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Ciapame, amor (chyah-PAH-meh, ah-MOR)

MOTORSLICE is the original soundtrack to the viral hit indie video game of the same name, composed and produced by Pizza Hotline. Built around high-speed movement, razor-sharp parkour, and a blue haired girl slicing machines in half with a bad ass chain saw, the album pushes Pizza Hotline’s video game-inspired sound into a harder, faster, and more cinematic space.

Blending jungle, drum and bass, sci-fi ambient pads, and Y2K game soundtrack nostalgia, MOTORSLICE captures the feeling of launching yourself across gaps, slicing through enemies, and chasing perfect momentum over huge post apocalyptic vistas. The soundtrack draws inspiration from games like Mirror’s Edge, Prince of Persia, and Shadow of the Colossus while maintaining a glossy electronic character that defined that era.

To celebrate the release, MOTORSLICE is being pressed as a full length vinyl LP featuring the complete soundtrack on striking orange vinyl, chosen to match the main character’s iconic outfit. It turns the soundtrack into a proper physical artefact from the game's palpable world, tying the music directly to the visual identity of the game.

Where albums like Level Select and Dream Select explored imaginary game worlds, MOTORSLICE is the sound of a real one: a breakout indie game that has already made a huge impact online through viral gameplay clips and a growing community of players. The result is a soundtrack that feels both nostalgic and immediate, built for speed, precision, and impact while still carrying the melodic, emotional, and playful qualities that define Pizza Hotline’s music.

Limited Repress


After thirteen years of silence from the compound, during which anticipation has grown day by day, Boards of Canada finally return. Inferno retains their signature melodies and atmospheres, drawing on the esoteric influences explored in Societas X Tape (their 2019 NTS mix for Warp Records’ 30th anniversary) and the darker ambience introduced on Tomorrow’s Harvest, further deepened by an expanded role for speech soundbites.


Spanning seventy minutes, the new album is available on special edition limited red translucent 2LP vinyl in triple gatefold sleeve with a 16-page booklet, black 2LP vinyl and CD with 20-page booklet.

Aufgenommen am 3. Juli 1960 beim legendären Newport Jazz Festival, zeigt At Newport 1960 Muddy
Waters in Höchstform. Begleitet von Otis Spann am Piano, Pat Hare an der Gitarre, Andrew Stevens
am Bass, Francis Clay am Schlagzeug und James Cotton an der Mundharmonika präsentiert Waters eine
mitreißende Performance, die tief in der Tradition des Blues verwurzelt und zugleich erstaunlich modern
klingt.
At Newport 1960 gilt als Meilenstein der Bluesgeschichte. Das Album trug maßgeblich dazu bei, den
Blues einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, und festigte Muddy Waters’ Ruf als einer der
Väter des elektrischen Blues. Zu den Höhepunkten zählen Klassiker wie „I’m Your Hoochie Coochie Man“,
„Baby, Please Don’t Go“, „Got My Mojo Working“ sowie „Goodbye Newport Blues“ von Langston Hughes.
Erleben Sie den unverwechselbaren Klang eines der bedeutendsten Blues-Labels Amerikas in audiophiler
Qualität – mit der Chess Records Acoustic Sounds Series. Für diese hochwertigen Neuauflagen wurden
klassische Alben und Compilations aus dem Chess-Records-Katalog sorgfältig von den originalen analogen Masterbändern neu gemastert und auf 180-Gramm-Vinyl bei Quality Record Pressings gefertigt. Jede Ausgabe erscheint in einem hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover aus erstklassigem Karton und wird damit
auch höchsten Ansprüchen an Klang und Ausstattung gerecht

Mit „So ist das mit dem Glück“ veröffentlicht Montez am 21.08.2026 sein mit Spannung erwartetes neues
Studioalbum. Auf 15 Songs erzählt einer der erfolgreichsten deutschsprachigen Künstler so persönlich wie
nie von Liebe, Verlust, Hoffnung und den kleinen Momenten, die das Leben ausmachen.
Bereits die Vorab-Singles haben eindrucksvoll gezeigt, wohin die Reise geht: Mit „Herzensmensch“, „Niemand ist wie du“, „Wenn du mich fragst“, „Glück“ feat. Sido, „Die Falschen geküsst“ feat. Chapo102,
„Wie es ist“ und zuletzt „Panzer“ baut Montez die Geschichte des Albums Stück für Stück auf. Gemeinsam
verzeichnen die Songs bereits über 35 Millionen Streams und unterstreichen einmal mehr seine außergewöhnliche Fähigkeit, große Emotionen in eingängige Melodien zu verwandeln.
Auch live setzt Montez seinen Erfolgskurs fort: Im Sommer 2026 feiert er 15 Jahre Montez mit einer
großen Jubiläumstour durch Deutschlands größte Open-Air-Locations. Die 15 Termine führen ihn u. a.
nach Fulda, Berlin (Parkbühne Wuhlheide), Dresden, Ulm, Balingen, Bonn, Nürnberg, Füssen, Zwickau,
Heringsdorf, Losheim am See, Braunschweig, Bielefeld, Hamburg und Rastede – auf Bühnen mit Kapazitäten von mehreren Tausend bis hin zu rund 17.000 Besucher.
Der Album-Release fällt dabei mitten in die Tour: Am 21.08.2026 erscheint „So ist das mit dem Glück“
parallel zum Konzert auf der Volksbank BRAWO Bühne in Braunschweig. So wird das neue Album direkt
im Rahmen der laufenden Jubiläumstour begleitet und zusätzlich in den Fokus der Fans gerückt.
Und die Erfolgsgeschichte geht weiter: 2027 wird Montez erneut auf große Arena-Tour gehen und damit
seine Position als einer der wichtigsten deutschsprachigen Künstler weiter festigen.
Das Album ist erhältlich als CD sowie als attraktive Marbled Vinyl, die Sammler und Fans gleichermaßen
anspricht.

A deluxe double LP reissue of a rare 1997 indie cult classic, expanded with bonus material and featuring the formative recordings of musicians who would later create The Essex Green and The Sixth Great Lake. Originally released in 1997, Jeffersonville is a hidden gem of late-'90s American indie rock, blending heartfelt songwriting, melodic guitars, and the raw charm of the DIY underground. Formed in Burlington, Vermont, Guppyboy served as an early creative home for musicians who would later go on to form The Sixth Great Lake and The Essex Green, making this album an important chapter in the story of American independent music. This deluxe double LP edition presents Jeffersonville in its most complete form to date, featuring previously unreleased and non-album tracks not included on the original release. Expanding on the original album while preserving its intimate, homespun spirit, this definitive edition shines a new light on a long-overlooked cult favorite. With its blend of indie rock, power pop, and timeless melodic songwriting, Jeffersonville offers strong appeal to fans of the Elephant 6 universe and the wider American indie underground, while providing lasting catalogue value for retailers and collectors alike.

*Single/Focus Track
Auf Lambchops siebzehntem Album 'Punching the Clown' kehrt Kurt Wagner zu den Ursprüngen zurück. Angeregt durch eine nächtliche Radiobegegnung mit einer unbekannten Gospel-Aufnahme tauchte Wagner tief in die Welt des „Lined-Out-Singing“ ein – einer jahrhundertealten schottisch-appalachischen Call-and-Response-Tradition, bei der ein einzelner Vorsänger einen Chor Wort für Wort und ohne Schnörkel durch Hymnen führt. Dieser Geist roher, gemeinschaftlicher Stimmen prägt jeden Moment von „Punching the Clown“: Wagner verbrachte Jahre damit, große Songwriter zu studieren und sein Handwerk von Grund auf neu zu erlernen, wobei er Dutzende von Songs auf zwölf reduzierte. Aufgenommen in drei Tagen mit dem Gitarristen Andrew Broder, Justin Vernon (Bon Iver) am Banjo und einem sechstimmigen Chor, zusammengestellt von Blake Morgan und unter der Toningenieurschaft von Lambchop-Veteran Mark Nevers, ist das Album anmutig, ironisch und auf stille Weise erschütternd. Erscheint am 21. August 2026 bei City Slang.

Produziert von Ryan Olson und aufgenommen vom 25. bis 27. August 2025 im April Base, Wisconsin. Die Platte wurde in drei Tagen fertiggestellt und präsentiert Kurt Wagner (Gesang), Andrew Broder (Gitarre), Justin Vernon (Banjo) sowie ein sechststimmiges Vokalensemble, ergänzt durch zusätzliche Choraufnahmen in London und Minneapolis.

*Single/Focus Track
Auf Lambchops siebzehntem Album 'Punching the Clown' kehrt Kurt Wagner zu den Ursprüngen zurück. Angeregt durch eine nächtliche Radiobegegnung mit einer unbekannten Gospel-Aufnahme tauchte Wagner tief in die Welt des „Lined-Out-Singing“ ein – einer jahrhundertealten schottisch-appalachischen Call-and-Response-Tradition, bei der ein einzelner Vorsänger einen Chor Wort für Wort und ohne Schnörkel durch Hymnen führt. Dieser Geist roher, gemeinschaftlicher Stimmen prägt jeden Moment von „Punching the Clown“: Wagner verbrachte Jahre damit, große Songwriter zu studieren und sein Handwerk von Grund auf neu zu erlernen, wobei er Dutzende von Songs auf zwölf reduzierte. Aufgenommen in drei Tagen mit dem Gitarristen Andrew Broder, Justin Vernon (Bon Iver) am Banjo und einem sechstimmigen Chor, zusammengestellt von Blake Morgan und unter der Toningenieurschaft von Lambchop-Veteran Mark Nevers, ist das Album anmutig, ironisch und auf stille Weise erschütternd. Erscheint am 21. August 2026 bei City Slang.

Produziert von Ryan Olson und aufgenommen vom 25. bis 27. August 2025 im April Base, Wisconsin. Die Platte wurde in drei Tagen fertiggestellt und präsentiert Kurt Wagner (Gesang), Andrew Broder (Gitarre), Justin Vernon (Banjo) sowie ein sechststimmiges Vokalensemble, ergänzt durch zusätzliche Choraufnahmen in London und Minneapolis.

Auf der Carnival EP versammeln Trauma Ray einige ihrer stärksten, intensivsten und experimentellsten Werke. Seit ihrem Durchbruch mit Chameleon, ihrem Debütalbum von 2024 bei Dais Records, hat die Band in der aktuellen Welle der Shoegaze-Revivalisten sich weiter etabliert, ist dabei aber immer agiler geworden und sind 2025 mit Kollegen wie Deafheaven, Loathe, und Toucheì Amoreì auf Tour gewesen. Mit einer Mischung aus blitzschnellen Riffs und karger Schönheit entwickelt sich ihr Sound weiter und knüpft an die Laut-Leise-Laut-Größen aus Metal, Grunge und Shoegaze von Slowdive bis Smashing Pumpkins an. Die Carnival EP taucht in stimmungsvolleres, intellektuelleres Material ein, als würde man ihre früheren Ausflüge vor einem Zerrspiegel betrachten. Diese Songs vermitteln ein deutliches Gefühl der Unruhe, entstanden in einer flüchtigen Zeitspanne, was beweist, dass die Band unter Druck und wenn sie aus den dunkelsten Ecken ihres Unterbewusstseins schöpft, am besten funktioniert. Das wortlose ,Carousel" leitet die beunruhigende Atmosphäre der EP mit Störgeräuschen und melancholischen Gitarrenklängen ein, die in ,Hannibal" übergehen, einem hymnischen Track voller kraftvoller Riffs und roher Emotionen. Die Band hat diese Art von purer Kraft schon mal gezeigt, von ,Solstice" aus dem Jahr 2018 bis zu "Chameleon", während ,Hannibal" mit einem Hauch von beispielloser Boshaftigkeit, Schlängeligkeit, ,Stone Temple-y, Alice in Chains-y", wie Avila witzelt, verzerrt ist. Textlich greift er die Angst der Teenager auf, das Gefühl, zerlegt und abgelehnt zu werden. ,Méliès", benannt nach dem französischen Illusionisten und Filmemacher, wechselt zwischen schweren, schlammigen Akkorden und einem himmlischen Refrain, ,von etwas Beängstigendem zu etwas wie einem Traumzustand", sagt Avila, der die surreale Abstraktion seines Namensvetters kanalisiert. ,Funhouse" taucht in den Doom Metal ein, mit spärlicher Gitarrenarbeit und dem wahrscheinlich langsamsten BPM der Band. Im Gegensatz dazu rüttelt, blitzt und hämmert der letzte Track ,Clown", als hätte der Hörer das andere Ende eines Horrorhauses erreicht und wäre nun vollständig in die grelle, verwirrende Beleuchtung des Jahrmarkts eingetaucht. Personifiziert durch eine knorrige, synthetische Leadgitarre erinnert ,Clown" an Robin Williams, einen Archetyp tragischer Fröhlichkeit, der zeigt, dass diejenigen, die am meisten versuchen, andere zum Lachen zu bringen, insgeheim vielleicht die Traurigsten sind. Klanglich verweist die Band schnell auf den Einfluss von ,Undone" und ,Stuck on You" von der Kultband Failure aus den 90ern, neben dem allgegenwärtigen Loveless, was die Größe von Trauma Ray ausmacht: fünf Musiker, die das, was sie lieben, aufnehmen, synthetisieren und erweitern. Die Carnival EP bietet einen kurzen und sehr loopbaren Abstecher in die Dunkelheit einer Band, die von Minute zu Minute beeindruckender wird.

Man könnte fast meinen, dass Jimmy Smith um jeden Preis seine Vielseitigkeit beweisen wollte, als er
im Februar 1958 mit seiner Entourage in den Ballsaal des Manhattan Towers Hotels einzog, der von Rudy
Van Gelder in ein Aufnahmestudio umgewandelt worden war. Binnen zwei Tagen machte der Meister der
Hammond-B3-Orgel dort Aufnahmen für drei sehr unterschiedliche Platten. Am 25. Februar zunächst mit
einem mit Blue-Note-Stars gespickten Sextett für das ausgelassene Album “House Party” und das eher
bluesig-andächtige “The Sermon”. Am darauffolgenden Tag ging er mit zwei unterschiedlichen klassischen
Orgel-Trio-Besetzungen erneut zu Werke, um “Softly as a Summer Breeze” einzuspielen - ein schwungvolles
Album mit teils balladesken Standards, einer cool groovenden Eigenkomposition und einem Stück von Thelonious Monk.

Eine 4-LP-Box, die allen Jazzfans das Herz höher schlagen lassen wird: Mit „Verve Records: The Sound of
America“ feiert das legendäre Label seine 70-jährige Geschichte und würdigt die prägende Ära von Produzent
Norman Granz. Die streng limitierte Box vereint 35 neu remasterte Aufnahmen aus den Jahren 1944 bis
1960. Vertreten sind Jazzlegenden wie Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Louis Armstrong, Charlie Parker, Oscar Peterson und viele weitere. Ergänzt wird die Sammlung durch Spoken-Word- und Comedy-Aufnahmen
von Jack Kerouac, Mort Sahl, Jonathan Winters und Shelley Berman, die ebenfalls den kulturellen Zeitgeist der Nachkriegsjahre widerspiegeln. Das hochwertige Set im klassischen Verve-Design umfasst vier
140g-LPs und ein 12-seitiges Booklet mit Liner Notes von Tad Hershorn in einer stabilen Box.

Mit „Goodbye Logik“ veröffentlichten Madsen am 11. August 2006 ihr zweites Studioalbum. Nach dem
gleichnamigen Debüt ein Jahr zuvor markierte das Folgewerk einen wichtigen Schritt in der Entwicklung
der Band: Die Energie und Direktheit der frühen Jahre blieb erhalten, gleichzeitig wurden das Songwriting
und die thematische Bandbreite exponentiell erweitert. Der Longplayer erreichte erstmals die Top 10 der
deutschen Album-Charts und etablierte Madsen dauerhaft in der deutschsprachigen Rocklandschaft.
Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint „Goodbye Logik“ am 21. August 2026 nun als neu aufgelegte und
strikt auf 1.000 Exemplare limitierte LP in transparentem Vinyl. Die Wiederveröffentlichung rückt ein
Album in den Mittelpunkt, das viele zentrale Elemente des Madsen-Kosmos bereits vereinte: persönliche
Beobachtungen, gesellschaftliche Kommentare und eine klare Haltung, getragen von Songs zwischen IndieRock, Punk-Einflüssen und melodischen Pop-Refrains.
Mit Titeln wie „Du schreibst Geschichte“, „Ein Sturm“, „Der Moment“ oder dem titelgebenden „Goodbye
Logik“ enthält das etliche Songs, die bis heute zum festen Repertoire der Band gehören. Die elf Stücke
dokumentieren eine Phase, in der Madsen ihren eigenen Stil weiter schärften und gleichzeitig den Übergang
von einer aufstrebenden Festival-Band zu einer festen nationalen Größe vollzogen.
Die „20th Anniversary Edition“ lädt dazu ein, „Goodbye Logik“ in seiner ursprünglichen Form neu zu
und/oder wiederzuentdecken – als Momentaufnahme einer Band, die Mitte der 2000er Jahre ihren Platz gefunden hatte und deren Songs auch zwei Jahrzehnte später nichts von ihrer Unmittelbarkeit und Dringlichkeit
verloren haben.
Als besonderes Schmankerl liegt jeder Vinyl ein signierter Kunstdruck im Breitbild-Format bei, das ein
unveröffentlichtes Band-Foto von Ingo Pertramer zeigt. Zudem hat Sebastian Madsen persönliche Linernotes mit Blick in den eigenen Band-Historie-Rückspiegel verfasst.

Mit seinem 1965 erschienenen Album We’re Gonna Make It vereinte Little Milton die emotionale Tiefe des
Blues mit dem modernen Sound des Soul auf beeindruckende Weise. Nachdem der aus Mississippi stammende Sänger, Gitarrist und Songwriter Anfang der 1960er-Jahre über das Chess-Label Checker Records zur
Chess-Familie gestoßen war, verlieh er dem Traditionslabel mit seinem unverwechselbaren Stil neue Impulse.
Der Titelsong „We’re Gonna Make It“, eine eindrucksvolle Hymne, die eng mit der aufstrebenden amerikanischen Bürgerrechtsbewegung verbunden ist, hielt sich drei Wochen in Folge an der Spitze der US-amerikanischen
R&B-Charts. Das Album unterstreicht Little Miltons außergewöhnliche stimmliche Ausdruckskraft, seine
präzise Phrasierung und sein außergewöhnliches Gespür für die Verbindung von Blues und Soul – Qualitäten, die seinen Crossover-Erfolg maßgeblich begründeten. Zu den weiteren Höhepunkten zählen „Who’s
Cheating Who?“, „Blind Man“ und „Stand By Me“.
Erleben Sie den unverwechselbaren Klang eines der bedeutendsten Blues-Labels Amerikas in audiophiler
Qualität – mit der Chess Records Acoustic Sounds Series. Für diese hochwertigen Neuauflagen wurden
klassische Alben und Compilations aus dem Chess-Records-Katalog sorgfältig von den originalen analogen
Masterbändern neu gemastert und auf 180-Gramm-Vinyl bei Quality Record Pressings gefertigt. Jede Ausgabe erscheint in einem hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover aus erstklassigem Karton und erfüllt damit
höchste Ansprüche an Klangqualität und Verarbeitung.

The Womack Sisters – Kucha, Zeimani und BG Womack – sangen schon, bevor sie laufen konnten. Ihr gleichnamiges Debütalbum „The Womack Sisters“ aus dem Jahr 2026 ist der musikalische Höhepunkt der langen und kurvenreichen Reise der drei Schwestern auf der Suche nach sich selbst. In einer Sammlung von Stücken voller intensiver Soul-Power, die an eine Zeit erinnert, als Popmusik noch Substanz, Atmosphäre und Sinn hatte, kommt jede ihrer unverwechselbaren Stimmen im Rampenlicht zur Geltung.
Die Schwestern wuchsen auf der Straße auf. Ihre Schulen waren Bühnen und Studios auf der ganzen Welt, wo sie hinter ihren Eltern, Zekkariyas & Zeriiya (ehemals Womack & Womack), zusammen mit ihren vier Geschwistern sangen. Nirgendwo waren sie lange zu Hause. Egal, wo sie lebten – London, Thailand, Amsterdam, Kenia, Paris, Sydney, Zürich, Wien, Tansania, New York, Miami, West Virginia, die Bahamas – sie waren immer von Musik und Familie umgeben.
Als Enkelinnen des legendären Sam Cooke und Nichten von Bobby Womack stammen die Schwestern aus einer Soul-Dynastie, die tief in ihrem musikalischen Wesen verwurzelt ist. Das Album „The Womack Sisters“, das am 14. August bei Daptone Records erscheint, blickt nach vorne, indem es zurückblickt: Es ist eine Hommage an die Tradition ihrer Familie und schafft gleichzeitig einen Sound, der ganz und gar ihr eigener ist.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

Black Marble erwachte im Herbst 2012 zum Leben, inspiriert vom Synthwave-Revival der frühen 2000er Jahre in New York City. Heute, vierzehn Jahre später und sieben Veröffentlichungen weiter, macht Chris Stewart weiterhin Platten, während er über Maschinen gebeugt sitzt, die sich beim Einschalten warm anfühlen und die man überreden muss, um in der Stimmung zu bleiben. Seine Alben, die ausschließlich von Stewart geschrieben, aufgenommen und veröffentlicht werden, bleiben einzigartige Visionen, mit Songs, die versuchen, ein diffuses Pastiche zu vermitteln, das nun von dem Wunsch geprägt ist, das Ganze in eine Botschaft zu hüllen, die davon erzählt, wo er gewesen ist und wohin er gehen will. In seiner neuesten Vision, ,Life in Small Spaces", kommentiert Stewart die Musikindustrie und seine Rolle darin und reflektiert darüber, wie sich Underground-Musik im Laufe der Zeit verändert hat und wie ein Leitbild, die Dinge einfach zu halten und sich selbst treu zu bleiben, das einzige Ideal für das Leben in dieser komplizierten Landschaft ist. Stewarts Wunsch, die Zeit mit intakten Idealen zu überbrücken, zeigt sich im Songwriting, das die Pop-Sensibilität des Projekts beibehält und gleichzeitig neue Tricks in den Hut zaubert. ,Life in Small Spaces" tauscht Synth-Wände gegen mehr Gitarre ein und greift dabei auf frühe amerikanische College-Radio-Staccato-Gitarrenlinien zurück, die an Pylon, The Necessaries und R Stevie Moore erinnern, sowie auf Live-Drum-Samples - eine Anspielung auf den einfachen, metronomartigen Stil von Wire. Stewart erklärt den Grund für die Veränderung als einen Weg, ,diese glockige, hypnotische Qualität zu erzeugen. Wie ein Radio-Drehknopf, der zwischen zwei Sendern steht." Visuell zeigt ,Life in Small Spaces" Stewart allein auf dem Cover in einem kargen Raum, umgeben von einer Explosion aus Konfetti - ein Bild, das eine in sich geschlossene Welt widerspiegelt, die zwar klein, trostlos und überladen wirken mag, aber ganz und gar seine eigene ist. Ein passender Rahmen für ein Album, das Begrenzung als eine Form der Klarheit begreift und die Geschichte davon erzählt, sich für ein einfaches Leben zu entscheiden, Stabilität und Komfort aufzugeben zugunsten einer Existenz voller mutiger und fesselnder Verbindungen. Dies spiegelt zudem Black Marbles Vertrauen nicht nur in seine Kunst wider, sondern auch in die Gemeinschaft, die sich im Laufe der Jahre um das Projekt herum entwickelt hat. ,Life in Small Spaces ist das, worüber ich als Künstler sprechen möchte. Es ist genau dort, wo ich mich in diesem Moment befinde, und ich weiß, dass ich mit meinen Gefühlen nicht allein bin." Dieses Gefühl ist kein Vorbehalt. Es ist der springende Punkt. ,Life in Small Spaces", mit seiner introspektiven Lyrik, die geschickt in Black Marbles strahlender Musikalität verborgen ist, ist eine ernsthafte Analyse der Belastungen, die Künstler prägen. Es ist eine Einladung, einen minimalistischeren Lebensstil zugunsten kreativen Ausdrucks und Freiheit zu akzeptieren und bewusst zu wählen - und niemals deine Werte für die verlockende Illusion von Erfolg opfern zu müssen.

,been thinking bout confession", das dritte Studioalbum der Musikerin und Produzentin Frances Chang, ist eine synthlastige, experimentelle Pop-Erkundung des Selbst und der unermesslichen, unbekannten Tiefen, die es birgt. Das Album, das größtenteils auf einem hundert Jahre alten Stutzflügel komponiert wurde, bettet die unbändigen Emotionen von Changs DIY-Wurzeln in eine komplexe und poetische Klanglandschaft ein, die orchestrale Arrangements mit eigenwilligen, fast skulpturalen, elektronischen und analogen Elementen verwebt, bei der die durchscheinende Stimme der Sängerin die eigenwillige Instrumentierung leitet. Durch eine sich stetig steigernde Poesie führt uns Chang durch eine chaotische Architektur, ein Kerzenlicht fest umklammert, das zugleich selbsttäuschend und schonungslos transparent ist. Auch wenn ,Been Thinking About Confession" klanglich der außerirdischen Schönheit von Björk und der retrofuturistischen Verträumtheit von Broadcast verpflichtet ist, nennt Chang auch eher unerwartete Einflüsse wie Chet Baker, Dionne Warwick und Burt Bacharach, die das emotionale Rückgrat des Albums bilden. Chang hat ihre übliche Gitarre größtenteils beiseitegelassen und diese 11 Songs am Klavier geschrieben, einem Instrument, das sie als ,die weibliche Wurzel meiner Psyche" bezeichnet. Die unheimliche Verschmelzung von unkonventionell eingesetzten Federhall-Effekten, älteren Kompressoren und Röhrenvorverstärkern vor einem eindeutig zeitgenössischen digitalen Hintergrund sorgt für ein Hörerlebnis, das sich gleichzeitig über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auszudehnen scheint. Für Fans von Cate Le Bon, June McDoom, Cindy Lee, ML Buch, Bill Callahan, Joanne Robertson

This compilation presents a selection of highly sought-after tracks and milestone classics crafted by esteemed Royal UK house producers.
Terry Francis, Nathan Coles (rip), Laurant Webb, Dave Coker and Justin Bailey.

With 16 tracks, many of which have never been reissued since their original pressings, fetching prices of hundreds of euros in the second-hand market (if you can find any in decent quality), while others were never released on vinyl. These are milestone classics, recorded and re-mastered directly from the original DATs for the first time.

This collection represents a pinnacle meeting of visionary minds who pioneered an entirely music genre, subsequently shaping the UK club scene with legendary Wiggle residency nights at iconic venues like Fabric. An essential and must-have album curated by Yossi Amoyal for Sushitech Records.

T-Spoon is a Dutch Eurodance project founded in 1991 by rapper Shalamon Baskin (known as Shamrock) and producer Remy de Groot (known as Prince Peration). They had multiple hits in the UK, Australia, Canada, Israel, Ireland, Scandinavia, South America, and, of course, their home country, the Netherlands.

The group released its debut single, “No Time To Waste,” in 1993, which became a European top‑10 hit. In the years that followed, T‑Spoon scored a series of international successes with tracks such as “A Part of My Life,” “Where R U Now" and “Take Me 2 the Limit.”

In 1997, they became known for the summer hit "Sex on the Beach" which reached the charts in the Netherlands as well as Belgium, Germany, Ireland, Scandinavia and the United Kingdom.

This brand new Greatest Hits collection is now available on vinyl and features all of T‑Spoon’s biggest successes, plus an exclusive bonus mix of “Sex on the Beach.”

T-Spoon's Greatest Hits is available as a limited edition of 1000 copies on white marble vinyl.

Back in 1990 the New Bomb Turks got together as four Ohio State University students who just wanted to rock. 10 years later they are already on their 7th studio album: Nightmare Scenario.

New Bomb Turks return to their snaggle-toothed first mistress — hard-driving, no-holds-barred American punk rock. With the guitar jive of Chuck Berry, the blinding ferocity of Motörhead and the snot of The Dead Boys, singer Eric Davidson and his backing trio fire off a dozen grenades of authentic old-school three-chord riff-rock in little over a half-hour, with nary a pause for breath between tracks. You can’t quibble with the four-on-the-floor intensity of tunes like opening salvo Point To A Point Blank. It was recorded over four days and nights, the only break being a jaunt over to a bar to see a reunited Real Kids, their first show in years, which floored the band and only added more mezcal to the fire.

Nightmare Scenario is available as a limited edition of 500 individually numbered copies on transparent vinyl, and includes an insert.

Music Evolution is the second and last album by the all-star jazz/hip-hop/R&B fusion project Buckshot LeFonque. Led by none other than jazz saxophonist Branford Marsalis and DJ Premier, the project was named after Buckshot La Funke, a one-time pseudonym used by alto sax legend Cannonball Adderley for contractual reasons.

The album features guest performances by rapper Guru, Matrix actor Laurence Fishburne, and the highly regarded session musician David Sanborn. While his brother Wynton holds conservative views regarding jazz, Branford is quite the opposite. On Music Evolution, he effortlessly embraces and fuses hip-hop, R&B, and rock into a sonic explosion infused with the joy of playing. The track "Another Day", featuring the soulful voice of Frank McComb, was especially popular in the Netherlands, reaching number 4 in the Dutch singles chart.

Music Evolution is available as a limited edition of 1000 copies on pink vinyl and includes an insert.

offerings is a new project from Bruno Silva (Ondness, Serpente) and Gonçalo F. Cardoso (Lagoss, Prophetas, Hannibal Chew III).

Born from a shared obsession with the peripheral—rain puddles, empty city spaces and the flickering crawl of late-night credits—the album occupies a stalled threshold; a space that refuses to resolve into a clear image. It does not strive for the "new" nor the "old"; it exists in a state of suspension, like end credits that refuse to roll, fixed in a permanent noumenal state.

Composed through a frantic exchange of files during the stormy winter of 2026, End Credits Noumena functions as a document of inner domestic spaces. It captures a floating, jam-like camaraderie between two artists with shared fixations and divergent sound palettes. The result is gritty and acetic — a series of random, eerie transmissions that remain strangely inviting. These are offerings, left over for whoever chooses to claim them.

Bruno Silva returns under his Ondness moniker for his most personal album yet.

Recorded as an homage, a reference map, and a temporal slippage back to a transformative period of Bruno Silva's life, I Can Only Put So Much Into a Song conjures the threshold between his shoegaze-leaning teen years and a young adulthood defined by profound sonic landmarks: Iran’s The Moon Boys (whose cover serves as a key influence), The Microphones’ It Was Hot, We Stayed In The Water, Fennesz’s Endless Summer, and the communal, tape- hiss maelstrom of the New Weird America underground—all underscored by a persistent Black Metal tension.

Taking its title from a lyric in Farrah Abraham’s masterpiece My Teenage Dream Ended, this new humble offering from Ondness drifts into the memory of song as half-remembered recollections, as if beamed from a recurring "now" of unfulfilled possibilities.

Über die neun Songs des Albums hinweg erschafft Elanor Moss mit feinsinnigem Psych Folk ein eindringliches Wechselspiel aus Freude und Schmerz. Ihre düster-verträumten Momentaufnahmen bieten dabei weniger Katharsis als vielmehr ein Verständnis für die Komplexität des Wegs dorthin - Heilung nicht als Zustand, sondern als Prozess. Der Weg hin zu ihrem Debütalbum "The Knife, The Needle" war für Elanor Mos selbst eine komplexe Reise. Zeitweise fühlte sie sich von ihrer eigenen Musik entfremdet und suchte nach einem neuen Sound, anstatt den Raum zu besetzen, den sie sich bereits geschaffen hatte. "Nichts fühlte sich richtig an", erinnert sie sich, "also nahm ich den Druck heraus und versuchte, meine Beziehung zum Songwriting und zur Musik neu zu kalibrieren." Die drei Jahre, in denen die Songs für "The Knife, The Needle" entstanden, führten sie letztendlich zurück zu ihren Wurzeln und ihrer Liebe zu, wie sie es ausdrückt, "der Musik, die mich wirklich etwas fühlen ließ; der Musik, die ich schreiben wollte." "Das waren Folk- und zeitgenössische Folk-Songwriter", fährt sie fort. "Ich habe viel Zeit damit verbracht, Gitarre zu spielen", fährt sie fort. "Ich habe mir ein Vierspur Tape Gerät geliehen und darauf Demos aufgenommen. Ich habe mich intensiv mit Kurzgeschichten beschäftigt. Die schlichte, direkte Wahrhaftigkeit von Autor*innen wie Raymond Carver hat mich sehr angesprochen und inspiriert, während ich darauf wartete, dass meine Lust am Schreiben zurückkehrt. Ich habe außerdem wieder eine Therapie begonnen, in der ich anfing zu verstehen, woher ich komme, wie sich meine Familiengeschichte in meinem Handeln widerspiegelt und wie ich liebe und Liebe annehme. Aus der Langsamkeit und Stille dieser Rhythmen sind diese Songs entstanden." ,Sarah Waiting in the Car" gibt den Ton an, mit Moss' zartem, nachdenklichem Gitarrenspiel und den Pinselstrichen von Matthew Herds Ensemble - Marcus Hamblett (Horn), Jool Owen (Horn), Andrew Stuart-Buttle (Violine), Reid Jenkins (Violine), Linus Fenton (Kontrabass) und Herd (Saxophon) - die ihre Texte mit herzzerreißender Ernsthaftigkeit untermalen, während sich die Erzählung, die aus Moss herausfließt, von einem Treffen in der Bar zu den Nachwirkungen einer missbräuchlichen Beziehung wandelt, wobei Sanftheit in Gewalt umschlägt. In ,Fixer" ringt Moss mit der Tatsache, dass Liebe jemanden ebenso verletzen kann, wie sie ihn heilen kann. Ihr Album ,The Knife, The Needle" beschäftigt sich damit, wie Beziehungen durch die Liebe verändert, verkompliziert und erschüttert werden. Es ist ein erschütterndes Werk, zugleich geduldig und verletzlich, opulent umgesetzt und tief empfunden. Beide Objekte, die im Albumtitel genannt werden, können Blut vergießen, doch durch ihre Stimme und Gitarre erhellt, ist das, was aus den Wunden fließt, die sie hier teilt, nichts Geringeres als Poesie.

Brennan Wedl"s self-titled album is a testament to collaboration, with old selves, the selves yet-to-be and the friends helping you along the way. It"s an anthology of spiritual awakening that sizes up the road ahead, encapsulating the messes and triumphs when leaving a traditional path for something less steady. Wedl is already a prolific artist, releasing solo music since 2012, and co-founding the queercore outfit Dazey & The Scouts in 2015. On her debut album for ANTI-, she shakes off the prying eyes of expectation, leaving behind the anxiety of forming yourself for others and welcoming in the delight of finally being exactly who you are. Wedl enlisted Katie Crutchfield (Waxahatchee) and Brad Cook (Bon Iver, Hurray for the Riff Raff) to co-produce and play on the album, with instrumentalists Colin Croom, Lindsey Jordan and Matt McCaughan also sprinkled throughout. Together, they formed a middle ground between punk, grunge and Americana - "grungetry" as they affectionately call it - capturing all tracks within a 10 day stay at Cook"s studio in Durham, NC.

Die Instrumentalgruppe von Guiding Light hatte bereits ihre ersten Songs fertig, als sie Elise Cook als Sängerin ansprachen - und die hatte wie durch ein Wunder schon fertige Texte parat. Dieser Moment des Schicksals führte zu ihrer ersten EP, elf Minuten und fünfzig Sekunden voller Raserei, die ihren Post-Punk-Sound für kulturell Neugierige definierten. Heute entstehen Cooks Melodien im selben Raum wie das präzise Klimpern von John Morales' Gitarre, der bissige Bass von Rachel Kirk und die hämmernde Intensität von Charles Powell am Schlagzeug. Das Ergebnis ist ,Fear On My Own Time", ein neues Album einer Band, die weiß, was sie kann, und immer besser wird. Man merkt kaum, dass die Aufnahmen in zwei Sessions im Abstand von sechs Monaten entstanden sind, denn man spürt die Dringlichkeit in der Arbeit. So wie Wut zum Handeln antreibt, wird Energie zur Reaktion. Die Erzählung von ,Fear On My Own Time" gewinnt an Umfang, während Reflexionen über eine Trennung zu Erkenntnissen über zwischenmenschliche Verbindungen führen. Selbstkritik speist sich aus Ego, Verwirrung und unverblümter Ehrlichkeit, doch die Wurzel dieser Probleme liegt in einem viel größeren Thema. Die letzten beiden Songs gipfeln in einem Aufruf gegen den Faschismus und zeigen, wie uns - nachdem wir niedergeschlagen wurden - unsere Unfähigkeit, verletzlich zu sein, auseinander treibt. Man muss nicht die für Guiding Light übliche deutsche Sprache sprechen, um das zu verstehen - tatsächlich enthält das Album ihre ersten ins Englische übersetzten Songtexte: ,In the cage - only together we find the key." Wenn wir alle zu Guiding Light tanzen würden, wäre die Welt ein besserer Ort. - Sydney Salk

From São Paulo, Brazil comes CSS, the first South American band Sub Pop has foisted upon the global marketplace. Cansei de Ser Sexy, Portuguese for “Tired of Being Sexy,” is improbably, unbelievably and nearly eponymously their debut. It is a thick, pulsating thing full of haphazard synths (“Alala”) and a come-on of call and response that tears down any attempt at posturing (“Art Bitch,” “Patins”). It is equal parts rock mantra and throwback into something new, transcending boundaries of genre and geography.

It careers full speed into dance territory, into the unknown and untouched, to emerge all hot and bothered with wild electro-rock. Pretension? Absent. Friction? Probable. They are the un-pretension: unfinished, exposed, and throwing all they have right at you. It is quick, tightly-wound, unfastened and supreme. Not a sneer but a giggle. To paraphrase from the Portuguese: “Not only music, but a new way to live with it. An unfinished group that, unlike preserving itself until getting ‘to the point,’ was bravely showing off, turning everything into style.” Fashion. Art. Design. Cinema. Panties thrown and received. Micro shorts and dirty legs. How does it happen? It happens like this…

Everything Beautiful Died Early is a raw and cinematic collaboration between Washington D.C. rapper Ankhlejohn and Bronx producer V Don — a meeting of two uncompromising underground voices. Blending Ankhlejohn’s vivid street poetry and unfiltered introspection with V Don’s dark, soulful production, the album captures the tension between survival, ambition, and loss. DC meets the Bronx across a body of work that feels both grimy and reflective, rooted in East Coast tradition while pushing its own unmistakable atmosphere.

The project also features standout guest appearances from CRIMEAPPLE, Babymaine, and Sha Hef, adding even more depth to the album’s cold, streetwise aesthetic.

Baby You’re A Winner’ is a perfect illustration of the elevated musicality of the album that bears its name. Linking up across the record’s twelve tracks with producer Ali Chant (PJ Harvey, Perfume Genius, Yard Act), Baby You’re A Winner showcases a real levelling up for Grandmas House: more layered and involved than their trio of previous EPs - Grandmas House (2021), Who Am I (2023), Anything For You (2025) - with a greater focus on the use of vocals and harmonies to embolden the meticulously crafted arrangements.

It’s the sound of the quartet - Yasmin Berndt (guitar, vocals), Poppy Dodgson (vocal, drums), Zoë Zinsmeister (bass, vocals) and Polly Jessett (guitar) - bringing a greater sense of nuance and space to their music, while deploying myriad genres to maximum effect. From the righteous, elasticated rock of recent single ‘DOG’ to the syncopated post-punk and brass blasts of ‘Dance’ and on to the chamber folk ambiance of closer ‘Spring’, Baby You’re A Winner is the most authentic, realised portrait of Grandmas House to date.

The songs here navigate a precarious balancing act between sadness and catharsis, ultimately landing in a place of salvation - the product of the band’s tight-knit friendship, this album is their gift to the world, born from a period of grief and hardship but emerging from the other side with profound love and strength. It’s a testament that even when the odds are against you, anyone can be a winner.

The West Coast's contribution to hardcore punk is undeniable. That tradition of aggression, passion, and scrappy melodicism continues with The Barbarians Of California, an engaging new manifestation of iconoclastic spirit and true bombast. Born from the shared passion of Aaron Bruno (AWOLNATION) and his longtime engineer Eric Stenman - who cut his teeth in the same Sacramento community that eventually launched diverse and disparate acts like Deftones, Far, Will Haven, Team Sleep, Hella, Dance Gavin Dance, Death Grips, and Trash Talk - the spirit of the underground and the personal catharsis delivered through metallic hardcore never left either of them. So, when Aaron learned that Eric crafted a batch of throwback bangers combining impassioned angst with modern sensibilities, he wanted in immediately. The Barbarians of California was born.

In 2024, the band released their debut album, And Now I'm Just Gnashing My Teeth, and celebrated with a high-energy show at the iconic Troubadour in Los Angeles, cementing their place in the hardcore scene's next chapter. Since then, they've continued to build momentum with headline shows across LA, a summer 2025 arena tour with Deftones and other festival appearances that brought their explosive live presence to a wider audience. Dropping two new singles in 2025 including a collaboration with Keith Buckley (Every Time I Die/Many Eyes), The Barbarians Of California are gearing up in 2026 for the release of their sophomore album, MEGATONS. With their second full length, The Barbarians of California are unleashing fresh chaos straight from the sun-soaked, teeth-gnashing heart of the Golden State. Blending raw hardcore energy, razor-sharp riffs, and that signature mix of ferocity and tongue-in-cheek humor, these new songs hit like a caffeine-fueled fever dream.

Erleben Sie die zeitlose Faszination der Country- und Westernmusik auf einer hochwertigen LP. Diese Compilation vereint unvergessliche Klassiker und präsentiert die größten Stimmen des Genres – authentisch, emotional und voller musikalischer Geschichte.

Mit legendären Künstlern wie Hank Williams, Patsy Cline, Willie Nelson, Elvis Presley und Johnny Cash bietet diese Vinyl-Ausgabe eine Auswahl der schönsten Country- und Western-Songs aller Zeiten. Von gefühlvollen Balladen über traditionelle Honky-Tonk-Klänge bis hin zu mitreißenden Klassikern – jede Seite dieser LP lädt zu einer musikalischen Reise durch das Herz Amerikas ein.

Highlights:

Große Country- & Western-Klassiker auf Vinyl

Mit den Legenden Hank Williams, Patsy Cline, Willie Nelson, Elvis Presley und Johnny Cash

Zeitlose Songs voller Emotion, Tradition und authentischem Country-Feeling

Ein Muss für Vinyl-Liebhaber und Fans klassischer Countrymusik

Ideal zum Sammeln, Verschenken und Genießen

Diese LP bringt den unverwechselbaren Klang der goldenen

Ära des Country & Western direkt auf Ihren Plattenspieler – ein musikalischer Schatz für alle Liebhaber echter Klassiker

Trotz vielen modernen Strömungen in den letzten 30 Jahren, sind es doch die traditionellen Spielarten des Heavy Metal, die den Motor am Laufen halten und auf die junge und alte Fans immer wieder zurückgreifen.
Diese Box repräsentiert drei Alben aus den „goldenen Achtzigern“, während die LP von OBLIVION beweist, dass es im Underground auch in den Neunzigern Musik jenseits von Grunge und Crossover gab. Die US-Metal-Legende GRIFFIN ist die bekannteste Band in dieser Box. Ihre beiden Alben auf dem Steamhammer Label (in den USA auf Shrapnel) gelten heute als Klassiker und man tritt sogar noch sporadisch auf, unter andere, beim Keep It True Festival. Enthalten ist das zweite Album „Protectors Of The Lair“ als Doppel-LP mit einem neuen Remix, aber auch mit dem Original als Remaster. HAMMER´S RULE gehören zu den besten Underground US-Metal Bands. In Deutschland wurden deren EP und LP zusammengeschnitten und man konnte das Werk der Gruppe nicht vollständig erwerben. Golden Core haben das nun gelöst, in dem der LP eine zusätzliche 7“ Single beiliegt. Somit hat man „Show No Mercy“ zusammen mit „After The Bomb“ endlich komplett und das auch noch remastert. Hammer´s Rule fallen durch einen melodischen, aber harten und teils epischen Stil, sowie durch eine der besten Rhythmusgruppen im US-Metal auf. SQUADRON aus Deutschland wurden erst kürzlich „entdeckt“ und gelten seitdem als eine der besten unsigned Bands des German Metal der Achtziger.
Es ist zudem die erste Band von Drummer Klaus Sperling, der in Folge mit Primal Fear, Sinner oder Nitrogods bekannt wurde. Squadron habe zwei professionell klingende Demos aufgenommen, die hier nun erstmals restauriert und gemastert vorliegen.

Fans und Presse sind sich einig: Hätte diese Band ein Album bei den damals einschlägigen Labels veröffentlicht, wären sie heute bekannt wie Running Wild oder Helloween. OBLIVION haben in den Neunzigern eine CD in Eigenregie veröffentlicht – ganz schlechte Zeiten für einen kreativen, aber dennoch traditionellen Heavy Metal-Stil. „Reflections“ wurde nach und nach zur Rarität und zu einem Sammlerobjekt, aber die Rufe nach einer Vinylausgabe wurden lauter. Golden Core haben reagiert und dieses versteckte Kleinod auf LP veröffentlicht

Die deutschsprachige Indie-Punkrock Band Hi! Spencer macht mit "immernie" ein Album, das nicht nach klaren Antworten sucht. Es ist ein Album über das Aushalten der eigenen Ambivalenz. Gefühle sind selten eindeutig. Hoffnung trifft auf Zweifel, Aufbruchsstimmung auf Heimweh - und manchmal fühlt sich alles gleichzeitig schwer und leicht an. Hi! Spencer sind gewachsen wie eine Kaugummiblase: langsam, stetig, aber mit Druck dahinter. Kein Hype, kein Abkürzen - sondern durchbeißen, weitermachen, langer Atem. Von kleinen Kellerklubs, in denen der Schweiß von der Decke tropft, bis auf die großen Bühnen des Landes. Alles selbst erspielt, alles Zug um Zug. Und genau deshalb hält das hier auch: weil es nicht aufgeblasen ist, sondern gewachsen. "immernie" ist der Moment, in dem sich nichts mehr kleinreden lässt - laut, schillernd und mit Wucht stellen Hi! Spencer klar: ihre Jahre sind noch lange nicht vorbei. Die Songs der Band haben mittlerweile millionenfache Aufrufe auf den Streamingportalen. Nach ausverkauften Clubtouren 2025 durch Deutschland und Österreich zählt die Band längst zu den gerngesehenen Gästen auf den großen Festivals, darunter Hurricane, Deichbrand und Highfield. "immernie" erscheint auf dem Label Merchcowboy Records, aufgenommen wurde das Album mit Tobi Schneider im DocMaKlang Studio Osnabrück.

,White Van Music" ist das Debüt-Studioalbum des amerikanischen Hip-Hop-Produzenten Jake One. Es erschien am 7. Oktober 2008 bei Rhymesayers Entertainment. In den USA erreichte es Platz 10 der Billboard Heatseekers Albums-Charts, Platz 49 der Independent Albums-Charts und Platz 94 der Top R&B/Hip-Hop Albums-Charts. Der Superproduzent aus Seattle und selbsternannte ,perfekte Beat-Writer" Jake One tritt aus dem Schatten des Mischpults hervor, um sein eigenes Debütalbum ,White Van Music" zu präsentieren. Jake One hat seine Produktionskünste im Laufe des letzten Jahrzehnts verfeinert und die musikalischen Klangwelten für Künstler wie De La Soul (,Rock Co. Kane Flow" feat. MF DOOM) bis hin zu 50 Cent (,All Of Me" feat. Mary J. Blige) gestaltet. Mit einer beeindruckenden und vielfältigen Diskografie ist es Jake One gelungen, seinen Sound aus dem Underground in die Billboard-Top-10-Charts zu bringen. Mit einer spannenden Mischung aus aufstrebenden Underground-Künstlern sowie einigen der angesehensten Mainstream-Acts des Hip-Hop wird Jake Ones ,White Van Music" die sogenannten Grenzen zwischen Underground- und Mainstream-Hip-Hop verwischen _ genau wie es seine herausragende Karriere als Produzent bereits getan hat.

Ursprünglich in kleinen, ausverkauften Auflagen selbst veröffentlicht, fangen La vida de alguien más (2021) und Obrigaggi (2023) Diles Que No Me Maten auf dem Höhepunkt ihrer unermüdlichen Kreativität ein - sie bewegen sich fließend zwischen krautrockigen Grooves, Free-Jazz-Chaos und spektralen, traumartigen Meditationen. La vida ist ein berauschender 34-minütiger Ausbruch von Post-Punk-Dringlichkeit und improvisierten Wendungen, während Obrigaggi, aufgenommen in einem Haus am Flussufer in Veracruz, mit intimer, jenseitiger Anmut dahinschwebt. Nun werden diese Alben zum ersten Mal gemeinsam neu aufgelegt und über Moonlight Activities vertrieben. Diese Alben markieren die Entwicklung der Band von Underground-Lieblingen in Mexiko-Stadt zu einer der experimentierfreudigsten Rockbands auf der internationalen Bühne.

Ursprünglich in kleinen, ausverkauften Auflagen selbst veröffentlicht, fangen La vida de alguien más (2021) und Obrigaggi (2023) Diles Que No Me Maten auf dem Höhepunkt ihrer unermüdlichen Kreativität ein - sie bewegen sich fließend zwischen krautrockigen Grooves, Free-Jazz-Chaos und spektralen, traumartigen Meditationen. La vida ist ein berauschender 34-minütiger Ausbruch von Post-Punk-Dringlichkeit und improvisierten Wendungen, während Obrigaggi, aufgenommen in einem Haus am Flussufer in Veracruz, mit intimer, jenseitiger Anmut dahinschwebt. Nun werden diese Alben zum ersten Mal gemeinsam neu aufgelegt und über Moonlight Activities vertrieben. Diese Alben markieren die Entwicklung der Band von Underground-Lieblingen in Mexiko-Stadt zu einer der experimentierfreudigsten Rockbands auf der internationalen Bühne.

The brand new jangle rock album from legendary UK cult songwriter, Robyn Hitchcock

Bay Area, California's Death Metal Grind Punk freaks, Deathgrave are back with their 3rd album. "Hell is Evil" dives into the faster, slower & noisier extremes of grindcore while dragging you into a new unknown dimension. Shared member with the legendary Autopsy and Brainoil.

Since their debut, Rising Insane have evolved from a fierce independent quintet into a global heavy-hitter, amassing millions of streams across their previous catalog. Their journey to the top has been defined by elite company, having shared stages with genre icons like Papa Roach, Of Mice & Men, and Stray From the Path, transforming them into an unstoppable live force. This momentum is now reaching a fever pitch with their upcoming album, Deathrace. The record includes the standout track "Good Enough" (feat. Matt Flood of Caskets), which proved the band's immense reach by surpassing one million streams right at its release, alongside the dark and mature "Error" (feat. Steven Jones of Bleed From Within). Fans can also look forward to explosive new collaborations on the album with ACCVSED and David Schneider (The Butcher Sisters). Deathrace marks the band’s most radical chapter yet, stripping away polished refinement in favor of raw power and primal riffs. It is a limit-breaking statement that finally pushes their sound to the absolute limit - Rising Insane have never stood still, but now they are finally flooring it.