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The Homesick sind ein abenteuerlustiges niederländisches Trio, das Stile wie Post-Punk, Krautrock, New Wave und experimentellen Pop mit furchtloser Neugier und Hingabe meisterhaft miteinander verschmilzt. Frei von Dogmen und doch rastlos romantisch, haben sich THE HOMESICK über mehrere Alben hinweg immer wieder neu erfunden - vom mitreißenden Debütalbum *Youth Hunt* bis hin zum barock angehauchten Durchbruchsalbum *The Big Exercise*, das bei Sub Pop erschien. Auf ihrem dritten, unabhängig veröffentlichten selbstbetitelten Album - entstanden in der Zeit nach der Pandemie - verschmolz das Trio sein breites Referenzspektrum zu einem schlankeren, pulsierenden Sound. Nun, auf ihrem vierten Album (und dem ersten bei Siluh Records), haben The Homesick in zehn Tracks ihre ganz eigene, höchst einfallsreiche und durchweg unterhaltsame Version von Clubmusik geschmiedet. Dabei schaffen sie einen mitreißenden Fluss zwischen den Stücken und pendeln mühelos zwischen der eingängigen, von City-Pop inspirierten Lead-Single ,Esperanto", dem von 808-Beats getragenen Herzschmerz-Song ,Policelessness" und der märchenhaften Disco-Nummer ,The Bees". Um diese funktionale und zugleich fantastische Tanz-Odyssee zu realisieren, holten sich The Homesick ein viertes Paar Ohren zur Unterstützung ins Boot. Der in Amsterdam ansässige Produzent und Künstler Rimer London - eine Schlüsselfigur sowohl im Mainstream als auch im Underground - verlieh dem Material seine eigene, markante und pop-orientierte Note, nachdem das Trio seine Tüfteleien im Studio abgeschlossen hatte. Dieser frische kreative Schub half der Band, sich an pop-geschukten Vorbildern zu orientieren, etwa beim sinnlichen ,Love off the Leash" oder dem wehmütigen West-Coast-Pop von ,Hey". Indem sie stärker auf clubbige, von den 80ern inspirierte Sounds setzten als auf den disharmonischen Post-Punk früherer Tage, ließ sich das Trio oft von einer Lawine aus Ideen mitreißen - so etwa beim treibenden Electro-Pop von ,Sway the Needy". Letztlich ging es darum, jedem Track einen ganz eigenen klanglichen Charakter zu verleihen: ,Humdrum" wagt die Nähe zu den Talking-Heads-Klassikern, während der hektische Dub von ,Street Cyst" in unwiderstehliche Hyperpop-Anleihen mündet. Ihren Ruf als eigenwillige Scenesters untermauern The Homesick zudem mit dem mitreißenden Synth-Pop-Marsch ,Horse Alone". Und eines ist sicher - es gibt noch weitaus mehr eklektische Grandezza auf "What's Up With All These Shangri-Las" zu entdecken. Lass The Homesick der Soundtrack zu deinen offenen Fragen sein - es lohnt sich wirklich.

The Homesick sind ein abenteuerlustiges niederländisches Trio, das Stile wie Post-Punk, Krautrock, New Wave und experimentellen Pop mit furchtloser Neugier und Hingabe meisterhaft miteinander verschmilzt. Frei von Dogmen und doch rastlos romantisch, haben sich THE HOMESICK über mehrere Alben hinweg immer wieder neu erfunden - vom mitreißenden Debütalbum *Youth Hunt* bis hin zum barock angehauchten Durchbruchsalbum *The Big Exercise*, das bei Sub Pop erschien. Auf ihrem dritten, unabhängig veröffentlichten selbstbetitelten Album - entstanden in der Zeit nach der Pandemie - verschmolz das Trio sein breites Referenzspektrum zu einem schlankeren, pulsierenden Sound. Nun, auf ihrem vierten Album (und dem ersten bei Siluh Records), haben The Homesick in zehn Tracks ihre ganz eigene, höchst einfallsreiche und durchweg unterhaltsame Version von Clubmusik geschmiedet. Dabei schaffen sie einen mitreißenden Fluss zwischen den Stücken und pendeln mühelos zwischen der eingängigen, von City-Pop inspirierten Lead-Single ,Esperanto", dem von 808-Beats getragenen Herzschmerz-Song ,Policelessness" und der märchenhaften Disco-Nummer ,The Bees". Um diese funktionale und zugleich fantastische Tanz-Odyssee zu realisieren, holten sich The Homesick ein viertes Paar Ohren zur Unterstützung ins Boot. Der in Amsterdam ansässige Produzent und Künstler Rimer London - eine Schlüsselfigur sowohl im Mainstream als auch im Underground - verlieh dem Material seine eigene, markante und pop-orientierte Note, nachdem das Trio seine Tüfteleien im Studio abgeschlossen hatte. Dieser frische kreative Schub half der Band, sich an pop-geschukten Vorbildern zu orientieren, etwa beim sinnlichen ,Love off the Leash" oder dem wehmütigen West-Coast-Pop von ,Hey". Indem sie stärker auf clubbige, von den 80ern inspirierte Sounds setzten als auf den disharmonischen Post-Punk früherer Tage, ließ sich das Trio oft von einer Lawine aus Ideen mitreißen - so etwa beim treibenden Electro-Pop von ,Sway the Needy". Letztlich ging es darum, jedem Track einen ganz eigenen klanglichen Charakter zu verleihen: ,Humdrum" wagt die Nähe zu den Talking-Heads-Klassikern, während der hektische Dub von ,Street Cyst" in unwiderstehliche Hyperpop-Anleihen mündet. Ihren Ruf als eigenwillige Scenesters untermauern The Homesick zudem mit dem mitreißenden Synth-Pop-Marsch ,Horse Alone". Und eines ist sicher - es gibt noch weitaus mehr eklektische Grandezza auf "What's Up With All These Shangri-Las" zu entdecken. Lass The Homesick der Soundtrack zu deinen offenen Fragen sein - es lohnt sich wirklich.

Ipecac freut sich, Cor de Lux in der Familie willkommen zu heißen. Das Quartett aus North Carolina kreiert eine grenzenlose und lebendige Mischung aus Post-Hardcore, Shoegaze und experimentellem Gitarrenrock, die sich lebendig anfühlt und nicht hastig zusammengeschnitten wirkt. Sie lassen sich von Acts wie Fugazi und Blonde Redhead inspirieren und standen bereits mit Pile, Superchunk, Archers Of Loaf und anderen auf der Bühne. Das Quartett aus North Carolina hat seine Identität auf altmodische Weise aufgebaut: laute Proben, instinktive Zusammenarbeit und Live-Auftritte, die neugierige Einheimische zu treuen Anhängern machten. Sie haben einen eigenen Sound entwickelt, der in Spannung und Bewegung verwurzelt ist: die Dringlichkeit des Post-Hardcore, die Atmosphäre des Shoegaze und die Unberechenbarkeit des gitarrenorientierten Sounds. Das von J. Robbins produzierte Album vermittelt die Intensität der Live-Auftritte, ohne dabei an Schärfe einzubüßen.

Dublin-born, thirty years an immigrant. That's the spine of henryohenry's debut, Apocrypha, not as a concept but as a condition. He's spent three decades in the United States working in the trades, absorbing the country's mythologies and building what he calls "an idiosyncratic American language" out of them, something closer to Whitman's vision than what he found. He is, by his own account, "formally and informally not a musician" — all but two of the songs were written on a $6 charity-shop guitar with a repaired headstock and strings that distorted unpredictably. It doesn't appear on the record. Produced by filmmaker Rick Alverson, the album is anchored by guitarist Eamon O'Leary and his son Ned Steves, recording together for the first time, without rehearsal. Erik Hall mixed and contributed overdubs; Emilie Rex of Lean Year lends harmonies to three songs; poet Callie Garnett appears on another. Album standout "There" captures something harder to name: how powerful feelings drive you to the page, and how the thing you make can outlast the feelings that made it. "It feels like a triumph over something," he says, "even if you're a bit embarrassed by some of the sentiment."


Apocrypha arrives as a debut but carries the patience of a life lived in full. For fans of John Cale, Nick Drake, Leonard Cohen.

In einer Welt voller Lärm und Chaos bietet Harlans Musik eine Rückkehr zur Ruhe. ,Music for Stillness" entfaltet sich langsam und lädt zur Erholung und stillen Präsenz ein. Die Bansuri-Flöte gibt den Ton an; ihr gefühlvoller, gesanglicher Klang webt eine Melodie über Cello und ambienten Klangerlebnissen. Beeinflusst von indischer klassischer Musik, japanischer Kanky Ongaku und westlicher Ambient-Musik lässt das Album dem Zuhörer Raum, selbst zu entscheiden, wie tief er sich darauf einlassen möchte. Die Musik wirft eine einzige Frage auf: Wie könnte Frieden klingen?

Das Studio in der 122 West Loveland Avenue war für Steve Okonski, den Leiter seines gleichnamigen Trios Okonski", kein unbekannter Ort. Seitdem sich das Label Colemine in Loveland, Ohio, niedergelassen hat, war es Gastgeber für eine Reihe von Bands, die auf der Durchreise waren, darunter auch Durand Jones and the Indications, zu denen alle Mitglieder dieses Trios Verbindungen haben. Nachdem er sich im Winter 2020 etwas Zeit genommen hatte, lud Okonski, der ursprünglich als klassischer Pianist ausgebildet wurde, Michael Isvara Ish" Montgomery und Aaron Frazer ein, an einem Album zu arbeiten, das ursprünglich als beatgetriebene und vollständig komponierte Trio-Instrumentalstücke geplant war. Nachdem diese erste Session mit einigen Improvisationen abgeschlossen war, wurde im Sommer 2021 eine zweite Woche gebucht, um zu versuchen, noch mehr von dieser spontanen Energie einzufangen. Während dieser Session wurden alle Stücke improvisiert und live auf einem Tascam 388 während mehrerer später Nächte im Colemine-Hauptquartier aufgenommen. Sie waren so strukturiert, dass die kollektive Intuition der Gruppe die Melodien und den Verlauf der Musik voll und ganz prägen konnte. Das Album beginnt mit Runner Up", wo eine triumphale und doch melancholische Melodie am Klavier zu einem zurückhaltenderen B-Teil überleitet, der von Schlagzeug und Bass von Frazer und Montgomery getragen wird. Auf deiner Reise durch den Rest des Albums begegnest du einer Fülle von hervorgerufenen und erforschten Emotionen. Die Ruhe, die man empfindet, wenn man nach Mitternacht eine mondbeschienene Straße entlanggeht, die Verbindung zu einer Person, die nur für einen Moment oder ein ganzes Leben in deine Welt tritt, und die Nervosität und Katharsis, die man spürt, wenn man sich auf eine neue, unbekannte Reise begibt. Magnolia" endet mit Sunday", einem Titel, der spät in der Nacht am Ende ihrer ersten Aufnahmesession aufgenommen wurde. Ohne die Spontaneität von Sunday" wäre der Rest von Magnolia" wahrscheinlich nie zustande gekommen. Magnolia" entstand aus dem Herzen und dem Geist derer, die in jenen späten Nächten in Loveland im Studio waren. Es ist der Höhepunkt einer emotionalen und künstlerischen Befreiung, die erst möglich wurde, als die Band sich an ihre Instrumente setzte und gerade deshalb ist das Album introspektiv, meditativ, spirituell und neuartig.

Zuhause ist kein fester Ort. Es ist ein sich wandelnder Begriff, der in der Geborgenheit des Mutterleibs beginnt und sich dann in die Sicherheit der elterlichen Arme verlagert. In der Kindheit erweitert er sich auf Klassenzimmer und Freundschaften. Im frühen Erwachsenenalter entdecken wir unsere Unabhängigkeit und fangen an, Räume zu schaffen, die nur uns selbst gehören. Bei der Vorstellung eines ,Zuhauses für immer" geht es weniger um Beständigkeit als vielmehr um einen Rückzugsort. Dort fallen alle Masken ab, und wir finden zu unserem wahren Selbst. HOME ist ein Album, das auf der einzigartigen Chemie zwischen den Outer-World-Mitgliedern Kenneth Close (Positive No) und Tracy Wilson (Dahlia Seed, Ringfinger, Positive No) basiert - eine farbenprächtige Liebessprache, die synthetische Klänge und Samples mit Schlagzeug, Gitarre, Bass, Keyboards und Gesang überlagert und so die Grenze zwischen moderner Technologie, einer gemeinsamen Geschichte und einer einheitlichen emotionalen Wahrheit verschwimmen lässt. Zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres Albums ,Who Does the Music Love?" hat sich Outer World von einem Duo zu einer sechsköpfigen Band entwickelt, wobei ,HOME" sich wie der Soundtrack zu einem imaginären Spionagefilm anhört: hochdramatisch und spannungsgeladen, mit verhedderten Bettlaken als Höhepunkt. Hier gibt es keine Grenzen zwischen den Genres, es findet ein Dialog statt zwischen: ,Outernational"-Grooves, italienischen Western-Soundtrack-Komponisten, Hazlewoods Twang-Gitarren, Spectropop-Beat-Girls der 60er, Lagos-Highlife, zeitgenössischen klassischen Chorarrangements, isländischer Avantgarde, Bond-Bösewichten, Kunstobjekten aus der ersten Punk-Ära, östlicher Philosophie und der Kunstschule in Athens, Georgia, in den 80ern - all das ist darin enthalten, verwoben zu einer einzigartigen Stimme.

…Wenn der Sturm die Stille zerreißt…
Drei Jahre sind vergangen seit dem Doppel-Release Kapitel 10: Wilde Augen und Kapitel 11: Barrikaden. Drei Jahre, in denen die Welt nicht stillstand und die Band die Zeit nutzte, um einen Wirbelwind zu brauen, der nun mit voller Wucht losbricht: »Sturm zieh auf«.

Ein atmosphärischer Energieaustausch
Ein Sturm ist mehr als nur Wind. Er ist eine rohe, unkontrollierbare Kraft. Er bringt Zerstörung, ja – aber er schafft den zwingend notwendigen Platz für Neues. Er ist der atmosphärische Energieaustausch, der Altes wegfegt, um Raum für Veränderung zu geben. Kärbholz vertonen auf ihrem neuen Album genau diesen Moment der Transformation.

Mit 13 Titeln voller Leidenschaft und Emotion fängt die Band die gesamte Bandbreite eines Sturms ein: von der bedrückenden »Ruhe davor« über die Angst und Unruhe bis hin zur grenzenlosen Freiheit, die entsteht, wenn der Druck nachlässt.

Authentisch, kantig, kompromisslos
»Sturm zieh auf« schert sich nicht um Konventionen oder Kompatibilität. Das Album nährt sich aus den härteren Spielarten der Bandgeschichte und erschafft einen in sich geschlossenen Kosmos, der nicht um jeden Preis gefallen will – und vielleicht gerade deshalb so tief berührt. Es ist ein Werk für jene, die bereit sind, ihre Hörgewohnheiten infrage zu stellen.
• Kein Jammern, kein Fingerzeig: Kärbholz prangern nicht die äußeren Umstände an.
• Das eigene Ich im Fokus: Es geht um die Macht des Individuums, sich über das Gegebene hinwegzusetzen.
• Unbändige Positivität: Inmitten des Chaos findet die Band das Glück in den kleinen, wesentlichen Dingen des Lebens.

Das »Wozu« bestimmt das »Wie«
Frei nach Nietzsche transportiert das Album eine klare Botschaft: »Wenn ich ein Wozu kenne, dann kann ich fast jedes Wie ertragen.« »Sturm zieh auf« ist der Soundtrack für diesen Weg. Es ist die musikalische Manifestation der Resilienz – eine Einladung, sich dem Sturm entgegenzustellen, ihn zu genießen und gestärkt aus ihm hervorzugehen.

Kärbholz sind zurück. Lauter, härter und reflektierter als je zuvor.

…Wenn der Sturm die Stille zerreißt…
Drei Jahre sind vergangen seit dem Doppel-Release Kapitel 10: Wilde Augen und Kapitel 11: Barrikaden. Drei Jahre, in denen die Welt nicht stillstand und die Band die Zeit nutzte, um einen Wirbelwind zu brauen, der nun mit voller Wucht losbricht: »Sturm zieh auf«.

Ein atmosphärischer Energieaustausch
Ein Sturm ist mehr als nur Wind. Er ist eine rohe, unkontrollierbare Kraft. Er bringt Zerstörung, ja – aber er schafft den zwingend notwendigen Platz für Neues. Er ist der atmosphärische Energieaustausch, der Altes wegfegt, um Raum für Veränderung zu geben. Kärbholz vertonen auf ihrem neuen Album genau diesen Moment der Transformation.

Mit 13 Titeln voller Leidenschaft und Emotion fängt die Band die gesamte Bandbreite eines Sturms ein: von der bedrückenden »Ruhe davor« über die Angst und Unruhe bis hin zur grenzenlosen Freiheit, die entsteht, wenn der Druck nachlässt.

Authentisch, kantig, kompromisslos
»Sturm zieh auf« schert sich nicht um Konventionen oder Kompatibilität. Das Album nährt sich aus den härteren Spielarten der Bandgeschichte und erschafft einen in sich geschlossenen Kosmos, der nicht um jeden Preis gefallen will – und vielleicht gerade deshalb so tief berührt. Es ist ein Werk für jene, die bereit sind, ihre Hörgewohnheiten infrage zu stellen.
• Kein Jammern, kein Fingerzeig: Kärbholz prangern nicht die äußeren Umstände an.
• Das eigene Ich im Fokus: Es geht um die Macht des Individuums, sich über das Gegebene hinwegzusetzen.
• Unbändige Positivität: Inmitten des Chaos findet die Band das Glück in den kleinen, wesentlichen Dingen des Lebens.

Das »Wozu« bestimmt das »Wie«
Frei nach Nietzsche transportiert das Album eine klare Botschaft: »Wenn ich ein Wozu kenne, dann kann ich fast jedes Wie ertragen.« »Sturm zieh auf« ist der Soundtrack für diesen Weg. Es ist die musikalische Manifestation der Resilienz – eine Einladung, sich dem Sturm entgegenzustellen, ihn zu genießen und gestärkt aus ihm hervorzugehen.

Kärbholz sind zurück. Lauter, härter und reflektierter als je zuvor.

Lummer is the Swedish name for the now protected family of vascular plants (Clubmoss/Lycopodiaceae). Lummer grows slowly and the spores with which it reproduces can take 12—20 years to develop. These spores, known as Nikt in Swedish, were once ground into an extremely flammable light yellow “old woman’s gunpowder” that was used for early theatrical pyrotechnics. Volatile and explosive, Lummernikt requires careful handling.

There is something of the small scale dangerous in Finn Loxbo’s Lummernikt, too. A not-at-all-risk-free traversal at the limits of technique: building, blowing up and working through a band’s worth of harmonic scaffolding. Eight songs on a stage. Dramatic, breath-taking. At the same time the wild, flickering rush of tones spins up a centrifugal force that suspends a certain calm or sitting still at the music’s core.

On Lummernikt, Loxbo’s guitar often sounds more like a concert harp or the West African kora as he shifts a set of melodic fragments and extended lines through rapid-fire arpeggiated permutations with a spontaneous energy that is countered only by his extraordinary touch on the instrument and an undeniable sensitivity to his material’s dynamic potential.

It’s a glorious extension of the chiming chords and experimental preparations heard in his contributions to Magnus Granberg's Skogen (Another Timbre) or via his own ensemble Kommun (Fönstret, Thanatosis) and in striking contrast to the distorted wail he contributes to Anna Högberg Attack’s Ensamseglaren (Fönstret) or his all-in-the-red trio Kyosaku (Corbett vs Dempsey).

It’s now several years ago that Finn sent me the first recording of his new band Kommun and asked if I had suggestions for a label that might want to release it. I played that recording on repeat until I couldn’t shake the idea that I needed to start a label to put it out myself. Lummernikt is the spark that keeps that fire alive.

Das Branford Marsalis Quartet und Sängerin Dianne Reeves veröffentlichen mit „Dedicated To You“ eine
außergewöhnliche Hommage an John Coltrane zum 100. Geburtstag der Jazz-Ikone. Gemeinsam mit
Dianne Reeves präsentieren der legendäre Saxofonist, Pianist Joey Calderazzo, Bassist Eric Revis und
Schlagzeuger Justin Faulkner neue Interpretationen jener sechs Standards, die 1963 auf dem berühmten
Album ”John Coltrane and Johnny Hartman” (Impulse! Records) erschienen. Ergänzt wird das Repertoire
durch instrumentale Neuinterpretationen ausgewählter Coltrane-Kompositionen wie „Central Park West“,
„26-2“ und „Big Nick“, die das Album zu einer facettenreichen Hommage an einen der einflussreichsten
Musiker der Jazzgeschichte machen. Das Album verbindet höchste musikalische Virtuosität mit emotionaler
Intensität und zeigt eindrucksvoll, wie zeitlos Coltranes Musik bis heute geblieben ist.

Originally released in 1971, "Satori" is Flower Travellin' Band's groundbreaking masterpiece and one of the most visionary albums of the early heavy rock era. It fused hard rock, psychedelia, progressive music and Traditional Eastern influences into a sound unlike anything heard before. Originally released in 1971, "Satori" is Flower Travellin' Band's groundbreaking masterpiece and one of the most visionary albums of the early heavy rock era. It fused hard rock, psychedelia, progressive music and traditional Eastern influences into a sound unlike anything heard before. Unlike many rock albums of the era, "Satori" is structured as a continuous musical journey, with its five tracks presented as interconnected movements rather than conventional songs. The band's powerful rhythm section, extended guitar passages, and the commanding vocals of Joe Yamanaka create an atmosphere that feels both intense and hypnotic. Recorded during a period when Japanese rock was developing its own identity, "Satori" drew inspiration from Western hard rock and psychedelia while incorporating a unique sense of space, improvisation, and spiritual exploration. Over the decades, the album has gained international recognition among collectors, musicians, and fans of vintage heavy rock, often cited as an overlooked classic that anticipated elements of later hard rock, stoner rock, and heavy metal. Created for an international audience and revered by generations of musicians and collectors, more than fifty years after its release, "Satori" remains as one of the most influential and forward-thinking records in Japanese rock history. LP includes insert.

Released in 1976 on ABC Records, Seed Of Memory is Terry Reid's fourth studio album and marks a significant shift in his musical direction - This 180g vinyl re-issue faithfully replicates the original UK pressing including 4- page lyric insert Produced by Graham Nash, the album was recorded in California after Reid had relocated from Britain, and reflects the influence of the West Coast singer-songwriter scene while retaining elements of rock, blues, folk and soul. All eight songs were written by Reid, whose expressive vocals and guitar work remain central throughout. The recordings are enhanced by contributions from respected musicians including David Lindley on guitar and violin, Ben Keith and Al Perkins on pedal steel, and Graham Nash on harmony vocals. Lyrically, the album explores themes of reflection, spirituality, personal growth and social awareness, with songs such as "Brave Awakening" drawing on Reid's family connections to the mining industry. The relaxed arrangements contrast with the heavier sound of some of his earlier recordings, creating a more atmospheric and melodic style.

The studio at 122 West Loveland Avenue was not an unfamiliar space for Steve Okonski, the leader of his eponymous trio Okonski. Ever since the Colemine label set up shop in Loveland, Ohio it has been a host to a number of groups passing through town, including Durand Jones and the Indications who all of this trio's members have connections to. After setting aside some time in winter of 2020, Okonski, trained initially as a classical pianist, invited Michael Isvara "Ish" Montgomery and Aaron Frazer to work on an album that was initially planned to be beat driven and fully composed trio instrumentals.

After finishing this first session with some improvisations, a second week was booked in the summer of 2021 to try and capture some more of that spontaneous energy. During this session, the tracks were all improvised and recorded live to a Tascam 388 during several late nights at the Colemine HQ. They were structured to allow the group's collective intuition to fully shape the melodies and arcs of the music.

The album opens with Runner Up, where a triumphant yet melancholic melody in the piano leads to a more reserved B-section driven by the drums and bass of Frazer and Montgomery. As you journey through the remainder of the album you are met with a plethora of evoked and explored emotions. The calmness one has walking down a moonlit street after midnight, the connection one has for a person who comes into their world for just a moment or a lifetime, and the nerves and catharsis one feels when starting upon a new, unknown journey.
Magnolia closes with Sunday, a track that was recorded late into the night at the close of their first recording session. Without the spontaneity of Sunday, the remainder of Magnolia would likely have never come to fruition.
Magnolia was composed from the heart and from the spirit of those in the studio those late nights in Loveland. It is the culmination of an emotional and artistic release that was not afforded or recognized before the band sat at their instruments, and because of that it is introspective, meditative, spiritual, and new.

"Emergence of Shadow" (Mint Condition Records / Self Distribuzione)—the new album by Davide
Ghidoni, produced by Gianluca Pighi—is arriving: its digital release is set for Friday, September 11,
while the vinyl will be available starting Friday, September 18.
A trumpeter with a career marked by international collaborations, Ghidoni here signs his most
personal project to date. It is a predominantly instrumental record in which the trumpet becomes a
voice, a narrative, and an emotion. The only vocal track is "Come On Closer," performed by Heidi
Vogel (The Cinematic Orchestra), creating a moment of suspension and intensity within the project.
Davide Ghidoni’s passion for music and the trumpet was born in his childhood around the age of ten,
fueled also by Western films and Ennio Morricone’s soundtracks: those melodies, where the trumpet
played a central role in the duels of The Good, the Bad and the Ugly, deeply shaped the artist's
imagination and sound.
Ghidoni has always maintained an open and curious approach, letting himself be inspired by different
genres, artists, and musical cultures. His projects naturally coexist with influences ranging from rock
to soul, jazz to blues, and other languages that have left a mark on his path. Rather than identifying
with a single genre, he prefers to view music as a guiding thread capable of uniting different styles
through emotion, sensitivity, and respect for artistic identity.
"Emergence of Shadow" represents a new chapter in his journey. After numerous collaborations with
various artists, the musician felt the urge to undertake a completely his own project, giving shape to
ideas he had nurtured for a long time.
The record is inspired by the 1970s soul, rock, and blues sounds, but the goal is not to faithfully
reproduce or imitate those genres: the atmospheres, themes, and arrangements recall that sonic
world, yet are reinterpreted through a personal and original sensibility. The trumpet remains the
primary narrative element, supported by meticulous arrangements and a solid rhythm section that
enhance its character and expressive intensity.
Alongside the sounds that distinguish his path, the album also explores deeper emotional
dimensions. Some tracks are fluid and atmospheric, born from the desire to recount vibrations
without rigid schemes, letting melodies and dynamics guide the listener on an inner journey. The aim
is to offer an engaging listening experience in which music communicates directly, beyond words.
The album encapsulates everything Davide Ghidoni wanted to express and fully represents his
artistic identity: a timeless instrument to communicate emotions and engage in dialogue with different
musical traditions, always keeping the pursuit of musical quality and sharing with the public at its
core.

"Portuguesa" enthält 14 Songs und wurde von Carminho
produziert. Der Fado-Star aus Portugal steuerte neben
weiteren Songwriter:innen auch einen Teil der Texte und
traditionellen Fado-Kompositionen bei. Über die Arbeit an
dem Album sagt sie: " Portuguesa ist das Resultat zehn
konzentrierter Tage in den Namouche Studios im März
2022, genauso flossen jedoch die beiden vorherigen
Jahre darin ein. Ich bin immer auf der Suche nach
diesem ganz speziellen Schwindelgefühl, bei dem ich mit
neuen Kombinationen derselben Grundzutaten meine
Identität finden kann. Das hier ist meine Geschichte,
meine Ursprünge, meine Einflüsse und die Musik, in der
ich mich wiederfinde."
Der Fado ist Carminhos Leben, und kaum eine andere
Sängerin verleiht dieser portugiesischen Form des Liedes
so viel Kraft, Leidenschaft und Tiefe wie sie. Indem sie
sich ganz diesem tiefsinnigen Traditionsgenre widmet,
erschafft sie neue traditionelle Fados, denen sie ihren
eigenen Stempel einprägt. In ihren tiefen Reflexionen über
das Wesen des Fado erkundet Carminho unterschiedliche
Kombinationen innerhalb des Kanons, überdenkt die Form
und bewegt sich in dem vertrauten Element so sicher wie
ein Fisch im Wasser.

“I like to work with a variety of instruments and set ups,” says Mark Van Hoen, sometimes known as Locust or Autocreation but here working under his own name on the excellent Plan For A Miracle, his first physical release of solo music since 2018’s Invisible Threads. ”Sometimes it’s literally in my studio, with all the hardware electronics available. Sometimes the laptop, using software instruments. Some of the tracks on this record were recorded in the desert (Joshua Tree) using a 4-track tape machine and small modular synthesiser set up. Each track was recorded in different location using different instruments, which accounts for the distinction between each piece. It’s also about my own reaction to my environment, and what’s going on in my life at the time.”

The Croydon-born Van Hoen started musical life in the early 1990s, signing for R&S records in 1993 but developing his own, myriad and distinctive style across a range of releases on Touch, Editions Mego and other labels, using a battery of instruments, including analogue synthesizers and taking a number of different approaches to recording, rather than ploughing a single sonic furrow. He has worked on a number of collaborations, including with Nick Holton and Neil Halstead of Slowdive, under the moniker of Black Hearted Brother - their Stars Are Our Home was released in 2013. “I have known Neil Halstead since 1992,” says Van Hoen. “He shared a house with me for a couple of years, and the music I was making and listening to along with clubs I was attending had an influence particularly on Pygmalion, the final Slowdive album on Creation.”

Each track on Plan For A Miracle does indeed sound like a world unto itself, a mini-environment, a weather condition, an ecosystem created for the moment. It’s a collection of tracks recorded over the past few years, released on Bandcamp - despite his apparent absence, Van Hoen works constantly. Opener “Climates”, in its exquisite limpidity, feels like a homage to Brian Eno, one of his most formative influences in his teen years, commencing with Music For Films, which he bought in 1979. “This Is For Them”, feels like a ghostlike throwback to early drum & bass or electronica, reminiscent of his own, earliest outings. “There have been a number of requests from labels to make some more music like my very early releases on R&S,” says Van Hoen. “This is part of ‘letting go’ and realising that there’s nothing less creative about going back to those styles again.”

“Pencil Of Spheres” is something else again, a magnificent, imaginary glass structure, shimmering, refracting, without visible means of suspension, a thing of impossible beauty. “Electric Lights” evokes an abandoned fairground, its lights still pulsating, its music lingering. “The Underpass”, meanwhile, insofar as it reminds of anything at all, is faintly reminiscent of Cluster or Neu’s! West German ambience, the urban mundane rendered magical, the sodium lights, the whitewashed walls. The reverberant, faintly oriental chimes of “Insight” transport us yet again, burgeoning and intensifying.

The landscapes, the skyscapes rendered on Plan For A Miracle feel unpopulated as a rule - but when he does introduce vocal elements, Van Hoen has a history of doing so to spectacular effect - think of “Real Love” from 1998’s Playing With Time, the seductive intonation of its title recurring throughout like a series of massive holograms, echoing, stuttering, breaking up, surging. Here, there are just the faintest of vocals, barely distinct, disquieting. “There’s been a bit of a game changer in recent times,” explains Van Hoen. “AI software that enables you to extract vocals and instrument parts from virtually any recording. That means sampling individual parts from existing sources is no longer limited to the original mix exposing certain parts soloed. The vocal parts I use are from multiple sources and often pitch shifted altered rhythmically and melodically.“ There’s further vocal chatter on “I Really Do”, proceeding at a faster pace as if giving chase, or being pursued - distant, enigmatic. “The Music”, meanwhile, its beat tolling, lost in its own fog of static, features a curious intonation, like the ghost of a lost Walker Brother.

Sadly, the album’s title is in reference to a personal tragedy on Van Hoen’s part - the loss of his wife. Titles such as “I Won’t Give Up”, which faintly reminds of another Eno masterpiece, Another Green World, in its nautical hurly-bury, or the pastoral strains of “Mrs Who”, heavily clouded with sadness, seem to allude to this. “In fact the record was recorded entirely before she passed away,” says Van Hoen, “most of it before she even became very ill. The title was given to the album when it started to look like she wasn’t going to make it beyond a few months. It was something Osho said - “plan for a miracle” - so it was a statement of hope. Unfortunately it was not to be.” Although the album is non-thematic, non-specific in its atmospheres, sound paintings, elegant structures it most certainly stands as a magnificent monument to Osho’s memory.

-David Stubbs.

Tapper Zuki's debut album 'Man Ah Warrior' was originally released in 1973.It's classic Dee Jay style has been copied by many but bettered by few. An album that more than most shows that raw talent with little resources can still be a great, great thing.
Tapper Zukie (b.1956,David Sinclair , Kingston, Jamaica) was raised in the rough and tough West Kingston area of Jamaica between the districts of Trench Town and Greenwich Farm.
Living pretty much on the streets from an early age the youth including the young Tapper had no choice but to fall into the hands of the political parties that controlled the various ghetto areas of the town.
Fear of landing in even more trouble, a plan was devised by Tapper's Mother ,Brother ,Reggae producer 'Blackbeard' and family friend Bunny 'Striker' Lee .The plan was to send the wayward Tapper to England to cool his ways.
A UK tour with the number 1 Reggae Dee Jay U-Roy was already arranged on his arrival, Bunny Lee got the young Tapper to toast over a Slim Smith rhythm, the London crowd loved it
He also caught the eye of producer Larry Lawrence who took Tapper on and cut his first single 'Jump and Twist'
Nine further tracks were recorded for producer Clement Bushey that would result in this album 'man ah Warrior.
We hope this introduction to Tapper Zukie's music inspires you to look further into his catalogue of great music.
An artist ahead of his time, whose music has influenced many........
as Patti Smith stated 'Music of the Most High'............

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Auf ihrem neuen Album verwandelt Sylvan Esso das gemeinsame Musizieren mit anderen Menschen in Kunst, die man einfach liebt - einen greifbaren und einhüllenden freien Fall. Das Album ,Ow " (ausgesprochen ,Ow Infinity"), das über einen Zeitraum von vier Jahren in den Wäldern von Chapel Hill entstanden ist - die längste Zeit, die die Band jemals mit dem Schreiben eines Albums verbracht hat -, erscheint mit einer intensiven Unmittelbarkeit. Bei den meisten Titeln handelt es sich um Meaths erste Gesangsaufnahmen, und die Klarheit sowie die Menschlichkeit ihrer einzigartigen Stimme verankern das Album in der Realität. Es entstand in einer Zeit des Experimentierens und der Zusammenarbeit und mündete in ein kraftvolles, druckvolles, explosives Werk, aus dem sich die Songs geradezu herauskämpfen wollen. Ein farbenprächtiges Totem persönlicher Zerstörung, das Gefühl, zu Knetmasse zermalmt und wieder zu etwas aufgebaut zu werden, das sich fast menschlich anfühlt, fast vertraut, aber zugleich freakig und neu - ein karikaturhaftes, slapstickartiges Grinsen, das sich über eine Ruine legt. Ein großer Teil des Albums entstand aus Improvisation - stundenlang verbrachte Zeit in ihrem Studio in North Carolina, um gemeinsam mit Gastmusikern wie Glenn Kotche (Wilco), Matt Douglas (The Mountain Goats), Jenn Wasner (Wye Oak, Flock of Dimes), Joe Westerlund (Megafaun), Jake Luppen (Hippo Campus, Samia), Daniel Aged (Frank Ocean, Dijon) und dem Schlagzeuger TJ Maiani (Weyes Blood, Neneh Cherry). ,Ow " markiert den ersten Moment, in dem Sylvan Esso sich damit angefreundet hat , dass sie genau das tun - in dem sie herausgefunden haben, auf welchen Wegen sie die Kontrolle übernehmen und Dinge so veröffentlichen können , wie sie es wollen, mit den Menschen, die sie selbst auswählen, in ihrem eigenen Studio und über ihr eigenes Label. Für ein Album, das sich so intensiv mit der Unberechenbarkeit des Lebens auseinandersetzt, trifft es das Duo zu einem Zeitpunkt, an dem es endlich die vollständige Kontrolle darüber hat, was Sylvan Esso sein kann.

Wer wissen möchte, weshalb Sister Rosetta Tharpe (1915-1973) bis heute als die “Godmother of Rock and
Roll” und “Original Soul Sister” gefeiert wird, muss nur ihr bahnbrechendes Album “Gospel Train” aus dem
Jahr 1956 hören. Wie keine andere verstand sie es, die Intensität des Gospel mit bluesigen Phrasierungen
und rhythmischem Drive zu verbinden. Dadurch schuf sie die musikalischen Grundlagen, die den frühen
Rock ’n’ Roll und die spätere Popmusik prägen sollten. Bei den Aufnahmen für “Gospel Train” ließ sich
die E-Gitarristin mit der kraftvollen Stimme von einer Band mit Jazzmusikern wie dem Bassisten George
Duvivier und dem Schlagzeuger Panama Francis sowie dem Gospel-Vokalquartett The Harmonizing Four
begleiten. Das Repertoire, eine Mischung aus selbst komponierten Spirituals und Gospel-Standards, wird
von Sister Rosetta Tharpe mit der für sie typischen Leidenschaft und rhythmischen Vitalität vorgetragen.

With the album 'El Ritmo' Delinquent Habits mark their 30th anniversary with 11 tracks blending West Coast vibes and Latin spirit. Featuring guests like Sick Jacken and Reverie, the album celebrates resilience, culture, and community, carrying the unmistakable spirit of East L.A. worldwide and underlining the band’s timeless impact on global hip-hop and the voice of the Latino community.

2020 album from Colorado’s freewheelin’ melodist Josephine Foster. Revolving between her adopted Spain and her native American West, Josephine was stationed this spring in Nashville with maverick guitarist and comrade-in-arms Matthew Schneider. The result: ‘No Harm Done’, a spacious and enveloping love letter of an album. Eight new slow-burning songs branch forth from idiosyncratic country folk blues, sung with sibylline wit and a hint of the absurd, awash in sensually anachronic lyricism. “The Wheel of Fortune”, nearly a title track by virtue of its refrain: 'No harm will come/if there's no harm done', are words of a homebound wanderer finding refuge in healing stillness with her beloved, having 'time to kill' in the midst of 'hard times to feel at home'. All delivered with calm sagacity upon the pedestal of Mr. Schneider's pedal steel and underscored by a knowing trebled chorus in Foster's lower register. Going nowhere never felt like so righteous of a destination before. Devotion in all its permutations, spiritual to carnal, are seamlessly explored. In 'Conjugal Bliss', overtones of the 12-string and autoharp gently interplay, sounding like some unearthed Carter family wedding hymn (it bears the subversive subtitle '69' ) while 'How come, Honeycomb?' bounces low in the hips like a sultry old music hall number à la Harry Nilsson. The obliquely sapphic 'Leonine', it's unquiet harp scaling right out of ancient Lesbos, dreams of a kingless land; in 'Sure Am Devilish', a stargazer humbly confesses to a lowercase lord. 'Old Saw', the mesmeric album closer, is a medium's petition to cross the threshold and merge with the holy spirit. Josephine's enigmatic voice captured once more by frequent co-producer Andrija Tokic in his analog Bomb Shelter studio, where layers of her guitar, piano, organ entwine with Schneider's 12-string, pedal steel and electric bass to rouse a spectral yet full blooded band. The ensuing cycle of songs pulse and glow within the ruins and deep fundamental roots of American song. “Remarkable, ghostly music” The Guardian.

Tash, founding member of Tha Alkaholiks, returns with a new EP that brings his signature voice, charisma, and West Coast energy back to the forefront. Known for sharp lyricism, humor, and effortless flow, Tash delivers six tracks that connect his legacy to a fresh chapter.
The project's centerpiece is the "Attention is a Drug" remix, a stacked lineup featuring Sway Calloway, King Tee, Defari, Tha Liks, Xzibit, Will.i.am, and Q-Tip. The EP also includes a classic Wake Up Show remix, bringing in DJ Revolution, Sway and Tech, and the Likwit Crew.
Pressed on limited clear vinyl, this is a collector's release built for Tash's core audience: Tha Alkaholiks fans, 90s and underground hip-hop heads, and Fat Beats regulars who've been true fans since day one.

Es ist August 2021... Paula Hartmanns erste Single »Nie verliebt« erscheint und bildet den Auftakt für das gleichnamige, im Folgejahr erscheinende Album-Debüt. Fast forward 2023 und in der Rückschau wird klar: Paula Hartmann trat leise, aber mit Nachdruck ins Scheinwerferlicht der Musikwelt. Die Musik der 22-jährigen Berlinerin in ihrer Essenz zu erfassen, bedeutet, sie zu hören; zu vielschichtig und dicht erscheint das gewebte Netz von Geschichten aus der Großstadt. Und es ist diese Qualität, mit der sich ihre Musik Beschreibungen entzieht: Jedes Wort wohl überlegt, kein Ton zu viel, lässt man sich bereitwillig in das fein gesponnene Geflecht fallen und begleitet Paula Hartmann auf ihrer Odyssee durch den dunklen Westen von Berlin - denn wo noch Licht brennt, da tritt Paula Hartmann die Laternen aus. Mit »kleine Feuer« kündigt die Berlinerin nun ihr zweites Album an und bereits die ersten Singleauskopplungen lassen auf Großes hoffen im März des kommenden Jahres.

Erleben Sie den packenden Soundtrack des australischen Horrorklassikers "Wolf Creek" (2005) wie nie zuvor – neu remastert und auf Red+Black Splatter-Vinyl gepresst, mit exklusivem Artwork und Liner Notes. Der Komponist Francois Tétaz erschuf mit Klavier, Alan Lambs einzigartigen Telefonleitungsaufnahmen aus dem Outback Westaustraliens und einem Streichquartett einen Soundtrack, der als philosophischer Kontrast zum Horror von "Wolf Creek" fungiert. Eine eindringliche Mischung aus atmosphärischen Klanglandschaften, sparsamer Instrumentierung und unterschwelliger Bedrohung – die Musik fängt die Einsamkeit und Bedrohlichkeit des Outbacks in jeder Rille ein. Exklusive Collector's Edition für alle Horrorfans, Soundtrack-Sammler und Vinyl-Liebhaber gleichermaßen.

With a breathtaking pair of intimately interrelated new albums, he applies that bold passion to an uncharacteristically pared-down setting, then transforms those stunning sounds via a startling process of sonic reinvention. ResoNation Trio convenes a new chordless trio with master improvisers Scott Colley on bass and Nasheet Waits on drums. The album's contemplative explorations feel like a departure from the raucous spirit that characterizes so much of the trumpeter's work, yet the trio discovers such an audacious beauty and celebratory gusto in these sparse environments that the music feels uniquely Bernstein's. It is also a rarity in his oeuvre for featuring Bernstein - whose mastery of the little- used slide trumpet has become so central to his sonic identity - exclusively playing valve trumpet and flugelhorn. In parallel with this captivating trio excursion, Bernstein handed the recordings over to his longtime collaborator, the pioneering producer Scotty Hard, to reimagine the album through his own iconoclastic lens. The result is the uncategorizable Ultra Resonance, which finds Hard breaking down the ResoNation Trio session into its constituent parts and redeploying them as the elements of a wholly original, mutant creation. The project will be released on June 5, 2026 via Royal Potato Family as a double vinyl or CD package containing both albums, and separately on digital streaming platforms.

Across two song cycles separated by nearly four decades – Richard Wagner’s »Fünf Gedichte für eine Frauenstimme« (the »Wesendonck Lieder«) and Johannes Brahms’ late »Vier ernste Gesänge« (»Four Serious Songs«) – Wagner’s songs, written under the spell of his relationship with Mathilde Wesendonck and already pointing towards »Tristan und Isolde«, and Brahms’ final composition, which gives the album its name and was shaped by grief, illness, and meditations on biblical texts, circle the same existential questions.

Desire and mortality, ecstasy and resignation appear less as opposites than as mirrored states. The voices of Wesendonck’s poetry seem to answer the solemn reflections of Ecclesiastes and Corinthians, revealing an unexpected dialogue across time.

Without seeking historical authenticity or revisionist spectacle, »Serious Songs« listens for what still resonates beneath these works: the suspended moment where love, loss, and transcendence become indistinguishable. The harp assumes the role of the piano as the foundation, pulse, and emotional compass. The vocal line, liberated from classical convention, inhabits a contemporary expressive space without severing its bond to the original scores. It is Romantic music viewed through the acoustics of the present. The project emerged from a moment of professional disillusionment familiar to many classically trained musicians. This led to a confrontation with some of classical music’s traditional flaws that became an invitation to reimagine it.

Sissi Rada approaches the spinal properties of the Romantic Lieder, fragile enough to transform and resilient enough to survive. Intimate, lucid, and quietly radical.

Eden Samara grew up in the mountains of western Canada, writing folk songs and performing in the theatre. Following a trip to Europe where she had her first formative clubbing experiences, she relocated to London in 2019 where she’s become a consistent presence and voice in the city’s underground, collaborating with artists like Parris, Ciel and Loraine James and earning praise from The Guardian, Pitchfork, Rolling Stone, Crack and DJ Mag.

2022 saw Eden release her debut album Rough Night on Local Action, blending freaky club-pop, introspective R&B and more while collaborating with leading scene figures TSVI, Call Super and Shanti Celeste. Described by Dazed as ‘an embarrassment of riches’ and by Mixmag as one of the best albums of the year, in Eden’s words it was simply ‘a tragicomedy in seven scenes and an interlude’. She’s downplaying things: to us it was a rich tapestry that explored everything from fleeting moments in smoking areas to the Madonna-whore complex. Both, for better or worse, still make the world go round.

On her second album Odyssey, Eden brings more elements into her ensemble (jungle, choral singing, live harp) while honing her song-writing – it’s an expansion and a tightening at the same time. Inspired by epic literary works like Homer’s Odyssey, The Alchemist and The Picture of Dorian Gray, the album reimagines the archetypal quest through a personal lens: a healing journey amid the collapse of close relationships to addiction, mental illness, and the weight of codependency disguised as love. In Eden’s words: 'This work is a narrative and sonic expedition - part myth, part memoir - that traces my path through the emotional aftermath of watching loved ones struggle with drug addiction and mental health crises, and the impact it
had on my own mental wellbeing. The album addresses substance abuse, toxic relationships, and the internalised belief that love must come through sacrifice, even at the cost of one’s selfhood.'

For this special release, Barcelona’s Lapsus and London’s Local Action join forces for the first time in their respective journeys, reflecting the affinity between both platforms and their shared vision of contemporary electronic music.

Kitsune No Yomeiri, which translates to the fox’s wedding, is an endearing expression used to describe sunshowers. Dawson returned home from a recent tour of Japan with a collection of field recordings documenting the spring rain he encountered throughout his travels. These curious sounds, stretching from peaceful shrines to clattering city streets, underpin the material.

Dawson also credits the wonderful folks he met on that tour with profoundly shaping the direction of the album. After each show he found himself immersed in inspiring conversations about the guitar. Through navigating the language barrier, he discovered he was communicating with an immense sincerity that he would ordinarily avoid at all costs. “I’ve always just made records at home in a vortex, but this time it felt like those conversations were there with me in the studio.”

Musically the album has a slight western slant. It’s not country, but it does see Dawson lean softly into his prairie past. Constellations of stray notes and rusted tones form nostalgic melodies, like chance encounters between old friends. Dawson allows phrases and gestures to repeat across the record, resulting in a collection that’s more akin to turning the pages of a novel than a series of vignettes vying for attention.

Previously unreleased proto-metal album by this criminally forgotten UK band. Sweaty Betty were neighbours and friends of Black Sabbath and Judas Priest, all hailing from the West Midlands region of England. The Sweatier The Bettyer, was recorded in 1974/75 and features Budgie drummer Pete Boot. Also, on vocals was future NWOBHM cult legend: Rik Staines, who went on to form Dark Star. Their debut 45: Lady of Mars is considered a classic of the genre. After several years of strenuous research, Rise Above Relics is excited to bring this long-lost jewel from the crypts of the 1970s British underground scene. Mastered and cut from the original 1/4" tapes, it is a gargantuan feast for fans of the era

William Onyeabor was born outside Enugu, a small, rural town in Eastern Nigeria, he created his own genre of African electronic funk in the late 70s and early 80s, making music completely unique for his time. Today, he is reaching cult status among a growing list of admirers, including everyone from Damon Albarn and Hot Chip to Carl Craig and Madlib, with some likening him to the Kraftwerk of West Africa, or a precursor to LCD Soundsystem.

Among the crate-digging few that knew of him, he is considered a complete myth. While he has never performed live and almost never given interviews, his fantastical biography is scattered and has to this day not been verified. And he refused to speak about anything regarding the past.

According to various rumors, he left home following the Biafran War and went to study cinematography in the Soviet Union, returning in the mid-70s to start his own film company and record label, Wilfilms. He then self-released eight remarkable records from 1978-1985. He wrote and produced everything on his own, and possibly played every instrument himself. Then, at some point of his life, he became born again and denounced his earlier music, deciding it is something he would never speak about.

In Thin Air, forms a musical companion piece to Robert and Jackie's book The Book of Birds - a book that is a love letter to the splendours and mysteries of birdlife, and a clarion call to halt the loss of birds from land, sea and sky. The music was created within the contemplative green oak roundhouse of Ty Sanctaidd (Sacred House) in the grounds of Ty Trefacwn in South West Wales, and recorded at Castle Sound Studio in Pencaitland, East Lothian. As with our other albums In Thin Airhas been recorded and produced by Andy Bell of Hudson Records. Throughout The Book of Birds there runs a gentle mantra - " Nest, Egg, Beak, Song, Feather, Flight, Migration -- these are the Seven Wonders that together conjure the miracle of Bird ". Intrigued by this concept, the seven musicians have created an intricate new album that has an overarching narrative, capturing the remarkable world of birds from birth to flight.

In Thin Air, forms a musical companion piece to Robert and Jackie's book The Book of Birds - a book that is a love letter to the splendours and mysteries of birdlife, and a clarion call to halt the loss of birds from land, sea and sky. The music was created within the contemplative green oak roundhouse of Ty Sanctaidd (Sacred House) in the grounds of Ty Trefacwn in South West Wales, and recorded at Castle Sound Studio in Pencaitland, East Lothian. As with our other albums In Thin Airhas been recorded and produced by Andy Bell of Hudson Records. Throughout The Book of Birds there runs a gentle mantra - " Nest, Egg, Beak, Song, Feather, Flight, Migration -- these are the Seven Wonders that together conjure the miracle of Bird ". Intrigued by this concept, the seven musicians have created an intricate new album that has an overarching narrative, capturing the remarkable world of birds from birth to flight.

"Northern Electronics presents ’The Vanity Project’, the new LP by Vanity Productions.
Like a fractured reflection, images appear distorted and incomplete. A series of fragments revealing influences, methods, and decisions where life and work remain inseparable. Moving through the residual noise of contemporary media space, Christian Stadsgaard draws from social media remnants, dark web transmissions, and untreated human sound.
These elements are processed through noise electronics and tape manipulation, collapsing source and signal. ’The Vanity Project’ is constructed as a dense, uneven surface. A collage of found sound, environmental interference, and emotional residue. The result carries Vanity Productions’ characteristic melancholy, Nordic restraint, and accumulated debt, forming a quiet but insistent tale of romance and reflection from the source.”
Album credits:
All music recorded by Christian Stadsgaard in Copenhagen, Denmark 2025
Mixed by Christian Stadsgaard and Malthe Fischer
Mastered by Giuseppe Tillieci at EnissLab, Rome
Photos by Christian Stadsgaard
Collage by Anthony Linell
Sound contributions by Shredded Nerve, Jackson-Pratt, Ashley C, Hannes Norrvide, Malthe Fischer, Daniel Svanberg Bøtcher, Vagn Olsson, Yuri Umemoto, Lise Westzynthius, Qiuyao Ning, Peter Peter, Government Alpha and Merzbow – A big thank you to everyone involved.
“The Vanity Project” was kindly supported by KODA kultur, Copenhagen.

Manonmars’ 3rd album sees him at his most amorphous and psychedelic, at points sharper and laser focused, and at others more blurred and impressionistic than his previous records. Many of the core players remain the same, all of the production is once again handled by O$VMV$M (the duo of Neek and Amos Childs of Jabu) while Paulina Korobkiewicz (also of Young Echo) makes a return handling both the album’s cover artwork and contributing a series of diaristic field recordings and voice notes.

‘The project references movies, cartoons, fictional characters and video games, among other things. The album title is open to interpretation but all of these elements are forms of visual entertainment which have their own unique ability to transcend things like language barriers and cultural divides. The visual element is key because those details bridge the gap on a communicative level.’ - Manonmars

The album blends abstract, blurred braggadocio with more immediate personal details such as on ‘Volcanic Shield’ a posse cut of sorts featuring Bristol improv luminary Dali de Saint Paul and Franco Franco (½ of cyborg rap duo Kinlaw & Franco Franco) - where Mars recalls;

‘Memories of brighter days, happy meal hit the spot
Mum was spinning vinyl playing Super Ape or Pressure Drop
I would spend the weekend with the Turkish mandem on the block
single parent household, mum was studying or on the job
money came and went always was an on and off
made it back from school time to see what’s on the box’


The beat fades away to leave one of Korobkiewicz’s recordings of Mars’ mum talking about her life in London in the 80s, spending her money on reggae records as an ambient chord fades in like an echo of a jungle intro – stretching out as a link between generations of UK music.

The production by and large is brighter and more kinetic than earlier Manonmars records – with O$VMV$M drawing on everything from modern underground rap and drill through to jazz and acid ambient passages.

London is also a central character here, bustling and constantly shifting, either when bleeding in through field recordings, or as an ever-present backdrop in the lyrics;

‘I’m a fusion of Tippa Irie and Topper Harley
Hit the target like the black Atari
I dropped a tab now shit’s A Scanner Darkly
Got the munchies, Imma yam a sarnie
Pour the Wray and Ting like man at Carni
Exit Peckham Rye and turn left, walk past Hannah Barry
Get your (w)raps up like its January’

‘I've always considered London my home, despite spending some time in the South West of England too. My mum had been living in London for 25 years (...) That was a pretty big deal in some ways because it removed us from multicultural society during the period which overlapped with my teenage years. (...) I never got used to how quiet it was in the countryside (...) Bristol was the closest city to where we lived and it was through travelling there and making connections that I became involved in making music and playing gigs.’ - Manonmars

Mars’ practice as a painter (under his given name Jack Martyn Richardson) and photographer also loom heavy over the album, he cites Paul Verhoeven, Abdul Mati Klariwein and H.R Giger as influences – as well as Miles Davis, Drakeo the Ruler and DJ Rashad.

As with much of Richardson’s work the raps at times feel blurred to a point of almost inscrutability, creating a distance between the audience and himself. A process that ties into his visual work and the way he experiences the world as mainly abstract colour without his glasses. He explores this further in an ongoing visual collaboration with Korobkiewicz, ‘Fun and Games’ which serves as a visual archive of one of London's largest and oldest travelling fairgrounds.

‘I was diagnosed with very severe short-sightedness at the age of seven. I remember my early formative years as visually blurred. Some of my photography reflects this experience of partial vision and uncertainty, referencing memory and perception rather than fixed representation.’

Manonmars’ first public outing as a rapper was at a Young Echo radio event, broadcast shambolically from a practice room just off Jamaica street, Bristol in 2011, as much as things have moved on both stylistically and in terms of focus - strong links back to the city remain a key foundation throughout the collaborations and guest appearances.

‘I have no problem with being an outsider looking in. One of the things I enjoy about London is the anonymity (...) it's easy to be a stranger here when so much is happening. I feel like thats more valuable than people may realise.’

A Chicago soul legend meets the West Coast's most reliable modern funk architects on this red-hot 7". Doug Shorts' story stretches back to 1971 and his band Master Plan Inc., and his career has earned him releases on Daptone, Cherries and Jazzman as well as a reputation for songwriting and vocals that go straight to the heart. Here he joins Cosmic Slide for something that bridges generations like a boss. Both cuts are modern funk grooves laid down with craft, rooted in soul but with a new school swag. Shorts' deep, restrained voice remains as expressive and lived-in as ever over the duo's tight, ass-wiggling production. Pure vibes.

One Oh Eight returns with two Lowslung hip house joints. Side A sees a classic nomadic riddim revisited with a surprise bpm transition. The B side is a smoothed out west coast classic with those stepper - four to the floor beats.