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Distant Clouds Grey Vinyl. Das siebte Album von Teen Suicide ist das erste richtige Album der Band seit ,honeybee table at the butterfly feast", das durch Songs wie ,you were my star" wieder Aufmerksamkeit bekam, der auf TikTok richtig abging. Teen Suicide wurde 2010 als Nebenprojekt von Sam Ray gegründet und hat sich nach und nach weiterentwickelt, während es ein leidenschaftliches Projekt blieb. Seit 2017 gehört Kitty Ray zur Band, und 2022 wurde die Band mit dem Beitritt des Schlagzeugers Niko Wood offiziell zu einem Vollzeitprojekt. Gemeinsam begann das Trio mit dem Schreiben und Aufnehmen ihres kommenden Albums ,Nude descending staircase headless". Das Album stellt eine Reihe von Premieren für die Band dar: ihre erste Platte, die in einem professionellen Studio aufgenommen wurde, ihre erste Veröffentlichung, die als Vollzeitband geschrieben und aufgenommen wurde, und ihre erste seit 2012, auf der durchgehend ein festes Schlagzeuger zu hören ist. Es markiert auch den Beginn eines vollständig gemeinsamen Schreibprozesses zwischen Sam und Kitty Ray, die 2016 geheiratet haben und von Grund auf an der gesamten Platte mitgearbeitet haben, wobei sie sich sowohl das Songwriting als auch den Gesang aufteilten. Von Sam Ray als ,bisheriger Höhepunkt der Karriere" der Band beschrieben, erkundet Nude descending staircase headless das endlose Streben nach Erfüllung durch Kreativität und verknüpft Motive von Tod und Wiedergeburt mit Themen wie der Freude trotz großer Verluste. Das Album sieht das Selbst nicht als isoliertes Objekt, sondern als einen einzelnen Strang in einem größeren, miteinander verbundenen Netz. Zu den herausragenden Tracks gehören ,Idiot", das sich an direktem, wörtlichem Storytelling orientiert, und ,Spiders", bei dem Kitty Ray den Gesang übernimmt und eine düstere feministische Unterströmung in die übergeordnete Erzählung des Albums einbringt. Musikalisch lässt sich die Band von Künstlern wie Nirvana, Radiohead, Shellac und Helmet inspirieren und greift die Intensität und Experimentierfreudigkeit des Heavy Rock der späten 80er und 90er Jahre auf. Ihre jüngsten Tourneen mit DELTA SLEEP unterstreichen einmal mehr, dass Teen Suicide zunehmend Einflüsse aus Math Rock und Metal in ihren sich weiterentwickelnden Sound einfließen lässt.

Distant Clouds Grey Vinyl. Das siebte Album von Teen Suicide ist das erste richtige Album der Band seit ,honeybee table at the butterfly feast", das durch Songs wie ,you were my star" wieder Aufmerksamkeit bekam, der auf TikTok richtig abging. Teen Suicide wurde 2010 als Nebenprojekt von Sam Ray gegründet und hat sich nach und nach weiterentwickelt, während es ein leidenschaftliches Projekt blieb. Seit 2017 gehört Kitty Ray zur Band, und 2022 wurde die Band mit dem Beitritt des Schlagzeugers Niko Wood offiziell zu einem Vollzeitprojekt. Gemeinsam begann das Trio mit dem Schreiben und Aufnehmen ihres kommenden Albums ,Nude descending staircase headless". Das Album stellt eine Reihe von Premieren für die Band dar: ihre erste Platte, die in einem professionellen Studio aufgenommen wurde, ihre erste Veröffentlichung, die als Vollzeitband geschrieben und aufgenommen wurde, und ihre erste seit 2012, auf der durchgehend ein festes Schlagzeuger zu hören ist. Es markiert auch den Beginn eines vollständig gemeinsamen Schreibprozesses zwischen Sam und Kitty Ray, die 2016 geheiratet haben und von Grund auf an der gesamten Platte mitgearbeitet haben, wobei sie sich sowohl das Songwriting als auch den Gesang aufteilten. Von Sam Ray als ,bisheriger Höhepunkt der Karriere" der Band beschrieben, erkundet Nude descending staircase headless das endlose Streben nach Erfüllung durch Kreativität und verknüpft Motive von Tod und Wiedergeburt mit Themen wie der Freude trotz großer Verluste. Das Album sieht das Selbst nicht als isoliertes Objekt, sondern als einen einzelnen Strang in einem größeren, miteinander verbundenen Netz. Zu den herausragenden Tracks gehören ,Idiot", das sich an direktem, wörtlichem Storytelling orientiert, und ,Spiders", bei dem Kitty Ray den Gesang übernimmt und eine düstere feministische Unterströmung in die übergeordnete Erzählung des Albums einbringt. Musikalisch lässt sich die Band von Künstlern wie Nirvana, Radiohead, Shellac und Helmet inspirieren und greift die Intensität und Experimentierfreudigkeit des Heavy Rock der späten 80er und 90er Jahre auf. Ihre jüngsten Tourneen mit DELTA SLEEP unterstreichen einmal mehr, dass Teen Suicide zunehmend Einflüsse aus Math Rock und Metal in ihren sich weiterentwickelnden Sound einfließen lässt.

Im April 2026 bringt Eaves Wilder ihr heiß erwartetes Debütalbum ,Little Miss Sunshine" raus. Die Platte ist ein krasser Entwicklungssprung für die Singer-Songwriterin aus Nord-London, die 2020 mit 16 Jahren mit ihrem selbst aufgenommenen Lockdown-Release ,Won't You Be Happy" zum ersten Mal auf sich aufmerksam gemacht hat. Eaves begann mit der Arbeit an ,Little Miss Sunshine" nach einer Phase des Nachdenkens, in der sie sich fragte, ob sie der Musik in ihrem Kopf letztlich gerecht werden könnte. Wer sich mit dem Album beschäftigt, entdeckt zehn Songs, die sich an den Zyklen der Natur orientieren, um die emotionalen Stimmungen zu erklären und zu feiern, die uns zu Menschen machen. ,Als ich am Boden war", erinnert sich Eaves, die an einer Stelle sogar lacht, als sie sich daran erinnert, wie sie beschloss, die Musik ganz aufzugeben, um in ein Kloster einzutreten: ,Ich wollte einfach nur unmenschlich, gefühllos und unbewegt sein. Wie ein Berg oder ein Baum. Oder der Himmel. Das sind alles Dinge, die einen Zweck haben, aber ich wusste nicht, was mein Zweck war. Und so musste ich es herausfinden, Song für Song." Auf Little Miss Sunshine wird diese Geschichte in spannenden Episoden erzählt, angefangen mit den ersten Sekunden des Albums und der Lead-Single Hurricane Girl, einer sensationellen Synergie aus durchscheinenden Shoegaze-Harmonien und elementaren Rockgitarren, inspiriert durch Dokumentarfilme über Sturmjäger, wobei die Metapher verwendet wird, um ein Licht auf Freunde zu werfen, die gezwungen waren, stürmische Beziehungen zu suchen. ,Ich habe das Gefühl, dass dies mein Pearl-Jam-Song ist", erklärt sie. ,Das erste Mal, als ich Pearl Jam hörte, war ich auf einem riesigen Berg in Wales. In derselben Woche hörte ich auch zum ersten Mal Jagged Little Pill von Alanis Morissette." Von hier aus, bis hin zu seinem schmerzlich bewegenden Requiem an die Kindheit Summer Rolls fungiert jeder Song auf Little Miss Sunshine als leuchtender Koordinatenpunkt in einem Bogen der Selbstfindung. Da ist der hochfliegende Klangrausch Everybody Talks, mit seinem ansteigenden Crescendo aus aufdringlichen Stimmen, der auf beiden Seiten des Atlantiks große Unterstützung im Radio fand. Für Mountain Sized bezog sie sich auf Lily Allens Single The Fear aus dem Jahr 2009 - ,weil da diese eine Frau ist, die ganz beiläufig all die schlimmsten Dinge über sich selbst aufzählt, Dinge, die man sich eigentlich nicht trauen würde zuzugeben". In Eaves' Song wird diese aufkommende Angst jedoch durch einen panoramischen Refrain ausgelöscht, in dem sie die Grenzen ihrer realen Welt durchbricht, um zu verkünden: ,But in my mind/But in my mind/I am taller than the highest mountain sides." In dem schmerzlich melodiösen ,The Great Plains" hinterfragt Eaves ihre frühesten Erinnerungen, in denen sie ihre ältere Schwester Dora vergötterte. ,Sie war so zurückhaltend und wie eine Meerjungfrau", erinnert sich Eaves, ,und ich wurde von meinen Emotionen beherrscht - und je mehr ich versuchte, das nicht zu sein, desto mehr wurde mir klar, dass ich niemals wie sie sein könnte." In dem Song findet Eaves eine Art Selbstakzeptanz, indem sie auf die Natur schaut, um zu erfahren, dass es okay ist, so zu sein, wie sie ist: "As I erupt into a blaze / It's ok the sky will do the same/Let no-one bat an eye when / Every year I'll hibernate till May / Because no-one blames the clouds for rain / So take me as I am, tears down my face." Als die Sessions an Fahrt gewannen, fand Eaves Inspiration in zeitgenössischen Veröffentlichungen. Beispiele dafür waren Wolf Alice (,die einzige Band, die die Balance gefunden hat, die ich immer suche - die Kombination aus schweren Gitarren und hohen, ätherischen Vocals"), Mannequin Pussy (,sie gaben mir etwas von dem, was ich in der Ära von Riot Grrrl vermisst habe, als L7 und Babes In Toyland auf Tour waren") und CMATs ,geradlinig brillantes Songwriting". Weitere Highlights auf einem Album, das von ihnen geprägt ist, sind Daisy Chain Reaction, dessen glitzernder Power-Pop-Glanz einen Text über die Kultur des Wettbewerbs rund um Essstörungen verbirgt, und der unangenehme, mechanisierte Angriff von Just Say No, ein Song, der auf den brutalen Wahrheiten basiert, die Eaves und ihre Freundinnen in ihren Auseinandersetzungen mit missbräuchlichen Männern gesammelt haben. Zwei Jahre lang hat Eaves unermüdlich daran gearbeitet, jeden einzelnen Vers, Refrain, Pre-Chorus und Middle Eight auf Little Miss Sunshine zu verfeinern, bevor sie mit dem Co-Produzenten des Albums, Andy Savours (My Bloody Valentine, The Killers, The Horrors), ins Studio ging. Dies ist ein Album, auf dem jedes einzelne Detail seinen Platz verdient hat und das Zeugnis ablegt von der einzigartigen musikalischen Vision seiner Schöpferin.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

Wenn du es weißt, dann weißt du es. Die Shows von Dash Rip Rock sind ein ausgelassener Spaß - eine explosive Mischung aus Respektlosigkeit, Verzerrung und rohem Gitarrensound. Dieses legendäre Trio aus der Louisiana Music Hall of Fame und langjährige Indie-Größen verbinden Roots Rock, Garage Rock, Country-Punk und Southern Swagger und werden von der New York Times für ihre ,Flüssigkeit in der amerikanischen Roots-Musik mit einer kräftigen Dosis Punkrock-Spirit" und von SPIN als ,unbestreitbar die größte Rockband des Südens" gelobt. Mit über siebzehn Underground-Klassikern, einer treuen, genreübergreifenden Fangemeinde aus Rock, Americana und Punk und einem Radiohit aus den 1990er Jahren mit ihrer ironischen Hymne ,Let's Go Smoke Some Pot" liefert Dash Rip Rock weiterhin mitreißende Live-Shows. Gründer, Leadgitarrist, Sänger und Songwriter Bill Davis wird oft als Pionier des Country-Punk, Cowpunk und Alt-Country bezeichnet - Genres, die Rock, Outlaw Country und Punk-Attitüde miteinander verbinden. Die Austin Chronicle lobt Davis als ,das Gehirn hinter Dashs Muskeln, einen Bar-Poeten mit einem ausgeprägten Sinn für Humor und einem unverschämten Talent für gute Riffs". Mit ,A Song in Everyone" kehrt Dash Rip Rock mit einer brandneuen LP zurück, die in Mississippi mit Matt Patton von den Drive-By Truckers aufgenommen wurde.

La Peste war Bostons erste echte Punkband und hat die Lücke zwischen der einflussreichen Proto-Punk-Szene der Stadt in den 1970er Jahren und dem College-Rock und Hardcore-Punk der 1980er und 1990er Jahre gefüllt. Diese Sammlung will die ganze Geschichte von La Peste erzählen und zeigt die unveröffentlichten Studio- und Loft-Aufnahmen der Band zusammen mit den beiden offiziell veröffentlichten Tracks. Diese Tracks stammen aus der Studio-Session, aus der die 7"-Single ,Better Off Dead" (die einzige offizielle Aufnahme der Band) hervorging, aus ihrer Session mit Ric Ocasek von The Cars aus dem Jahr 1978, aus einer Session in den Electro Acoustic Studios aus dem Jahr 1978 und aus 4-Spur-Loft-Aufnahmen, die 1977 von den Bostoner Punks Billy Dafodil und Dave Cola gemacht wurden. ,Wenn du dir ,I Don't Know Right From Wrong" anhörst, wage ich zu behaupten, dass du nicht mehr aufhören kannst, sobald du angefangen hast - stell dir vor, diese Songs wären verfügbar gewesen, als La Peste sie aufgenommen hat. Stell dir vor, die atomaren Songs dieses Trios hätten aus den Plattenläden und Autoradios in ganz Boston, an der gesamten Ostküste und in ganz Amerika gedröhnt. Ich habe kaum Zweifel, dass genau das passiert wäre, wenn diese Musik Ende der 70er Jahre auf Platte erschienen wäre. Stattdessen müssen wir uns damit begnügen, sie jetzt zu hören - und wow, was für ein Trostpreis! Alles auf diesem Album kommt aus den Lautsprechern geflogen, macht Spaß, ist intensiv und so voller kaum zu bändigender Energie, dass man sich fühlt, als hätte man sich gerade Koffein gespritzt. Johnny Angels Beschreibung von La Peste als ,Black Sabbath meets Wire" trifft jetzt voll ins Schwarze: große, fette, dreckige Riffs zu einem umwerfenden Beat. Zwischen Peter Daytons feuriger Gitarre und seinen kehligen Schreien, Mark Andreassons tiefem Bass und Roger Tripps kraftvollen Drums gibt es in ,I Don't Know Right From Wrong" so viel Klanggewalt, dass der Typ in der Maxell-Werbung dagegen wie eingeschlafen wirkt" - Marc Masters

Geboren im Sommer '96/'97 - dem Jahr des Höllenschweins - brannten Mustang als soziales Experiment aus der Innenstadt Tasmaniens heraus. Sie kamen mit ziemlich viel davon, andere hätten für weniger wohl nicht mehr gleich ausgesehen.Sie sauf-ten, machten Sachen kaputt und brachten dieses Chaos in das Schreiben von Banger-Songs - während sie sich bei den ,Proben" XXX Ales reinzogen und bei sehr wichtigen ,Bandmeetings" Protokolle führten.Mustang schütteten Benzin über ihre tasmanische Ödnis, bevor sie 7,69 Millionen Quadratkilometer Landmasse der Erde in sich aufsogen und dort ,dominierten", auf die einzige Art, die sie kannten: laut, wütend und zu ihren eigenen Bedingungen - und nahmen dabei Horden williger Partygänger mit auf die Reise.Über drei Non-Studio-Alben und eine Handvoll kleiner Veröffentlichungen hinweg bauten Mustang einen Katalog auf, der von Bier, Speed und störrischer Unabhängigkeit geprägt war. Kein Glanz. Kein Trendgehechel. Kein Buckeln vor dem Mann. Sie ritten ein, tranken, was da war, und hinterließen klingelnde Köpfe.Cut Up Rough (2015) war ihr Schwanengesang - geboren in einer Heuscheune am ausgefransten Rand von Tasmaniens Rock-Hochburg. Aufgenommen über zwei schlaflose, bierselige Tage wurde das Album mit improvisierten Drum-Takes, aufgedrehten Gitarren und purem Instinkt in die Existenz gerissen. Die Band lebte während der Aufnahmen buchstäblich in der Scheune - schiss ins Gras, schlief zwischen leeren Dosen, und ließ Isolation und Absurdität direkt in billige Mikrofone bluten.

Karates trotziges und letztes Studioalbum rundet eine 12-jährige Diskografie ab, die von harDCore-artiger Katharsis bis hin zu feedbackgesättigten Improvisationen reicht. Dieser Klassiker aus dem Jahr 2004 verzichtete auf die Friendster-Migration zugunsten eines zurück zum Wesentlichen gerichteten Songwritings, das von Jazzphrasierungen und beatinspirierter Lyrik durchdrungen ist. Mit Chris Brokaw, dem Gitarristen von Codeine/Come, wurde ,Pockets" von den originalen Analogbändern neu gemastert und kommt in einer Deluxe-Hülle mit reproduzierten Songtexten.

Im Mai 2026 würde Miles Davis seinen 100. Geburtstag feiern. Einen Monat vorher gratuliert ihm bereits
Decca Frankreich mit der LP-Wiederveröffentlichung eines besonderen Albums innerhalb seines Schaffens.
Auf “Michel Legrand meets Miles Davis” treffen ein amerikanisches und ein europäisches Musik-Genie
aufeinander. Zum Jubiläum erscheint das ursprünglich als ”Legrand Jazz“ veröffentlichte Album aufwändig
remastert als 140g-LP im neuen Artwork mit Foto beider Künstler.
1958 war Legrand erstmals in die USA gereist und hatte dort die größten Stars des Jazz zusammengetrommelt: neben Miles Davis waren das John Coltrane, Phil Woods, Bill Evans, Ben Webster, Art Farmer,
Donald Byrd u.v.a. “Legrand Jazz“ präsentierte einige der größten Jazzklassiker aller Zeiten in fantastischen Legrand-Arrangements, gespielt von der damaligen Crème de la Crème des Jazz.
Speziell die Zusammenarbeit von Michel Legrand und Miles Davis auf vier Tracks des Albums gilt als
historisch, da sie kurz vor den Aufnahmen zu Davis’ Meisterwerk ”Kind of Blue“ (1959) stattfand und
bereits die harmonische Tiefe und den orchestralen Ansatz vorwegnahm, den Davis später weiter verfolgte

Mit seinem gefühlvollen, swingenden Hard-Bop-Stil verkörperte der Trompeter Blue Mitchell in der zweiten
Hälfte der 1960er Jahre das Blue-Note-Ethos wie nur wenige andere Musiker. “The Thing To Do” war
1965 das erste Album, das Mitchell bei dem Label veröffentlichte (sein eigentliches Debütalbum “Step
Lightly”, das 1963 aufgenommen wurde, erschien trotz Spitzenbesetzung erst 1980). “The Thing To Do”
ist historisch allein schon deshalb bedeutend, weil auf dem Album zwei junge Musiker zu hören sind, die ein
paar Jahre später mit der Jazz-Rock-Band von Miles Davis Weltruhm erlangten: der Pianist Chick Corea
und der Schlagzeuger Al Foster. Das Repertoire des Albums, das bei AllMusic die Höchstwertung von fünf
Sternen erzielte, reicht von Hard Bop über Balladen bis hin zu einem von Calypso beeinflussten Stück.

"Weejuns is all about interplay,"erklärt Gitarristin Mollestad. ,Bitches Blues besteht aus sechs Instrumentalstücken oder Musikabschnitten mit einer extremen Bandbreite an Dynamik. Einige basieren auf kräftigen Beats, während andere Stücke weitaus lyrischer und rubato sind. Die Bandbreite reicht von riffbasierten rockigen Stücken über lautes Chaos bis hin zu melancholischen Balladen und sogar völlig freien Improvisationen." Mit einem kultivierten und dennoch erfrischend instinktiven Ansatz, Instrumente und Einflüsse miteinander zu verflechten, wechselt Bitches Blues (ein ironischer Verweis auf Miles Davis' Album Bitches Brew) unvorhersehbar zwischen langsamen und sanften, klar gegliederten Songs mit disziplinierten Akkordfolgen und explosiven Ausbrüchen kathartischer und komplexer Strukturen. Weejuns (eine Slang-Abkürzung für ,Norwegians") stellten sich 2023 mit einem selbstbetitelten Doppel-Live-Album vor. Ursprünglich von Mollestad für das Kongsberg Jazz Festival zusammengestellt, wo sie mit dem renommierten Musicians Prize ausgezeichnet wurde, hat sich die Chemie innerhalb von Weejuns als dauerhaft und verlockend erwiesen, auch als Gegenpol zum bisher härtesten Album des Hedvig Mollestad Trios, Bees in the Bonnet aus dem Jahr 2025. Mollestad hat mit ihrem gleichnamigen Trio acht gefeierte Alben veröffentlicht. Das Markenzeichen ihrer 15-jährigen Karriere ist die Verschmelzung von ernsthaftem Können mit einem offensichtlichen Fokus darauf, Spaß am Klang zu finden. Als Tochter eines Jazzmusikers vertiefte sie sich in dessen Plattensammlung und studierte klassische Werke von Miles Davis, Charlie Parker, Joe Pass und Jim Hall, bevor sie in ihren 20ern Riff-gewaltige Titanen wie Led Zeppelin, Black Sabbath und Mahavishnu Orchestra entdeckte. Dies führte zur Gründung des Hedvig Mollestad Trios, dessen unermüdlicher Aufnahme- und Tourneeplan seit Anfang der 2010er Jahre der Gitarristin eine Reihe von Auszeichnungen einbrachte, darunter zwei norwegische Grammys (Spellemannprisen) und die Ernennung durch das DownBeat-Magazin zu einer der 25 Künstlerinnen, die ,den Jazz für Jahrzehnte prägen könnten". Ståle Storlokken (Bass, Synths) ist Gründer und langjähriges Mitglied von Supersilent und Elephant9, seit Mitte der 90er Jahre die ,rechte Hand" von Terje Rypdal und hat mit Motorpsycho auf Platte und auf der Bühne sowie mit unzähligen anderen zusammengearbeitet. Ole Mofjell (Drums) ist das jüngste Mitglied und spielt bei Krokofant, Signe Emmeluths Amoeba und seinem eigenen Free-Jazz-Trio 3 Days Of Maceration.

"Weejuns is all about interplay,"erklärt Gitarristin Mollestad. ,Bitches Blues besteht aus sechs Instrumentalstücken oder Musikabschnitten mit einer extremen Bandbreite an Dynamik. Einige basieren auf kräftigen Beats, während andere Stücke weitaus lyrischer und rubato sind. Die Bandbreite reicht von riffbasierten rockigen Stücken über lautes Chaos bis hin zu melancholischen Balladen und sogar völlig freien Improvisationen." Mit einem kultivierten und dennoch erfrischend instinktiven Ansatz, Instrumente und Einflüsse miteinander zu verflechten, wechselt Bitches Blues (ein ironischer Verweis auf Miles Davis' Album Bitches Brew) unvorhersehbar zwischen langsamen und sanften, klar gegliederten Songs mit disziplinierten Akkordfolgen und explosiven Ausbrüchen kathartischer und komplexer Strukturen. Weejuns (eine Slang-Abkürzung für ,Norwegians") stellten sich 2023 mit einem selbstbetitelten Doppel-Live-Album vor. Ursprünglich von Mollestad für das Kongsberg Jazz Festival zusammengestellt, wo sie mit dem renommierten Musicians Prize ausgezeichnet wurde, hat sich die Chemie innerhalb von Weejuns als dauerhaft und verlockend erwiesen, auch als Gegenpol zum bisher härtesten Album des Hedvig Mollestad Trios, Bees in the Bonnet aus dem Jahr 2025. Mollestad hat mit ihrem gleichnamigen Trio acht gefeierte Alben veröffentlicht. Das Markenzeichen ihrer 15-jährigen Karriere ist die Verschmelzung von ernsthaftem Können mit einem offensichtlichen Fokus darauf, Spaß am Klang zu finden. Als Tochter eines Jazzmusikers vertiefte sie sich in dessen Plattensammlung und studierte klassische Werke von Miles Davis, Charlie Parker, Joe Pass und Jim Hall, bevor sie in ihren 20ern Riff-gewaltige Titanen wie Led Zeppelin, Black Sabbath und Mahavishnu Orchestra entdeckte. Dies führte zur Gründung des Hedvig Mollestad Trios, dessen unermüdlicher Aufnahme- und Tourneeplan seit Anfang der 2010er Jahre der Gitarristin eine Reihe von Auszeichnungen einbrachte, darunter zwei norwegische Grammys (Spellemannprisen) und die Ernennung durch das DownBeat-Magazin zu einer der 25 Künstlerinnen, die ,den Jazz für Jahrzehnte prägen könnten". Ståle Storlokken (Bass, Synths) ist Gründer und langjähriges Mitglied von Supersilent und Elephant9, seit Mitte der 90er Jahre die ,rechte Hand" von Terje Rypdal und hat mit Motorpsycho auf Platte und auf der Bühne sowie mit unzähligen anderen zusammengearbeitet. Ole Mofjell (Drums) ist das jüngste Mitglied und spielt bei Krokofant, Signe Emmeluths Amoeba und seinem eigenen Free-Jazz-Trio 3 Days Of Maceration.

Seit fast 30 Jahren erweitern SUNN O))) - Stephen O'Malley und Greg Anderson - die Grenzen der Heavy-Musik und verbinden die Welten der Avantgarde und des Rock, um einen Stil zu schaffen, der sofort als ihr eigener erkennbar ist. Jetzt melden sich SUNN O))) mit ihrem ersten Album mit neuem Material seit dem gefeierten Pyroclasts aus dem Jahr 2019 zurück. Ihr zehntes Album - ihr Debüt bei Sub Pop - zeigt, wie gut das Duo mit Zeit und Raum, Licht und Dunkelheit umgehen kann und dass sie bereit sind, ihren unverwechselbaren Sound zu neuen, mutigen Formen weiterzuentwickeln. Das gleichnamige Album ,SUNN O)))" wurde in den Bear Creek Studios in Woodinville, Washington, mit Brad Wood (HuM, Tar, Sunny Day Real Estate, Liz Phair) aufgenommen. Dieser Ort erwies sich als entscheidend für den Aufnahmeprozess. ,Der riesige Aufnahmeraum hatte große Fenster mit Blick auf Bäume", sagt O'Malley. ,Wir konnten wandern gehen und draußen im Wald sein, Zeit im Freien verbringen. Das war ein wichtiger Teil davon." SUNN O))) haben schon lange Mitwirkende in ihre eigenständige Welt aufgenommen: In früheren Werken waren Attila Csihar (Mayhem), die Komponistin Hildur Gudnadóttir, der Multi-Instrumentalist Steve Moore, der Universalgelehrte Mark Deutrom, Tim Midyett von Silkworm und der legendäre Singer-Songwriter Scott Walker zu hören. Auf diesem Album haben O'Malley und Anderson jedoch neue Möglichkeiten im ursprünglichen Format des Duos entdeckt und alle Instrumente selbst gespielt. ,Was in den letzten Jahren mit unseren Auftritten zu zweit und ohne weitere Mitwirkende passiert ist, war wirklich neu und aufregend", sagt Anderson. Die Kompositionen auf SUNN O))) sind weitläufig und panoramisch, aber dennoch detailreich und spiegeln die baumreiche Umgebung wider, in der sie aufgenommen wurden. Inmitten von heulendem Feedback und eisigem Knirschen findet man überraschend zarte Momente: eine Feldaufnahme von plätscherndem Wasser im Hintergrund, Klavierzwischenspiele, die eine gedämpfte, feierliche Stimmung erzeugen. Dabei erreicht das Duo neue Höhen telepathischer Intensität, während es Musik formt, die die belebende, erdige Luft des pazifischen Nordwestens atmet. Visuell wird das Album von zwei Gemälden des verstorbenen amerikanischen Künstlers Mark Rothko eingerahmt. Die Liner Notes stammen vom preisgekrönten britischen Schriftsteller Robert Macfarlane, der für seine Werke über Landschaft und die Beziehung zwischen Mensch und Natur bekannt ist. Durch die Arbeit der Band, Macfarlane und Rothko verbinden sich Klang, Wort und Bild zu einem umfassenden Erlebnis, das unbestreitbar ganz und gar SUNN O))) ist.

Über Jahre hinweg hat Cactus Lee still und leise ein einzigartiges Werk geschaffen, indem er in Honky-Tonks rund um Austin auftrat und gleichzeitig in einem gleichmäßigen, selbstbestimmten Tempo Alben veröffentlichte. Lee's Dream, sein zweites Album für Western Vinyl, wirkt wie die natürliche Essenz dieser Reise - unterwegs geschrieben, zu Hause verfeinert und geprägt vom Spannungsfeld zwischen der Hingabe zur Musik und der Hingabe zur Familie. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solo-Tournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Als Kevin Dehan nach Hause zurückkehrte und dort persönliche Umbrüche erlebte, wandte er sich nach innen und schrieb Songs, die Unruhe mit Entschlossenheit, Sehnsucht mit Verantwortung in Einklang bringen. ,Lee's Dream" wurde in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton aufgenommen und lehnt sich an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Light Aufgenommen in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton, lehnt sich Lee's Dream an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Lightfoot. Das Album, das mit Beiträgen eines engen Kreises von Mitwirkenden fertiggestellt wurde, wirkt gemeinschaftlich und lebendig - gleichermaßen fröhlich und melancholisch. Verwurzelt in texanischen Bildern und Country-Folklore, wirkt Lee's Dream wie ein vertrauter Fiebertraum, der die Tradition ehrt und sie gleichzeitig leise an Dehans unverwechselbare Stimme anpasst.

Das Debütalbum einer der renommiertesten und einflussreichsten Bands Großbritanniens, Songs to Remember, versetzt uns zurück in die Anfänge von Scritti Politti. Die von Green Gartside angeführte Gruppe, die aus der DIY-Szene der Einzimmerwohnungen in Camden Ende der 70er Jahre hervorgegangen war, hatte jedoch eine musikalische Vision, die der von Miles Davis (mit dem sie später zusammenarbeiteten) in nichts nachstand. Mit Songs To Remember, das sowohl die feurige Politik der damaligen Zeit als auch eine aufkeimende Pop-Sensibilität widerspiegelte, etablierte sich die Gruppe als einer der wahren Innovatoren der frühen 80er Jahre. Songs to Remember, das bei seiner Veröffentlichung 1982 vom NME als "witzig und genial" beschrieben wurde, wurde für diese längst überfällige Vinyl-Neuauflage vollständig remastered, was Gartside persönlich überwacht hat. "Mark E Smith, damals Künstler bei Rough Trade, sagte einmal zu mir: 'Scritti hat die beste Rhythmusgruppe in der Rockmusik." Er erwähnte Green Gartside nicht, daher weiß ich nicht, was er von ihm hielt. Ich weiß jedoch, dass wir bei Rough Trade alle von Greens honigsüßer Stimme und seinen brillanten Texten fasziniert waren. Es waren aufregende Zeiten, in denen die Menge an purem Talent, die in das Rough-Trade-Universum strömte, einfach überwältigend war. Niemand mehr als Green, der den intelligenten Angriff auf die Zitadelle der Popmusik-Perfektion verkörperte. Ich erinnere mich, dass ich sehr stolz auf "Songs To Remember" war, zu einer Zeit, als es für uns noch eine relativ neue Erfahrung war, ganze Alben zu veröffentlichen." - Geoff Travis

Die Botschaft, das Wesentliche, das sich teilen lässt, ist Licht; es ist der Samen in der Erde, der zu einer Pflanze wird und dann zu einer Blume, die in voller Blüte steht und schließlich unvermeidlich verwelkt, damit der Zyklus von Neuem beginnen kann; es ist die Suche nach Schönheit im Chaos, aus dem Harmonie entsteht, um es zu überwinden. Auf Volume III kehren Mathieu David Gagnon und sein Projekt Flore Laurentienne zurück, um die Pracht des Flusses und seiner floralen und waldreichen Umgebung zu feiern.Volume III ist zudem eine tiefere Erkundung der Verbindung von akustischen und synthetischen Elementen, die den Charakter von Flore Laurentienne ausmachen. Anders als bei den ersten drei Alben wurden die meisten Stücke gemeinsam mit den Bandmitgliedern während Residenzen und Konzerten entwickelt, bevor sie aufgenommen wurden. Dies bereicherte die Kompositionen in einer Phase, in der sie sich noch im Wandel befanden. Die Band treibt das Projekt an und inspiriert Gagnons Schreibprozess, indem sie den Klang weiterentwickelt, nährt und ihm erlaubt, neue Wege zu gehen.Dieser neue Meilenstein markiert zugleich den Abschluss einer Trilogie, die 2019 mit Volume I begann - mit dem inhärenten und parallelen Bestreben, ein drittes Volume zu erreichen, um Volume 3 von L'Infonie (einem Kultkollektiv aus Québec, das Jazz, Prog, Kunstmusik und Poesie verband) zu würdigen. Letzteres beeinflusste die Musik von Flore Laurentienne nicht direkt, sondern vielmehr das Verständnis von Freiheit in der Komposition, die Klassik und Improvisation vereint.Die Entwicklung von Volume III folgt der Evolution des Projekts: Während der erste Track ,Fleurs" dem ähnelt, was Volume II bot, gibt uns der abschließende Titel ,(A travers les) Chablis" einen Vorgeschmack darauf, wie der nächste Schritt klingen könnte. Es ist ein Album, das man zusammen mit seinen beiden Vorgängern genießen sollte - und dabei gespannt auf das Kommende blickt. Flore Laurentienne entwickelt sich ständig weiter, doch die Vision ist seit Beginn dieselbe geblieben: Musik zu schaffen, die lebendig, wahrhaftig, menschlich und kompromisslos ist.

Die Botschaft, das Wesentliche, das sich teilen lässt, ist Licht; es ist der Samen in der Erde, der zu einer Pflanze wird und dann zu einer Blume, die in voller Blüte steht und schließlich unvermeidlich verwelkt, damit der Zyklus von Neuem beginnen kann; es ist die Suche nach Schönheit im Chaos, aus dem Harmonie entsteht, um es zu überwinden. Auf Volume III kehren Mathieu David Gagnon und sein Projekt Flore Laurentienne zurück, um die Pracht des Flusses und seiner floralen und waldreichen Umgebung zu feiern.Volume III ist zudem eine tiefere Erkundung der Verbindung von akustischen und synthetischen Elementen, die den Charakter von Flore Laurentienne ausmachen. Anders als bei den ersten drei Alben wurden die meisten Stücke gemeinsam mit den Bandmitgliedern während Residenzen und Konzerten entwickelt, bevor sie aufgenommen wurden. Dies bereicherte die Kompositionen in einer Phase, in der sie sich noch im Wandel befanden. Die Band treibt das Projekt an und inspiriert Gagnons Schreibprozess, indem sie den Klang weiterentwickelt, nährt und ihm erlaubt, neue Wege zu gehen.Dieser neue Meilenstein markiert zugleich den Abschluss einer Trilogie, die 2019 mit Volume I begann - mit dem inhärenten und parallelen Bestreben, ein drittes Volume zu erreichen, um Volume 3 von L'Infonie (einem Kultkollektiv aus Québec, das Jazz, Prog, Kunstmusik und Poesie verband) zu würdigen. Letzteres beeinflusste die Musik von Flore Laurentienne nicht direkt, sondern vielmehr das Verständnis von Freiheit in der Komposition, die Klassik und Improvisation vereint.Die Entwicklung von Volume III folgt der Evolution des Projekts: Während der erste Track ,Fleurs" dem ähnelt, was Volume II bot, gibt uns der abschließende Titel ,(A travers les) Chablis" einen Vorgeschmack darauf, wie der nächste Schritt klingen könnte. Es ist ein Album, das man zusammen mit seinen beiden Vorgängern genießen sollte - und dabei gespannt auf das Kommende blickt. Flore Laurentienne entwickelt sich ständig weiter, doch die Vision ist seit Beginn dieselbe geblieben: Musik zu schaffen, die lebendig, wahrhaftig, menschlich und kompromisslos ist.

1991 erschien das bereits 1989 aufgenommene Debütalbum der Lokalmatadore aus Mülheim an der Ruhr mit fünfzehn Titeln. Die CD-Version und die Vinylversionen sind seit Jahren vergriffen. Die Gesamtauflage beider Formate hat die 10.000 überschritten. Da immer wieder nach Vinyl gefragt wurde, gibt es nun endlich wieder eine LP-Version. Der Bandschriftzug auf dem Cover-Artwork hat eine andere Farbe als bei früheren Veröffentlichungen. Nach einigen musikalischen Experimenten während der 80er Jahre hatten die Lokalmatadore 1989 ihren Sound gefunden und fast schon perfektioniert: Erdiger Punkrock britischer Prägung mit gelegentlichen 60s-Einflüssen und Texte aus dem prallen Lokalmatadore-Ruhrgebietsalltag. Gleich der erste Streich wurde ein Meisterwerk niveauvollsten Prolltums und Basis für die Erfolge der Lokalmatadore bis heute. Das Debütalbum, aufgenommen 1989, veröffentlicht 1991. Das Slade nachempfundene Cover ist schon mal ein Hingucker, die Musik bestens produzierter Punkrock alter englischer Prägung, die Texte schon typisch eigener Lokalmatadore-Stil. Als Debüt direkt ein Meisterwerk niveauvollsten Prolltums!

Alex Zhang Hungtai steht auf ,Dras" still da, aber es ist eine Stille, die jede Menge Möglichkeiten hat. Diese neun Stücke wurden 2019 in der Saint Joseph Oratory in Montreal aufgenommen (kurz bevor ein Klavier kaputtgemacht wurde) und lagen während der Pandemiejahre auf seiner Festplatte, bis endlich der Funke übersprang. Was jetzt entsteht, fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er die Konturen seiner eigenen inneren Landschaft nachzeichnet, wobei jede Melodielinie eine sorgfältige Auseinandersetzung mit dem Unbewussten ist. Dies ist nur im weitesten Sinne ein Saxophon-Album. Das Terrain hier ist taktil und unerbittlich. Im Titeltrack werden schwierige Melodien auseinandergerissen und zu emotionalen Drones geformt, wobei Dissonanzen ineinandergreifen, während Töne mit metallischem Glanz ihren Weg durch die Sinne bahnen. ,El Khela" bricht sich in spektrale Schichten, die mit ewiger Schwerkraft ziehen, während ,Estado" Trost in seiner eigenen Dunstglocke findet, mit Rhythmen, die kaum hörbar sind, aber mit ihrer Kadenz, die sich an grauen Wänden abzeichnet, vorwärts führen. Es sind kleine Momente, die zu kathartischen Klangatmen werden und jeweils neue Passagen durch die psychische Geografie offenbaren. Es liegt Schönheit in den subtilen Wiederholungen des Openers ,Erg" und in den leuchtenden Progressionen von ,White Dwarf". Zhangs Saxophon wird zu einer Wünschelrute für das Unbekannte, während Elektrizität durch die Adern des Albums fließt und sein Atem alles an etwas wortlos Menschlichem verankert. Die digitale Bearbeitung dieser Kirchenaufnahmen verdeckt nicht das menschliche Element von ,Dras". Sie verwandelt das Rohmaterial in etwas, das zwischen äußerem Raum und innerer Landschaft navigiert. Als der Schlusssong ,Mazil" kommt, lässt Alex Zhang Hungtai sein Saxophon seine volle Resonanz entfalten. Tiefe, kehlige Klänge öffnen sich wie Abgründe unter melodischen Konstellationen, die in dichter Schwerkraft schweben. Hier herrscht Endgültigkeit, auch wenn sich etwas in diesen Passagen schwerelos anfühlt. Diese Musik ist durchdrungen von innerem Dialog, einem wortlosen Zauber, der über dem psychischen Abgrund tanzt. Tonale Sequenzen zerfallen in betäubende Klänge, eine scharfe, elegante Kante, die schneidet, ohne Blut zu vergießen. Dieses einsame Werk der Erforschung wird zu etwas Gemeinschaftlichem. ,Dras" ist eine Karte, um den Raum zwischen dem, wo wir sind, und dem, wo wir hingehen könnten, zu durchqueren.