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Ein Einbrecher, der nichts stiehlt, sondern Gegenstände hinterlässt? In Rocky Beach gehen seltsame Dinge vor, wenn das kein Fall für die drei ??? ist! Was zunächst harmlos erscheint, folgt einem Muster und genau dieses versuchen Just, Peter und Bob zu entschlüsseln. Doch jemand will mit aller Kraft verhindern, dass die Detektive Licht ins Dunkel bringen. Werden die drei Freunde den Fall lösen, bevor es zu einer Katastrophe kommt, oder verstricken sie sich im Netz der Lügen? Buch und Effekte: André MinningerRedaktion und Geräusche: Wanda OstenRegie und Produktion: Heikedine KörtingTitelmusik: Simon Bertling & Christian Hagitte (STIL)Musik: Jan Friedrich Conrad, Peter Morgenstern, Constantin Stahlberg, Betty George.(P) & © 2022 EUROPA a divison of Sony Music Entertainmet GmbH

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Ein Einbrecher, der nichts stiehlt, sondern Gegenstände hinterlässt? In Rocky Beach gehen seltsame Dinge vor, wenn das kein Fall für die drei ??? ist! Was zunächst harmlos erscheint, folgt einem Muster und genau dieses versuchen Just, Peter und Bob zu entschlüsseln. Doch jemand will mit aller Kraft verhindern, dass die Detektive Licht ins Dunkel bringen. Werden die drei Freunde den Fall lösen, bevor es zu einer Katastrophe kommt, oder verstricken sie sich im Netz der Lügen? Buch und Effekte: André MinningerRedaktion und Geräusche: Wanda OstenRegie und Produktion: Heikedine KörtingTitelmusik: Simon Bertling & Christian Hagitte (STIL)Musik: Jan Friedrich Conrad, Peter Morgenstern, Constantin Stahlberg, Betty George.(P) & © 2022 EUROPA a divison of Sony Music Entertainmet GmbH

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

Das neue Album "SPARK" stellt WHITNEY als zeitgemäßes Syndikat des klassischen Pops vor, dessen Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks bezaubernde Melodien um Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppige Electronic-Elemente wickeln. So überraschend es auch klingen mag - "SPARK" ist für WHITNEY weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn man aus der Vergangenheit in die Gegenwart aufbricht, wenn man die nächsten Schritte im Leben und in der Karriere auf einmal und ganz ohne Entschuldigung macht. "SPARK" behält dabei jedoch die Wärme und Leichtigkeit von WHITNEYs früheren Werken bei. Diese Songs glühen mit der Neuheit des Hier und Jetzt. Die Anfänge von "SPARK" gehen auf den Überraschungserfolg von WHITNEYs Debütalbum "Light Upon the Lake" aus dem Jahr 2016 zurück. Die sanft verzerrten Psych-Folk-Träume fanden schneller ein breites Publikum, als die beiden je erwartet hatten. Nach Jahren des ununterbrochenen Tourens fühlten sie sich gezwungen, denselben Sound auch für ihren Zweitling "Forever Turned Around" (2019) zu verwenden. Je weiter die Aufnahmesessions voranschritten, desto mühsamer wurden diese, da Julien und Max daran arbeiteten, Versionen von sich selbst zu sein, die sie nicht mehr waren; um Songs in einer Form zu schreiben, die einfach nicht mehr passte. Es fühlte sich nicht mehr wie ihre Musik an, sondern lediglich wie ein Überbleibsel ihrer anfänglichen Begeisterung. Sie hatten kaum genug Material oder Energie, um fertig zu werden. Max und Julien wussten, dass eine drastische Veränderung notwendig war, aber sie hätten nie gedacht, dass Lockdowns im Zuge der Pandemie dies erleichtern würden. Wochen nachdem Julien nach dem Ende einer jahrelangen Beziehung nach Portland gezogen war, um einen klaren Kopf zu bekommen, folgte ihm Max in der Hoffnung, mit seinem besten Freund und Co-Autor dem langen Winter in Chicago zu entkommen. Vier Tage später wurden die Flüge gestrichen. Anstehende Tourneen wurden abgesagt. In den nächsten 14 Monaten arbeitete die Band mit einem Eifer und einer Entschlossenheit, die an ihre Anfänge erinnerten, bevor der Erfolg die Erwartungen bestimmte. Aufgenommen in Texas mit den Produzenten Brad Cook und John Congleton ist "SPARK" ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung geworden, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite zu tragen.

Kinks ist das Debütalbum der englischen Rockband The Kinks aus dem Jahr 1964. Dieses kultige Album ist eine perfekte Mischung aus Bluesrock, Rockabilly und dem klassischen Merseybeat der 1960er Jahre, der sich mit R&B, Skiffle, Rock und Ähnlichem vermischt. Wenn Sie auf der Suche nach dem Sound der British Invasion sind,
ist Kinks der perfekte Einstieg. Das Album wurde im Oktober 1964 aufgenommen. Die Coverversion von "Long Tall Sally" stürmte die Charts und gilt als die erste Single der Kinks überhaupt. Der zweite Erfolg der Band auf diesem Album ist die äußerst beliebte und meistverkaufte Sommer-Single "You Really Got Me". Die knackigen,
verzerrten Gitarrenriffs, das flirrende Solo, der stampfende
Uptempo-Beat und die aufsteigenden Harmonien definierten ein ganzes Genre. Dieses Album ist das erste Kapitel einer der ikonischsten Bands der Welt und ein Muss für jede Fansammlung

"Let The Lights On" ist die erste Single aus dem mit Spannung erwarteten zweiten Album der Nordlondoner Band Sorry. Das Album folgt auf das von allen Seiten gefeierte Debüt „925" und erscheint am 07.10.2022.

"Let The Lights On" wurde von Charlie Andrew produziert und wird von einem von MILTON & FLASHA gedrehten Video begleitet. Über den Song sagen Sorry: "Es ist ein lustiges Liebeslied für den Club. Ein bittersüßer Track für uns. Er handelt davon, dass man ehrlich sein und Dinge direkt sagen will, obwohl einen das am Ende auch ruinieren kann. Wenn du ein Licht hast, lass es nicht ausgehen... manchmal muss man Dinge zurücklassen, aber es ist schwer, das zu tun. Wir haben versucht, es ein bisschen ironisch zu machen, indem wir die Dinge sehr klar und direkt sagen. Es ist der letzte Song, den wir für das Album geschrieben haben, und er entstand, als wir versuchten, etwas Schwungvolleres für das Album zu finden. Er begann als tanzbarer Song mit treibendem Bass und Schlagzeug und wurde poppiger, als wir ihn mit der Band spielten und aufnahmen."

From the folk punk roots of Carry Me, through the anthemic One Way, Fifteen Years and Top 20 hits Hope Street, Just The One and Beautiful Day - more recent tracks such as Truth Is, The Cholera Well and The Recruiting Sgt show the Levellers' mix of scathing political comment and positive DIY attitude to life hasn't dissipated over the years.

Most exciting of all, there are brand new recordings of the Levellers collaborating with contemporary artists re-working some of their classic material. Imelda May is the Queen of all time on Beautiful Day, while Bellowhead and the legendary Billy Bragg help out on Just The One and Hope Street respectively.

Finally, lifelong Levellers fan Frank Turner joined the band in the studio - breathing new life into Julie - bringing us back full circle for another generation of the disenfranchised to discover the Levellers for the first time.

Strut continue their Patrice Rushedn original album reissue series with the definitive edition of her influential classic ‘Now’ from 1984.

Released after the global success of ‘Straight From The Heart’ and the huge hit ‘Forget Me Nots’, ‘Now’ stripped back the arrangements and explored a new sonic palette, combining top level musicianship with the evolving studio technology of the mid-‘80s. “By this time, I had built a little home studio,” explains Patrice, “and the new synthesizers and drum machines opened a lot of possibilities. A lot of the pieces on ‘Now’ started off as demos based on these instruments and we just went with it quite naturally, adding guitar, bass and drums.”

The album continued Patrice’s unerring skill in fusing intricate jazz musicianship with infectious grooves. The solid boogie classic ‘Get Off (You Fascinate Me)’ lit up dancefloors and ‘Feels So Real’ became one of Patrice’s best loved songs, an effortless mid-tempo soul stepper. The album is also celebrated for the tender ‘Gotta Find It’ and one of Patrice’s most poignant ballads, the intricate and politically charged ‘To Each His Own’.

The album marked the end of Rushen’s tenure with Elektra before a move to Arista and remains a much-referenced part of her career. “I think it was a great representation of where we were at the time and it may have been a little bit ahead of its time”, she reflects. Famously, Jimmy Jam and Terry Lewis had become fans, attending her live shows, and, allegedly, the feel of Janet Jackson’s debut album ‘Control’ two years later was heavily influenced by Rushen’s approach on ‘Now’.

Ben Auld writes songs whose heartbreak and wonder reveal themselves
moments after the warmth of their beauty sinks in, like slipping into the
ocean on a bronzy morning
Whether he's singing about bookstores and porches or ghosts and space
stations, the Bristol, UK-based singer-songwriter imbues his straight-to-tape gems
with a radiant AM pop warmth. And on Lemongrass, due ia Earth Libraries, that
comfy songwriting crackles and pops somewhere between Roger McGuinn and
Gram Parsons. Auld's debut record brims with homespun charm, dazzling
melodies, and lyrics that burrow deep into the heart.
Throughout the album, the immaculately arranged compositions provide the
perfect frame for smooth and rosiny vocals. Utilizing a series of reel-to-reel tape
machines, Auld chose to meticulously stack his instrumentation rather than
simplify; some songs have dozens of instrumental tracks, all assembled on tape.
"I'd record three tracks, bounce that over, and then record another three. I did it
alone and it took a long time to figure out what was possible," he says. "I went
through two four- track recorders, an 8- track 1/2" reel- to- reel, and finished the
album on a TASCAM 388. One of the biggest challenges of the album was fixing
all the broken old gear."
With each new listen, Lemongrass becomes a fonder friend, Auld's heart-on-hissleeve lyricism and intimate songwriting building a deeper nest. "The time is
ours/ Our time is now," he insists on the psychedelic wonder of "Our Time Is
Now", more certain and wide-eyed than urgent. Through first love and heartbreak,
dawns and apocalypses, Lemongrass keeps turning, collecting flickers of astral
bliss with each rotation, Auld's thumping heartbeat at the core.

"Kontakt Audio and Infinite Fog Productions proudly present the 25-th anniversary reissue of the one of most unique albums on avantgarde/neoclassic music – Ihor Tsymbrovsky – Come, Angel.

Recorded in 1995 in Ukraine and released in 1996 just as a small run on cassette on Polish label Koka Records, the album without any promotion little by little became legendary and madly wanted by many fans all around the world. And from the first seconds, you can hear why it is so. Pretty hard to explain what songs play Ihor, moreover that would be senseless. “Come, Angel” is one of those albums which are so unique that takes you in a vacuum of verbal forms in an attempt to describe the record. In a few words, this is definitely very intimate and deeply emotional music with an absolutely incredible voice. The first associations could forward you to Antony Hegarty from Antony And The Johnsons, Marc Almond, Arthur Russell, Baby Dee, Bjork. Experienced listener familiar with these great artist knows that all of them are inimitable and Ihor Tsymbrovsky is totally inimitable as well.

In 2016 well-known German label Offen Music published 3 tracks from the album “Come, Angel” which brought a lot of attention to Ihor’s music. This time we’re excited to announce the first full album reissue on CD, Double vinyl, and tapes. Beside the full version of the album, you’ll find an exclusive bonus song from the cult compilation “Music The World Does Not See” – Nefryt Records 2000.

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“For me, music is a certain way of cultural survival. Here I do not set myself theoretical problems or experiments.
The connotations of life are important: rhythms, melodies, their connection with language, poetry, real life, virtual or imaginary space. It is very important to me how the recitation of work sounds, how consonant and vowel sounds dissolve in singing, how they combine musically. I understand sound space as a field of my interpretations, preferences, priorities, and I do not use direct imitation. If I hear a melody or a musical phrase, and it is fixed in my memory, later I extract it in my own interpretation, as already formed by this field. In art, the goal is in the work itself, not outside it. For me, the expression “To be is to create a new reality” is another winged reality.” – Ihor Tsymbrovsky

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“Tsymbrovsky – an architect, musician, a poet, an artist; one of the most underestimated musicians in Ukraine’s artistic world. Many critics pulled their hair out trying to get to the bottom of Tsymbrovsky’s music. It has been inspired by jazz, minimal, modern, ethnic, and meditation music. Tsymbrovsky is not a virtuoso, however, he creates whole worlds with his astonishing falsetto. Although Cymbrovsky’s music is simple it is made of many elements. Filled with magic and unusual sensitivity and warmth it can be therapeutic for the listener. This is that kind of music, which can be listened to many times – in a different way each time.” – Koka Records.

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“Igor Tsymbrovsky’s only album “Come Angel” (1995) still remains perhaps the most bizarre phenomenon in Ukrainian music since independence. The story of its author is a vivid example of cultural amnesia. In the pre-Internet era, Tsymbrovsky was a prominent figure in the Ukrainian underground, performed on the “Red Route”, went on tour in Germany. However, he left a minimum of evidence of his activity and became a silent legend for a few. We talked to Igor to find out where he came from and where he was going.

The album “Come Angel” is eight compositions performed with a falsetto to the accompaniment of a piano. (Tsymbrovsky’s falsetto is a legacy of the Lviv Dudaryk choir, where he sang as a child.) It would seem that it could be easier. But, despite such ascetic tools, Tsymbrovsky managed to create a phenomenon unique to Ukrainian culture. Some people compare him to Benjamin Clementine and Anthony Hegarty, but no comparison will be exhaustive. The lyrics of the songs attract special attention: two of them were written by Tsymbrovsky himself, the others demonstrate his remarkable literary knowledge. Here and Guillaume Apollinaire, and Mikhaijl Semenko, and even less obvious poets, such as Mykola Vorobyov or Jozsef Attila.

The young performer’s first performance took place in 1987 in the club of the Forestry Institute. It is quite symbolic that this room used to be a Jesuit church because such a chamber environment suits his songs about angels much better than the noise of big festivals. However, there were also many festivals in Tsymbrovsky’s career: in 1989, Chorna Rada and Chervona Ruta, in 1991, Kharkiv’s Nova Scena and Ukrainian Nights in Gdansk, Alternativa in Lviv. Ihor calls his first performances musical performances and notes that they sounded completely different. Unfortunately, we will never know exactly how.” – Amnesia

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“The magicians at Dusseldorf’s Offen Music pluck a madly beguiling pearl of late-night songcraft by Ukraine’s Ihor Tsymbrovsky to follow their vital releases by Toresch and Rex Ilusivii. Come Angel was first recorded in Lviv, Ukraine, in 1995, and issued on cassette by Poland’s Koka Records in 1996. There appears to be no prior mention of the release or artist on the internet and quite how it came into of Offen Music possession is not disclosed, and that only ratchets the record’s enigma to astonishing degrees once you’ve heard the music. In a quivering, high register, androgynous trill, Ihor Tsymbrovsky beckons heavenly beings in the remarkable A-side Come, Angel against a swirling backdrop of phasing, subtly delayed organ. It was recorded in one take (this is the 2nd version), and, if we’re not mistaken, you can hear the keys being pressed rhythmically in the background, which seems to be the song’s only tangible connection to this mortal world as Ihor vaults octaves high and close-in-the-mix with the sort of alien, dreamlike vocal that requires pinching oneself to make sure you’re awake. Spellbinding is definitely the word. On the other side he (we’re assured it is a ‘he’ in the promo text) sets two poems by Mykola Vorobyov and Mykhal Semenko, respectively, to emphatic piano keys, this time more shy of FX save for some delay, placing that willowing, avian vocal at a dreamy arms reach in Roses for the Poet, and with a sort of liturgical dark jazz feel, sorta like Lewis repenting his sins as a castrato monk, in the spare atmosphere in By the Sea. This is gold-seal business, we tell ya. Clock the clips and clear some swooning room.” – Boomkat

credits:
Music By – Ihor Tsymbrovsky
Lyrics By: Ihor Tsymbrovsky (tracks: C2, D1)
Atilla Joszef (tracks: B1)
Mychajl Semenko (tracks: B2, C1,C3, D2)
Mykoła Worobjow (tracks: A1,A2)
Engineer – Edward Hryhorjew
Remastering – Ihor Tsymbrovsky"

"Matasuna Records" returns to Mexico for a third time to dig for rare treasures. They got their hands on a special gem - two obscure Latin/Jazzfunk tunes by a band called "Colorado" from "Mexico City". The songs were released in 1976 on the Mexican label Peerless and the super rare original 7inch is virtually unavailable. Fortunately, the release is finally available for the first time as an official reissue in a remastered edition. An unjustly under-the-radar Latin jazzfunk highlight!

The song "Colorado", named after the band, opens the "A-side" of the single. The hypnotic fender rhodes puts the listener in the right mood right from the start, before the drums and percussion set the rhythm. The horns also add depth and melodiousness before the song takes a turn and reveals its funky side with guitars, synths and bass. A nice guitar solo also reveals the affinity for rock music without losing sight of the vibe of the song or tipping it a different direction. Definitely a fabulous song that comes up with a lot of ideas and inspirations, offering an unexpected richness in the under 3-minute running time.

The "B-side" also continues musically energetic in the same way with "Para Ti". Here, too, you can feel and hear the playfulness and experimentation of these extraordinary musicians. Atmospherically dense passages alternate with quieter phases and solo parts, before the tension rises again and literally explodes. As in the song "Colorado", rhodes, brass, guitars & bass offer a great and varied interplay. The secret highlight, however, might be the drum and percussion parts in the middle of the track, which will surely enchant not only the B-Boys and B-Girls.

Artist info:

The internet, a source of almost endless knowledge, offers no information about the band Colorado. All the more fortunate that one of the band's founding members, "Emilio Espinosa Becerra", provides detailed info for the reissue.

In 1968 the three brothers "Luis", "Francisco" and "Emilio Espinosa Becerra" from Mexico City started to rehearse together to play wellknown rock & pop songs at friends or family parties. At first, they played on Japanese guitars and a Teisco bass borrowed from a school friend. They saved up money to then buy guitar & bass amps and a microphone, which they always had to rent until then. However, the budget was only enough for Mexican replicas of the legendary Fender Bassman and the Fender Super Reverb. Original equipment was simply unaffordable.

Shortly thereafter, more members joined the band. Three musicians from the school band "Tepeyac": "Marco Nieto Bermudez" (trumpet), "Raymundo Mier Garza" (tenor saxophone) and "Alfonso Romero" (trombone). Another classmate named "Carlos Mauricio Fernández Ordóñez", who studied piano, also joined the group. His father had a chemical factory in the United States and helped bring equipment (amplifiers and a Farfisa Fast 5 organ) - hidden in the back of a truck - to Mexico. In the time that followed, more instruments were acquired, including bass and guitars (from Gibson, Rickenbacher and Fender) and microphones (from Shure) for vocals and horns.

With a larger band and new equipment, they played many parties in their district of "Lindavista" in "Mexico City" and neighboring areas from 1970 to 1973, as well as gigs at various festivals and school events. The group's band name at the time was "Sound Core Brass". However, more and more often people with turntables and speakers showed up at parties, which were also able to heat up. The so-called "Sonideros", a sound system culture that was emerging in the 1960s, charged less than a multi-piece live band, so the band's performances declined.

During those years, three other "Espinosa Becerra" family members joined the band: "Jorge Rafael" (trombone), "Sergio Alejandro" (tenor saxophone) and "Felipe de Jesus" (drums and percussion).

A brother of the musicians, "Carlos Espinosa Becerra", studied electrical engineering at the University. Together with another fellow student, he designed and built a 10-channel console with a variety of functions and features that far surpassed the devices available at the time. They also went to the US again to buy JBL speakers & tweeters to build their own sound system. On another trip to Los Angeles, they bought Phase Linear amplifiers, which offered enormous power by the standards of the time and had an extremely low distortion factor. With this equipment they could turn up the volume really loud and noise-free.

This was also the time when they stopped playing music from English bands & youth groups and changed their repertoire completely. They played mambos, chachachas, pasodobles and tangos on special occasions in big ballrooms and halls. Also, every now and then they hired a string quartet of well-known Mexican violinists to provide the musical entertainment at dinner events.

During those years, classmate "Pablo Rached Diaz" joined the band, playing tenor saxophone. Pablo was very active and organized many parties. He was also the one who helped the band to record on the Mexican label "Peerless". So in 1975 they were asked by Peerles Records to record their own songs. They had recorded a total of 12 songs - six of these songs were released on three vinyl singles (45rpm). Most of the songs were composed by "Gustavo Ruiz de Chavez Sr.". The band was asked to adopt a more commercial name, and so they had chosen the band name "Colorado". In the course of the releases, the band made some promotional tours and appeared in shows on "Televisa", the most important television station in Mexico in those years.

Later, several members of "Colorado" graduated and began to pursue regular professions. They didn't stop playing at events, but priority was given to more formal duties and the band was no longer as active as it had been in its heyday.

About 8 years ago, the band got back together to play again. The next generation of musicians also joined the band: two sons, a nephew and a brother-in-law of the original band members. Currently, they are back playing at friends' parties and family gatherings in Mexico City.

Strictly limited-edition 12” vinyl in full colour sleeve

Mercury Prize winner Roni Size is one of the true pioneers of the Drum & Bass / Jungle scene, and one of only a handful of names to transcend the genre to become a real household name. The Roni Size & Reprazent debut studio album 'New Forms' went platinum a staggering five times, which shined a huge spotlight onto what was an underground scene healthily bubbling under the surface.

”'Cold Front' was one of the many dubplates that Roni produced when he was on fire in the mid 90's. 'Locked Down' became an early 2000s Movement Anthem when we were in Bar Rumba, it was sought after by every Jump Up DJ at the time... everybody was trying to sign it." Bryan Gee

Both cuts are a snapshot of Roni's signature sound, a must-have for any fans. The seventh part in this vinyl series, with yet more legends waiting in the wings. These are an absolute essential for vinyl collectors.

"What took you so long?" might be a valid question concerning the ten year gap between Zanshin's new album "In Any Case By Any Chance" and his first album "Rain Are In Clouds".

Of course it is a question that the Viennese musician has asked himself quite startled in his usual self-critical manner, just to realize at a closer look that it has not been a lack of creativity or laziness at least. He used the Zanshin moniker on four EP releases and several remixes, plus a game soundtrack. Not to forget all his output as one half of producer duo Ogris Debris (the album "Constant Spring" from 2016 and roughly two dozen singles and remixes) and the many, partly award-winning audiovisual installations and performances with Leonhard Lass as DEPART (depart.at). Furthermore he has also built two sound installations in 2021, "I Gong" at Elevate Festival and "Cymatic Sands" at Ars Electronica. In addition, Zanshin performs with the Max-Brand-Synthesizer from time to time as part of the compositions by Elisabeth Schimana, and together with label mate Dorian Concept he has also composed and performed the piece "Half Chance/Music for Moogtonium" for this unique instrument, built by Bob Moog himself.

Not spared by certain global developments of recent years, but rather invigorated by exploring his own resilience, Zanshin had a talk with Affine Records Operator Jamal in the beginning of 2021, speaking of future ideas and releases. And what was initially a single release spawned into a whole album in seemingly no time. An old skit ("Polar Polychrome") on the Roland MC-505 groove-box that had never really been forgotten, but was rather waiting patiently somewhere in the back of his mind, suddenly proved to be the initial spark for the album.

The term "Zanshin", roughly translated as un-focussed attention, is in fact more than just a pseudonym but rather a directive in the artists life. Zanshin really likes to go in several directions at once, kind of according to Wittgenstein's claim that "The world is everything that is the case.", to find out where his love for music might lead him this time. He also somehow went back to his roots with this album. Not necessarily in the sense of certain musical influences or genres, because then the album would be even more eclectic than it already is. More like a focus on the core values in the fabrication process of the music itself, the freedom to rather follow the structures and sounds than to shape them in a completely predetermined way. Somebody once called it, "to weave what the music demands."

In this regard, Zanshin often feels more like a sculptor and tries not toadhereto strongly to the rules of specific sub-genres of electronic music. Searching for sounds and designing them is one of the energies that fuels his interest the most, thus at the beginning of a lot of tracks there are small skits and ideas that have the freedom to grow in whatever direction.

Hence this album has no elaborate story to tell, there is no extensive "narrative" or big time "storytelling" at work. "In Any Case By Any Chance" is not a novel but rather a collection of short stories (which are certainly dense and have complex plots nonetheless). The result is a long-player where playful electronica, skillful songwriting, extrovert dance music and symphonic film music enter into a symbiotic relationship. Returning to another Wittgenstein quote, "Whereof one cannot speak, thereof one must be silent", the emotional impact of music is the main focus and the results can be quite solemn at times, but around the corner always lurks the next bone-breaking rhythm pattern and gnarly sound design.

The infamous saying, "writing about music is like dancing about architecture", is another brick in the wall of sound in Zanshin's approach to music. He rarely roots himself in traditions or uses them too overtly, he really likes to agglomerate sounds, to challenge the listeners. It seems like he tries to avoid classification on purpose, because he knows that everyone has their own perception anyway. The only thing that this music demands implicitly is a willingness to listen attentively.

Very dense, at times really heavy and massive, then again airy and playful. "Music for clubs that don't exist.", might be another fitting caption to describe this album, which lasts for a little more than an hour.

The opener "Heatseeker" rushes to a sudden head start with its steel pan extravaganza, tropical vibes meet a bass line drenched in electro funk, and electrified synth stabs support the declaration of love in the lyrics. Kind of Jamie XX meets Electro meets Diva House. The monster that is "Bronteroc Brawl" is up next, a serious test for the speakers and a wild ride with metallic, growling sounds. The aggressive sound design reminds of suspense ridden shark chases, vicious dogs and cunning dinosaurs, in any case a track for people who love a proper bass stomper.

A new approach for the "indie discotheque" brings the emotional roller-coaster "In Gloom" with snappy drums and hypnotic synth motives á la Alessandro Cortini, creating an epic atmosphere together with the multi-layered vocals. A psycho-acoustic treat is position 4, the crisp instrumental "Polar Polychrome", you could even go as far as calling this a Zanshin signature track. Like mentioned before, the roots of this track go back to 2002 and you can hear the unmistakable influence of beat wizards like Photek, a piercing bass line is supported by poly-rhythmic drums, while dense pads try to escape the claustrophobic lockdown mood of winter 2020/21.

Another round of intense pathos waits for the listeners in the ensuing track "In Search Of". Moderat say "Hello", a melancholy piano melody is rushed to a climax by a wild bass arpeggio and forceful drums, the desire for a perfect sunrise at the next after-hour to the max. Initially just an appendix to the preceding track, "Time After Thought" swiftly developed from a mere improvisation to an ambient epic with a croaking alien piano, as if Keith Jarrett were on his way to Alpha Centauri.

Up next is the first single "Because Why", a breakbeat driven, synth-heavy track with winged vocals and a popular film quote. The title refers to the movie "Alphaville" by Jean-Luc Godard, a dystopian science fiction film noir, in which an omniscient computer system named Alpha 60 is ruling society and humans can only say "because" but never "why". As if the gears of a galactic mechanism were spinning into motion sounds "Identity Slices". A raspy chord structure finds its counterbalance in a kind of stumbling, wonky beat, and Zanshin would never deny the huge influence that Autechre's sounds and structures always have had on his music. Micro- and macrocosm meet on the same level and this friction is also a metaphor for questions of identity and self-awareness, without using voices or lyrics.

Off we go into the IDM bubble bath of "Enzyme Enigma", the bass drum is stomping and a fizzy acid-line is twisting in all directions behind rolling dub-techno chords. "Corrosion Creak" is a kind of acoustic degradation process, the rave dogs are finally let loose and everything happens at once, funky synths shred, string sounds wail and then there is this bass that sounds like smashing a rusty metal plate in the junk yard with a vengeance.

Towards the end everything slows down a bit, the beat in "Whatever Words" is Warp school cerebral hop at its best and therefore loads of glittery, creaky sounds swarm out until the synapses are overloaded, cumulating in a mighty bass ending. Last but never least, "Rebus Redux" guides us into the limitless night sky, with long indulgent pads dotted by an aimlessly wandering piano, while a compact net of tamed resonances and meandering sub frequencies unfolds in the background, enticing navel-gazing imagination.

Fabienne moved to London in 1996, almost immediately joining the Bristols, a then studio project consisting of Liam Watson and Ed Deegan, two producer-engineers at Toerag Studios. After two albums, a few singles and several tours of Europe, the Bristols came to an end. Eager to carry on singing, Fabienne went solo in 2004. With the help of Liam Watson producing, Fabienne recorded her first album No Time For Sorrows concentrating on a more elaborate but similar style she had previously experienced with the Bristols.

Rund 135 Jahre umspannt das Repertoire von Igor Levits neuem Album "Tristan": die Zeit von etwa 1837 bis 1973. Ganz unterschiedliche Genres treffen aufeinander; nur eines der Werke wurde ursprünglich für Soloklavier geschrieben. Levits Annäherungen an existenzielle Grenzerfahrungen - den Tod in "Life" (2018), die Begegnung mit dem Spirituellen in "Encounter" (2020) und jetzt, in "Tristan", die Verbindung von Liebe, Tod und Erlösungsbedürftigkeit - bringen es mit sich, dass wiederum nicht allein Meisterwerke für sein Instrument im Mittelpunkt stehen, sondern vor allem Kompositionen, in denen gewisse thematische Assoziationen eine möglichst persönliche Gestaltung finden. Dabei kreisen Levits eigene Gedanken bei "Tristan" weniger um die Liebes- und Todesthematik als solche, sondern vielmehr um Erlebnisse der Nacht und des Nächtlichen - als dunkle Gegenwelt zum bewussten Handeln bei Tage. Psychische Ausnahmezustände geben den Ton vor: "Die Nacht hat so viele Gesichter. Sie kann Zuflucht und Kontrollverlust bedeuten, sie steht für Liebe und Tod, und sie ist die Zone tiefer Ängste", sagt Levit. "Im Adagio von Mahlers Zehnter Sinfonie gibt es den berühmten Aufschrei des dissonanten Schmerzensakkords, und Wagners 'Tristan und Isolde' inszeniert geradezu eine Art emotionale Kernschmelze. Alle wesentlichen Geschehnisse des Stücks spielen sich in der Nacht ab. Auch Hans Werner Henze spricht in seinen Erinnerungen an die Entstehungszeit von 'Tristan' von Alpträumen und traumartigen Halluzinationen." Henzes "Tristan - Préludes für Klavier, Tonbänder und Orchester" - ein schwärmerisch-raffinierter Hybrid aus Soloklavier, Elektronik, Konzert und Sinfonie - bildet das Herzstück des Albums. Es ist die erste Orchesterproduktion Levits überhaupt. Unter der Leitung von Franz Welser-Möst hatte Levit das suggestive Werk, von dem bisher nur die kompromissbehaftete Aufnahme unter Leitung des Komponisten greifbar war, bei den Salzburger Festspielen als auch mit dem Gewandhausorchester in Leipzig aufgeführt; im Zusammenhang mit den Leipziger Konzerten entstand 2019 die vorliegende Aufnahme.Franz Liszts dritter Liebestraum ist heute als sentimentaler Show-Stopper aller Klavierpoeten bekannt. Dabei ist auch dieses Nocturne in As-Dur durchaus tragisch grundiert. Zurück geht es auf ein Kunstlied Liszts auf Verse von Ferdinand Freiligrath (1810-1876). Der Beginn des Gedichts lautet: "O lieb', so lang du lieben kannst!, O lieb', so lang du lieben magst!, Die Stunde kommt, die Stunde kommt, wo du an Gräbern stehst und klagst!"Nächtlich Verzweifeltes auch bei Mahler: Ende Juli 1910, mitten an der Arbeit am ersten Satz seiner Zehnten, erfuhr der Komponist von einer Affäre seiner Frau. Igor Levit spielt dieses Adagio in einer wenig bekannten Klaviertranskription des schottischen Komponisten Ronald Stevenson, für dessen große "Passacaglia on DSCH" er sich zuletzt so stark eingesetzt hat. Erst in "Harmonies du Soir", der elften der 12 "Études d'exécution transcendante" von Franz Liszt, scheint, bei aller Verdichtung pianistischer Majestät, eine Versöhnung auf. Die am Ende des Programms erklingenden "Abendklänge" bilden das friedliche Gegenstück zu den Ekstasen und Alpträumen, die den Nachtgeweihten bei Wagner oder Mahler widerfahren.

Flogging Molly ist weniger eine Band als vielmehr eine transatlantische, keltische Punk-Institution. Über den Verlauf von 25 Jahren und nach tausenden von Konzerten auf der ganzen Welt hat Flogging Molly die Grenzen zwischen den Genres überschritten. Sie ist zu einer der wenigen Bands geworden, die buchstäblich an einem Tag mit The Chieftains und am nächsten Tag mit Motörhead die Bühne teilen. Für Flogging Mollys siebtes Album "Anthem" beschloss die Band um das Ehepaar Dave King (Gesang, Gitarre, Bodhrán) und Bridget Regan (Geige, Blechflöte, Backing Vocals), zu ihren Wurzeln zurückzukehren. Die Band nahm 14 Songs in 14 Tagen mit Steve Albini (Nirvana, Pixies) im Electrical Audio Studio in Chicago auf. Letztlich gibt es keine andere Band wie Flogging Molly, die so mühelos zwischen Punk und Folk wechseln kann. Die Tatsache, dass mittlerweile mehrere Generationen von Fans zu den Konzerten der Band kommen, ist ein Beweis für ihre anhaltende Relevanz. Damit schließt sich der Kreis zurück zu "Anthem". "Mit dieser Platte sind wir auf eine Art und Weise zu den Grundlagen zurückgekehrt, wie wir es nicht hätten tun können, wenn wir nicht schon seit 20 Jahren zusammen gespielt hätten", fasst King zusammen. Die Band und die Welt haben in den letzten Jahren viel durchgemacht. "Anthem" handelt von dem kollektiven Geist, den wir alle besitzen und der es uns erlaubt, in die Zukunft zu blicken.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen. Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

Das Londoner Duo Jockstrap (Georgia Ellery und Taylor Skye) wird sein lange erwartetes Debütalbum "I Love You Jennifer B" am 9. September via Rough Trade Records veröffentlichen. Jockstrap haben die bevorstehende Veröffentlichung bereits mit ihren Singles "50/50" und "Concrete Over Water" angedeutet. Beide wurden von BBC Radio 6 Music auf Rotation genommen und von der nationalen und internationalen Presse hoch gelobt. Das kosmische Begleitvideo zu "Concrete Over Water" wurde bei einer exklusiven Vorführung im The Castle Cinema, Hackney, uraufgeführt, gefolgt von einer weiteren von Jockstraps kultigen Partys im The Glove That Fits. Georgia Ellery und Taylor Skye von Jockstrap kommentierten die Albumveröffentlichung wie folgt: "I Love You Jennifer B ist eine Sammlung von Jockstrap-Tracks, die seit 3 Jahren in der Mache sind. Alles darauf klingt ziemlich einzigartig, also hoffen wir, dass für jeden ein Track dabei ist; also etwas, das dich anspricht und sagt "Ich bin ein Banger"." Skye fügte über "Glasgow" (ihre neue Single) hinzu: ""Glasgow" ist unser coming of age, moving forward, long-distance, travelling, beautiful bosk, wonderful thicket song." Und Ellery sagte über das Thema des Songs: "Glasgow ist eine tolle Stadt, vielleicht meine Lieblingsstadt in Großbritannien! Der einzige Nachteil ist, dass es die ganze Zeit so verdammt kalt ist." Wenn Georgia Ellery und Taylor Skye als Jockstrap Musik machen, gibt es für den Prozess und das Ergebnis nur eine Definition: pure moderne Pop-Alchemie. Mit ihrem Debütalbum"I Love You Jennifer B" werden sich Jockstrap als eine der vitalsten jungen Gruppen etablieren, die seit Jahren aus Londons Schmelztiegel der Musikkulturen hervorgegangen sind.

"A gang of stylish demons discover a wild animal pacing around a Berlin cellar, wearing only a hawaiian shirt and someone else’s blood. He doesn’t know what day it is, just that he went to a party several months ago and hasn’t been to sleep since. They lovingly rescue and rehouse the wretched creature in a glaas box where he’s content to howl his paranoid chants all day for their entertainment and now ours. This debut lays out a mangled inventory of fractured memories, haunted visions of broken people and places making a sacred ritual out of ruining themselves. These are hymns to so many nights gone so far wrong, from the graveyard sex to the extra bump you might have resisted had the urge to feel something not overtaken you… Employing an elevated and reinvigorated version of the ‘modern post punk with anarcho flourishes’ mode, with whirring synthesisers and creepy keys signpost into even more disorienting territory, GLAAS create a creepy and compelling soundtrack to the romantic nihilism of urban decay: disturbing lifestyle choices but make it sexy." - Bryony Beynon Featuring members of Clock Of Time, Exit Group, Cage Kicker, Idiota Civlizzatto, Lacquer and more. This is the debut LP from GLAAS. The LP comes housed in a sleeve with linocut artwork as well as an additional A2 poster from Raquel Torre and an additional lyric sheet.