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Eines wollen die Forth Wanderers vor der Veröffentlichung ihres dritten Albums "The Longer This Goes On" klarstellen: "Wir sind nicht zurück", sagt Gitarrist Ben Guterl mit Nachdruck. Das ist vielleicht eine unerwartete Aussage für das erste Album der Band seit ihrer Trennung vor sieben Jahren, aber die Band besteht darauf, dass es eine ehrliche Antwort ist - sie haben sich zusammengefunden, um die zehn kompliziert konstruierten Perlen aufzunehmen, die dieses neue Album ausmachen, und sie sind immer noch dabei herauszufinden, was es für sie bedeutet, in Forth Wanderers zu sein. Wenn man sich diese Songs anhört, von denen jeder einzelne ein glitzerndes Fest der eindringlichen und intuitiven Texte von Sängerin Ava Trilling und der natürlichen musikalischen Chemie der Band ist, hat man allerdings kaum das Gefühl, dass irgendetwas ungesagt bleibt. Das Album ist voller glänzender Melodien, klingender Gesangsharmonien und schlüpfriger, schräger Rhythmen und ist mehr als nur eine Rückkehr zur alten Form. Die Band scheut sich nicht, den Umweg über eine Hook zu gehen, indem sie instrumentale Schnörkel übereinander legt, um die leeren Stellen zu füllen, Raum für Trillings eindringliche Stimme zu schaffen oder ein Riff oder einen Text zu wiederholen, bis er zu einem Zen-Koan wird. Auf "The Longer This Goes On" klingen Forth Wanderers selbstbewusster und selbstsicherer als je zuvor. Man sollte es nur nicht als Comeback bezeichnen. Der Weg zu "The Longer This Goes On" begann im Sommer 2021 in einem Café in Brooklyn. Dort trafen sich Guterl und Trilling zum ersten Mal seit der Auflösung der Forth Wanderers im Jahr 2018. Die drei Jahre, die sie voneinander getrennt waren, hatten den Druck, den die Band während der Tourneen mit ihrer früheren Musik verspürte, teilweise abgebaut: "Wir fühlten uns alle frei, herumzualbern und Spaß zu haben", sagt Guterl. Die Wiedervereinigung mit dem Bassisten Noah Schifrin, dem Gitarristen Duke Greene und dem Schlagzeuger Zach Lorelli führte dazu, dass sich das Spielen so gut anfühlte, wie seit der Gründung der Band nicht mehr. "Es fühlte sich an, als wären wir wieder in der High School". Die Band hat die Art und Weise, wie sie bisher gearbeitet hat, neu definiert. "Dies ist das erste Mal, dass ein Großteil der Musik organisch entstanden ist", erklärt Schifrin. "Alle fünf von uns haben wirklich auf eine Art und Weise zum Schreibprozess beigetragen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben", fügte Guterl hinzu. Das daraus resultierende Album, das unter dem wachsamen Auge von Dan Howard produziert wurde, zeigt die Band so präsent und unbelastet, wie sie ihren Sound zum ersten Mal in Echtzeit geschaffen hat. Die Texte sind vollgepackt mit Bekenntnissen, die so breit gefächert sind, dass sich jeder, der sich in den Wirren einer unsicheren romantischen Vorhölle verirrt hat, verstanden fühlt, und doch so präzise geschrieben, dass sie eindeutig aus eigener Erfahrung stammen müssen. Das ist genau das, was Forth Wanderers sowohl so universell nachvollziehbar als auch so speziell macht. Auf "The Longer This Goes On" haben sie diese Fähigkeit, mit minimalistischen Texten und üppiger Instrumentierung an den starken Fäden der romantischen Langeweile zu ziehen, noch vertieft. Forth Wanderers sind sich nicht sicher, was als Nächstes kommt - sie wissen nicht, ob sie weiterhin neue Musik aufnehmen werden oder ob sie diese Songs jemals live aufführen werden. Diese Aufnahmen sind also zehn flüchtige, aber unschätzbare Eindrücke aus der Zeit, die sie als Band verbracht haben; das Wiederaufleben von Freundschaften zwischen Highschool-Kumpels, deren Träume sie ins Rampenlicht katapultiert haben, bevor sie alt genug waren, um Auto zu fahren; Songs, die die Ungewissheit der Zukunft ebenso einfangen wie ihre Musik ihr eigenes Selbstvertrauen in der Gegenwart zementiert. Auf "The Longer This Goes On" machen die Forth Wanderers Musik zu ihren eigenen Bedingungen.

Wiederveröffentlichung des zweiten Milkshakes-Albums als schwarze Vinyl-Stereo-LP! ,Vom eröffnenden Raspeln von ,SEVEN DAYS" bis zu den ausklingenden Tönen von ,WO' NOW" geht der rasende Beat weiter. Sogar die ruhigeren Tracks sind mit dem unverwechselbaren MILKSHAKES-Branding versehen, was darauf hindeutet, dass THE MILKSHAKES die unbestreitbaren Anführer des World Beat sind!", heißt es hier. Nach dem imaginären internationalen Erfolg ihres Debütalbums ,Talking Bout...", und der 45er Single "It's You" c/w ,Please Don't Tell My Baby" beschlossen die Milkshakes, das wenige Geld, das sie noch hatten, für einen weiteren Longplayer zu verschwenden. Das Ergebnis war das clever betitelte, wenn auch etwas prahlerisch klingende ,Fourteen Rhythm & Beat Greats". In der Tat, wenn man die Augen schließt und den Plattenspieler ausschaltet, könnten alle 14 - zähle sie (wenn du das nächste Mal deine Augen öffnest) - fein gearbeiteten Stücke auf dieser LP fast als ,großartig" bezeichnet werden, je nachdem, wo du musikalisch stehst. Mit Live-Favoriten wie ,Black Sails In The Moonlight" und ,Red Monkey" war der allgemeine Konsens, dass dies das bisher beste Werk von THE MILKSHAKES sei (fragt sie selbst). Das muss zum Teil stimmen, denn das renommierte Londoner Label Big Beat Records fand das Album gut genug, um es auf seinem eigenen renommierten Label Big Beat wiederzuveröffentlichen - und das gleich zweimal. Aber das war vor über 40 Jahren, also versucht bitte, eure Begeisterung zu zügeln und bildet eine geordnete Schlange... obwohl, je schneller sie ausverkauft ist, desto eher kann sie - wieder einmal - nachgepresst werden. Bassist Russ Wilkins erinnert sich an die Aufnahme der LP: ,Die Aufnahmen fanden in Herne Bay in Oakwoods zweitem Studio statt. Ich glaube, ich war gerade mit den Prisoners dort gewesen und hatte "Taste of Pink" aufgenommen. Ich benutzte meinen Framus Star Bass und fing gerade an, einen Fender-Bassverstärker zu benutzen, der mich im Studio im Stich ließ, also musste ich einen AC30 Top verwenden, der ziemlich verzerrt und nicht das war, was ich wollte, aber wir mussten damit arbeiten. Man kann es bei "No-one Else" hören, das bei den Proben großartig klang. "Can You Tell Me" war der Beginn des Strippings, bei dem wir versuchten, so minimal wie möglich zu sein, und ich schaffte es später, es auf nur zwei Noten zu reduzieren. Es gab natürlich auch die Wall City Version der Platte, die von Hansi Steinmetz in Berlin herausgebracht wurde - mit einem andersfarbigen Logo auf der Vorderseite. Da sind auch viel mehr Backing Vocals drauf. Ich denke, dafür muss ich etwas Verantwortung übernehmen. Es wurde eher wie die vorherigen Pop Rivets-Alben aufgenommen, indem wir uns alle zusammen in einem Raum aufstellten und live spielten, mit sehr wenigen Overdubs, abgesehen von dem einen oder anderen Solo. Wir haben noch ein weiteres in dieser Art gemacht und dann die Richtung geändert, als wir die sieben Alben an einem Tag oder was auch immer veröffentlichten." RUSS WIILKINS, MAI 2025

I Beat Loneliness markiert einen Meilenstein in der Geschichte von BUSH – das mittlerweile 10. Studioalbum der Band. Produziert von Gavin Rossdale und Erik Ron (Godsmack, Bad Omens), ist das Album eine kraftvolle Fusion aus den grunge-getriebenen Wurzeln der Band und modernem Sound. I Beat Loneliness ist eines der emotional eindringlichsten Alben der Band und behandelt Themen wie mentale Gesundheit, Isolation und innere Stärke – ein eindrucksvolles Zeugnis für eine Band, die sich stetig weiterentwickelt und dabei unbeirrt ihrer Identität treu bleibt. BUSH überleben nicht nur – sie sind so stärker denn je, überschreiten Grenzen und defi nieren neu. BUSH, die legendäre Band aus London, die mit ihrem bahnbrechenden Debüt Sixteen Stone (1994) den Rocksound der 90er prägte, ist bis heute eine prägende Größe in der Musikwelt. Mit über 24 Millionen verkauften Tonträgern, 1,1 Milliarden Streams und zahlreichen Nr. 1-Singles sind Gavin Rossdale (Gesang, Gitarre), Chris Traynor (Gitarre), Corey Britz (Bass) und Nik Hughes (Schlagzeug) nach wie vor eine treibende Kraft des Genres.

Though Scratch may have at times seemed crazy, it is worth noting that creative
genius appears so because geniuses see things others do not see and inhabit
realities unseen. As the music on this album reveals, Lee Perry's Black Ark creations
re-arrange the familiar into something new and magical.
Lee spent his early days working with legendary producers Coxsone Dodd, Duke Reid,
Joe Gibbs, Clancy Eccles and Prince Buster, and by 1968 he was an independent
producer, naming his studio musicians The Upsetters and scoring instrumental hits
with innovative rhythms that helped forge the new reggae style. In 1970-1971 he
produced what many consider the greatest works by the Wailers; in 1968 one of his
Upsetters productions hit #5 on the UK pop chart and more hits followed. That gave
him the funds to build his own studio and in 1973 the legendary Black Ark was born.
Among the many landmark classics cut at Black Ark are such incisive political
commentaries as Max Romeo's "War Ina Babylon," and Junior Murvin's "Police and
Thieves" (covered by the Clash). The Congos' "Heart of the Congos" album is a roots
classic and there are many wonderful obscure singles such as Carlton and the Shoes'
"Better Days." Many dub creations made innovative use of Scratch's sonic wizardry via
echo, phasing, reverb, fanging, wah-wah and various sound effects.
It all came to an end in 1978 as Lee, besieged by extortionists, freeloaders, religious
fanatics and assorted pilgrims, let the studio lapse. And then he set it on fre, some
say due to frustration, others say from mental collapse. He left Jamaica, collaborated
with musicians around the world, toured as a sort of mystic trickster/ shaman and
prospered. But his work at Black Ark will always stand as his ultimate creative
achievement.

Five years after their groundbreaking debut "Klucz" (hailed as the best Polish hip-hop album of 2004), the Warsaw-based crew Wilku, Bilon, and Żary returned with another hard-hitting project – "Droga", originally released on April 15, 2009.
Now, 16 years later, this cult classic is returning for the first time ever on vinyl – in a special collector’s edition!

"Droga" features a lineup of guest artists who, at the time, formed the backbone of the Polish hip-hop scene, including Peja, Lukasyno, Firma, Fandango Gang, Juras, Bas Tajpan, Ras Luta, Dixon 37, and Diil Gang.
The members of Hemp Gru explain the meaning behind the album title:
“The first album was the 'Key' that opened the door. Now, beyond that door, lies the Road – hence the title of the second album.”
The album earned Gold Record status – twice – and is now regarded as one of the foundational releases of Polish street hip-hop.
Vinyl Edition Includes:
• 2 vinyl records (vinyl mastering by DJ 600V) in a gatefold sleeve
• 1 fold-out double-sided poster (60 cm x 30 cm)
• 1 double-sided insert (30 cm x 30 cm)
• 2 exclusive instrumentals: Droga and W Hemp Armii
A must-have for fans and collectors of Polish hip-hop history.

Martin Scorsese ist einer der wichtigsten Filmregisseure der New-Hollywood-Ära. Dank Filmen wie »Taxi Driver« (1976), »Raging Bull« (1980), »The Wolf of Wallstreet« (1986), »Goodfellas« (1990), »Casino« (1995) und »The Irishman« (2019).

Außerdem erhielt Scorsese zahlreiche Auszeichnungen, darunter einen Academy Award, vier BAFTA Awards, drei Emmy Awards, einen Grammy Award und drei Golden Globe Awards. Hier sind Songs von Dean Martin, Frank Sinatra über Ella Fitzgerald, Dinah Washington, sowie Howlin Wolf und John Lee Hooker vertreten. Auf dem vorliegenden Soundtrack-Album sind somit 21 Stücke aus der Filmmusik der erfolgreichsten Scorseses Film-Meisterwerke enthalten.








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At this point the vast swathes of unreleased Muslimgauze material Bryn Jones left behind when he passed away over 25 years ago is as legendary as any of his work. And sure enough, there's still some being unearthed today. The new »Single #One« is the first in a series of four (three 7"s and one 12") taken from one of Jones' customary completely unlabelled DATs he sent to labels seemingly as fast as he finished them. Both sides here indicate that, even on what might have been throwaway efforts for other artists, Jones was constantly chasing his muse around new corners.

Side A begins with the kind of tough percussion loop often found on Muslimgauze releases, but even as foreboding synths start to swell in the background, Jones introduces a rhythmic, peppy little keyboard riff far jauntier than most things he created. Side B, meanwhile, takes Jones' looped hand percussion in a dubbier direction, but unlike other times he explored that space there are some elements (phased zaps, a slightly skanking rhythm) that, while not reggae exactly, makes this feel more like a traditional dub than Jones tended to make. Both sides stand in testament to a creator who never stayed in one place for very long.

Krautrock and EBM inspired post-industrial techno. Next-level electronic music made by one of The Hague's most original producers. Must have for fans of Unit Moebius Anonymous and Shitcluster.

A Study of Losses", das siebte Studioalbum von Beirut, ist eine Odyssee mit 18 Tracks. Das Projekt entstand im Frühjahr 2023, als Viktoria Dalborg, Direktorin des schwedischen Zirkus Kompani Giraff, Condon fragte, ob er Interesse hätte, die Musik für ihr nächstes Projekt zu liefern, eine Show, die auf einer Adaption eines Romans der deutschen Autorin Judith Schalansky basiert. Die Hauptthemen in Schalanskys Buch "Verzeichnis einiger Verluste" und in der Adaption für die Zirkusshow befassen sich mit dem Konzept des Verlusts und der Vergänglichkeit von allem, was uns bekannt ist: von ausgestorbenen Tierarten, verlorenen architektonischen und literarischen Schätzen bis hin zu abstrakteren Konzepten des Verlusts durch den Prozess des Alterns. "A Study of Losses" reist durch elf Songs und sieben erweiterte instrumentale Themen, die nach den Mondmeeren benannt und von der erschreckenden Geschichte eines Mannes inspiriert sind, der davon besessen ist, alle verlorenen Gedanken und Schöpfungen der Menschheit zu archivieren. Musikalisch jedoch taucht er wieder in Chorgesang, Renaissance und andere Stile ein, die seine frühe Arbeiten inspiriert haben, sowie in Variationen von Klängen und Ideen, die sich auf eine seiner Lieblingsplatten, "69 Love Songs" von The Magnetic Fields, beziehen. Mit einer Länge von fast einer Stunde ist es das bei weitem umfangreichste Album, das Beirut je gemacht hat, und es gehört fraglos zu Condons bisher schönsten Arbeiten. "A Study of Losses" ist das zweite neue Beirut-Album innerhalb von nur zwei Jahren und die Fortsetzung eines weiteren, charakteristisch produktiven Kapitels für Zach Condon. Nach einem halben Jahrzehnt, das er damit verbrachte, sich von hartnäckigen Halsproblemen und einem drohenden mentalen Zusammenbruch zu erholen - was ihn daran zweifeln ließ, ob er jemals wieder vor Publikum auftreten würde - folgt "A Study of Losses" auf "Hadsel", das "einen neuen Anfang für Beirut" markierte, lobte Pitchfork und nannte es "eine aus Verzweiflung und Einsamkeit geborene Platte, die sich dennoch voller Leben anfühlt". Während sich "Hadsel" um eine gewaltige, antike Kirchenorgel drehte, die Condon während eines dunklen arktischen Winters in Nordnorwegen entdeckte, wird "A Study of Losses" durch Streichquartette und Arrangements der Cellistin und "No No No"-Mitarbeiterin Clarice Jensen aufgehellt. Geschrieben und aufgenommen von Zach Condon in Berlin (DE) und Stokmarknes (NO), wobei die Wurzeln des Albums in Schweden und Deutschland liegen, erweitert "A Study of Losses" auch die weite Welt, die er durch die Musik von Beirut aufgebaut hat, seit er das Projekt als neugieriger und umherziehender 14-Jähriger begonnen hat. "Als ich zum ersten Mal angesprochen wurde, einen Soundtrack für einen Zirkus zu schreiben, kam zunächst ein gewisses Trauma der 'Elephant Gun'-Ära hoch", erklärt Condon, als er Ende 2024 ,Caspian Tiger' von "A Study of Losses" vorstellt. "Ich war jahrelang in eine Schublade gesteckt worden, in der ich ein skurriles Zirkuskind war, voller sepiafarbener Bilder von Groschenromanen und vielleicht Löwendompteuren mit Schnurrbärten. Es hätte nicht weiter davon entfernt sein können, wie ich mir die Musik vorstellte, die ich machte. Es ist also eine Ironie, dass ich das Projekt von Kompani Giraff so verlockend fand."

Berlin’s ZentaSkai continues his slew of limited-run 200-copy vinyl releases via his Mask Records this July, presenting the ‘JIMMY’ EP, and following up last year’s ‘Bob’ EP and two instalments from his Cuddling Monsters project with Laura Merino Allue.

Across the four tracks on ‘JIMMY’, ZentaSkai delves deep, placing mysterious, foreboding synths over crunchy taped drums and exploring a variety of tempos. Dub influences are rife, its elements echoing across carefully laid-out Techno grooves while minimal shifts subtly build the energy. With ‘JIMMY’, ZentaSkai once again offers a journey through sound already supported by Luke Slater, Blasha & Allatt, Truncate, Elisa Bee, and many more. ZentaSkai (aka No Mad Ronin, Matt Nowak, and MASK) is a German DJ and producer active since 1997. Based out of his studio in Berlin, ZentaSkai runs the Zaijenroots label and, since 2017, the Mask sub-label, which houses his stunning 2023 ‘Architecture of the Mind’ LP as well as his Cuddling Monsters alias - with other credits including a release on Jerome Sydenham’s Ibadan Records and support from the likes of Richie Hawtin, Joseph Capriati, Marcel Dettmann, Luke Slater, Laurant Garnier, DVS1, Ben Sims and Radio Slave.

Habibi Funk is more than happy to announce our 31st release which happens to be our 3rd various artists compilation. The album is dedicated to the cassette tape scene in Libya from the late 80s to early 2000s, from disco to reggae to pop. All songs previously unreleased outside of Libya and not available on any DSP platforms.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Born and raised in small Texas towns, the members of Good Looks met and began playing together in Austin. Songwriter Tyler Jordan grew up in a South Texas coastal town dominated by the petrochemical industry, his childhood steeped in the tension between nature and industry, exploitation abundantly present and the wealth gap on full display. His father's church, described by Tyler as "cult-like in its intensity," was homebase and where he learned to sing. Tyler eventually met lead guitarist Jake Ames in the late-night song-swap circles of the Kerrville Folk Festival campground (where they would also meet Buck Meek and Adrienne Lenker pre-Big Thief). They shared their mutual love of the Texas hill country canon (Blaze Foley, Townes Van Zandt, and Willie Nelson), a love of cheap diner food, thrift store baseball caps, and a healthy dose of harmless shit-talking. They began playing in bands together, backing up other songwriters and taking turns in the spotlight. They sought out producer Dan Duszynski (Loma, RF Shannon, Jess Williamson) to engineer their debut album. What would form was Good Looks, a blue-collar political indie-rock band with healthy doses of Replacements swagger and shimmering, desert rock riffs not unlike The War On Drugs.

20 Jahre - das letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-LegendeThose Once Loyal ist das siebte und letzte Studioalbum der britischen Death-Metal-Band Bolt Thrower. Ursprünglich 2005 veröffentlicht, zählt es bis heute zu den stärksten Werken der Band. Mit präzisem Songwriting, markanten Riffs und einer kompromisslosen Produktion verkörpert das Album alles, wofür Bolt Thrower bekannt sind: kraftvoller, schnörkelloser Death Metal mit Haltung.Die Texte behandeln Themen wie Loyalität, Erinnerung und die Auswirkungen von Krieg - ernst, reflektiert und ohne Klischees. Musikalisch bleibt die Band sich treu: midtempo-lastige Songs, eingängige Gitarrenarbeit und ein wuchtiger Sound, der auch nach zwei Jahrzehnten nichts an Wirkung verloren hat. Ein Album, das sich nicht nur an Fans der Band richtet, sondern auch an alle, die klassischen Death Metal mit Substanz schätzen.Jetzt erhältlich als 20th Anniversary Edition in der neuen Farbe Military Green.01. At First Light - 4:0202. Entrenched - 3:4203. The Killchain - 4:5704. Granite Wall - 3:4705. Those Once Loyal - 4:1706. Anti-Tank (Dead Armour) - 4:1507. Last Stand of Humanity - 3:2308. Salvo - 5:3209. When Cannons Fade - 5:44

Über Jahrzehnte hinweg erwarb sich George Harrison den Ruf eines der rätselhaftesten und kreativsten
Rock’n’Roll-Menschen. Wie bei jedem ehemaligen Beatle wurde Georges Loslösung von der Band durch
die anhaltende und manchmal obsessive Liebe der Welt zu den Beatles als eigenständiger Einheit gebremst.
Doch wie die Veröffentlichung seines epischen Albums „All Things Must Pass“ im Jahr 1970 zeigte, war
er ein Mann mit einer ganz eigenen Geschichte. Songs wie „My Sweet Lord“ und „What Is Life“ fanden
Eingang in eine umfangreiche Sammlung, die bis heute zu den großen Werken der Album-Ära zählt. Heute
erinnert man sich an George als jemanden, der seinen Leidenschaften bis zu bemerkenswerten Schlussfolgerungen folgte, als einen Mann der Widersprüche, dessen ungewöhnliche Balance aus spiritueller Hingabe,
trockenem Humor und echtem Mitgefühl das Leben vieler Menschen berührte.

Nach drei triumphalen, ausverkauften Konzerten im legendären Londoner Hammersmith Apollo im vergangenen Jahr haben die Teskey Brothers ihr neues Album „Live At The Hammersmith Apollo“ angekündigt –
es erscheint am Freitag, den 11. Juli, und ist ab sofort vorbestellbar. Das Live-Album ist eine umfassende
Erweiterung des umfangreichen und beliebten Katalogs der Band und enthält Songs aus ihrem dritten Album „The Winding Way“, das auf Platz 1 der ARIA-Charts landete, ein kraftvolles Cover von Otis Reddings
„Try A Little Tenderness“ (ab heute überall erhältlich) und erstmals auf Vinyl/CD einen ihrer frühen Hits,
„Forever You and Me“ (über 150 Millionen Streams).
„Live At The Hammersmith Apollo“ wird im Anschluss an ihren Auftritt im Londoner Alexandra Palace
vor über 10.000 Fans (dem bisher größten Auftritt) am Donnerstag, den 10. Juli 2025, veröffentlicht.
Ganz im Sinne der Liebe der Band zum Analogen wurde „Live At The Hammersmith Apollo“ vollständig
auf Band aufgenommen, genau wie Livealben von Bruce Springsteen (’75), David Bowie (Ziggy Stardust ’73) und zahllosen anderen im selben Raum aufgenommen worden wären. Der in London ansässige
Produzent/Toningenieur Declan Gaffney wurde mit der technischen Seite beauftragt, nachdem er zuvor
Livealben für U2 und die Rolling Stones produziert und gemischt hatte.

Random Colored Edition, Limitiert. Love A ist etwas Bemerkenswertes gelungen: Das, was ihr Debüt "Eigentlich" auszeichnet, haben sie sich bewahrt. Die volle Faust auf die Zwölf, diese unmittelbare und schnörkellose Konfrontation, das Getriebensein durch ein Leben, das mehr Fragen aufwirft als es Antworten anbietet, dem Scheitern immer näher als dem Gelingen. Stefans Gitarre, die ganz untypisch für Punk völlig unverzerrt daherkommt und Jörkks latente Hysterie über allem.

The Various label is back with a selection of 4 tracks from all over the globe.

Das Debütalbum von Leroi Conroy, das zu gleichen Teilen von der Sensibilität des goldenen Hip-Hop-Zeitalters und verlorenen Filmszenen aus den 60er und 70er Jahren geprägt ist, wiegt schwer und hat Jahre der Entwicklung hinter sich. Die ersten beiden Tracks des Albums wurden 2017 als 45er veröffentlicht und in den folgenden Jahren von DJ Premier, Raekwon, Ghostface Killah, Macklemore, Phantogram und vielen anderen gesampelt. Aber nach der Veröffentlichung verbrachte Terry Cole alias Leroi Conroy einen Großteil seiner Zeit damit, sein Indie-Soul-Label Colemine Records zu vergrößern und Platten für andere zu produzieren (Okonski, Parlor Greens, Wesley Bright, BlackMarket Brass, Kendra Morris, Rudy De Anda, Delvon Lamarr Organ Trio, Andrew Gabbard), anstatt seine eigenen zu machen. Jetzt, acht Jahre nachdem viele der Rhythmustracks auf dem bewährten Tascam 388 aufgenommen wurden, erscheint Leroi Conroys Debüt-LP, "A Tiger's Tale". Das Album ist als hypothetischer Soundtrack zu einer alternativen Erzählung von Rudyard Kiplings The Jungle Book konzipiert. Die Erzählung ist das Bestreben des Menschen, die Natur zu zähmen und sie seinem Willen zu unterwerfen... und die Antwort der Natur. Das Album ist eine Mischung aus triumphalen Instrumentalpartituren und absolut düsteren, dunklen und manchmal dissonanten Moodytracks. Das zugrundeliegende Element der Hip-Hop-Sample-Kultur ist durchweg offensichtlich, und es besteht kein Zweifel, dass viele dieser Tracks in den kommenden Jahren geflippt werden. Klanglich reiht sich die Platte nahtlos in die Reihe vieler anderer Colemine Instrumentalisten ein: dreckige Lo-Fi-Drums, schmetternde Bläser, Wah-Gitarre, Hammond-Orgel und jede Menge cineastische Einsprengsel wie Flöte, Nylongitarre und Vibraphon. Das Schlagzeug stammt von Coles langjährigem Mitarbeiter Rob Houk und ist das Rückgrat des Albums. Und mit einigen Beiträgen der Colemine-Künstler Kelly Finnigan und Jimmy James ist die Platte wirklich eine Familienangelegenheit. File Under: To Be Sampled.

Globally beloved Australian trio Sons Of The East have announced their highly anticipated second album, SONS, due out via MGM (Metropolitan Groove Merchants) The Sons Of The East -- Jack Rollins (vocals, guitar), Nic Johnston (vocals, keys) and Dan Wallage (guitar, banjo) -- originally hail from Sydney's Northern Beaches, but their unmistakable sound has carried them to every corner of the globe. Blending folk, blues, soul, and classic country, their music channels the raw vulnerability of Townes Van Zandt and Gram Parsons, combined with the soaring harmonies of Crosby, Stills & Nash and The Avett Brothers. Known for their deft songwriting and a palpable sense of joy that runs through every note, they've built a career on both timeless recordings and legendary live shows -- the kind that leave audiences singing along.

STAR CREATURE's TIM ZAWADA taps BRIAN ELLIS for another supreme collab giving us an incredible version of an all time spaced out Chicago boogie grail. He recreates the original with extreme accuracy in both the gear used & the feeling too. Another absolute boogie bomb!

'Black Samson, The Bastard Swordsman' ist das erste Wu-Tang-Album seit 11 Jahren, auf dem alle 9 lebenden Mitglieder vertreten sind: Method Man, Raekwon, Ghostface Killah, Cappadonna, U-God, Masta Killa, Inspectah Deck, GZA und RZA.

Produziert von Mathematics.

Ursprünglich in limitierter Auflage zum Record Store Day 2025 erschienen, ist die Platte nun erstmals überall im Handel erhältlich.

Wu-Tang ist die wohl ikonischste Hip-Hop-Gruppe der Welt. Das Wu-Tang-Logo ist nicht nur das bekannteste Logo in der generationenübergreifenden Hip-Hop-Welt, sondern die große Zahl ihrer eingefleischten Fans, die aktiv Tickets, Platten und Merchandise kaufen, macht das Logo in Bezug auf die Markenbekanntheit zu einer Marke auf Augenhöhe mit den Rolling Stones.

- LP: (Schwarzes 180g Vinyl, Single Pocket Gatefold mit bedruckten Innenhüllen)

Am 4. Juli 2025 erscheint das mit Spannung erwartete neue Album von VINTER, das Fans und Kritiker gleichermaßen in ihren Bann ziehen wird. Nach ihrem erfolgreichen Debütalbum "Seasons" entfaltet sich nun auf diesem Werk ein vielschichtiger, emotionaler Klangkosmos, der die faszinierende Entwicklung der Künstlerin dokumentiert. Produziert von Joshua Lange und co-produziert von VINTER selbst, verbindet das Album tiefgründige Texte mit einem abwechslungsreichen Sound, der von Alt Pop über Indie Folk bis hin zu eleganten Singer/Songwriter-Klängen reicht.

Mit ihrem markanten Signaturesound - einer Mischung aus organischen Instrumenten, modernen Beats und atmosphärischen Vintage-Vibes - gelingt es VINTER, in jeder Note Geschichten zu erzählen, die die Zuhörer:innen direkt ins Herz treffen. Ihre Texte, die mal melancholisch, mal unbeschwert leicht sind, spiegeln die Widersprüche und Kontraste wider, die VINTER so gekonnt in ihre Musik einfließen lässt. Ihre Stimme, die sowohl zart und verletzlich als auch kraftvoll sein kann, verstärkt die emotionale Tiefe ihrer Songs und macht jedes Stück zu einem einzigartigen Hörerlebnis. Jedes Lied auf diesem Album ist wie ein eigenständiges Kapitel aus einem unvollendeten Buch, das von zwischenmenschlichen Erfahrungen, introspektiven Momenten und poetischen Bildern handelt.

Zur Veröffentlichung des Albums wird VINTER mit einem exklusiven Record-Release-Konzert im Meistersaal der legendären Hansa Studios in Berlin die Bühne betreten - und das mit voller Band sowie einer beeindruckenden Streicherbegleitung. Ein unvergesslicher Abend für alle Musikfans. Tickets sind bald erhältlich.

After making their mark with their debut album, The Risen Dread returns with their highly anticipated second studio album. Produced, recorded, mixed, and mastered by Marco Mastrobuono at Bloom Studios in Guidonia, Rome, Italy. This new record showcases the band's evolution, delivering an even heavier, darker, and more intense sonic experience. While not a concept album, death looms large as the central theme, weaving through the lyrics with raw emotion and unsettling storytelling. From existential dread to violent ends, each track explores different facets of mortality, drawing the listener into a visceral journey through the inevitable. The music delivers heavy riffs, dynamic drumming, and a mix of intensity and melody, further refining the band's identity while pushing their sound forward.

36 and Past Inside The Present label head Zake return to their Stasis Sounds For Long Distance Space Travel project which is music designed not for the distracted world we inhabit, but for the still moments we so often neglect. Crafted with intention and restraint, it is a universe that suspends the listener in time across glacial soundscapes in which the duo conjures a sense of cosmic awe. Soft, slow-moving drones and textural washes drift like solar winds through the vacuum, suggesting the boundless calm of deep space. The production is rich, gentle with tonal shifts and barely-there harmonics that evoke both distance and intimacy, wonder and melancholy. It feels like music beamed in from the edges of the known universe. If you fancy a contemplative journey from the edge of Earth's thermosphere into the unknowable beyond, tune into Stasis Sounds on your best headphones.

“Recorded at BBC Broadcasting House and partially aired on BBC Radio 3’s Late Junction, the first studio encounter between London-based duo Exotic Sin and Swiss percussionist Julian Sartorius is now published in full on this album from Sagome.

Winding through six distinct and interconnected paths, the trio effortlessly create a shared language in this expansive improvised session.

Listening back two years later — the session was recorded on March 24, 2023 — it’s evident how they build at a relaxed pace, offering space for the listener to enter into their evolving sound. Anchored by piano, delicate wood, metal, and air instruments, a fluid system of interactions develops: repeating, deepening, but not fixating. The direction of travel is not cyclical or linear and the pace insists on forward confidently, avoiding the trap or comfort of recurring motifs.

Percussion is not a timekeeper, but a key element, introducing new textures that even on the final track Path 6, trace out a horizon that feels more like a blurred beginning than a definitive end.

In Session, Exotic Sin moves into a lighter, perhaps more playful language for improvisation than on their debut album Customer’s Copy. This could be influenced by Sartorius’ tactile approach to sonic materials or the more stripped-back nature of the improvised session, with less emphasis on synthesised and electric sounds. While the emotional imprint from their debut album—murkier and insistent—remains, it has been aired out to dry. In Session, their sound-world is broad and moves with levity.”

Andrea Zarza Canova – April 2025


Music by
Kenichi Iwasa (electric and acoustic percussion, trumpet, horns, thumb piano, effects).
Naima Nefertari (piano, Yamaha keyboard, flute, bells, percussion).
Julian Sartorius (drums, percussion).

Recorded and mixed live for Late Junction at BBC Broadcasting House, London, on the 24th of March 2023 by Joe Yon and John Boland.
Mastered by Giuseppe Ielasi.
Produced by Silvia Malnati at Reduced Listening for BBC Radio 3.
Extracts from the session were played on Late Junction on the 14th of April 2023.
Artwork by Josef William Back.
Graphic design by Nicola Tirabasso.

In den frühen 70er Jahren war Fernsehen ein wichtiges Mittel, um Musiker in den eigenen vier Wänden bekannt zu machen. Frank Zappa, der mit seiner Tournee-Lichtshow und seinem Bühnenaufbau voll ausgestattet war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern anzubieten. Genau wie bei den Dreharbeiten zu The Roxy Performances Monate zuvor gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial beiseite gelegt wurde. 50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Bearbeitungswerkzeugen für die Nachbearbeitung, präsentieren wir ”Cheaper Than Cheep”. Dieses neue 2-stündige Konzertprogramm bietet klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Audio- und Videoband-Mastern aus dem Archiv. Die offzielle Zappa-Veröffentlichung Nr. 130 erscheint in einer speziellen, limitierten Super Deluxe-Edition mit dem remasterten Konzertvideo und brandneuem Dolby Atmos, 5.1 Surround sowie Stereo-Mix auf einer Blu-ray, dem Stereo-Soundtrack auf 2 CDs und 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl, einem ausführlichen Booklet mit seltenen, bisher unveröffentlichten Bildern und Linernotes von Ruth Underwood und Joe Travers, alles in einem ausziehbaren Schuber verpackt. Weitere Formate sind eine komplette 2-CD + Blu-ray und ein eigenständiger Soundtrack auf 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl

In den frühen 70er Jahren war Fernsehen ein wichtiges Mittel, um Musiker in den eigenen vier Wänden bekannt zu machen. Frank Zappa, der mit seiner Tournee-Lichtshow und seinem Bühnenaufbau voll ausgestattet war, versuchte, Videomaterial für seine eigene Fernsehproduktion aufzunehmen, um es den großen Sendern anzubieten. Genau wie bei den Dreharbeiten zu The Roxy Performances Monate zuvor gab es technische Probleme, die letztendlich dazu führten, dass das Filmmaterial beiseite gelegt wurde. 50 Jahre später, mit den Fortschritten bei den Bearbeitungswerkzeugen für die Nachbearbeitung, präsentieren wir ”Cheaper Than Cheep”. Dieses neue 2-stündige Konzertprogramm bietet klassische Auftritte der Mothers-Besetzung von 1974, direkt von den neu restaurierten Original-Audio- und Videoband-Mastern aus dem Archiv. Die offzielle Zappa-Veröffentlichung Nr. 130 erscheint in einer speziellen, limitierten Super Deluxe-Edition mit dem remasterten Konzertvideo und brandneuem Dolby Atmos, 5.1 Surround sowie Stereo-Mix auf einer Blu-ray, dem Stereo-Soundtrack auf 2 CDs und 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl, einem ausführlichen Booklet mit seltenen, bisher unveröffentlichten Bildern und Linernotes von Ruth Underwood und Joe Travers, alles in einem ausziehbaren Schuber verpackt. Weitere Formate sind eine komplette 2-CD + Blu-ray und ein eigenständiger Soundtrack auf 3 LPs auf 180 Gramm schwarzem Vinyl

J Mahon lässt sich von Künstlern wie Sparklehorse und Daniel Johnston inspirieren und erschafft eine erbauliche und zugängliche "Chamber-Pop"-Klanglandschaft, die an Bands wie Spiritualized und Sigur Ros erinnert, während seine gefühlvolle Stimme und seine Lyrik an andere Koryphäen wie Jeff Buckley, Townes Van Zandt und Joanna Newsome erinnern.
2023 machte sich J Mahon daran, ein Album zu kreieren, das sich wie ein "echtes" Album anfühlt. Ein Album, das Erinnerungen an die Stunden weckt, die man als Teenager mit Kopfhörern im Bett verbracht hat, während man an die Decke starrte und sich Gedanken über die Zukunft machte.
"Begin Again, Again" wird begleitet von Callum Brown (Ulrika Spacek) am Schlagzeug, Victoria RH am Gesang, Geige und Bratsche von Clementine Brown (The Penguin Cafe), wobei alle anderen Instrumente und Streicherarrangements von Jarrod geschrieben und gespielt wurden. Co-produziert und gemischt mit Syd Kemp und gemastert von Jason Mitchell (PJ Harvey, XTC, Aldous Harding).

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

"Different Talking", das sechste und bisher beste Album der vierköpfigen New Yorker Indie-Rock-Band Frankie Cosmos, scheint über Zeit und Raum hinweg zu existieren, so wie wir alle es irgendwie tun. Es ist eine Sammlung von Fragmenten und Erinnerungen, erinnerten Orten und neu interpretierten Gefühlen, die sich zu einem leuchtenden, summenden Ganzen zusammenfügen: eine robuste, weltgewandte Indie-Rock-Platte über das Altern und den Lauf der Zeit, die es dennoch schafft, sich hochaktuell zu fühlen. Die Sängerin, Gitarristin und Songschreiberin von Frankie Cosmos, Greta Kline, gilt seit langem als eine der gewandtesten und notwendigsten Autorinnen zeitgenössischer Indie-Musik, doch auf "Different Talking" werden ihre Texte etwas weicher, und der schräge Zynismus, der die letzten Alben prägte, weicht nun einer Anerkennung der großartigen und notwendigen Fehlbarkeit des menschlichen Gehirns und Herzens. "Different Talking" als Rückkehr zur alten Form oder zumindest zur üppigen Direktheit früherer Frankie Cosmos-Platten zu bezeichnen, wäre unhöflich, aber auch völlig falsch: Wie "Different Talking" deutlich macht, kann man nie mehr zu der Bequemlichkeit und dem Mut seiner frühen Zwanziger zurückkehren, aber diese Person lebt irgendwie immer in einem, egal wie sehr man sich verändert. Bei Different Talking geht es darum, diese Person zu finden, sie zu ehren und von ihr zu lernen. "Ein großer Teil des Albums handelt davon, erwachsen zu werden und herauszufinden, wie man sich selbst erkennt - wie zum Beispiel: 'Was ist ein Weitermachen?'", sagt Kline. "Wie kommen wir weiter, wenn wir süchtig nach einem Kreislauf sind, der uns in unserer Vergangenheit verfolgt? Das Schreiben von Songs ist nur ein Weg, um das zu überwinden". Kline ist seit ihren späten Teenagerjahren ein fester Bestandteil des amerikanischen Indie-Undergrounds. Ihre zahlreichen Bandcamp-Veröffentlichungen und ihr Debüt bei dem Indie-Label Zentropy aus dem Jahr 2014 führten dazu, dass sie als "Poet laureate of New York City DIY" bezeichnet wurde. Ein solches Etikett ist eine Menge für junge Schultern, aber es ist schwer zu leugnen, dass sie einen einzigartigen Einfluss auf die zeitgenössische Popmusik hatte. Wenn die Vorstellung, dass eine junge Frau in ihrem Schlafzimmer einen Synthesizer in die Hand nimmt, ein paar Songs ins Internet stellt und schnell zum Superstar wird, heute gang und gäbe ist, dann liegt das daran, dass Kline und ihre Kolleginnen das (weibliche) DIY-Genie normalisiert und verherrlicht haben, lange bevor sie in den Marketingbüros der Major-Labels an die Pinnwände geheftet wurden. Seitdem hat sich viel verändert: Nachdem Frankie Cosmos in den letzten zehn Jahren eine Handvoll verschiedener Permutationen durchlaufen hat, besteht die Band heute aus vier Mitgliedern: Greta Kline, Alex Bailey, Katie Von Schleicher und Hugo Stanley. Kline ist die einzige Konstante, aber Stanley, Bailey und Von Schleicher sind wichtige Mitstreiter, und es wäre falsch, die Namen "Greta Kline" und "Frankie Cosmos" synonym zu verwenden. Kline ist nach wie vor die primäre Songschreiberin, und die Musik auf "Different Talking" wurde von der Band als Ganzes arrangiert, aber dies ist das erste Album, das von der Band selbst aufgenommen und selbst produziert wurde. Nicht zufällig fühlt es sich wie eine reinere, destilliertere Aufnahme an. "Es fühlt sich an wie die beste Version von dem, was ich machen wollte, seit ich ein Teenager war", sagt Kline. "Obwohl dies in einem Wohnzimmer aufgenommen wurde, ist es so originalgetreu wie alles, was wir im Studio gemacht haben."

Andy Jenkins neues Album Since Always entstand aus dem Loslassen von Selbstwahrnehmungen, Erwartungen und Annahmen. Jenkins fand Raum in sich selbst als Gitarrist seinen eigenen Songs zu vertrauen, und Produzent Nick Sanborn schlüpfte in eine neue Art von Produktionsrolle, indem er Ideen entwarf und filterte sie gemeinsam durch. Kurzum, es war ein sehr erwachsenes Vorgehen, zwei Fans, die zusammenarbeiten, um etwas zu schaffen; eine Platte, auf der der Verlust und die Liebe, der Kompromiss und der Gewinn des Erwachsenseins sichtbar werden. Beide waren in ihren jeweiligen, aber miteinander verflochtenen Musikszenen in Richmond und Durham, schon seit Jahren Fans voneinander, hatten aber nie offiziell zusammengearbeitet. Jenkins hatte ein paar Jahre damit verbracht, Songs für den Nachfolger seines 2018 erschienenen Debüts "Sweet Bunch" zu sammeln; die neuen Songs waren kunstvoll gestaltete Oden an die verschiedenen Zusicherungen und Ängste, die damit einhergehen können, ein gewisses Maß an Zufriedenheit zu finden, wenn man auf die 30 zugeht. Als Jenkins seine Stücke einspielte, hörte Sanborn zu und ließ seiner seiner Fantasie freien Lauf und überflutete Jenkins mit Ideen - Rhythmusverschiebungen, Keyboard-Verzierungen, Gesangseffekten. Es gab ein Doppel-Takt-Piano, einen Fehler in ,Too Late", den sie beide liebten. Da war die Vocoder-Auswahl während ,Emptiness Is", eine Wahl, die es dem Paar ermöglichte einen großen Teil des Songs allein mit Bass und Schlagzeug zu bestreiten. Da war die Sequenz, die unter ,Leaving Before" brodelt, ein Spiegel des lyrischen nervösen Herzens. Als Amelia Meath und Jenn Wasner von Flock of Dimes im Studio herumhingen im Studio herumhingen, fragte Sanborn, ob sie bei ein paar Stücken singen wollten. Das ist Meath bei ,Blue Mind", die Jenkins' Zeilen über den Zauber der Liebe singt, als würde sie eine Beschwörung anbieten, und Wasner erhebt sich durch die statische Morgendämmerung von ,Lovesick". ,Andy wollte jemanden, der Entscheidungen trifft, die er nie treffen würde", erinnert sich Sanborn. ,Es war diese Minenarbeit, die wir zusammen machen mussten." Als die Songs jedoch immer mehr zusammenwuchsen, bestand Jenkins darauf, dass es endlich an der Zeit war, seine Gitarren abzulegen. ,Ich war noch nie ein besonders kompetenter Gitarrist", sagt er jetzt mit einem kleinen Lachen, aber Sanborn liebte die eigenwillige Art und Weise, wie sich seine Gitarrenschläge mit seiner Stimme verbanden, also hielt er sie hin. Sie würden auf Jenkins' langjährigen Mitarbeiter, ein Ass namens Alan Parker, warten, der aus Richmond kommen und die Teile ersetzen sollte. Als Parker kam, hörte er dasselbe wie Sanborn - ja, er war technisch versierter, aber seine Overdubs hatten nicht dieselbe Persönlichkeit, nicht die gleiche erzählerische Wahrheit. Jenkins lenkte ein, und so blieben seine Gitarren und verankern das Album.

Mit "But remember what you have had" setzt Stephen O'Malley seinen musikalischen Ansatz fort und erweitert ihn auf multiphonisches elektroakustisches Schreiben und akusmatisches Hören. Stephen O'Malley schöpft nicht nur aus seiner umfangreichen Erfahrung als Komponist und Live-Instrumentalist, sondern auch aus den zahllosen Studioproduktions- und Mixing-Sessions, an denen er im Laufe seiner vielen Projekte (solo, mit SUNN O))) oder KTL, um nur einige zu nennen) teilgenommen hat. Die Arbeit von Stephen O'Malley an diesem neuen Stück ist ehrgeizig, eine inspirierte Forschung, die sich mit den tiefen Verwicklungen zwischen Polyphonie, Intonation und Timbralität beschäftigt, die durch melodische Motive verstärkt werden. Dazu beschwört O'Malley sein ganz persönliches Klanguniversum herauf, das sich aus verstärkten Texturen, instrumentalen Dauertönen und roher Energie zusammensetzt, um sie in Wellenfronten, Wellen und Schlägen zu brechen, die eine komplexe, reiche und faszinierende Materie weben. "But remember what you have had" ragt als wichtiges Werk in Stephen O'Malleys Repertoire heraus: Es vereint die Vielfalt seines musikalischen Ansatzes auf beispielhafte Weise und legt gleichzeitig die Grundlagen und Versprechen für die Zukunft einer bereits außergewöhnlichen Reise.

Als die selbstveröffentlichte und mit dem Bandnamen betitelte "Domkraft" EP im Jahr 2015 erschien, war sie für viele das erste Lebenszeichen der Schweden. Dass die 250 Originalexemplare schnell ausverkauft waren, zeugt von der großen Anziehungskraft des psychedelischen Doom-Kosmos mit seinen Fuzz-Riffs, den DOMKRAFT von Anfang an zu schaffen begannen. Dieser ist im Verlauf der letzten zehn Jahre mit vier Alben, zwei EPs und einer Live-Platte beständig weiter gewachsen. Obwohl DOMKRAFT mit jeder neuen Veröffentlichung ihrem musikalischen Kurs treu geblieben sind, hat sich das nordische Trio gleichzeitig konstant weiterentwickelt. DOMKRAFT sind hörbar gereift und haben ihr Songwriting auf allen Ebenen verfeinert. Dies macht ihr aktuelles Album "Sonic Moons" (2023) mehr als deutlich. Ihr Markenzeichen, die wuchtigen Doom-Hymnen, stehen noch immer im Vordergrund, jedoch sind eine leichte Verschiebung in Richtung Heavy Rock sowie zahlreiche kleine Verbesserungen und neue Nuancen hinzugekommen. Als schönes Jubiläumsgeschenk für ihre treue Fangemeinde legen DOMKRAFT endlich ihre gesuchte Debüt-EP neu auf, die obendrein mit zwei neuen Songs liebevoll zu einem kompletten Album aufgewertet wurde.

1974 veröffentlichte die Band 'Phaedra' ihr erstes Album für Virgin, und spielte in der Coventry Cathedral ein fulminantes Konzert. Knapp 50 Jahre später kehrte die aktuelle Besetzung der Band an gleiche Stätte zurück, um eine bewegende Karriere-Rückschau in Bild und Ton festzuhalten. Die 20 Tracks (auf dem 3LP-Set ohne die ‘Introduction‘) enthalten zahlreiche Highlights, inkl. "Stratosfear", "Phaedra", "Ricochet", "Raum", "Choronzon" u.v.a..

Die Globale Girl Group KATSEYE veröffentlicht am 27. Juni 2025 ihre EP „BEAUTIFUL CHAOS“, welche ab sofort als CD und Vinyl erworben werden kann. Mit millionenfachen Streams sowie viralen Performances auf Social Media, zählt KATSEYE zu einer der spannendsten Girl Groups die nationale, kulturelle und künstlerische Grenzen überschreitet. Seit der Entstehung durch die in Zusammenarbeit mit HYBE und Greffen Records, begeistert die sechsköpfige Gruppe mit einem unverwechselbaren Sound aus Pop- und K-Pop Einflüssen und kombiniert starke Vocals, aussagekräftige Performances und einer klaren visuellen Identität. Mit ihren ersten Singles „Debut“ (2024), die vom Rolling Stone als einer der „Songs You Need to know“ gelistet wurde und „Touch“ (2024), die auf der Billboard-Liste der Top Songs 2024 landete, erzielte KATSEYE internationale Aufmerksamkeit. Heute hat die Gruppe eine wachsende Fanbase, die über verschiedene Kontinente hinweg aktiv ist. Das neue Album knüpft an der vorherigen EP „SSI (Soft is Strong)“ (2024) und läutet eine neue Ära ein, die sich musikalisch stark von den früheren Projekten unterscheidet.

This is an album made during a crucial period in South Africa’s history during which there was a palpable feeling of a slow turning towards the collapse of the apartheid state side by side with an increasingly well-organised culture of resistance through the formation of the United Democratic Front (UDF) and various affiliated bodies. However, as a result, there was increased pushback from the state security establishment, a turning to dirty tricks and the formation of hit squads whose members murdered and tortured many of our friends and created chaos throughout South Africa as well as neighbouring countries.

This album is situated in this political environment however it took advantage of the new do-it-yourself music technologies available at that time. Technologies that made it possible to make and release records without interference from traditional record company executives. Two musician friends of mine pooled their resources after their respective bands had broken up. Ivan Kadey (National Wake) and Lloyd Ross (Radio Rats) built an 8-track recording studio control room and fitted it out in a second hand caravan and called it Shifty. They parked it in a garage attached to the only house left in a demolished and derelict mining village near Soweto on the outskirts of Johannesburg.
All the work on this album was completed there, mainly after hours and mostly alone where I enjoyed an exhilarating freedom to develop a whole new set of musical skills and ideas, incorporating my love of a wide range of music I’d grown up with. Influences of 1970s progressive/kraut/and psychedelic rock combined with mbaqanga bass styles, early reggae/dub and Indian tabla rhythms. Stockhausen, early Zappa and Holgar Czukay were radio text and shredding influences, and Chris Cutler’s band Henry Cow & Art Bears helped me see a way to political expression. Mostly though was the exciting post-punk and no-wave music coming through to us from Europe and America: bands like This Heat, the Mekons, Raincoats, Sonic Youth and Pere Ubu were immensely important to me as was my reading from the period: J.M.Coetzee’s first 3 novels are strong influences on Free State Fence; the stark landscape, superstition, ritual, and sexual repression are in many of his settings. JG Ballard was a constant presence throughout that period, especially whilst living in such a surreal environment, surrounded by mine dumps, but mostly I think the whole French post-modern philosophical movement—Derrida, Foucault and of course, Baudrillard’s Simulacra and Simulation—set out a new sense of possibilities, possible ways to express oneself, ways to think, and ways to try and analyse the political intersection of public and private life. Most important at that time was the influence of sound recordings I had made and experiences garnered from working as a sound recordist on documentary films. These financed my work and later the studio and were consistent employment throughout the 1980s. Film work also enabled me to experience much of South Africa that was hidden from most. The track Independence Day is a good example; drawn from some time spent in the rural homeland of Venda. This then was the first full length Kalahari Surfers album, completed in summer of 1984 it was taken to EMI pressing plant but rejected by the cutting engineer as being ""political, pornographic and anti religious"". Chris Cutler at Recommended Records took up the challenge and released the album through his label. He wrote the original liner note

From the moment she began writing her new album, Japanese Breakfast’s Michelle Zauner knew that she wanted to call it Jubilee. After all, a jubilee is a celebration of the passage of time—a festival to usher in the hope of a new era in brilliant technicolor. Zauner’s first two albums garnered acclaim for the way they grappled with anguish; Psychopomp was written as her mother underwent cancer treatment, while Soft Sounds From Another Planet took the grief she held from her mother‘s death and used it as a conduit to explore the cosmos. Now, at the start of a new decade, Japanese Breakfast is ready to fight for happiness, an all-too-scarce resource in our seemingly crumbling world.


Jubilee finds Michelle Zauner embracing ambition and, with it, her boldest ideas and songs yet. Inspired by records like Bjork’s Homogenic, Zauner delivers bigness throughout - big ideas, big textures, colours, sounds and feelings. At a time when virtually everything feels extreme, Jubilee sets its sights on maximal joy, imagination, and exhilaration. It is, in Michelle Zauner’s words, “a record about fighting to feel. I wanted to re-experience the pure, unadulterated joy of creation...The songs are about recalling the optimism of youth and applying it to adulthood. They’re about making difficult choices, fighting ignominious impulses and honouring commitments, confronting the constant struggle we have with ourselves to be better people.”

Throughout Jubilee, Zauner pours her own life into the universe of each song to tell real stories, and allowing those universes, in turn, to fill in the details. Joy, change, evolution - these things take real time, and real effort. And Japanese Breakfast is here for it.