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Courant Zéro is the new moniker of Montréal multi-media installation artist and Kohlenstoff label co-founder Maxime Corbeil-Perron, signalling his return to purely recording-based electronic music production following several years focused on award-winning experimental film and audio-visual works. Solari channels his cinematic sensibility and decade-long exploration of sound art and electroacoustic counterpoint into deep cuts of maximalist ambient electronica. Drawing on his early background as a pianist and jazz drummer, Corbeil-Perron weaves a fabric of melodic and rhythmic vectors with his unique timbral palette, intersecting modern composition, IDM, ambient, glitch, and noise on a debut album brimming with sonic detail and emotive resonance. A fixture of Montréal's sound art community as both creator and curator since the early 2010s, Corbeil-Perron's work has ranged from "hypnotic A/V onslaught" (FACT Magazine) to the "richly nuanced acousmatic journey" of his 2018 EP Polychrome (Bandcamp Best Contemporary Classical Of The Month), with earlier electronic and techno-adjacent projects like Political Ritual, Dresden, and Le poisson d'argent garnering accolades from avant-music outlets A Closer Listen, Silence and Sound, and Musicworks, among others. Courant Zéro mobilizes this cumulative wealth of explorative sonic experience in the service of distinctive compositional architectures and electronic music pathways that fans of Floating Points, Jan Jelinek, Squarepusher, Tim Hecker, and Oneohtrix Point Never should find compelling. Title track "Solari" opens the album with a cavernous ambient glitch-drone soundscape that envelops ever-shifting timbres of modular arpeggiation, serving as introduction to the clarion call of "En deçà du réel", an homage to video artist Manon Labrecque, where layers of interweaving melodic counterpoint played on Buchla and other synths slowly build to widescreen immersive intensities; "I have this vision of Labreque vibrating eternally between two frames of magnetic VHS tape_ the slow pace of the piece also inspired by Tarkovsky's approach to scenography" says Corbeil-Perron. "Strange Aorta" is ectoplasmic ambient with wistful melody lines transmuting along a central filament, awash in shifting waves of low-end and ricocheting tonal glitch, the title a reference to "the thumping rhythm beating around the main melody_and the heavy remnants of grief related to my father's passing and a brutal confrontation with my own mortality a few years back." Tracks like "La peau des dents" and "Eroding Us" are more firmly rooted in electroacoustic and aleatory systems music, where colliding loops are shaped into unstable flows of deconstructed slippage and reconvergence. Those two pieces bookend the album's pivotal center: the gorgeous piano digitalia of "Horizon n'arrête" and the skittering electronica of 9-minute opus "Unyeldd", its loping broken beat and cascading melodic glitter like a cluster of wind-up music boxes in a dappled forest _ and for Corbeil- Perron also partly inspired by now fellow Constellation labelmates Do Make Say Think: "I spent a lot of time rediscovering their records after seeing them last September 2024 which definitely influenced this piece." Courant Zéro's debut is a vibrant sonic rebus at the junction of electronic, electroacoustic, noise and ambient music that resists easy categorisation. Solari strikes a compelling balance of unsettled disorientation and hospitable warmth, teeming with real feeling throughout. The album's cover art painting Cryptography I by Yen-Chao Lin represents this prevailing sensibility, its mazelike circuitry distinctly carved and crisply rendered, while filigreed with handmade detail and artisanal patina. Thanks for listening.

Das wurde aber auch Zeit!
Wo andere Künstler es mit Best-of-Alben fast inflationär übertreiben, hielt sich Purple Schulz lange zurück.
Seine legendäre erste Kollektion „Die Singles ’84–’92“ wurde schon 1995 mit Gold geehrt und hat sich inzwischen fast eine halbe Million Mal verkauft. Auch danach folgten weitere erfolgreiche Singles, neun
vielseitige Alben und jährliche ausgedehnte Tourneen mit bisher über 2.000 Konzerten – nur eine neue
Werkschau fehlt seit 33 Jahren.
Selten kann man von einer Veröffentlichung also zu Recht sagen: Dieses Album ist lange überfällig!
Der 70. Geburtstag von Purple Schulz bietet nun endlich den passenden Anlass, dieses besondere Projekt
umzusetzen.
„Ich hab‘ nicht ewig Zeit!“ ist mehr als eine einfache Sammlung von Radiohits. Die Veröffentlichung
erscheint als umfangreiche 3CD-Edition sowie als exklusiv für Vinyl kuratierte, streng auf 1.000 Exemplare
limitierte 2LP-Ausgabe. Beide Formate bilden alle Schaffensphasen von den Anfängen bis heute ab und
enthalten von Purple Schulz persönlich ausgewählte Stücke, die er selbst als besonders wesentlich empfindet.
Die 3CD-Edition versammelt 57 Songs aus fünf Dekaden: die großen Hits sind lückenlos vertreten, ergänzt
um Songs aus fast jedem seiner 16 Alben, die musikalisch und erzählerisch noch tiefer gehen als die großen
Singles. Im letzten Drittel finden sich zudem mehr als ein Dutzend Titel, die noch nie auf einem Album von
Purple Schulz erschienen sind – darunter Live-Mitschnitte, Tributes, Soundtrack-Beiträge und „Heartsick“,
die englische Version seiner ikonischen Gold-Single „Sehnsucht“.
Für Vinyl-Liebhaber und Sammler ist die 2LP-Edition eine echte Besonderheit: 21 ausgewählte Stücke,
darunter zeitlose Klassiker, ausgewählte Live-Mitschnitte und erstmals auch neuere Songs auf zwei hochwertigen Schallplatten in passendem Lila. Ein unverzichtbares Sammlerstück für jede gut sortierte Musiksammlung.

Albert Bouchard is best known as one of the founding members of Blue Öyster Cult. The original band sold millions of albums for Columbia Records with such
classic songs as “Don’t Fear the Reaper” and the #1 hit on the Billboard Mainstream Rock chart “Burning For You”. As a songwriter, he wrote many BÖC songs including the very popular “Astronomy” (which was covered by Metallica on their 1998’s release Garage Inc) and the live staple “Cities on Flame with Rock and Roll”, which he also sang lead vocals.

Albert’s famous cowbell on “(Don’t Fear) The Reaper” was the basis of the popular SNL skit with Will Ferrell and Christopher Walken, which has gained over 32 million views and spawned the phrase “More Cowbell”. Imaginos IV–Rhyme Of The Starclock sees Albert continuing the story of Imaginos, a concept album about an alien conspiracy that is brought to fruition during the late 19th and early 20th century through the actions of Imaginos, an agent of evil. The album weaves scripts and poems by the late Sandy Pearlman. This is the follow up to the initial Trilogy and goes back to a young Imaginos. It features guests Blue Coupe, Ross The Boss (Dictators), Joe Cerisano (Silver Condor, TSO), and many others. The first single “Four Winds Bar” is due out July 31st, with the follow up single “Germany Minus Zero” coming on August 28th.

Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.

Over the years, Faust has become many things, distinct as fingers, yet united as the hand that forms the fist. This series of new LPs on Bureau B sees each living member of the legendary 1971-1974 line up present their own interpretation of the Faustian myth, working alone or with collaborators to create new material that reflects their contemporary vision of what Faust can be.

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Knock Off präsentieren ihr siebtes Album "Pain Or Madness" _ ein Album, das nicht nur für die Band selbst in diesen Zeiten wichtig ist. Die Welt ist völlig verrückt und es scheint, als habe die Menschheit vergessen, wie man Konflikte löst, miteinander spricht und den Kreislauf der Selbstzerstörung stoppt. Und wenn die Schläge im persönlichen Umfeld näherkommen und das Schicksal zuschlägt, kann man schnell den Boden unter den Füßen verlieren. Wut, Hass, Aggression zusammen mit Depression, Lustlosigkeit, oder halt "Pain or Madness". Auf dieser Grundlage entstand Knock Offs siebtes Album. Punkrock war schon immer am stärksten, wenn die Zeiten düster sind, und dieses Album ist einfach eine musikalische Therapie und Offensive gegen alles was Dich zerstört. Knock Off spielen immer noch klassischen UK Oi! und Punkrock und haben ihren eigenen Stil über die Jahre perfektioniert, sorgen dabei aber stets aufs Neue für Überraschungen. Mit jeder verdammten Note spürt man, dass die Songs direkt aus dem Herzen kommen! Ein Schlag ins Gesicht, ohne Rücksicht auf Empfindlichkeiten, in Songs wie "Go Fuck yourself". Dieses Gefühl, wenn Hilflosigkeit in "Violence" umzuschlagen droht. Kein Diskutieren oder Erklären über Punk, denn "My Punk!" (is whatever I choose). Wenn die Jungs auf die '70s football youth' oder 'Good Times' zurückblicken, sind keine weiteren Erklärungen nötig, das ist und war deren Leben, hier gibt es nicht zu romantisieren. Selbst heutzutage kann man noch seinen Ärger rauslassen, und Knock Off tun das perfekt mit Songs wie "Anger is an energy" oder der dreckigen kleinen Selbstironie-Hymne "Middle age rage". "Pain or Madness" enthält ein Dutzend neuer Songs: Energiegeladene Punkrock-Hymnen mit großartigen sing-along Refrains und aggressiven Shoutings. Solch ein Album nach sieben Platten rauszubringen, ist ein auf keinen Fall zu verpassendes Statement! Zwei unterschiedlich mehrfarbige Vinyl-LP-Versionen erhältlich

Die zweifache BRIT Award Gewinnerin Becky Hill wird am 25. September ihr mit Spannung erwartetes
drittes Album „REBECCA“ veröffentlichen.
„REBECCA“ wurde während einer Phase intensiver persönlicher und künstlerischer Reflexion geschrieben
und zeigt Becky dabei, wie sie sich mit Ehrgeiz, Identität, Sichtbarkeit und den Widersprüchen ihres Lebens
auseinandersetzt. Dies geschieht aus einer Haltung größerer Offenheit und kreativer Freiheit heraus. Im
Verlauf des Albums untersucht sie mit Klarheit, Humor und schonungsloser Ehrlichkeit die Spannung zwischen Verlangen und Selbstschutz. Das Ergebnis ist ihr bislang mutigstes und emotional aufgeladenstes
Werk.
Von Becky als „kuratiertes Chaos“ beschrieben, markiert „REBECCA“ außerdem eine bedeutende Weiterentwicklung ihres Sounds. Das Album zeigt, wie sie sich wieder mit den vielfältigen Einflüssen verbindet, die
ihre frühe musikalische Identität geprägt haben, und dabei Inspiration aus Gitarrenmusik ebenso aufgreift
wie aus den Dance und Drum & Bass Grundlagen, die ihre Karriere definiert haben. „REBECCA“ verbindet
diesen Zusammenprall unterschiedlicher musikalischer Welten mit kraftvoller Electro Produktion, alternativen Einflüssen und euphorischen elektronischen Sounds zu einem Album, das sich zugleich weitläufig und
unvorhersehbar anfühlt.

Picture Disc: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren Weg in
die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an ehrlichen
und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard, Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado [Bass] – bleibt
dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu. Das Album
erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie „The Divine
Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer brandneuen Picture Disc mit
dem Cover-Artwork zurück.
Standard White LP: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren
Weg in die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an
ehrlichen und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes [Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard], Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado
[Bass] – bleibt dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu.
Das Album erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie
„The Divine Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer Neuauflage der weißen LP zurück.

Picture Disc: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren Weg in
die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an ehrlichen
und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard, Mike Fuentes Schlagzeug, Percussion, Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado [Bass] – bleibt
dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu. Das Album
erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie „The Divine
Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer brandneuen Picture Disc mit
dem Cover-Artwork zurück.
Standard White LP: Seit 2006 haben sich Pierce The Veil auf unaufdringliche, aber beständige Weise ihren
Weg in die Herzen von Millionen Menschen weltweit gebahnt – dank ihrer unerschütterlichen Hingabe an
ehrlichen und mitreißenden Hardrock. Das Quartett aus San Diego – Vic Fuentes [Gesang, Rhythmusgitarre, Keyboard], Mike Fuentes [Schlagzeug, Percussion], Tony Perry [Sologitarre] und Jaime Preciado
[Bass] – bleibt dieser Tradition auch auf ihrem vierten Studioalbum „Misadventures“ wieder einmal treu.
Das Album erschien 2016 bei Fearless Records, erreichte Platz 4 der Billboard 200 und enthielt Hits wie
„The Divine Zero“ und „Texas Is Forever“.
Anlässlich des 10-jährigen Jubiläums kehrt das Kultalbum nun mit einer Neuauflage der weißen LP zurück.

Soulful, future-leaning house & hip hop distilled into wax form. Standout cuts by AKA ZEB & LIL DAVE 215, with appearances from J-LIVE, BLU and BLOOMY MEADOWS, bridging the gap between classic andy with contemporary with warmth and depth. Support from CRACKAZAT

,Our Final Album - Vol. 1" ist das vierte Album von Glenn Morrow's Cry For Help und zeigt die Band aus Hoboken, New Jersey, auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität. Obwohl der Titel einen Abschied suggeriert, präsentiert das Album eine lebendige und vielseitige Sammlung von elf neuen Songs, die von klassischem Gitarrenrock über gefühlvolle Balladen bis hin zu Bossa-Nova- und Soul-Einflüssen reichen. Angeführt wird die Band von Glenn Morrow, einer Schlüsselfigur der unabhängigen US-Musikszene, der als Musiker, Journalist und langjähriger Betreiber des Indie-Labels Bar/None Records bekannt wurde. Gemeinsam mit Bassist Mike Rosenberg, Gitarrist Ric Sherman und Schlagzeuger Ron Metz greift Morrow auf jahrzehntelange Erfahrung in der traditionsreichen Hoboken-Musikszene zurück. Aufgenommen wurde das Album erneut im Magic Door Studio von Produzent Ray Ketchem, der besonders das Gespür der Band für eingängige Melodien und starkes Songwriting hervorhebt. Unterstützung erhält die Band diesmal vom renommierten Keyboarder Andrew Burton, dessen Beiträge den Songs zusätzliche Tiefe und Klangfarben verleihen. Musikalisch verbindet ,Our Final Album - Vol. 1" kraftvolle Rocksongs wie ,That's That", ,Beatle Bones" und ,Into Something New" mit nachdenklicheren Momenten wie ,Stop Your Crying", dem Bossa-Stück ,Boom Boom" oder dem souligen ,Let's Stay In Bed". Dabei ziehen sich Glenn Morrows persönliche Geschichten, Lebenserfahrungen und eine leichte Melancholie durch das gesamte Album. Das Ergebnis ist ein abwechslungsreiches, warmes und zeitloses Rockalbum, das die Stärke einer Band zeigt, die auch nach vielen Jahren nichts von ihrer Leidenschaft verloren hat.

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

Als Dublins Gurriers 2024 ihr Debütalbum Come And See veröffentlichten, bewiesen sie eindrucksvoll, dass sie eine der drängendsten und unüberhörbaren neuen Stimmen der boomenden irischen Punk-Szene sind. Seitdem haben sie sich mit knochenerschütternden, moshpit-tauglichen Live-Shows einen stetig wachsenden Ruf erarbeitet. Come And See stellte dabei auch ihre lyrische Stärke und ihren neugierigen, gesellschaftskritischen Blick in den Vordergrund – mit Songs über digitale Verlorenheit und die ganz realen Schrecken der modernen Welt.
Das grandiose zweite Album des Quintetts heißt Nobody's Coming To Save You – könnte aber ebenso gut den Untertitel „härter, besser, schneller, stärker" tragen. Es wird am 25. September auf Play It Again Sam veröffentlicht.

Aufgenommen in Donegals Attica Studios und den Holy Mountain Studios in London, produziert von Mark Bowen (Idles) und Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter), engineered von Chris Fullard (Idles, Sunn O)))) und gemixt vom weltbekannten John Congleton (St. Vincent, Modest Mouse, Swans) – allein das Team, das sich für LP2 zusammengefunden hat, spricht Bände. Gurriers nehmen alles, was sie von Anfang an großartig gemacht hat – die musikalische Chemie, den klugen, analytischen Blick auf die Welt – und schrauben es konsequent auf das nächste Level.

Von der vibrierenden Spannung der ersten Takte des Titeltracks, die sich in einem kakophonischen, kathartischen Finale entlädt, bis zum Ende: Nobody's Coming To Save You überführt den Geist des schwitzenden Kellerclubs in Stadiondimensionen. Das Album ist nicht nur laut – es ist dynamisch. „Shades" schickt industrielle, kantige Gitarrensplitter in einen brachial-rohen Hardcore-Chorus; „Drones" ist ein druckvolles, langsames Aufbäumen mit einem Drop, der jeden Moshpit zum Kollabieren bringt. „Pins" zeigt eine lässigere, melodischere Seite – irgendwo zwischen Grunge und Trip-Hop –, während „Party Lines" pure, unersättliche Dance-Punk-Ekstase ist. Wer sich fragt, ob die Band ihr Ziel erreicht hat, das Album „wie eine Ohrfeige" wirken zu lassen: Ja, die sitzt.

Mit Nobody's Coming To Save You haben Gurriers ihre Ambitionen in neue Höhen getrieben – und liefern dabei auf ganzer Linie.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

,fantastische Songs" - The Sunday Times ,hypnotisch und eingängig" - Brooklyn Vegan ,7ebra sind auf lange Sicht dabei" - So Young Magazine Es gibt keinen Fahrplan für die Mitte bis Ende der Zwanziger, und auf ,How to Land a Plane" verwandeln die schwedischen Zwillingsschwestern Inez und Ella Johansson von 7ebra diese Ungewissheit in ihr bisher fesselndstes Werk. Das zweite Album des Duos aus Malmö erkundet die Unsicherheiten, Frustrationen und stillen Absurditäten des frühen Erwachsenenalters durch ihr bisher direktestes und weitreichendstes Songwriting. Aufbauend auf dem eindringlichen Minimalismus ihres gefeierten Debüts ,Bird Hour" aus dem Jahr 2023 verbindet das neue Album mitreißende Hooks, summende Synthesizer und treibende Rhythmen mit scharfsinnigen Beobachtungen über Identität, Arbeit, Beziehungen und den Druck, in einer zunehmend unwirtlichen Welt seinen Weg im Leben zu finden. Geschrieben im Anschluss an ausgedehnte internationale Tourneen und gemeinsam mit Produzent Jens Lindgård gestaltet, fängt ,How to Land a Plane" eine Band ein, die in ihr Selbstbewusstsein hineinwächst, ohne dabei die Verletzlichkeit zu verlieren, die sie ursprünglich auszeichnete. In Songs, die dunklen Humor, Selbstreflexion und spätkapitalistische Ängste miteinander verbinden, verwandeln 7ebra persönliche Kämpfe in hypnotischen, emotional mitreißenden Indie-Pop. Im Kern ist das Album ein Zeugnis der einzigartigen kreativen Verbindung der Schwestern, zweier Stimmen, die sich verflechten, gegenseitig herausfordern und unterstützen, und bestätigt 7ebra als eine der markantesten und spannendsten Bands, die in den letzten Jahren aus der schwedischen Indie-Szene hervorgegangen sind.

"Ich möchte lieben und geliebt werden, aber ich will mich auch frei fühlen. Die Spannung zwischen diesen beiden Dingen ist die zentrale Frage meines Lebens", sagt Julia Jacklin - und genau diese Ambivalenz durchzieht ihr viertes Album The Gem. Nach ihrem Umzug nach Melbourne 2017 fand Jacklin in einer kleinen Bar namens The Gem einen Ort der Selbstfindung - ein Sinnbild, das dem neuen Album seinen Namen gibt. Acht Jahre später, nach den hochgelobten Erfolgen ihrer ersten drei Platten - Don"t Let the Kids Win (2016), Crushing (2019) und PRE PLEASURE (2022) - schlägt sie ein neues Kapitel auf: Erstmals veröffentlicht sie bei dem renommierten, stilprägenden Label 4AD, das seit Jahrzehnten für künstlerische Vision und ikonische Indie-Veröffentlichungen steht. Ohne äußeren Druck und frei von Erwartungen schuf Jacklin in Melbourne ihr bislang persönlichstes Werk. The Gem entstand im engen Kreis vertrauter Musiker:innen und entwickelte sich über Monate hinweg - ein intensiver Prozess, geprägt von Selbstreflexion, Zweifel und dem Mut, eigene Entscheidungen kompromisslos zu vertreten. Songs wie "Brand New" oder "Real Life" wurden dabei grundlegend neu gestaltet, bis sie sich ehrlich und richtig anfühlten. Der eröffnende Track "Brand New" setzt ein elektrisches Statement zwischen Aufbruch und Selbsttäuschung, während Stücke wie "God Sometimes" oder "The Hardest Thing" von Selbstbestimmung, Verlust und innerem Wachstum erzählen. Klanglich erweitert Jacklin ihre bisherigen Indie- und Folk-Ansätze um kraftvollere, teils nahezu hymnische Momente. Auch die besondere Aufnahmeumgebung - ein Studio über einer lebhaften Kneipe - prägt den Sound: roh, direkt und atmosphärisch dicht. Mit The Gem gelingt Julia Jacklin eine eindringliche Rückkehr zu sich selbst. Zugleich knüpft sie an die Stärke ihrer bisherigen Alben an und entwickelt ihren Sound konsequent weiter - ein weiterer Beweis dafür, warum sie zu den prägendsten Stimmen des modernen Indies zählt.

"Ich möchte lieben und geliebt werden, aber ich will mich auch frei fühlen. Die Spannung zwischen diesen beiden Dingen ist die zentrale Frage meines Lebens", sagt Julia Jacklin - und genau diese Ambivalenz durchzieht ihr viertes Album The Gem. Nach ihrem Umzug nach Melbourne 2017 fand Jacklin in einer kleinen Bar namens The Gem einen Ort der Selbstfindung - ein Sinnbild, das dem neuen Album seinen Namen gibt. Acht Jahre später, nach den hochgelobten Erfolgen ihrer ersten drei Platten - Don"t Let the Kids Win (2016), Crushing (2019) und PRE PLEASURE (2022) - schlägt sie ein neues Kapitel auf: Erstmals veröffentlicht sie bei dem renommierten, stilprägenden Label 4AD, das seit Jahrzehnten für künstlerische Vision und ikonische Indie-Veröffentlichungen steht. Ohne äußeren Druck und frei von Erwartungen schuf Jacklin in Melbourne ihr bislang persönlichstes Werk. The Gem entstand im engen Kreis vertrauter Musiker:innen und entwickelte sich über Monate hinweg - ein intensiver Prozess, geprägt von Selbstreflexion, Zweifel und dem Mut, eigene Entscheidungen kompromisslos zu vertreten. Songs wie "Brand New" oder "Real Life" wurden dabei grundlegend neu gestaltet, bis sie sich ehrlich und richtig anfühlten. Der eröffnende Track "Brand New" setzt ein elektrisches Statement zwischen Aufbruch und Selbsttäuschung, während Stücke wie "God Sometimes" oder "The Hardest Thing" von Selbstbestimmung, Verlust und innerem Wachstum erzählen. Klanglich erweitert Jacklin ihre bisherigen Indie- und Folk-Ansätze um kraftvollere, teils nahezu hymnische Momente. Auch die besondere Aufnahmeumgebung - ein Studio über einer lebhaften Kneipe - prägt den Sound: roh, direkt und atmosphärisch dicht. Mit The Gem gelingt Julia Jacklin eine eindringliche Rückkehr zu sich selbst. Zugleich knüpft sie an die Stärke ihrer bisherigen Alben an und entwickelt ihren Sound konsequent weiter - ein weiterer Beweis dafür, warum sie zu den prägendsten Stimmen des modernen Indies zählt.

Das neue EUROTEURO Album "Magic" stellt eine musikalische Neuorientierung dar, bewegt sich zwischen New Wave, Art Pop und Neuer Deutscher Welle. Ein Sound, der sich nicht festlegen will aber trotzdem seine klare Form nicht verliert. Das Wiener Projekt um Peter T. präsentiert sich von der düsteren Seite. Die Texte sind teils in Deutsch, teils auf Englisch gehalten, Englisch erlaubt abstrakter zu bleiben, weil es nicht Muttersprache ist und dadurch etwas Fantastischeres behält. Deutsch hingegen eignet sich im Euroteuro Kosmos besser für klare Aussagen, direkte Botschaften, Slogans der Subversion. Nach ihren bisherigen "Volume"-Veröffentlichungen, die eher als Singles-Collections fungierten, steht "Magic" als das erste geschlossene Album da. Entstanden in einem gemeinsamen Prozess, an dem Musiker*innen wie Alexander Kranabetter, Topsy Turvy, Katarina Maria Trenk, Soap&Skin, Farce, Voodoo Jürgens und Elisa Mory beteiligt sind. Magic ist ein Nachtalbum. Es führt an einen inneren Ort, der sich im Laufe der Songs verändert. Am Anfang steht ein eher karger Raum, ein Ich, das sich umsieht und eine Bestandsaufnahme macht. Mit der Zeit wandelt sich dieser Raum, wird dichter, vielschichtiger. Der Hedonismus ist Draußen. Die Verweigerung von Selbstoptimierung auch. Euroteuro wird 10 und im Zentrum steht die Frage warum wir sterben müssen und was dann sein wird. Der Blick ist nach innen gerichtet. Euroteuro ist unterwegs zwischen Orientierungslosigkeit und Euphorie, durch eine Nacht, die nicht endet. "Magic" der Soundtrack dieser nächtlichen Odyssee ist schön und unheimlich zugleich. Das Albumartwork folgt dem, ist psychedelisch, zugleich schön und bedrohlich, trägt Trauer in sich und verweist auf den Kreislauf von Werden und Vergehen. Das Ölbild existierte bereits, die Künstlerin Ramsko brachte es ins Studio, wo es sofort mit der Musik resonierte. 180g schweres, klassisch schwarzes Vinyl oder CD im 6seitigen Digisleeve erhältlich

"Solaris", das zwölfte Studioalbum von The Ocean, würdigt die bisherige Entwicklung der Band und verleiht ihr eine neue, intensive Note. Mit Mitgliedern aus sechs verschiedenen Ländern im Kern-Line-up kehrt The Ocean zu einer kollektiven Besetzung zurück und schöpft aus dem Erfahrungsschatz und Talent eines Pools außergewöhnlicher Musiker. Nachdem man mit dem Vorgängeralbum "Holocene" einen anderen Weg eingeschlagen hatte, zeichnet für den weitläufigen, organischen Klang von "Solaris" erneut der schwedische Produzent Jens Bogren verantwortlich, der bereits die beliebtesten Alben der Band - "Pelagial" sowie "Phanerozoic I" und "II" - abgemischt hat. Das neue Album stellt die Sänger*innen Lane Shi und Enrico Tiberi sowie die Gitarristen Emmanuel Jessua und Marco Gennaro vor; sie ergänzen den Gründungs-Gitarristen Robin Staps, den langjährigen Bassisten Mattias Hägerstrand und Schlagzeuger Jordi Farré. Jeder von ihnen bringt seine ganz eigene Note ein, um dieses fast 70-minütige Opus zum Leben zu erwecken - ein Werk, das für The Ocean hinsichtlich Ambition und erzählerischer Tiefe einen neuen Höhepunkt darstellt. Für die Aufnahmen wurde der Kreis der Mitwirkenden noch weiter gefasst: Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) steuerte modulare Synthesizer bei, der griechische Komponist Orestis Zafiriou (Playgrounded) lieferte ebenfalls Elektronik- und Synthie-Elemente, und Simen Eifring von der norwegischen Post-Rock-Band Spurv übernahm den Posaunenpart. Aufgenommen wurde das Album in den legendären Berliner Hansa Studios, wo bereits Klassiker wie David Bowies Low und Heroes, Iggy Pops Lust For Life und Depeche Modes Construction Time Again entstanden. Innerhalb dieser Studiowände entwickelte sich "Solaris" zu einem lebendigen Zeugnis für die Kraft von Entdeckergeist und Teamarbeit. Da der neue Sänger Tiberi zudem ein versierter Pianist und Multiinstrumentalist ist, wurden Klänge von Celesta, Flügel, Rhodes-Piano und Hammond-Orgel zu einem integralen und unverwechselbaren Bestandteil des Solaris-Sounds. Der für The Ocean typische, atmosphärische Post-Metal wird durch den experimentierfreudigen Geist der neuen Mitglieder sowie die Beiträge der exzellenten Gastmusiker bereichert. Die CD und 2LP Gatefold-Sleeves sind jeweils auf 360g Spezial-Karton gefertigt und auf Vorder- wie Rückseite mit roter Metallic-Heißfolien-Prägung veredelt. Die CD mit 6seitigem Fold-Out-Booklet, die 2LP in bedruckten Innenhüllen kommt zusätzlich mit A2-Poster.

Die in London lebende schwedische Künstlerin Josefin Öhrn (Ex-Mitglied der Grammy-nominierten Band Josefin Öhrn & The Liberation) veröffentlicht mit "Cherry" ihr Solodebütalbum, das sie mit den Gastsängern Bobby Gillespie (Primal Scream) & Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) sowie Andy Bell (Ride) an der Gitarre aufnahm. "Cherry" ist Josefins bislang persönlichstes und eigenständigstes Album. Es widmet sich Themen wie Neuanfang, Begehren, Liebe und Trauer und reiht sich so in eine neue musikalische Strömung ein – ähnlich Robyn ("Sexistential") und Lykke Li ("The Afterparty") -, in der weibliche Erfahrungen offen und ohne Scham in farbenfroher Aufrichtigkeit geschildert werden. Solche Alben zeugen von einer faszinierenden Phase roher, intensiver und tiefgreifend transformativer Selbstverwirklichung. Obwohl "Cherry" musikalisch an den hypnotischen Psychedelic-Rock ihrer Ex-Band erinnert, sind die Arrangements, Strukturen und der Mix weniger avantgardistisch und orientieren sich eher an der entspannten Atmosphäre von Künstlern wie Kurt Vile, Lana Del Rey oder Natalie Bergman. Klare Melodiebögen und Josefins Stimme – intim, magnetisch und unerschütterlich – stehen im Vordergrund und verleihen dem Album seine eindringlich-emotionale Unmittelbarkeit. Josefin bat persönlich Kalle Jerneholm Gustavsson (Soundtrack Of Our Lives), mit dem sie bereits früher zusammenarbeitete, das Album zu produzieren.

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

Starcleaner Reunion ist eine schnell aufstrebende neue Band aus alten Freunden, die in NYC leben. Sängerin Jo Roman, die Gitarristen Pat Drummond und Neil Torman sowie Bassist Adam Kenter machen schon seit ihrer gemeinsamen Highschool-Zeit in New Jersey in verschiedenen Besetzungen gemeinsam Musik. Im Jahr 2022 fand die Band in NYC zusammen und hat seitdem eine Reihe von ausverkauften Konzerten in NY gespielt, die begeistert aufgenommen wurden, sowie landesweite Tourneen mit TOPS, This is Lorelei und anderen absolviert. Ihre erste Vinyl-Veröffentlichung, eine 10"-EP bei Take Care Records, erschien im Jahr 2025 und war sofort ausverkauft. Die Vorfreude auf ihr Debütalbum ,Umbrella" ist groß, da sie für 2026 noch bedeutendere Auftritte und Tourneen planen, darunter das Psychfest in Austin, das Total Bummer Fest in Brooklyn und Termine an der Westküste mit Blondshell.

the iconic project returns late September with its milestone 10th studio album, ‘I Wrote You A Letter’.

Twenty-five years after his debut, M83 (Anthony Gonzalez) stands as a genuinely era-defining electronic act, renowned for pushing indie-electronic into the mainstream while maintaining absolute critical credibility. With a massive catalog compounding billions of streams—anchored by the timeless “MIDNIGHT CITY” (1.5B streams)—the iconic project returns late September with its milestone 10th studio album, I WROTE YOU A LETTER’.
Recorded between Los Angeles and Paris alongside BENOIT DE VILLENEUVE, this new record follows the highly acclaimed ‘FANTASY’ (2023) and features striking artwork by celebrated Australian photographer BILL HENSON. This release marks a historic chapter, encapsulating a quarter-century of sonic evolution.
Commercially, M83’s power lies in an unmatched ability to transcend generations. Synonymous with cinematic emotion, nostalgia, and immense scale, M83’s sound is virtually a genre of its own, heavily sought after for film, TV, and sync. Live, the act holds top-tier global status, proven by headlining slots at major festivals like Coachella, Glastonbury, and Primavera.
‘I WROTE YOU A LETTER’ delivers exactly what M83 does best: big emotional scale, breathtaking cinematic atmospheres, and sharp hooks, all pushed into a fresh, modern palette.

Fünfundzwanzig Jahre nach seinem Debüt gilt M83 (Anthony Gonzalez) als ein wahrhaft epochaler Elektro-Künstler, der dafür bekannt ist, Indie-Elektro in den Mainstream zu bringen. Mit einem riesigen Repertoire, das Milliarden von Streams umfasst – angeführt von dem zeitlosen „MIDNIGHT CITY“ (1,5 Milliarden Streams) – kehrt das ikonische Projekt Ende September mit seinem wegweisenden zehnten Studioalbum „I WROTE YOU A LETTER“ zurück.

Das neue Album, das gemeinsam mit BENOIT DE VILLENEUVE in Los Angeles und Paris aufgenommen wurde, knüpft an das hochgelobte „FANTASY“ (2023) an und besticht durch ein eindrucksvolles Cover des gefeierten australischen Fotografen BILL HENSON.
Diese Veröffentlichung markiert ein historisches Kapitel und fasst ein Vierteljahrhundert klanglicher Entwicklung zusammen.
Kommerziell liegt die Stärke von M83 in der unübertroffenen Fähigkeit, Generationen zu verbinden.
Als Synonym für filmische Emotionen, Nostalgie und immense Größe ist der Sound von M83 praktisch ein eigenes Genre, das für Film, Fernsehen und Synchronisation sehr gefragt ist.
Live genießt die Band weltweit Spitzenstatus, was durch Headliner-Auftritte bei großen Festivals wie Coachella, Glastonbury und Primavera unter Beweis gestellt wird.

„I WROTE YOU A LETTER“ liefert genau das, was M83 am besten kann: große emotionale Bandbreite, atemberaubende filmische Atmosphären und eingängige Hooks, alles verpackt in einer
frischen, modernen Klangpalette.

2026. Die Welt fährt aus der Haut - und FLUTEN schreiben Songs zwischen dunkler Wucht, lyrischer Schärfe und verletzlicher Hoffnung. Seit 2007 entwickelt die Band aus Hamburg ihren eigenen Sound aus krachigen Gitarren, elektronischen Loops, Popfragmenten und melancholischer Poesie. Wo andere Eindeutigkeit suchen, finden FLUTEN ihre Spannung in den Zwischenräumen: zwischen Noise und Groove, Melodie und Lärm, Entfremdung und Sehnsucht. Im Herbst erscheint ihr neues Album "Kalter Stern". Es ist düsterer, dichter und dringlicher geworden als der Vorgänger "Splitter". Die Songs erzählen vom Leben in einer beschädigten Gegenwart und sind zugleich politisch und persönlich. Sie handeln von Sicherheiten, die zerfallen, und Gewissheiten, die nicht mehr tragen - und gleichzeitig von Momenten des Widerstands und Ausbrüchen ins Offene. Zwischen militanten Gedichten und Phantasieuniformen, zwischen offenem Meer und kalten Sternen, entsteht eine Sprache, die keine Parolen braucht, um Widerspruch zu üben. Keine Nostalgie, um zu berühren. FLUTEN klingen wie ein Film, der nicht linear erzählt ist. Wie ein Gefühl, das auf der Haut bleibt. Wie eine Stimme, die sagt: Es wird nicht einfach. Aber wir sind jetzt hier.

Semiratruth ist ständig in Bewegung. Der in Brooklyn lebende, in Chicago geborene Elektronik-Künstler reist von Bühne zu Bühne und pendelt zwischen unterschiedlichen Underground-Musikszenen - von den USA über Guatemala bis in die Niederlande -, Synthesizer und Sampler im Gepäck, als wären sie ein Teleportationsgerät. Auf der Bühne lenkt er intuitiv die Energie im Raum und scheint den kollektiven Herzschlag des Publikums mit einem universellen Metronom zu synchronisieren. Mit einem Tisch voller Elektronik-Geräte klopft er ganz beiläufig klangliche Portale in eine andere Welt auf. Semiras sich ständig wandelndes Umfeld und ihr eigener gelebter Schwung sind auf ihrer neuen LP ,S!M" zu hören, die am 25. September über das vielseitige Chicagoer Label Sooper Records erscheint. ,S!M" schafft eine einzigartige Balance: Der kompositorische Minimalismus von Acid, Juke und Baile Funk schlängelt sich in industrielle Klanglandschaften, um dann durch experimentelle und melodische Improvisationen ins Licht gerückt zu werden, die an Cosmic Synth und Spiritual Jazz der 1970er Jahre erinnern. Das Selbstbewusstsein, mit dem Semiratruth diese klangliche Dualität nutzt, spiegelt sich in den Themen ihres schwindelerregenden instrumentalen Multiversums mit 20 Tracks wider. Disharmonische Stimmen von Gedanken und Gefühlen, Sehnsucht und Hingabe, Hinterfragen und Träumen - all das findet Harmonie in Semiras Welt, in der unterschiedliche Realitäten gleichzeitig existieren. Jeder Track ist ein Universum, das sich in einem Existentialismus ergeht, der zu gleichen Teilen aus Freude und Schmerz besteht - eine Aufforderung, den Kosmos mit Kopfhörern zu ergründen oder ihn auf der Tanzfläche auszuleben. Semiratruths bisheriges Werk und vergangene Live-Auftritte haben dem Künstler einen Ruf für seine lyrische Gewandtheit eingebracht, doch ihre Leidenschaft für instrumentale Arrangements ist in all ihren bisherigen selbstproduzierten Werken zu hören. Auf ,S!M" richtet Semira den Fokus ganz einfach auf die Sounddesign-Aspekte ihrer Kunst. Tracks wie ,Atitlán", benannt nach Guatemalas großem See, zeigen Semiratruths disziplinierte kompositorische Stärke. In seiner Mikrotonalität sehr intim, breitet sich ein sich langsam wandelndes Synth-Pad aus, während Spritzer maschineller Töne die Mehrdeutigkeiten des Lebens zwischen den Noten melodisch zum Leben erwecken. Diese Zurückhaltung steht in krassem Kontrast zu Tracks wie ,Blood Moon Eclipse" und ,we gotta GO!", in denen dröhnende Kick-Drums den Hörer in den Rhythmus des Stadtlebens katapultieren. In jedem Moment könnte Semiratruth überall sein. Wo auch immer Semira nicht ist, füllt ihr Geheimnis die Leere. Ihr Schatten-Ich stürzt sich in ein pulsierendes Publikum von NYC-Fans, während sie die Lautsprecher mit einem Fingertipp zum Beben bringen. Im selben Moment wird ihre Geschichte zum Mythos in den Chicagoer DIY-Szenen, aus denen sie hervorgegangen sind. Genau in derselben Sekunde schwärmen Farm-Core-Songwriter hinter der Bühne eines Folk-Festivals von ihrer neu entdeckten musikalischen Obsession und rufen aus: ,Semira ist die WAHRHEIT!" Wie Semira es ausdrückt: ,All diese S!Mulationen und Zeitachsen finden S!Multan statt. Je tiefer du eintauchst, desto seltsamer wird es."

Auf ,Nearly" lässt sich Bullion von der Schönheit der Unvollkommenheit verzaubern. Nachdem er jahrelang als Kultproduzent den Sound des zeitgenössischen Avant-Pop mitgeprägt hat (Avalon Emerson, Carly Rae Jepsen, Westerman, Ben Howard und Oliver Sim von The XX), tritt Nathan Jenkins nun hinter dem Mischpult hervor, um sein bisher ausgefeiltestes Album zu präsentieren - eine Sammlung von verträumten, zeitlosen elektronischen Popsongs über Veränderung, Sehnsucht, Verantwortung und Kreativität als unwiderstehliche Kraft. Es ist eine Hommage an das Songwriting und das handwerkliche Können eines Künstlers, dessen unverwechselbare Vision von Pop schon immer Komplexität in der Zurückhaltung gefunden hat.

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Gegründet wurde die Band 1978 in Brisbane von Grant McLennan und Robert Forster, zwei Studenten der University of Queensland mit einer Leidenschaft für Filme, Bob Dylan der mittleren Sechzigerjahre und die New Yorker Punk-Szene. Beide sangen, spielten Gitarre und schrieben Songs. Die Konstellation mit zwei eigenständigen Singer-Songwritern an der Spitze war ungewöhnlich, funktionierte hier jedoch hervorragend. Roberts kantige, düster-romantische Kompositionen wurden perfekt ergänzt durch Grants hochmelodische, poetische Popsongs. Für ihr fünftes Album holte die Band die Multiinstrumentalistin Amanda Brown hinzu, die den Klang der Gruppe erweiterte und ihm mehr Dramatik verlieh. Das Album nimmt eine Schlüsselstellung in ihrer Diskografie ein und bildet die Brücke zwischen ihrer frühen Phase und den opulenter arrangierten späteren Werken. Das Paste Magazine führte das Album in seiner Liste der besten New-Wave-Alben und hob hervor, dass es "mehrere Schlüsselwerke der beiden Hauptsongwriter enthält, insbesondere McLennans mitreißende, zu Unrecht unterschätzte Songs 'Right Here" und 'Bye Bye Pride" sowie charakteristisch kantige Forster-Kompositionen wie 'House That Jack Kerouac Built" und 'The Clarke Sisters", eine eindringliche Charakterstudie über unverheiratete Schwestern, die den Blick ihres Autors für Details perfekt einfängt."

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Dies war das sechste Album der Band. Laut Record Collector gilt es "nahezu einhellig als die Sternstunde von The Go-Betweens" und wurde sogar als das "Indie-Rumours" bezeichnet. Die zehn wunderschönen Stücke des Albums sind allesamt Liebeslieder; das Werk wurde als Beispiel "romantischer Kunstfertigkeit" beschrieben. Der legendäre Musikkritiker Robert Christgau nannte es: "die geradlinigste und eingängigste Sammlung von Liebesliedern, die sie jemals hervorgebracht haben". Das Album wurde außerdem in das Buch 1001 Albums You Must Hear Before You Die aufgenommen. Robert Forster beschrieb es als: "die perfekte Verbindung aus Londoner Melancholie und Sydneyer Sonnenschein."

The Go-Betweens zählen zu den beliebtesten und einflussreichsten australischen Bands aller Zeiten und galten als die Kultband schlechthin. Während ihrer vielfach gefeierten Karriere bewahrten sie eine außergewöhnliche künstlerische Konstanz und schufen Jahr für Jahr Musik auf dem Niveau der besten zeitgenössischen Künstler. Gegründet wurde die Band 1978 in Brisbane von Grant McLennan und Robert Forster, zwei Studenten der University of Queensland mit einer Leidenschaft für Filme, Bob Dylan der mittleren Sechzigerjahre und die New Yorker Punk-Szene. Beide sangen, spielten Gitarre und schrieben Songs. Die Konstellation mit zwei eigenständigen Singer-Songwritern an der Spitze war ungewöhnlich, funktionierte hier jedoch hervorragend. Roberts kantige, düster-romantische Kompositionen wurden perfekt ergänzt durch Grants hochmelodische, poetische Popsongs. Dieses beeindruckende Live-Album wurde im Mai 1987 professionell aufgenommen, unmittelbar vor der Veröffentlichung von Tallulah. Uncut schrieb darüber, dass es "detailliert die wachsende Selbstsicherheit der Band und ihr stetig verfeinertes Songwriting dokumentiert".

The Veils' first three albums are returning to vinyl thanks to Rough Trade Records.

The Runaway Found (2004), Nux Vomica (2006) and 2009's Sun Gangs established the New Zealand band as purveyors of lush, romantic indie, able to sweep through cinematic vistas into intimate emotional corners, via gothic orchestration and atmospheric driving rhythms.

Founded and fronted by singer-songwriter Finn Andrews while still a teenager, over their first three albums, The Veils carved out a musical landscape of their own that was in turn deep and enveloping yet emotionally raw and direct.

Having only enjoyed a limited vinyl run on their releases, due to the format's neglected commercial status during the 2000s, the repressing of The Runaway Found, Nux Vomica and Sun Gangs, offers audiences a fresh opportunity to enjoy these records with the full depth, fidelity and artwork they deserve, and reminding listeners of the musical secrets The Veils revealed to the world.

“It is a sincere joy to see these records that are so important to us and to so many others reissued on vinyl by the label that nurtured us right from the start. I remain hugely grateful to them and to all the songs on these searching, impassioned, and magnificently youthful first attempts.” - Finn Andrews, The Veils

Mit"Live on 29th Street Volume IV" veröffentlichen die texanischen Greyhounds einen mitreißenden Mitschnitt aus der renommierten New Yorker Live-Studio-Reihe Live on 29th Street. Das Duo um Anthony Farrell und Andrew Trube steht seit über zwei Jahrzehnten für eine unverwechselbare Mischung aus Soul, Rhythm & Blues, Funk und Texas Roots Rock. Begleitet von Schlagzeuger Jay Mumford präsentieren die Greyhounds neun Songs, die ihre musikalische Bandbreite und außergewöhnliche Spielfreude eindrucksvoll dokumentieren. Farrells charakteristischer Blue-Eyed-Soul-Gesang, virtuoses Keyboardspiel und Trubes prägnante Gitarrenarbeit verschmelzen zu einem warmen, organischen Sound, der gleichermaßen von klassischem Soul wie von amerikanischer Roots-Musik geprägt ist. Die Aufnahme fängt die Energie und Direktheit der Band in einer intimen Live-Atmosphäre ein und zeigt Greyhounds auf dem Höhepunkt ihres Könnens.

Mit ihrem Debütalbum Inventio überschreitet die schwedische Musikerin und Künstlerin Murex die Grenzen konventioneller Popmusik und erschafft ein ebenso persönliches wie vielschichtiges Werk. Über zehn schimmernde, von elektronischen Glitches durchzogene Stücke entfaltet sich eine Klangwelt, die avantgardistische Pop-Elemente mit orchestralen Arrangements, komplexen Harmonien und Einflüssen nordischer Folklore verbindet. Thematisch beschäftigt sich Inventio mit Fragen von Identität, Körperwahrnehmung, Kontrolle und Selbstbestimmung. Die Songs zeichnen die Landschaft eines fragmentierten Inneren nach und entwickeln daraus eine Suche nach kreativer und emotionaler Freiheit. Murex verbindet dabei fragile, ätherische Klangflächen mit dynamischen elektronischen Strukturen und erschafft ein Album, das gleichermaßen experimentell wie zugänglich wirkt. Der Titel verweist auf Johann Sebastian Bachs Inventionen, die Murex bereits als Kind auf dem Klavier spielte. Diese musikalische Prägung spiegelt sich in den polyphonen Texturen, den kunstvoll geschichteten Vokalharmonien und der barock anmutenden Komplexität vieler Kompositionen wider. Als weitere Inspirationen nennt sie Künstlerinnen wie Björk und Elizabeth Fraser sowie die traditionelle schwedische Kulning-Gesangstechnik. Ein zentrales Konzept des Albums besteht darin, den Fokus von der äußeren Erscheinung der Künstlerin auf das Werk selbst zu verlagern. Für Murex ist dies sowohl ein künstlerisches Statement als auch eine Würdigung der vielen Facetten, die einen Menschen ausmachen. Inventio entstand über einen Zeitraum von drei Jahren in Schweden und entwickelte sich erst nach und nach zu einem geschlossenen Album. Unterstützt wurde Murex von den Musiker:innen Pelle Westlin, Isak Hedtjärn und Elvira Anderfjärd. Sämtliche Musikvideos entstanden unter ihrer eigenen Regie. Das Ergebnis ist ein mutiges, atmosphärisch dichtes Debüt, das die persönliche Emanzipation seiner Schöpferin hörbar macht und die Grenzen zeitgenössischer Popmusik neu auslotet.

"Exklusive Erstveröffentlichung auf Vinyl: Die seltenen, alternativen Mixe von Richard Digby Smith erscheinen zum allerersten Mal auf Vinyl.


Die Ur-Zelle von Motörhead: Enthält die historischen allerersten Aufnahmen von 1975/76 im seltenen Ur-Line-up (Lemmy, Wallis, Taylor, Fox).


Edles Sammler-Format: Hochwertige 140g-Pressung im spektakulär gemusterten Smokey Vinyl Marble inklusive den Klassikern „Motorhead“ und „Iron Horse“."

"Die Neuauflage zum 10-jährigen Jubiläum: Feiern Sie zehn Jahre „Ojos Del Sol“, das gefeierte Album von Y La Bamba aus dem Jahr 2016, das nun um den neuen Song „Sin Tu Amor“ erweitert und von Adam Gonsalves remastert wurde. Das Album, das von NPR zu einem der 50 besten Alben des Jahres 2016 gekürt wurde, fängt Luz Elena Mendozas einzigartige Stimme an einem strahlenden Wendepunkt ein. NPR lobte Mendoza als „eine der innovativsten und spannendsten jungen Sängerinnen der Szene“, während KEXP das Album später als „ein Werk voller Poesie, Erinnerung und Heilung“ bezeichnete. Ab sofort als limitierte Auflage von 1.000 Exemplaren auf 180 g schwerem, splatterfarbenem Vinyl vorbestellbar, inklusive eines von Luz entworfenen Posters im Format 18x24. Sichern Sie sich Ihr Exemplar, bevor sie vergriffen sind.


Im September auf Tour mit Hermanos Guitierrez.


Thu, Sep 24, 2026 - Vancouver, BC - Queen Elizabeth Theatre Sun, Sep 27, 2026 - Woodinville, WA - Chateau Ste. Michelle Winery Tue, Sep 29, 2026 - Portland, OR - Arlene Schnitzer Concert Hall Sat, Oct 3, 2026 - Denver, CO - Mission Ballroom Mon, Oct 5, 2026 - Albuquerque, NM - Popejoy Hall Sun, Oct 18, 2026 - Austin, TX - Moody Amphitheater Tue, Oct 20, 2026 - Dallas, TX - South Side Ballroom Wed, Oct 21, 2026 - Houston, TX - The Lawn at White Oak"

Mit "Almost There", liefert der Pianist und Komponist ESPEN ERIKSEN nach einer äußerst erfolgreichen Reihe von sieben Alben in 16 Jahren, darunter zwei mit dem bekannten britischen Saxophonisten ANDY SHEPPARD, ein weiteres melodisches Meisterwerk ab. Fesselnd und lyrisch, stets melodisch, aber gleichzeitig auch melancholisch und erhebend, handelt es sich um wahrlich ergreifende Kompositionen. "Music with a rich sense of melody coupled with a poignant lyricism that is infectious". - All About Jazz "A wonderfully plaintive jazz record, abandoned to the lost art of melodic minimalism, stripped back and beautifully near bare. No smoke and mirrors, just the graceful chemistry of superb musicians at the top of their game". - BBC Erwähnt werden muss die atemberaubende Klangqualität des Albums. "Almost There" überzeugt mit einem detailreichen und dynamischen Klang, der insbesondere durch seine organische Natürlichkeit hervorsticht. Die Kompositionen wurden in ESPENs bevorzugtem Studio Propeller Music in Oslo aufgenommen und abgemischt. Dort hatte er sich bereits für seine letzten fünf Alben eingefunden, welche aufgrund ihrer außerordentlichen Aufnahmequalität auch häufig in Tests verwendet und in HiFi-Kreisen hervorgehoben werden. Das ESPEN ERIKSEN TRIO wurde im Jahr 2007 gegründet und veröffentlichte 2010 sein Debüt-Album. Als zunehmend beliebte Live-Band tourte das Trio, bestehend aus ESPEN ERIKSEN (Klavier), LARS TORMOD JENSET (Kontrabass) und ANDREAS BYE (Schlagzeug), bereits auf vier Kontinenten und verfügt über ein reichhaltiges Repertoire. Die Musik zeichnet sich durch äußerst melodische und lyrische Instrumentalstücke aus, manchmal versehen mit nordischem Einschlag, sowie durch einen "Weniger ist mehr"-Ansatz, der von der internationalen Presse oft als einzigartiger Beitrag zur heutigen Jazzszene gewürdigt wird. Alle drei Musiker verfügen über einen vielseitigen musikalischen Hintergrund, der von Pop bis Jazz reicht, und haben bereits mit Musikern wie Bugge Wesseltoft, John Scofield, Joshua Redman, Dhafer Yousef, John Taylor, Vince Mendoza, Eivind Aarset, Knut Reisersrud, Mathias Eick, Nils Petter Molvær, Thomas Stronen, Odd Nordstoga, Håkon Kornstad, Jarle Bernhoft und Bendik Hofseth zusammengearbeitet.

Manchmal reicht ein Sommer, um zu zeigen, wohin die Reise geht. Fruchtiger Beigeschmack haben ihren nicht nur angekündigt, sie bespielen ihn gerade und begeistern dabei: 300.000 Streams in nur acht Wochen, zehntausende neue Fans auf den sozialen Netzwerken, ein ausverkauftes Releasekonzert, eine Zusatzshow mit Milla im September, die ebenfalls fast ausverkauft ist, ein Support-Slot vor 6.000 Menschen bei ZAZ in München, viele Festivals - und mittendrin "Löschzug", den die TAZ zum "linken Sommerhit des Jahres" erklärt hat. Auf den Socials wird das Trio gerade zur Band, über die man spricht, bevor man sie überhaupt gehört hat. Klare Haltung, großartige Songs, eine Band, die Musikfans begeistert, weil sie so ein wohltuender Gegenentwurf zum sonst vorherrschenden oder zumindest gefühlten Sound-Einheitsbrei im Netz darstellt. Jetzt kommt das Debüt, das all das einfängt: "Fast schon gut ist nicht schlecht" - die Debüt-EP von Fruchtiger Beigeschmack, erscheint bei superpolrecords. Ein Titel mit Understatement, der genau das Gegenteil meint. Fünf Songs, die Indie-Songwriting und Jazz-Offenheit zusammenbringen, ohne sich in Genreschubladen zu verlieren. Die wirbelnde Frontfrau Milena vorne, mit Texten, die nicht ausweichen und längst nicht nur der GenZ aus dem Herzen sprechen. Levi und Felix, die dem Ganzen Raum und Reibung geben, vorgetragen mit unbändiger Spielfreude, die sowohl auf Platte, aber vor allem live zündet. Das ist keine Band, die auf den Durchbruch wartet - sie ist bereits mittendrin, und die Zahlen sprechen für sich: Hunderttausende Streams, ausverkaufte Shows, ein Sommerhit im Feuilleton. "Fast schon gut ist nicht schlecht" ist der Beweis auf Vinyl - das Debüt einer Band, die längst mehr ist als ein Geheimtipp. Diese Zeit braucht einfach einen fruchtigen Beigeschmack.

Repress auf goldenem Vinyl. Limitiert auf 300 Exemplare. Vergesst alles, was ihr dachtet, über Postpunk zu wissen - BERLIN 2.0 zünden die Endstufe in der Punk-Evolution. Nach dem szeneübergreifend gefeierten Debüt "Scherbenhügel" droppt die Stuttgarter Band mit "Kaltental" jetzt ein zweites Mal eine Bombe über Postpunk Germany - und mit diesem Monster eines Longplayers ist klar: Hier wird keine Welle geritten. Hier wird eine Welle ausgelöst werden. "Kaltental" ist der dystopische Soundtrack einer brennenden Welt im Endspiel kapitalistischer Ideologie, zwischen Endzeit und Aufbruch, Resignation und Kampfbereitschaft. Härter, düsterer, dringlicher. Mit einer Mischung aus rasenden Hardcore-Ausbrüchen, klassischen Rock-Elementen, Post-Hardcore-Gitarrenwänden und melodischem Endzeitpop kracht "Kaltental" unverschämt souverän durch Genremauern und zerbombt mit radikal-klarsichtigen Texten von Ausnahmesängerin Elena Wolf Gabionenzäune in Vorgärten und Köpfen "ganz normaler" Deutscher im Aufrüstungswahnsinn. Ferdinand Führer von Fieser Schwan Recordings hat "Kaltental" aufgenommen, gemixt und gemastert und in eine rohe, dröhnende Elegie verwandelt, die aber auch keine Gefangenen auf dem Dancefloor macht. Die antifaschistische Bladerunner-Jeanne d'Arc in mittelalterlicher Rüstung auf dem Cover ist dabei mehr als eine Reminiszenz an revolutionäre Frauenfiguren in Geschichte und Kunst. Das neo-retrofuturistische Artwork der Wiener Fotografin Doris Himmelbauer ist die cineastische Visualisierung eines Albums, das Gewalt, Verletzbarkeit und die Sehnsucht nach einer besseren Welt verhandelt. "Kaltental" ist Krieg. Innerlich wie äußerlich. Aber auch ein Urschrei nach Liebe und Solidarität in der unbeirrbaren Überzeugung, dass alles auch ganz anders sein kann.

"Meilenstein der Metal-Geschichte auf Vinyl: Das grenzsprengende Meisterwerk von 1996, das Thrash Metal revolutionär mit indigenen brasilianischen Rhythmen fusionsierte, kehrt als edle Doppel-LP auf klassischem 140g Black Vinyl zurück.


Unerlässlicher Katalog-Bestseller: Ein zeitloser Genre-Klassiker mit absoluten Band-Hymnen wie „Roots Bloody Roots“ und „Ratamahatta“, der in keinem gut sortierten Metal-Sortiment fehlen darf.


Hochwertiges Sammler-Packaging: Aufwendig ausgestattet als 2LP im Doppelklappcover (Gatefold), mit schonenden schwarzen Poly-Lined-Innenhüllen, 4/c-Labeldrucken und auffälligem Marketing-Sticker direkt auf der Folie."