Search:herzschlag

Originally composed by Collage in 1985, Herzschlag returns in a newly recorded cover version by Berlin-based synth-wave duo Bionda e Lupo. Describing themselves as a “boy/girl band like no other,” Lupo recreated the NDW-electro tune from the ground up using an impressive array of vintage instruments and studio equipment, including classic synths such as a Pro-One, a Roland Juno-60, and a Farfisa Syntorchestra. Bionda’s distinctive voice adds a new emotional depth to Katrin A. Kunze’s lyrics while still remaining true to the original spirit of the song.

Lupo of Bionda e Lupo has long been a devoted fan of Mit den Puppen tanzen, Collage's only release at the time, originally issued as a 12" single in 1984. Despite never managing to acquire an original copy, he considers the record unique within the German NDW landscape thanks to its unmistakable "Bravo-breakdance-meets-synth-pop" character. Indeed, Markus Kammann, Jürgen Grah, and Katrin A. Kunze drew significant inspiration from the electro-funk pioneers of the era, particularly Afrika Bambaataa's iconic Planet Rock. When we approached Bionda e Lupo about re-editing a track from the Collage's Motel d'amour release, they instead proposed recording an entirely new cover version.

Work on the project began in spring 2025 in coordination with Markus Kammann, who, together with Jürgen Grah, originally composed the music. Sadly, Kammann, born in 1958, passed away unexpectedly on October 17, 2025. This release is dedicated to his memory.
The liner notes reveal additional details about Kammann's remarkable life and achievements. He was the founder of the legendary Beatbox club in Wuppertal, which was once recognized as the "Best Club in Europe," and a co-founder of the Groove Attack record store. Groove Attack would later grow into one of the world's most influential music distributors, especially for Hip-Hop.

The 12" release is limited to 200 copies. Pressed on transparent red vinyl with black "smoke" effects, it comes housed in a picture-disc sleeve with an accompanying sticker. As an additional highlight, the record includes a previously unreleased NDW bonus track recorded around 1983 by Collage. It features Katrin A. Kunze as well as Thomas Kohl, the vocalist of Schwarze Bewegung.

- Red transparend vinyl with black smoke
- Housed in a picture-disc sleeve with large sticker
- Released in memory of Markus Kammann (1958-2025)
- Contains A4-sheet with liner notes
- 5 tracks, including the vinyl only bonus track "Hallo E.T.",
- Quality lacquer cut by Manmade Mastering

Semiratruth ist ständig in Bewegung. Der in Brooklyn lebende, in Chicago geborene Elektronik-Künstler reist von Bühne zu Bühne und pendelt zwischen unterschiedlichen Underground-Musikszenen - von den USA über Guatemala bis in die Niederlande -, Synthesizer und Sampler im Gepäck, als wären sie ein Teleportationsgerät. Auf der Bühne lenkt er intuitiv die Energie im Raum und scheint den kollektiven Herzschlag des Publikums mit einem universellen Metronom zu synchronisieren. Mit einem Tisch voller Elektronik-Geräte klopft er ganz beiläufig klangliche Portale in eine andere Welt auf. Semiras sich ständig wandelndes Umfeld und ihr eigener gelebter Schwung sind auf ihrer neuen LP ,S!M" zu hören, die am 25. September über das vielseitige Chicagoer Label Sooper Records erscheint. ,S!M" schafft eine einzigartige Balance: Der kompositorische Minimalismus von Acid, Juke und Baile Funk schlängelt sich in industrielle Klanglandschaften, um dann durch experimentelle und melodische Improvisationen ins Licht gerückt zu werden, die an Cosmic Synth und Spiritual Jazz der 1970er Jahre erinnern. Das Selbstbewusstsein, mit dem Semiratruth diese klangliche Dualität nutzt, spiegelt sich in den Themen ihres schwindelerregenden instrumentalen Multiversums mit 20 Tracks wider. Disharmonische Stimmen von Gedanken und Gefühlen, Sehnsucht und Hingabe, Hinterfragen und Träumen - all das findet Harmonie in Semiras Welt, in der unterschiedliche Realitäten gleichzeitig existieren. Jeder Track ist ein Universum, das sich in einem Existentialismus ergeht, der zu gleichen Teilen aus Freude und Schmerz besteht - eine Aufforderung, den Kosmos mit Kopfhörern zu ergründen oder ihn auf der Tanzfläche auszuleben. Semiratruths bisheriges Werk und vergangene Live-Auftritte haben dem Künstler einen Ruf für seine lyrische Gewandtheit eingebracht, doch ihre Leidenschaft für instrumentale Arrangements ist in all ihren bisherigen selbstproduzierten Werken zu hören. Auf ,S!M" richtet Semira den Fokus ganz einfach auf die Sounddesign-Aspekte ihrer Kunst. Tracks wie ,Atitlán", benannt nach Guatemalas großem See, zeigen Semiratruths disziplinierte kompositorische Stärke. In seiner Mikrotonalität sehr intim, breitet sich ein sich langsam wandelndes Synth-Pad aus, während Spritzer maschineller Töne die Mehrdeutigkeiten des Lebens zwischen den Noten melodisch zum Leben erwecken. Diese Zurückhaltung steht in krassem Kontrast zu Tracks wie ,Blood Moon Eclipse" und ,we gotta GO!", in denen dröhnende Kick-Drums den Hörer in den Rhythmus des Stadtlebens katapultieren. In jedem Moment könnte Semiratruth überall sein. Wo auch immer Semira nicht ist, füllt ihr Geheimnis die Leere. Ihr Schatten-Ich stürzt sich in ein pulsierendes Publikum von NYC-Fans, während sie die Lautsprecher mit einem Fingertipp zum Beben bringen. Im selben Moment wird ihre Geschichte zum Mythos in den Chicagoer DIY-Szenen, aus denen sie hervorgegangen sind. Genau in derselben Sekunde schwärmen Farm-Core-Songwriter hinter der Bühne eines Folk-Festivals von ihrer neu entdeckten musikalischen Obsession und rufen aus: ,Semira ist die WAHRHEIT!" Wie Semira es ausdrückt: ,All diese S!Mulationen und Zeitachsen finden S!Multan statt. Je tiefer du eintauchst, desto seltsamer wird es."

Mit "Eyes Full" legt Zoh Amba ein eindringliches Songwriter-Debüt vor - und zugleich die erste Veröffentlichung bei Matador. Bekannt geworden als Saxophonist:in der New Yorker Freejazz-Szene und gefeiert auf internationalen Festivals, kehrt Amba nun zu den eigenen Wurzeln zurück: zur Gitarre und zur Heimatstadt Kingsport in Tennessee. Die Songs auf "Eyes Full" tragen den rauen Geist dieser Landschaft in sich - zwischen schlingerndem Blues und Appalachian Folk. Im Zentrum steht das Sehen und Gesehenwerden. Amba richtet den Blick auf Menschen aus amerikanischen Kleinstädten: Arbeiter, Suchende, jene, die kämpfen und oft übersehen werden. Aufgewachsen in den Bergen Tennessees, zog Amba mit 17 nach San Francisco und später nach New York. Doch die Vergangenheit lässt sich nicht abschütteln - sie fordert ihre eigene Stimme. Lange glaubte Amba, dass instrumentale Musik allein zur Transzendenz führen könne. Doch irgendwann drängten sich Worte nach vorn. Die Gitarre wurde zum Werkzeug, um Erinnerungen und Erfahrungen direkt zu begegnen. So entstanden Songs voller Empathie für Menschen am Rand der Gesellschaft - Figuren zwischen Schmerz, Einsamkeit und Hoffnung. Aufgenommen wurde "Eyes Full" live und ohne Overdubs in den Drop of Sun Studios in Asheville. Kevin Hyland an der E-Gitarre und Jim White am Schlagzeug verleihen den Songs eine rohe, unmittelbare Kraft. Ambas Stimme knurrt, flüstert und brennt sich durch die Stücke. Zärtlichkeit und eruptive Energie liegen hier oft nur einen Herzschlag auseinander. "Eyes Full" ist ein Album, das hinschaut - und lange nachhallt.

Mit "Eyes Full" legt Zoh Amba ein eindringliches Songwriter-Debüt vor - und zugleich die erste Veröffentlichung bei Matador. Bekannt geworden als Saxophonist:in der New Yorker Freejazz-Szene und gefeiert auf internationalen Festivals, kehrt Amba nun zu den eigenen Wurzeln zurück: zur Gitarre und zur Heimatstadt Kingsport in Tennessee. Die Songs auf "Eyes Full" tragen den rauen Geist dieser Landschaft in sich - zwischen schlingerndem Blues und Appalachian Folk. Im Zentrum steht das Sehen und Gesehenwerden. Amba richtet den Blick auf Menschen aus amerikanischen Kleinstädten: Arbeiter, Suchende, jene, die kämpfen und oft übersehen werden. Aufgewachsen in den Bergen Tennessees, zog Amba mit 17 nach San Francisco und später nach New York. Doch die Vergangenheit lässt sich nicht abschütteln - sie fordert ihre eigene Stimme. Lange glaubte Amba, dass instrumentale Musik allein zur Transzendenz führen könne. Doch irgendwann drängten sich Worte nach vorn. Die Gitarre wurde zum Werkzeug, um Erinnerungen und Erfahrungen direkt zu begegnen. So entstanden Songs voller Empathie für Menschen am Rand der Gesellschaft - Figuren zwischen Schmerz, Einsamkeit und Hoffnung. Aufgenommen wurde "Eyes Full" live und ohne Overdubs in den Drop of Sun Studios in Asheville. Kevin Hyland an der E-Gitarre und Jim White am Schlagzeug verleihen den Songs eine rohe, unmittelbare Kraft. Ambas Stimme knurrt, flüstert und brennt sich durch die Stücke. Zärtlichkeit und eruptive Energie liegen hier oft nur einen Herzschlag auseinander. "Eyes Full" ist ein Album, das hinschaut - und lange nachhallt.

In einer mutigen, hypnotischen Hommage an Detroits ursprüngliche Avantgarde-Rock-Wurzeln verwandeln Schlagzeuger Larry Mullins (alias Toby Dammit) und der legendäre Bassist Mike Watt das eindringliche Mantra ,We Will Fall" von The Stooges in ein fast 40-minütiges Ritual aus Wiederholungen, Zurückhaltung und roher Atmosphäre. Mullins und Watt greifen den unheimlichen Puls und den narkotischen Drone des Original-Tracks von 1969 auf und treiben dessen tranceartigen Kern in unbekanntes Terrain. Mullins, bekannt für seine Arbeit mit Iggy Pop, Swans und Nick Cave, baut mit seiner Shruti-Box, Moog-Elektronik, Tabla und Gongs eine minimalistische Landschaft auf. Watts charakteristisches Low-End-Dröhnen verwandelt sich von einem subtilen Herzschlag zu einer Ganzkörperhalluzination. Das Ergebnis ist keine Coverversion, sondern eine erweiterte Beschwörung. Teils Séance, teils Trauergesang, teils freie Erkundung von Stimmung und Geist. Es ist ein langsames Brennen klanglicher Hingabe, das den Geist der Stooges ehrt und gleichzeitig die Tür zu etwas völlig Neuem öffnet: ein tiefes Eintauchen in das Heilige und Fremde. Dieses meditative und bedrohliche Stück ist auf zwei Seiten der LP aufgeteilt, die exklusiv für den Record Store Day Black Friday 2025 erhältlich ist. Die Hälfte der Pressung erscheint auf goldenem Vinyl, die andere Hälfte auf schwarzem, die Auswahl erfolgt nach dem Zufallsprinzip.

Reissue 1986

Motel d'amour - A Lost Electro-Funk Gem from the NDW Era Resurfaces

When we first collaborated with Collage member Markus Kammann on the EP project "Mit den Puppen tanzen" at the end of last year, we never imagined what would follow: Kammann approached us with a completely unreleased full-length album by his former band. Upon receiving the first three preview tracks, we were floored. One of them was "Nachtcafé" - a track that kicks off with a funky bassline layered over the punchy rhythm of a Roland TR-808. Add shimmering synths and Katrin A. Kunze's sharp, distinctive vocals, and we instantly knew we were hearing something special.

For a label dedicated to rediscovering lost treasures, this was exactly what we'd been searching for. The next two tracks - "Rendezvous" and "Casanova" - were just as compelling. When Kammann sent us the full album, we realized we were holding an electro-funk grail from the late golden days of the German Neue Deutsche Welle (NDW). We were listening to "Motel d'amour".

"Motel d'amour" is a concept album, offering a sharp, vibrant perspective from a confident, intelligent, and radiant young woman eager to experience nightlife, love, and music. Kunze's lyrics paint vivid scenes of flirtation ("Nachtcafé", "Rendezvous"), encounters with men ("Casanova"), the pulse of nightlife ("Die Nacht ist noch jung"), love ("Rotes Licht für rote Liebe"), one-night stands ("Motel d'amour"), and more. Rarely has a German album from that era captured emotional nuance and social dynamics so insightfully. Without veering into the overly personal, Kunze's direct, daring lyrical style was groundbreaking at the time - and remains refreshingly bold today.

While German listeners will fully appreciate the lyrical depth, the music speaks volumes on its own. Kunze's words are masterfully complemented by the production of Markus Kammann and Jürgen Grah. As heard on the in-demand "Mit den Puppen tanzen", their creativity seemed boundless. Each track is tightly composed, catchy, and full of character. While many German bands at the time leaned into rock, Kammann drew from the deep grooves of Earth, Wind & Fire, The Isley Brothers, Brothers Johnson, The Commodores, and the electro-futurism of Afrika Bambaataa's "Planet Rock" and "Looking for the Perfect Beat". The result: tracks with unmistakable electro-funk flair, powered by the classic 808 drum sound.

Though primarily rooted in funk and electro, the album retains flashes of NDW aesthetics - "Wir haben getanzt heut' Nacht" being a prime example. The instrumentation is a dream list for vintage gear lovers: Yamaha keyboards, Roland Juno-60, vocoder, Micromoog, Hohner D6 Clavinet, Fender bass, and a Telecaster guitar all feature prominently.
Recorded in 1985 at the high-profile Delta Studio by Richard Rossbach, the album attracted interest from Polydor. However, the label proposed using the compositions for a solo project with singer Inga Humpe (of Neonbabies), who was already signed to their roster. This would have required replacing Kunze as the vocalist, an idea the group firmly rejected. As a result, "Motel d'amour" was shelved, and Kammann, Grah, and Kunze moved on to form Cold End.
The album cover features a rare archival photo of Katrin A. Kunze - rediscovered by Kammann and now finally seeing the light of day, 40 years later.

We believe Motel d'amour deserves recognition alongside cult German classics like P!OFF?, 1. Futurologischer Congress' "Wer spricht?", Ami Marie's "Verrückt nach Glück", the funkier cuts of Cosa Rosa, or Piet Klocke's groove classic "Heute ist nicht sonst". It's a record that fits into adventurous DJ sets but also rewards a full, start-to-finish listen.

A note on audio quality: Sadly, the original master tapes were lost. The tracks were restored from a vintage TDK cassette. Thanks to modern digital tools, we were able to remaster them to a high standard - but in some songs light distortions remain. We appreciate your understanding and hope you enjoy this lost and undiscovered gem.

Motel d'amour - A Lost Electro-Funk Gem from the NDW Era Resurfaces

When we first collaborated with Collage member Markus Kammann on the EP project "Mit den Puppen tanzen" at the end of last year, we never imagined what would follow: Kammann approached us with a completely unreleased full-length album by his former band. Upon receiving the first three preview tracks, we were floored. One of them was "Nachtcafé" - a track that kicks off with a funky bassline layered over the punchy rhythm of a Roland TR-808. Add shimmering synths and Katrin A. Kunze's sharp, distinctive vocals, and we instantly knew we were hearing something special.

For a label dedicated to rediscovering lost treasures, this was exactly what we'd been searching for. The next two tracks - "Rendezvous" and "Casanova" - were just as compelling. When Kammann sent us the full album, we realized we were holding an electro-funk grail from the late golden days of the German Neue Deutsche Welle (NDW). We were listening to "Motel d'amour".

"Motel d'amour" is a concept album, offering a sharp, vibrant perspective from a confident, intelligent, and radiant young woman eager to experience nightlife, love, and music. Kunze's lyrics paint vivid scenes of flirtation ("Nachtcafé", "Rendezvous"), encounters with men ("Casanova"), the pulse of nightlife ("Die Nacht ist noch jung"), love ("Rotes Licht für rote Liebe"), one-night stands ("Motel d'amour"), and more. Rarely has a German album from that era captured emotional nuance and social dynamics so insightfully. Without veering into the overly personal, Kunze's direct, daring lyrical style was groundbreaking at the time - and remains refreshingly bold today.

While German listeners will fully appreciate the lyrical depth, the music speaks volumes on its own. Kunze's words are masterfully complemented by the production of Markus Kammann and Jürgen Grah. As heard on the in-demand "Mit den Puppen tanzen", their creativity seemed boundless. Each track is tightly composed, catchy, and full of character. While many German bands at the time leaned into rock, Kammann drew from the deep grooves of Earth, Wind & Fire, The Isley Brothers, Brothers Johnson, The Commodores, and the electro-futurism of Afrika Bambaataa's "Planet Rock" and "Looking for the Perfect Beat". The result: tracks with unmistakable electro-funk flair, powered by the classic 808 drum sound.

Though primarily rooted in funk and electro, the album retains flashes of NDW aesthetics - "Wir haben getanzt heut' Nacht" being a prime example. The instrumentation is a dream list for vintage gear lovers: Yamaha keyboards, Roland Juno-60, vocoder, Micromoog, Hohner D6 Clavinet, Fender bass, and a Telecaster guitar all feature prominently.
Recorded in 1985 at the high-profile Delta Studio by Richard Rossbach, the album attracted interest from Polydor. However, the label proposed using the compositions for a solo project with singer Inga Humpe (of Neonbabies), who was already signed to their roster. This would have required replacing Kunze as the vocalist, an idea the group firmly rejected. As a result, "Motel d'amour" was shelved, and Kammann, Grah, and Kunze moved on to form Cold End.
The album cover features a rare archival photo of Katrin A. Kunze - rediscovered by Kammann and now finally seeing the light of day, 40 years later.

We believe Motel d'amour deserves recognition alongside cult German classics like P!OFF?, 1. Futurologischer Congress' "Wer spricht?", Ami Marie's "Verrückt nach Glück", the funkier cuts of Cosa Rosa, or Piet Klocke's groove classic "Heute ist nicht sonst". It's a record that fits into adventurous DJ sets but also rewards a full, start-to-finish listen.

A note on audio quality: Sadly, the original master tapes were lost. The tracks were restored from a vintage TDK cassette. Thanks to modern digital tools, we were able to remaster them to a high standard - but in some songs light distortions remain. We appreciate your understanding and hope you enjoy this lost and undiscovered gem.

Reissue 1984

Seit ihrem Debüt als Brijean hat sich das Projekt der Schlagzeugerin/Singer-Songwriterin Brijean Murphy (der perkussive Herzschlag für Live-Bands wie Mitski, Poolside und Toro y Moi) und des Multiinstrumentalisten/Produzenten Doug Stuart mit Einfallsreichtum bewegt und Psych-Pop-Abstraktion mit Dancefloor-Sensibilität verschmolzen. Durch Körper und Geist, Rhythmus und Lyrik geben sie den Welten um sich herum und in ihrem Inneren einen Sinn. Das Album "Feelings" von 2021 zelebrierte die Selbstreflexion, die EP "Angelo" von 2022 verarbeitete persönlichen Verlust und fiel mit der ersten Headliner-Tour des Duos zusammen. "Macro", das im Juli 2024 auf Ghostly International erscheint, ist das zusammenhängendste, dynamischste, kollaborativste und songorientierteste Werk von Brijean. Hierzu holte sich die Band verschiedene Gastmusiker in ihr Wohnzimmer in LA, mit dabei sind u.a. Chris Cohen und Khruangbins "DJ" Johnson Jr.. Farbenfroh, kollaborativ, anspruchsvoll und mit viel Spaß belebt das Album einen Makrokosmos mit Charakteren, Stimmungen und Standpunkten, die in der Vorstellung verwurzelt sind, dass kein Gefühl endgültig ist und der einzige Ausweg ein Durchgang ist.

Sunroof, alias Daniel Miller & Gareth Jones, veröffentlichen ihr brandneues Album „Electronic Music Improvisations Volume 3“

„Electronic Music Improvisations Volume 3“ ist eine Sammlung von neun improvisierten Tracks, die mit den Eurorack-Modularsystemen des Duos aufgenommen wurden, und baut auf den selbst auferlegten Parametern ihres Debüts aus dem Jahr 2021 auf. Daniel Miller, der Gründer und Vorsitzende von Mute, und Gareth Jones, Produzent und Tontechniker, der durch seine Zusammenarbeit mit Depeche Mode, den Einstürzenden Neubauten, Erasure und Yann Tiersen bekannt wurde, arbeiten seit vier Jahrzehnten zusammen. Obwohl sich beide nicht mit ihrer Vergangenheit befassen, sondern lieber immer wieder neue Wege beschreiten, wird das Erbe von Miller und Mute in dem Track „Splendid“ erwähnt, der mit dem deutlichen Zischen einer Kassette über einem rhythmischen Herzschlag beginnt, bevor die Oszillatoren platzen und kollidieren. Dieser Track wurde mit dem originalen 4-Spur-TEAC aufgenommen, den Miller in den späten 70er Jahren aus zweiter Hand erwarb und auf dem er die 7 Inch „Warm Leatherette“ von The Normal aufnahm.
Dieses Album folgt auf ihr Debüt „Electronic Music Improvisations Vol. 1“ (2021) und ihr zweites Album „Electronic Music Improvisations Vol.2“ (2023), sowie auf ihre Bandcamp-exklusive Veröffentlichung „Electronic Music Improvisations Live in London and Frankfurt“, die ihre Live-Shows im Frankfurter Museum für moderne elektronische Musik und im Londoner IKLECTIK aufzeichnet.

M_Sessions - Reworks is offering a contemporary version of Mania D., Malaria and Matador’s music for the 40th anniversary. Bringing the past into the now and into the future.
Monika Werkstatt seemed the perfect choice for new interpretations. Founded in 2015, comprising female electronic musicians and producers from the entourage of Monika Enterprise and Moabit Musik. The loose collective played dozens of improvised concerts around Europe and released a studio album and live recordings in everchanging artist constellations. The M_Sessions involved Pilocka Krach, Beate Bartel, Midori Hirano, Mommo G, Lucrecia Dalt, Antye Greie-Ripatti, Natalie Beridze, Annika Henderson and myself. Here the form of interpretation is focussing on keeping the freedom of their improvised work and adapting it to the collective appropriation of songs. I cannot imagine a better reinterpretation of the material with its real life ups and downs and with its enthusiasm. (G.Gut)

"The three, reunited: Malaria, Matador and Mania D, unter einem Dach, but gutted, replaced with electronic hearts, new beats, new beasts, the time has changed, yet the politics, the problems, the heartache remains the same. 2021 sees the anniversary of the 3 M’s and therewith the production of an album of songs, covering a selection of the bands’ finest output, this time assembled by a new set of feminist misfits; producers, fangirls, instrumentalists, under the strict guidance of original members Gudrun Gut and Beate Bartel. M-Sessions features: AGF, Lucrecia Dalt, Sonae, Midori Hirano, Islaja, Natalie Beridze, Pilocka Krach, Annika Henderson (Anika), Lupe, Gudrun Gut and Beate Bartel. Beginning in West Berlin, in 1979, with the inception of Mania D, spawning Malaria! and later Matador; in a time when music was essential to movement, to escape, to space, to the scene and to the rebellion of the people; three bands stood for trial and error, trial and terror, anti- conformity, and anti-consumerism, for girl power and sticking it to the man, and for just doing whatever the hell they wanted. The three, their existence slightly staggered, with different members, different grudges, different heartbreaks, different instrumental expressions, were joined by a string of barbed wire, piecing pigeon hearts, within the playground that was the desolate ex-capital, now again capital, Berlin; a place where artists and freaks could run free amongst the wrinklies and army dodgers; no microscopes, no rules, no property developers." (ANNIKA HENDERSON)

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

Sehnsucht” von Schiller als neuaufgelegte Vinyledition, limitiert und in roter Farbe!
Schillers fünftes Studioalbum präsentiert sich als klangliches Abenteuer, das genau in die Sehnsuchtsfaser
der Hörer eindringt. Seit Jahren entführt Schiller seine Fans in eine Welt, in der sie dem harten Alltag
entkommen und in Träumen an ferne Orte entfliehen können.

Opaque Yellow Vinyl
Orgone sind zurück in Kalifornien und kommen mit "Chimera", einem feuerspeienden Spektakel aus psychedelischem Afro-Soul, in Fahrt. Produziert von Sergio Rios (Neal Francis, Say She She), ist "Chimera" eine elektrisierende, traumähnliche Odyssee, die durch die nebligen Sümpfe von New Orleans führt und Texturen von betörendem Voodoo-Soul, dröhnendem Afro-Funk und steinhartem Psych-Rock verwebt. Auf "Chimera" verwandelt die Band aus Los Angeles harte, düstere und ansteckende Grooves in mitreißende Tanzrhythmen. "Chimera", benannt nach einem mythischen Tier mit dem Kopf eines Löwen, dem Körper einer Ziege und dem Schwanz einer Schlange, beschwört einen Zustand herauf, der gleichzeitig tranceartig und herzzerreißend aufregend ist. Das Album beginnt wie eine berauschende Rauchwolke im Gesicht mit "Hallowed Dreams" und zieht den Hörer in einen Zustand, in dem die Realität verschwimmt und die Musik die Kontrolle übernimmt. Der Fokus-Track "Zum Zum" ist ein mitreißender Afro-Funk-Tanzflächeneinheizer, der den Herzschlag mit der treibenden Perkussion synchronisiert, wobei sich der hypnotische Rhythmus zu einem rauschenden, psychedelischen Höhepunkt aufbaut. Auf dem rauen und mitreißenden "Tula Muisi (Dance Like Them)", einer Mischung aus Afrobeat und schwerem Psych-Rock, ruft der Sänger zu Einheit und Respekt auf, was übersetzt so viel heißt wie "Hört die Musik und tanzt wie sie". Die Band ist bekannt für ihre packenden Instrumentalstücke und ihre mitreißende Live-Show. Das verdiente Selbstvertrauen dieser bewährten und kultigen Band ist auf "Chimera" zu hören. Von Anfang an war Orgone eine Chimäre - eine facettenreiche Schöpfung und die physische Manifestation unmöglicher quixotischer Träume. Chimera wird Fans der frühen Orgone begeistern und gleichzeitig die mühelose und unendliche Fähigkeit der Band zeigen, ihre Form zu verändern. Es ist ein elektrisierendes, hypnotisierendes Album, das die Erwartungen übertrifft und den Hörer in Atem hält.

Orgone sind zurück in Kalifornien und kommen mit "Chimera", einem feuerspeienden Spektakel aus psychedelischem Afro-Soul, in Fahrt. Produziert von Sergio Rios (Neal Francis, Say She She), ist "Chimera" eine elektrisierende, traumähnliche Odyssee, die durch die nebligen Sümpfe von New Orleans führt und Texturen von betörendem Voodoo-Soul, dröhnendem Afro-Funk und steinhartem Psych-Rock verwebt. Auf "Chimera" verwandelt die Band aus Los Angeles harte, düstere und ansteckende Grooves in mitreißende Tanzrhythmen. "Chimera", benannt nach einem mythischen Tier mit dem Kopf eines Löwen, dem Körper einer Ziege und dem Schwanz einer Schlange, beschwört einen Zustand herauf, der gleichzeitig tranceartig und herzzerreißend aufregend ist. Das Album beginnt wie eine berauschende Rauchwolke im Gesicht mit "Hallowed Dreams" und zieht den Hörer in einen Zustand, in dem die Realität verschwimmt und die Musik die Kontrolle übernimmt. Der Fokus-Track "Zum Zum" ist ein mitreißender Afro-Funk-Tanzflächeneinheizer, der den Herzschlag mit der treibenden Perkussion synchronisiert, wobei sich der hypnotische Rhythmus zu einem rauschenden, psychedelischen Höhepunkt aufbaut. Auf dem rauen und mitreißenden "Tula Muisi (Dance Like Them)", einer Mischung aus Afrobeat und schwerem Psych-Rock, ruft der Sänger zu Einheit und Respekt auf, was übersetzt so viel heißt wie "Hört die Musik und tanzt wie sie". Die Band ist bekannt für ihre packenden Instrumentalstücke und ihre mitreißende Live-Show. Das verdiente Selbstvertrauen dieser bewährten und kultigen Band ist auf "Chimera" zu hören. Von Anfang an war Orgone eine Chimäre - eine facettenreiche Schöpfung und die physische Manifestation unmöglicher quixotischer Träume. Chimera wird Fans der frühen Orgone begeistern und gleichzeitig die mühelose und unendliche Fähigkeit der Band zeigen, ihre Form zu verändern. Es ist ein elektrisierendes, hypnotisierendes Album, das die Erwartungen übertrifft und den Hörer in Atem hält.

Vegas Performance ist die treffende Erklärung des im Albumtitel manifestierten Schlagsatzes »Warum sie Stürme nach Menschen benennen«. Erhabener denn je fegt der Freund von Niemand wütend wie emotional über dramatisch-unheilvolle Produktionen, hinterlässt in seinem Rücken einzig Schutt und Asche. Einige Stücke auf »WSSNMB« erinnern in ihrer Brutalität, auch Dank ihres klassischen HipHop-Herzschlags, an den »Vincent«-Vega — andere muten futuristisch, geschmackvoll poppig, ja, beinahe gelöst und doch hittig an. Vega präsentiert sich schwächer und gleichzeitig — oder vielleicht genau deshalb — stärker denn je. »WSSNMB« dokumentiert die aufreibende Selbstsuche eines Mannes, der seit Jahren an der Spitze steht und zwischenzeitlich trotzdem gefährlich ins Taumeln geriet. Nach Jahren am Nullpunkt ist Vega zurück im Ring. Nicht für die Goldenen, die Eins oder den glänzenden Benz. Einzig und allein, um sich ein weiteres Denkmal zu setzen und zu beweisen, dass er gestärkt aus der Zeit der großen Krisen hervorgegangen ist.

M_Sessions - Rare Originals is offering a selection of Mania D., Malaria and Matador’s music for the 40th anniversary. Bringing the past into the now and into the future. The original core team of Beate Bartel, Bettina Köster, Manon P. Duursma and Gudrun Gut selected "Rare Originals" from the repertoire of the 3 bands where they saw special relevance and beauty. There are live tracks, living room recordings and demo versions from times long gone.

The project M_Sessions focuses on the All Female bands Mania D., Malaria! and Matador in the West Berlin music and art scene of the late 1970s and 1980s. The three bands around their members Beate Bartel, Bettina Köster and Gudrun Gut played concerts in different formations from 1979 on, released records and toured around the world. The self-determined appearance of the musicians was new, raised some eyebrows and was reflected both in the music and the lyrics, but also in their unique style and the genre-crossing approach of "more art in the music, more music in the art". To this day, the bands are considered visionary, they shaped a new image of women in pop culture and are pioneers and role models for the still important and necessary emancipatory movement in the music industry. Far beyond the borders of Berlin.

Emily Wells, die New Yorker Multiinstrumentalistin mit einem klassischen Geigen-Background, denkt beim Komponieren oft an ein Ensemble. Als klassisch ausgebildete Violinistin, Sängerin, Komponistin, Produzentin und Videokünstlerin wurde die Musik von Wells als "visionary" (NPR) und "quietly transfixing" (The New York Times) beschrieben. "Regards To The End" wurde 2020-21 aufgenommen und ist von Künstlern der AIDS-Krise inspiriert. Es handelt von der Art und Weise, wie ihr Aktivismus unsere eigene Herangehensweise an den Klimaschutz beeinflussen kann, und von Wells eigenen Erfahrungen als queerer Musikerin. Zusammen mit einer Reihe von Mitwirkenden baute sie die zehn Songs auf "Regards To The End" aus bewussten Schichten von Gesang, Synthesizern, Schlagzeug, Klavier, Streichinstrumenten (Geige, Cello, Bass) und Blasinstrumenten (Klarinette, Flöte, Waldhorn) auf. Ihre Musik ist u.a. deshalb so anziehend, weil das Hörerlebnis bei Emily Wells ein sehr körperliches ist. Der Gesang und die Bläser, die auf dem Album stark vertreten sind, stellen den Atem in den Vordergrund. Das Leben schwillt in jeder Note an, während das Schlagzeug uns sowohl an den Puls unseres Herzschlags bindet als auch erdet. Inhaltlich knüpft "Regards To The End" an das Leben und die Arbeit von Choreograph*innen und bildenden Künstler*innen an, die insbesondere mit der AIDS-Krise in Verbindung stehen.

"M_Sessions" is offering a contemporary version of Mania D., Malaria and Matador's music for the 40th anniversary plus the rare originals. Bringing the past into the now and into the future. Monika Werkstatt seemed the perfect choice for new interpretations. Founded in 2015, comprising female electronic musicians and producers from the entourage of Monika Enterprise and Moabit Musik. The loose collective played dozens of improvised concerts around Europe and released a studio album and live recordings in everchanging artist constellations. The M_Sessions involved Pilocka Krach, Beate Bartel, Midori Hirano, Mommo G, Lucrecia Dalt, Antye Greie-Ripatti, Natalie Beridze, Annika Henderson and myself. Here the form of interpretation is focussing on keeping the freedom of their improvised work and adapting it to the collective appropriation of songs. I cannot imagine a better reinterpretation of the material with its real life ups and downs and with its enthusiasm. The original core team of Beate Bartel, Bettina Köster, Manon P. Duursma and myself selected "Rare Originals" from the repertoire of the 3 bands where we saw special relevance and beauty - these tracks are on LP2. We rediscovered live tracks, living room recordings and demo versions from our times long gone. (G.Gut)

M_SESSIONS - THE PROCESS

"M_Sessions" is offering a contemporary version of Mania D., Malaria and Matador’s music for the 40th anniversary plus the rare originals. Bringing the past into the now and into the future.
Monika Werkstatt seemed the perfect choice for new interpretations. Founded in 2015, comprising female electronic musicians and producers from the entourage of Monika Enterprise and Moabit Musik. The loose collective played dozens of improvised concerts around Europe and released a studio album and live recordings in everchanging artist constellations.

The M_Sessions involved Pilocka Krach, Beate Bartel, Midori Hirano, Mommo G, Lucrecia Dalt, Antye Greie-Ripatti, Natalie Beridze, Annika Henderson and myself. Here the form of interpretation is focussing on keeping the freedom of their improvised work and adapting it to the collective appropriation of songs. I cannot imagine a better reinterpretation of the material with its real life ups and downs and with its enthusiasm.
The original core team of Beate Bartel, Bettina Köster, Manon P. Duursma and myself selected "Rare Originals" from the repertoire of the 3 bands where we saw special relevance and beauty - these tracks are on LP2. We rediscovered live tracks, living room recordings and demo versions from our times long gone. (G.Gut)

M_DOKUMENTE // THE BOOK - THE RECORDS - THE EXHIBITION

The project M_Dokumente focuses on the All Female bands Mania D., Malaria! and Matador in the West Berlin music and art scene of the late 1970s and 1980s. We celebrate this 40 years retrospetive with a big festival weekend from 21.-24.10.2021 at Silent Green from a explicitly female perspective.
The three bands around their members Beate Bartel, Bettina Köster and Gudrun Gut played concerts in different formations from 1979 on, released records and toured around the world. The self-determined appearance of the musicians was new, raised some eyebrows and was reflected both in the music and the lyrics, but also in their unique style and the genre-crossing approach of "more art in the music, more music in the art". To this day, the bands are considered visionary, they shaped a new image of women in pop culture and are pioneers and role models for the still important and necessary emancipatory movement in the music industry. Far beyond the borders of Berlin.

3Ms

The three, reunited: Malaria, Matador and Mania D, unter einem Dach, but gutted, replaced with electronic hearts, new beats, new beasts, the time has changed, yet the politics, the problems, the heartache remains the same. 2021 sees the anniversary of the 3 M’s and therewith the production of an album of songs, covering a selection of the bands’ finest output, this time assembled by a new set of feminist misfits; producers, fangirls, instrumentalists, under the strict guidance of original members Gudrun Gut and Beate Bartel. M-Sessions features: AGF, Lucrecia Dalt, Sonae, Midori Hirano, Islaja, Natalie Beridze, Pilocka Krach, Annika Henderson (Anika), Lupe, Gudrun Gut and Beate Bartel. Beginning in West Berlin, in 1979, with the inception of Mania D, spawning Malaria! and later Matador; in a time when music was essential to movement, to escape, to space, to the scene and to the rebellion of the people; three bands stood for trial and error, trial and terror, anti- conformity, and anti-consumerism, for girl power and sticking it to the man, and for just doing whatever the hell they wanted. The three, their existence slightly staggered, with different members, different grudges, different heartbreaks, different instrumental expressions, were joined by a string of barbed wire, piecing pigeon hearts, within the playground that was the desolate ex-capital, now again capital, Berlin; a place where artists and freaks could run free amongst the wrinklies and army dodgers; no microscopes, no rules, no property developers. (ANNIKA HENDERSON)

In 2015 beging Ostgut Ton das zehnjährige Label-Jubiläum, gefeiert wurde mit einer 30 Stücke starken Compilation, Ostgut Ton-Zehn betitelt, verteilt über zehn 12' Vinyl in einem limitierten Boxset. Dieser Sampler war ruckzuck ausverkauft, weshalb diese zehn 12"es nun in 2016 von Ostgut Ton einzeln wiederaufgelegt werden.

Es sei gesagt, dass Ostgut Ton stets mehr als nur ein House- und Techno-Label war - Zehn-Sechs ist eine Reflektion der musikalischen Vielfalt. Der Titel der Barker & Baumecker A-Seite 'Love Is A Battlefield' ist eine schöne Anspielung auf Pat Benatar und Pop einerseits, während musikalisch eher abstrakte UK Breakbeats und arpeggiertes Terrain über die Länge dieses verspielten Zehnminüters abgeschritten werden.

Die B-Seite beginnt mit Uwe Schmidt als Atom™. - Stromlinien' ist natürlich eine tolle Klammer seines reduzierten aber sich clever entfaltenden und pumpenden Analogsynth-Dub Techno-Stücks. Anthony Parasoles - Heartbeat' schert sich herzlich wenig um unsere menschliche, lahme BPM-Herzschlagrate und widmet sich lieber einer schnellen, muskulösen Kick um die 132 BPM, umkreist von tribalistischen und verdrahteten Elementen um den Groove zu komplementieren.