Durchgang auf - ohne Click-Tracks, ohne zusammengestellte Gesangsparts und mit minimalen Overdubs, wobei der häufige Mitwirkende Thom Monahan zurückkehrte, um zusätzliche Produktionsarbeit zu leisten und den finalen Mix von ,The Landfill" zu erstellen. "So machen wir es auch mit meiner anderen Band, Bonny Light Horseman, und ich war neugierig, wie es bei den Fruit Bats funktionieren würde", bemerkt Johnson. "Es ist sowohl ein sehr persönliches Album als auch mein bisher kollaborativstes." Es ist zudem das live-orientierteste Album der Fruit Bats seit "The Ruminant Band" aus dem Jahr 2009, und durch die Reduzierung der Spuren, die einen Song einer kompletten Band normalerweise ausmachen, ist die psychedelische, technicolorartige Verträumtheit ihres Sounds lebendiger denn je. Die Songs auf "The Landfill" zeichnen sich sofort als einige der besten in Eric D. Johnsons Werk aus, Suchende und Hymnen gleichermaßen. Es ist der bisher gewaltigste Gipfel, den er erklommen hat.

Das Debüt des transzendentalen Gitarrenmeisters aus dem Jahr 1971, remastered für all eure Sabbat-Bedürfnisse. 37 Minuten ambienter Gitarrenzauberei und der perfekte Soundtrack für das Erwachen des dritten Auges, Lichtalchemie oder Menschenopfer. Mit diesem Werk könnte man eine Sekte gründen. Der kalifornische Versandhandelsmystiker Master Wilburn Burchette wurde erstmals durch seine Anzeigen bekannt, die auf den hinteren Seiten des ,Fate Magazine", von ,Beyond Reality" und ,Gnostica News" versteckt waren. Im Angebot: Burchettes siebenteiliger, im Blockdruckverfahren hergestellter ,Psychic Meditation Course", der den Menschen beibringen sollte, wie man Musik hört. Passend zu seinen Lektionen verkaufte Burchette eine Reihe von Instrumentalplatten mit Gitarren- und Elektronikmusik, die mit kunstvollen, handgezeichneten Cover-Motiven versehen waren und Höranweisungen vom Meister selbst enthielten. Bereits seit seinem zwölften Lebensjahr war Burchette von der Parapsychologie fasziniert und verbrachte ebenso viel Zeit mit dem Lesen von Büchern über die Grundlagen der tibetischen Mystik wie mit dem Üben auf der Gitarre, deren Schwingungen er nutzte, um Klangbilder und -muster zu erschaffen. Nachdem er eine Zeit lang klassische Gitarre unterrichtet hatte, veröffentlichte Meister Wilburn Burchette in den sieben Jahren von 1971 bis 1977 sieben Alben, bevor er abrupt alles, was mit seinen musikalischen Erkundungen zu tun hatte, verbrannte und wegwarf.

,Manifestations in the Shadow of an Uncertain Land" entfaltet sich durch aleatorische Komposition und intuitive Prozesse, geprägt von tief miteinander verflochtenen politischen und ästhetischen Traditionen. Verwurzelt in den gelebten Erfahrungen von Körpern und Köpfen, die sich mit der lokalen und globalen Last des Imperialismus auseinandersetzen, schöpft das Werk zudem aus der zeitlichen Logik von Film und Literatur, in der Erinnerung, Angst und Vorfreude nebeneinander existieren. Mit Stimme und modularer Elektronik arbeitet Lowe und behandelt Klang als skulpturale und filmische Kraft, geprägt von der entfremdeten Erinnerung an Chris Markers ,Sans Soleil", der politischen Desorientierung in Peter Watkins' ,Punishment Park" und der prozeduralen Gewalt in Kafkas ,In der Strafkolonie". Anklänge an elektroakustische und zeitgenössische klassische Traditionen kommen eher durch die Atmosphäre als durch direkte Zitate zum Vorschein und führen die Musik durch Zustände der Kontemplation, des Schreckens, der Feierlichkeit und der Dynamik. Das Ergebnis ist ein spannungsgeladenes Klangfeld, das sich einer festen Bedeutung widersetzt und von Bruch und der Möglichkeit der Transformation geprägt ist.

,Looks Far Woman" ist ein konzentriertes und eindringliches Album der Cellistin und Komponistin Aliya Ultan, das als Zyklus aus sechs elementaren ,Liedern" aufgebaut ist, die sich an der Schnittstelle von Komposition, Traumlogik und ritueller Praxis entfalten. Ausgehend von einer Phase körperlicher und emotionaler Erschöpfung arbeitet Ultan mit Atem und anhaltender Aufmerksamkeit als kompositorischen Materialien und schafft Musik, die sich an einer hypnagogischen Schwelle bewegt - jenem liminalen Raum zwischen Wachsein und Schlaf, wo die Wahrnehmung weicher wird und innere Welten an die Oberfläche treten. Geleitet von der Figur der ,Looks Far Woman", einer Seherin und Hüterin in Ultans persönlicher Kosmologie, zeichnet das Album einen stillen Bogen aus Aufbruch, Heilung und Rückkehr nach. Aufgenommen kurz vor einer großen geografischen und psychischen Wende in Ultans Leben, verzichtet das Album auf Virtuosität zugunsten von Geduld, Zurückhaltung und tiefem Zuhören. ,Looks Far Woman" wurde von Randall Dunn aufgenommen, abgemischt und produziert und ist ein eindrucksvolles Statement eines aufstrebenden Komponisten, der an den Rändern der zeitgenössischen experimentellen Musik arbeitet.

,Pneuma" ist ein Zyklus von acht Kompositionen des Kontrabassisten und Komponisten Henry Fraser, erschienen bei Kou Records, der sich mit Atem, Resonanz und der sich wandelnden Beziehung zwischen Form und Improvisation auseinandersetzt. Fraser betrachtet seine Solopraktik als eine Zusammenarbeit mit dem Instrument selbst und arbeitet direkt mit der Materialität und den akustischen Eigenschaften des Kontrabasses, sodass Klang, Raum und Struktur durch tiefes Zuhören gemeinsam entstehen können. Aufgenommen, abgemischt und koproduziert von Randall Dunn (Sunn O))), Thurston Moore) und Ben Greenberg (Uniform, Marc Ribot), erweitert das Album Frasers bisherige Solosprache durch ein erweitertes melodisches Register, vielschichtige Texturen und sorgfältig gestaltete Studioeingriffe. Ausgehend von sowohl vorgefertigten Motiven als auch neu improvisiertem Material entfaltet sich ,Pneuma" in einer Reihe prägnanter Sätze, von denen jeder einer eigenständigen rhythmischen oder harmonischen Idee Gestalt verleiht und gleichzeitig zu einer größeren, zusammenhängenden Form beiträgt. Die Aufnahme, bei der der Schwerpunkt auf natürlicher Dynamik und räumlichen Details liegt, bewahrt die volle physische Präsenz des Instruments und rückt die Resonanz, die Obertöne und die leisen Mikrogesten des Basses in den Vordergrund. Bestimmte Stücke bestehen aus mehreren übereinandergelegten Darbietungen, was den Umfang und den Ausdrucksbereich der Musik dramatisch erweitert. Das Ergebnis ist ein intimes und zugleich immersives Hörerlebnis - akustische Musik, die sich gleichzeitig greifbar und weitreichend anfühlt. ,Pneuma" dokumentiert Fraser in einem Moment künstlerischer Klarheit und bekräftigt sein Bekenntnis zu prozessorientierter Komposition und aufmerksamer Klangpraxis.