Written and produced by Andu Simion in Ploieşti, Romania, Crucial Sonus EP is the second release on Rotation imprint. This B-side project of Wave Makers pushes further into a sound shaped by powerful grooves and dark vibrations. The EP explores a raw, focused energy, where deep rhythms and shadowy textures converge to create an intense and immersive listening experience.
Acid Nation is one of the defining releases from US techno and house icon K. Hand (Kelli Hand). First pressed in 1995 on Loriz Sound in collaboration with Acacia Records, the record captures the raw energy and forward-thinking spirit of the American underground scene of the era. Driven by gritty acid lines, powerful rhythms, and a fearless, machine-driven groove, Acid Nation showcases the full depth of K. Hand’s talent as a DJ and producer. Now seeing the light again on the Time To Impact imprint, the record returns in a remastered version, bringing its timeless acid power back to contemporary dancefloors.
Christopher Tignors ,Bleeding Past the Edges" ist ein bewusster Kontrapunkt zur heutigen, von KI geprägten Musiklandschaft und stellt die menschliche Hand fest in den Mittelpunkt des Schaffensprozesses. In einem kleinen Studio voller Geigen, Stimmgabeln, Pedalen und maßgeschneiderter Software hat Tignor ein Performance-System entwickelt, das sich weniger wie eine Maschine, sondern eher wie ein lebendiges Instrument verhält. Anstatt sich auf Loops oder Backing-Tracks zu verlassen, generiert er jedes Stück in Echtzeit und fängt Klänge ein und formt sie um, während er spielt. Geigenstreichmelodien erweitern sich zu vielschichtigen Mustern, perkussive Schläge lösen sich entwickelnde Strukturen aus, und selbst eine einzelne Stimmgabel kann sich zu einem ganzen harmonischen Feld entfalten. Das Ergebnis ist ein immersiver, orchestraler Klang, der live von einem einzigen Interpreten erzeugt wird, der sich durch ein eng verwobenes System aus Gestik, Timing und Code bewegt. Jedes Element beginnt als physische Handlung und bleibt damit verbunden, was der Musik ein Gefühl von Unmittelbarkeit, Risiko und Präsenz verleiht, das sich durch das gesamte Album zieht. Auf dem Album bewegt sich Tignor fließend zwischen rhythmisch geprägten Kompositionen, die das Instrument als perkussiven Motor behandeln, und melodischeren Werken, die im expressiven Kern der Violine verwurzelt sind. Die Lead-Single ,Weight of Words" unterstreicht diese Balance und entfaltet sich mit einer narrativen Klarheit, die Tignors Kompositionsansatz widerspiegelt. Er beschreibt diese Stücke oft als ,Kurzgeschichten", in denen Melodien als roter Faden dienen und jedes Werk durch wechselnde Strukturen und emotionale Bögen führen. Der Titel ,Bleeding Past the Edges" verweist auf Momente, in denen die Musik über ihr ursprüngliches Konzept hinausgeht, in denen sich die Struktur lockert und der Klang nach außen fließt. Tignor vergleicht den Prozess mit ,einem Seiltänzer", bei dem sorgfältige Vorbereitung auf die Möglichkeit einer Transformation in Echtzeit trifft. Obwohl die Systeme streng ausgearbeitet sind, behält jede Aufführung ein Element der Unvorhersehbarkeit, wodurch sich die Musik ständig weiterentwickeln kann. Im Laufe von zehn LPs, die über Western Vinyl und New Albion erschienen sind, hat sich Tignor in klassischen und experimentellen Kreisen breite Anerkennung erworben. The Guardian bezeichnete ihn als ,absurd talentiert", während Bandcamp seine ,schiere technische Meisterschaft" hervorhob und The New York Times seine seltene Fähigkeit lobte, Computer bei Live-Auftritten nahtlos mit akustischen Instrumenten zu verbinden. The Wire lobte seine Kompositionen zudem für ihre fließenden, sich entwickelnden Strukturen. Über seine Soloarbeit hinaus hat Tignor mit Künstlern wie Rachel Grimes, Helios, Jefre Cantu-Ledesma, John Congleton und This Will Destroy You zusammengearbeitet. Sein Hintergrund verbindet verschiedene Disziplinen: Er hat einen Doktortitel in Komposition von der Princeton University, einen Master in Informatik vom NYU Courant Institute und einen Bachelor vom Bard College, wo er bei dem Dichter John Ashbery studierte. Mit ,Bleeding Past the Edges" führt Tignor diese Stränge zu einem Werk zusammen, das sich sowohl streng konstruiert als auch lebendig anfühlt - ein Album, das Performance, Körperlichkeit und die anhaltende Ausdruckskraft menschengemachter Klänge in den Vordergrund stellt.
Opening with an instrumental blend of old school synthwork, delicate breaks and an inquisitive plinky melody, the track soon bursts into life with old school rave vocals joyfully screaming “everything you do”, setting this firmly in the mid 90’s, as is the Waveforms way. Trademarks of Law’s distinctive atmospheric style - heard previously on sister label Curvature - are present, toying with breaks effortlessly with a variety of effects thrown in for good measure.
Easy-going synths, washing waves and elegant bongos introduce Waveform 18, before filtered breakbeats are flecked, scattered and multiplied across a collage of samples as the breaks charge up. When the drop comes it hits hard as Law expertly chops and edits a cacophony of amen goodness, with smothering sub bass rumbling below creating a memorable, retrospective slice of old school beats.
A light yet ominous atmospheric intro opens Pugilist’s account on Waveforms, quickly showcasing the Spatial family debutant’s shrewd prowess for mid 90’s breakbeats. An instantly familiar vocal sample gunning for your mind body and soul punctuates proceedings while solid breaks lead into a crunching amen throwdown - edited superbly with tricky arrangements and glorious melodic synthwork.
Straight into the breaks without delay, a DJ-friendly intro from Pugilist quickly escalates into a scintillating amen showcase with crisp, detailed edits taking you right back to a dirty basement dancefloor rippling with underground energy in 1994. Peppered with samples and light vocal hits - not to mention the doomsday basslines ready to tear holes in your sub - Pugilist has announced himself in style to the waveforms label.
With centuries of history, traditional instruments carry physical vibrations shaped by human breath and touch. In contrast, electronic music generates vibrations through inorganic principles such as electrical signals and circuits. When the subtle tremors of traditional instruments resonate with the intricate tones of electronic sounds in an improvised dialogue, performers from distinct realms expand each other’s languages, creating a new sensory experience. The project album Ancient Moment marks the first collaboration between the Korean contemporary music ensemble WhatWhy Art and the Seoul underground electronic music collective vurt.. It is a record of a free journey where two different worlds collide and merge,
In Part 1 of the album, you will hear boundless performances by daegeum player Hong Yoo with electronic musician Unjin, and gayageum player Hwayoung Lee with ambient duo Hosoo. The recording was done in an improvised one-take format at STUDIO Y in Seoul, and Giuseppe Tillieci mastering enhanced the sonic quality.
Originally released in the mid-’90s, Entropy EP by O.H.M. stands as one of the most iconic and sought-after releases from the golden era of electronic music. Home to the legendary track “Oceanic,” this record showcases O.H.M.’s unique ability to merge diverse sonic worlds — moving seamlessly from deep, hypnotic atmospheres to raw, hardcore energy, all infused with unmistakable acid vibrations. Now, for the first time ever, Entropy EP is being reissued in a fully remastered edition, bringing new life and clarity to its timeless sound. Carefully restored from the original sources, this reissue preserves the warmth and energy of the original pressing. A cornerstone of mid-’90s electronic innovation — finally available again, sounding better than ever.
WVLT is the newest sonic addition from WNDFRM (Portland-based, Tim Westcott), an album of eight distinct explorations exploring the many facets of experimental IDM.
Tim Westcott’s practice is rooted in an acute, nearly forensic attention to sound. Subtle tones, sculpted drones, and lean percussive gestures, always pursued with a patient ear and obsession with sound design.
With previous releases on Prologue, Home Normal, and Dragon’s Eye Recordings, and several live performances at Mutek, a new album from Tim is a rare yet welcome occurrence. The conceptual approach for WVLT began in 2021, mixing synths with drum machines and granular processing. Lightly arced structures slip between gates of rhythm, shifting pulses, translucent washes, and disquieting residue. There’s a precision to the hesitation and an insistence in the space between notes, a deft balance of raw improvisation and sculpted quietude.
An exercise in immediacy and response, each track builds and unspools, like form in fleeting motion, driven by the moment’s tonal contrasts, micro‑rhythmic interplay, and slight gestures that alter entire planes of listening. It’s minimal without sparsity, intense without density.
This 90's anthem has finally come back to light! Remastered directly from the source, Summerbreeze is the perfect combination of the electronic sound of those years, with acid techno fusions.
Originally released by Loriz Sounds in 1993 and now back on track!
Diagonal welcome the return of Iranian composer and sound artist, Ata Ebtekar (SOTE), for his first outing for the label since 2019's "Parallel Persia" and "Artificial Neutrality". His catalogue runs to 15 albums (both under the Sote moniker and as Ata Ebtekar), plus a clutch of 12"s, remixes and a number of other projects via Mute, Opal Tapes, Warp and more.
"Soundsystem Persepolis" is Ata's response to the iconic performance at Persepolis by Iannis Xenakis in 1971. It's a five track collection of a futurism, a pummelling, rhythmic and harmonically complex trench of computer music.
Three years on from the bands acclaimed ‘Grateful End’ album, and following up last years reissue of their live release ‘Psychedelic Scum Freaks’. Taipei's underground psych monsters Dope Purple return with their new album proper, ‘This Is The Harsh Trip For New Psyche’
The album is co released again by Riot Season & WV Sorcerer Productions and is available on three vinyl variants, and also digitally.
The album, it's a mixture of harsh noise and psych rock, the noise element being well recorded and presented so we can hear many details, and blends perfectly with the other instruments in all frequencies. The whole album moves between a spectral sadness and insanity, each track takes a rather different direction, recognising the influence of Classic Japanese bands such as High Rise, Mainliner, and Les Rallizes Dénudés.
The album is a collaboration with Berserk, a young underground pioneer from the Taipei scene, and has been performing chaotic frequency manipulation and carefully textured post-apocalyptic soundscape since 2015.
There have been many versions of the Ritz Band. The Charleston, WV Night Club opened in 1982 and over the years showcased many of the area's top musicians and vocalist. In 1985 club owner Dick Allen had a vision of releasing a single which led to the recording of the only original music ever recorded by one of the many versions of the Ritz band. There were a couple of different versions of the band in 1985 but the musicians listed below is the version of the group that recorded the single "I Should Have Known" featuring Raye Smith on lead vocal, written and produced by Raye Smith and Steve Johnson and recorded and mastered at Chandler Audio in Ashland Kentucky by Studio owner Denny Chandler.
Having crested the west coast modular-ambient wave in just a few releases - including 2018's Sharing Waves on the influential LA experimental imprint Leaving Records - Sean Hellfritsch has swapped the mossy analog synth improvisations of his prior output for refined melodic arrangements dressed in sprightly dawn-of-digital textures. Big Earth Energy plumbs the depths of Hellfritsch's multimedia mind and naturalist heart, spinning an impressionistic narrative world off of cultural touchstones like the PC game MYST, and the work of Studio Ghibli composer Joe Hisaishi. Inspired by the aforementioned, and guided by Hellfritsch's experience as an animator and filmmaker, Big Earth Energy is the soundtrack to a hypothetical video game with a pointedly ecological premise, and a twist of psychedelic charm. In Hellfritsch's imagined virtual journey, the player assumes the perspective of a treefrog sixty-five-million years ago, hopping epochs with each new level, forming a comprehensive picture of the massive changes the planet has gone through over the eons. The ultimate goal of the game is not to amass resources, defeat enemies, or gain power, but to fully witness the unfolding of one of the biggest systems of energy imaginable - or as the album's creator puts it - "to explore the incomprehensibly vast energetic expression and mystery that is Earth." Big Earth Energy is steeped in exploratory RPG intrigue, possibility, and contemplation, lovingly overlaid with Miyazaki-an sentiments and aesthetics. The through-composed, organic, meandering synthesis heard on previous Cool Maritime albums has been fully replaced by meticulous polygonal arrangements that recall the computerized sheen of late 80s work by composers like Hiroshi Yoshimura, and Yoichiro Yoshikawa - using true-to-period gear no less. Even given its referentiality, Big Earth Energy comes off as forward-facing where so much reminiscent music remains fixed to a bygone moment in pop culture. Hellfritsch has created a musical world where the endless verdancy of the biosphere finds its parallel in the golden age of early 1990s video games, and late 80s Japanese environmental music, all while pointing to a hopeful planetary and artistic future that vindicates the motives of all of these muses.
Über Jahre hinweg hat Cactus Lee still und leise ein einzigartiges Werk geschaffen, indem er in Honky-Tonks rund um Austin auftrat und gleichzeitig in einem gleichmäßigen, selbstbestimmten Tempo Alben veröffentlichte. Lee's Dream, sein zweites Album für Western Vinyl, wirkt wie die natürliche Essenz dieser Reise - unterwegs geschrieben, zu Hause verfeinert und geprägt vom Spannungsfeld zwischen der Hingabe zur Musik und der Hingabe zur Familie. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solo-Tournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Als Kevin Dehan nach Hause zurückkehrte und dort persönliche Umbrüche erlebte, wandte er sich nach innen und schrieb Songs, die Unruhe mit Entschlossenheit, Sehnsucht mit Verantwortung in Einklang bringen. ,Lee's Dream" wurde in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton aufgenommen und lehnt sich an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Light Aufgenommen in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton, lehnt sich Lee's Dream an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Lightfoot. Das Album, das mit Beiträgen eines engen Kreises von Mitwirkenden fertiggestellt wurde, wirkt gemeinschaftlich und lebendig - gleichermaßen fröhlich und melancholisch. Verwurzelt in texanischen Bildern und Country-Folklore, wirkt Lee's Dream wie ein vertrauter Fiebertraum, der die Tradition ehrt und sie gleichzeitig leise an Dehans unverwechselbare Stimme anpasst.
Irgendwann im Jahr 2020 hörte ich zum ersten Mal ,Canto Ostinato" und war sofort fasziniert von diesem Werk. Ich war fasziniert von seiner besonderen Mischung aus Harmonie, Wiederholung und Tempo. Im Frühjahr 2023 hatte ich meine eigene Solointerpretation komponiert und veröffentlicht, und ich ging davon aus, dass meine Arbeit mit der Komposition damit abgeschlossen sei. Allerdings unterschätzte ich ihre Anziehungskraft. Im folgenden Jahr war ich erneut davon eingenommen, nachdem ich von Andrew Cyr vom Metropolis Ensemble eingeladen worden war, auf der Grundlage meiner Arbeit mit dem Stück weiterzuentwickeln. Bald darauf war ich in Brooklyn, in einem neu gegründeten Team von sechs Personen, das von Cyr geleitet wurde. Im folgenden Jahr war ich erneut in seinen Bann gezogen worden, nachdem ich von Andrew Cyr vom Metropolis Ensemble eingeladen worden war, auf der Grundlage, die ich mit dem Stück geschaffen hatte, weiterzuarbeiten. Bald darauf befand ich mich in Brooklyn, in einem neu gegründeten sechsköpfigen Team mit Cyr und den Mitgliedern von Sandbox Percussion, und war begeistert, an der Gestaltung eines brandneuen Arrangements von Canto Ostinato für ein großes Ensemble für eine Sommer-Sonnenwende-Aufführung im Brooklyn Botanic Garden mitzuwirken. Wir taten dies, und unsere Gruppe wuchs um die Studenten des Sandbox Percussion Summer Seminar der New School sowie die Komponisten David Leon, Ben Wallace und Ledah Finck und das Bergamot Quartet. Das Ergebnis war ein beeindruckendes, mitreißendes und sehr bewegendes Erlebnis, das ich nie vergessen werde. Ich bin sehr dankbar für diese Erfahrung und die Möglichkeit, die Musik von John Cage zu interpretieren und zu spielen. Wir taten dies, und unsere Gruppe wuchs um die Teilnehmer des Sandbox Percussion Summer Seminar der New School sowie um die Komponisten David Leon, Ben Wallace und Ledah Finck und das Bergamot Quartet. Es war ein Tag, an den wir uns alle erinnern werden - mitreißend, traumhaft und wie eine perfekte Krönung. Aber selbst dann ... zog das Stück weiterhin seine Fäden, und es wurde unumgänglich klar, dass diese neue Orchestrierung die Produktion eines Studioalbums erforderte - eine bleibende Dokumentation unserer nun gemeinsamen Leidenschaft. Über ein Jahr lang wurde das Stück verfeinert, und es wurde immer deutlicher, dass die neue Orchestrierung die Produktion eines Studioalbums erforderte - eine bleibende Dokumentation unserer nun gemeinsamen Leidenschaft. Doch selbst dann noch übte das Stück eine große Anziehungskraft aus, und es wurde unumgänglich klar, dass diese neue Orchestrierung die Veröffentlichung eines Studioalbums erforderte - eine bleibende Dokumentation unserer nun gemeinsamen Begeisterung. Diese Darbietung, die über ein Jahr lang verfeinert und 2025 in New York aufgenommen wurde, interpretiert das Stück neu in einem imposanten Rahmen aus Mallet-Percussion, Holzbläsern, Streichern und Klavier. Es ist unser aufrichtiger Versuch, die Schönheit und Größe von Canto in seiner ganzen kaleidoskopischen Harmonie, Dynamik, Spannung und Entspannung zu vermitteln. Ich bin erneut voller Ehrfurcht vor Simeon ten Holts monumentaler Schöpfung. Es ist unser aufrichtigster Versuch, die Schönheit und Größe von Canto in all seiner kaleidoskopischen Harmonie, Dynamik, Spannung und Entspannung zu vermitteln. Ich bin erneut beeindruckt von Simeon ten Holts monumentaler Schöpfung, und ein Teil dieses besonderen Klanggefüges zu sein, ist eine der größten Freuden meines musikalischen Lebens. Ich gehe nicht davon aus, dass wir noch einmal so viel Glück haben werden ... aber wer weiß ... - ERIK HALL
James Davison, the most startlingly talented UK brass player of his generation, joins this highly experienced team with brilliant results. Charlie Parker's 'Ornithology',Thelonious Monk's 'Straight No Chaser', Billy Strayhorn's 'Satin Doll' and Horace Silver's 'Peace are amongst the gems to be found here. This is the second Woodville Records release to be based solely around the brilliant arranging skills of world class trombonist Mark Nightingale. The first, Alan Barnes plus 11 (WVCD151) featured Mark's adept and characterful handling of a twelve- piece ensemble. Jazz Classics ...with a Twist displays equal inventiveness and imagination, showcasing a sextet line-up in a programme of individually re-thought takes on these ageless tunes. In Mark's hands this band frequently resembles a much larger ensemble such is his skill in manipulating tone colour and voicing.
On Hungry Animal, Luke Temple continues to trace the invisible lines between the personal and the cosmic _ between what we feel, what we observe, and what we inherit simply by being alive. The album reunites Temple with Doug Stuart (bass) and Kosta Galanopoulos (drums), the core of his Cascading Moms ensemble, whose instinctive chemistry anchors the record's balance of rhythmic precision and melodic drift. Together they shape a sound that feels handmade and fluid, delivering sharp observations in soft focus. The album opens with "Clean Living," a tenderly libidinous groove, unraveling purity myths and self-discipline _ less a confession than a celebration of the futility of striving for perfection in a flawed world. From there, "Echo Park Donut" shifts into the memory of an unsettling vignette drawn from a violent incident outside Temple's Los Angeles home. The band moves with a quiet pulse beneath the story, suggesting both detachment and the surreal intimacy of fear. The title track, "Hungry Animal," grounds the album's broader questions: how well can we really know one another, or ourselves? Temple's lyrics circle around the idea that we are animals among animals, driven by instinct and affection alike. It's both playful and philosophical, one of the record's emotional centers. Temple's bandmates bring an understated mastery to these pieces. Stuart's melodic, infectious grooves converse fluidly with Galanopoulos's drumming, which breathes life into each song even as it gently propels them forward. The trio's interplay feels both weightless and deeply rooted _ commanding the listener's attention and empathy without ever forcing it. With Hungry Animal, Luke Temple and the Cascading Moms create a world where reflection becomes rhythm and consciousness gains texture _ a record of quiet revelations and deliberate grace.
Die Benefiz-Compilation "Passages: Artists in Solidarity with Immigrants, Refugees, and Asylum Seekers", mit einer unglaublichen Auswahl an Künstlern wie Alan Sparhawk, Oneohtrix Point Never (Daniel Lopatin), Benjamin Booker, Lambchop, Marisa Anderson, Lonnie Holley, Bonnie Prince Billy, Dirty Projectors, William Tyler, Tim Heidecker und vielen anderen, wurde zusammengestellt von dem genialen Musiker und Musikvideo-Regisseur Rick Alverson und Emilie Rex von Lean Year. "Passages..." enthält intime, verletzliche Songs, die alle an einem Ort der Zuflucht und Sicherheit geschrieben, aufgenommen und geteilt wurden: einem Ort, der sich wie ein Zuhause anfühlt. "Wir hoffen, dass du ,Passages" an einem Ort hören kannst, der sich wie dein Zuhause anfühlt - wo du dich wohlfühlst, sicher bist und dich frei bewegen kannst. Die Künstler haben diese Songs aus Dankbarkeit für diesen Ort und zu seinem Schutz geschrieben und aufgenommen. Unser Zuhause, wie wir es kennen, ist in Gefahr. Einwanderer, Flüchtlinge und Asylsuchende, die ihr Recht auf sichere Durchreise einfordern, verteidigen unseren Zugang zu genau diesem Recht. Zu den vielen Organisationen, die sich solidarisch mit ihnen einsetzen, gehören zwei in Texas ansässige gemeinnützige Organisationen namens American Gateways und Casa Marianella. Mit über 70 Jahren gemeinsamer Erfahrung bieten diese Organisationen kostenlose oder kostengünstige Rechtsberatung, Lebensmittel, Unterkunft, Zugang zu Gesundheitsversorgung und andere wichtige Dienstleistungen an. Zusätzlich zu den großzügigen Beiträgen der Künstler wurden alle Arbeitskosten - Produktion, Abmischung, Mastering, Design und Werbung - sowie die Herstellungskosten für die Platte gespendet oder separat gesammelt, um sicherzustellen, dass alle Einnahmen der wichtigen Arbeit von American Gateways und Casa Marianella zugutekommen. ,Passages" ist sowohl eine Anerkennung der laufenden Arbeit als auch eine Einladung, noch mehr zu tun. Unsere Vertreter müssen uns sehen. Unsere Familien müssen von uns hören. Unsere Nachbarn und lokalen Organisationen, die an vorderster Front dieser Krise stehen, sind bereit, uns aufzunehmen."
Pullman ist eine im Studio entstandene Akustik-Supergroup, die Ende der 90er Jahre aus der Post-Rock-Szene Chicagos hervorging und Ken ,Bundy K." Brown (Tortoise/Directions in Music), Curtis Harvey (Rex), Chris Brokaw (Come) und Doug McCombs (Tortoise/Eleventh Dream Day) vereinte. Später kam Schlagzeuger Tim Barnes hinzu, wodurch die Kernbesetzung der Gruppe gefestigt wurde. Ihr Debüt bei Thrill Jockey gaben sie 1998 mit "Turnstyles & Junkpiles", einer leisen, live auf zwei Spuren aufgenommenen Sammlung verwobener Gitarrenklänge, die Kritiker mit John Fahey, Leo Kottke und Gastr del Sol verglichen. Ihr Folgealbum "Viewfinder" (2001) erweiterte die Palette um Percussion, subtile elektrische Texturen und Mehrspur-Layering, wobei die rustikale, filmische Zurückhaltung von Pullman beibehalten wurde. Mit beiden Alben wurde die Band zu einem Maßstab für akustische, songorientierte Instrumentalmusik: folkig im Geist, postrockig in der Methode und zeitlos im Klang. Zwei Jahrzehnte später kehrt Pullman mit "III" zurück, einem Album, das von Freundschaft und Widerstandsfähigkeit geprägt ist. Im Jahr 2021 gab Barnes seine Diagnose einer früh einsetzenden Alzheimer-Erkrankung im Alter von 54 Jahren öffentlich bekannt. Trotz seines fortschreitenden Gesundheitszustands begannen er und Brown fast täglich, oft aus der Ferne, mit einem großen Kreis von Mitwirkenden aus Barnes' musikalischer Vergangenheit zusammenzuarbeiten. Was als einzelner Beitrag für eine Compilation begann, entwickelte sich nach und nach zu einem vollständigen Pullman-Album, das zwischen 2021 und 2023 fertiggestellt wurde. "III" wurde von Brown bearbeitet und gemischt, mit frühen Beiträgen von Barnes, und führt die für die Gruppe charakteristische Intimität und Räumlichkeit fort, während es gleichzeitig den Geist der Gemeinschaft verkörpert, der ihre Arbeit seit jeher geprägt hat. "III" ist sowohl eine Fortsetzung der einzigartigen Ästhetik von Pullman als auch ein Beweis für die nachhaltige Kraft der Musik und schwebt mit der stillen Schwere der Erinnerung, der Beharrlichkeit und der Anmut.
Relive the early years of Madness with 'Hit Parade Vol. 1 1979-1986'. This 23-track 2LP set remembers the early years of Madness; containing a selection of their biggest hits and best loved tunes. It includes 23 UK Top 40 hits such as 'One Step Beyond', 'Embarrassment', 'My Girl', and 'Night Boat To Cairo'.
Beautifully packaged in a deluxe, gatefold sleeve, this 2LP collection is pressed on translucent red vinyl. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Firmly established as national treasures and as one of the UK’s most cherished and beloved bands, Madness are adored by their loyal and huge following. Their consistently sold-out shows illustrate their enduring qualities resulting in their popularity continuing to grow and grow.
Experience the modern era of Madness with 'Hit Parade Vol. 2 1992-2024'. This 22-track 2LP set relives the more modern, contemporary years of Madness; containing a selection of hit singles, fan favourites and much-loved tunes. Including 'NW5', 'Shame and Scandal', 'Sorry', 'Drip Fed Fred', 'Mr Apples' and the Top 10 single 'Lovestruck'.
Beautifully packaged in a deluxe, gatefold sleeve, this 2LP collection is pressed on translucent blue vinyl. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Firmly established as national treasures and as one of the UK’s most cherished and beloved bands, Madness are adored by their loyal and huge following. Their consistently sold-out shows illustrate their enduring qualities resulting in their popularity continuing to grow and grow.
Enjoy a Madness career-spanning overview with Hit Parade; a 15-track highlights LP, featuring 13 UK Top 40 hits including Our House, It Must Be Love, Baggy Trousers, Lovestruck, and the No.1 single House of Fun.
Pressed on classic black vinyl, the fully illustrated inner sleeve contains new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley, in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Beautifully packaged in a deluxe slipcase, this 4LP box set combines the red vinyl.
Volume 1 and blue vinyl Volume 2 2LP collections. The fully illustrated inner sleeves contain new liner notes with various band members and long-time producers Clive Langer and Alan Winstanley,
in conversation with renowned author and journalist Paul Sexton.
Auf ihrer Debüt-EP ,Future Perfect" singt die britisch-amerikanische Songwriterin Jenny Hirons von Kindheitsvisionen und kapitalistischen Überbauten, von rasanten Fahrten über schmale Landstraßen und dem sanften Verschwinden im Äther wie ein erfüllter Traum. In fünf gedämpften Pop-Tracks, die an Sakamoto & Hosono, Bowie & Eno erinnern, beschwört Hirons Pop-Fantasien herauf und konfrontiert die Realität mit strahlenden Augen und eiserner Entschlossenheit. Der Titel ,Future Perfect" bezieht sich auf Handlungen, die abgeschlossen sein werden. Nachdem man das musikalische Debüt von Jenny Hirons aufgenommen hat, wird der aufmerksame Zuhörer das Gefühl haben, seine Zeit sinnvoll genutzt zu haben. Die Analyse der Texte ist völlig optional, denn bei genauer Betrachtung entsteht ein facettenreiches Bild des Lebens, betrachtet aus allen Blickwinkeln der Zeit - ein Kind stellt sich das Erwachsenenalter vor, ein Erwachsener kehrt zur Autonomie zurück, eine Stimme von einem anderen Ort blickt zurück auf die Zukunftsfantasien eines Kindes. Die Wirkung dieser Songs ist jedoch alles andere als schwerfällig. Hoffnung, Streben, Überwindung sind die Kernaussagen, und musikalisch spiegelt der Ton die Künstlerin selbst wider - ironisch, intellektuell, ausgeglichen, absolut charmant. Die Wirkung dieser Songs ist jedoch alles andere als schwerfällig. Hoffnung, Sehnsucht und Überwindung sind die Kernbotschaften, und musikalisch spiegelt der Ton die Künstlerin selbst wider - ironisch, intellektuell, gelassen, absolut charmant. Hirons nennt Astor Piazolla, die Beach Boys, Elliot Smith, Deerhoof und Rachmaninoff als musikalische Einflüsse. (Für diejenigen, die es nicht wissen: Piazolla ist Akkordeonist.) Hirons ist auch eine äußerst versierte bildende Künstlerin und Designerin. Das Ergebnis mehrjähriger Arbeit, Future Perfect, ist auch ein Album über Trennung, Arbeitslosigkeit und eine ungewisse Zukunft. Nachdem sie es nun in die Welt hinausgebracht hat, blickt Hirons zurück auf eine Zeit, in der ,Musik die Wirtschaft unserer Herzen war", und nach vorne auf eine Zukunft, die sich so gestalten darf, wie sie will, ,in alle Richtungen nach Hause getragen".
"Magical Thinking", Faraos drittes Studioalbum, entfaltet sich als vielschichtige Reise durch Verlust, Sehnsucht und Verwandlung. In Anlehnung an den Titel und den Geist von Joan Didions "The Year of Magical Thinking" bewegt es sich durch das stille Terrain zwischen Verleugnung und Akzeptanz - wo Trauer nicht gelöst, sondern getragen wird. Es sind Songs über Wiederaufbau und Widerstandsfähigkeit, geprägt von Themen wie Trauer, Mutterschaft und den wesentlichen Ritualen, die uns aufrecht halten, wenn die Klarheit schwindet. Das Album wurde zwischen Oslo und Berlin aufgenommen und pulsiert mit dem Flair des R&B der 90er Jahre, dem Glanz der 80er-Disco und der kontemplativen Schwungkraft des spirituellen Jazz - allesamt verankert durch Faraos intime Vocals und komplexe Arrangements. Vom ersten Schimmern von ,Waiting for You", wo Herzschmerz in Pailletten gekleidet ist und ein Groove an Robyn und Chaka Khan erinnert, lädt uns das Album in eine Welt ein, in der Sehnsucht zum Leuchten gebracht wird. In ,Spiritual Garden", benannt nach einer flüchtigen Textzeile von Janet Jackson, schafft Farao eine feuchte, narkotische R&B-Träumerei. Percussion im Stil von Timbaland und seidige Basslines umhüllen die unerwarteten Texturen ihrer Zither und beschwören eine Meditation über Verlassenheit und die fragile Rückeroberung des Selbstwertgefühls herauf. Wenn ,Dreamy Ride" einsetzt - wo Aaliyahs Coolness auf Dorothy Ashbys kosmische Harfe trifft -, gleitet das Album in nächtliche Bewegungen, eine R&B-Fantasie für nächtliche Autofahrten um 2 Uhr morgens, wobei ihre Zither sich wie ein Leitstern durch den Mix webt. Der verspielte Synth-Jam ,Hey Ladies" und eine kühne Neuinterpretation von Brandys ,Full Moon" lockern die Stimmung in der Mitte des Albums auf. Ersterer ist eine freche, einminütige Hommage an Destiny's Child, letzterer eine nächtliche Elegie, die einen geliebten Klassiker in tiefe Bässe und schimmernde Synthesizer hüllt. Dann kommt ,Xiang Xiang", ein intimes Intermezzo, das um eine geflüsterte Stimme einer Freundin herum aufgebaut ist und uns an die realen Bindungen erinnert, die Faraos üppiges Klanguniversum erden. Im Zentrum des Albums steht der Titeltrack ,Magical Thinking", der direkt auf Didions Memoiren Bezug nimmt. Hier zeichnen pulsierende Synthesizer und schwebende Vocals die verschwommene Grenze zwischen Präsenz und Dissoziation nach. Es folgt ,Endelig" (,endlich" auf Norwegisch), ein tiefes Ausatmen - ein minimalistisches, spirituelles Jazz-Intermezzo, das die Illusion einer Auflösung vermittelt. Farao tut sich dann mit dem Ambient-Pionier Laraaji für ,Voice Continues" zusammen, einer weitläufigen, von der Vierten Welt inspirierten Meditation, in der Zither, mehrschichtige Vocals und Synth-Texturen einen Klangteppich bilden, der die Spuren mütterlicher Liebe über Generationen hinweg nachzeichnet. ,Tschüssi" (ein luftiger deutscher Abschiedsgruß) wird zum Gefäß für etwas weit Schwerwiegenderes: ein Abschied, durchzogen von sich wiederholenden Erinnerungen und emotionaler Desorientierung, aufgebaut um ein gespenstisches Fragment aus Faraos Track ,Marry Me". Das Album schließt mit ,Sleep It O" zu einer verschwommenen, gnädigen Note, einem Wiegenlied für die Überwältigten - eine letzte Erlaubnis, sich auszuruhen, loszulassen, sich einfach hinzulegen. Keine Verheißung der Heilung, sondern eine mitfühlende Pause in einem Album, das von Sehnsucht und Illusion geprägt ist. RIYL: Erika de Casier, Tirzah, Sade, Kelela, Qendresa, Caroline Polachek, Solange
Orange/Red Splatter Vinyl[34,66 €]
„The End“, das dritte Studioalbum des Grammy®-nominierten Songwriters, Sängers, Multiinstrumentalisten und Produzenten Wolfgang Van Halen (Mammoth), erscheint am 24. Oktober 2025. Das Album
(produziert von seinem langjährigen Weggefährten Michael „Elvis“ Baskette) markiert ein neues Kapitel in
der musikalischen Entwicklung von Mammoth und unterstreicht weiterhin Wolfgangs charakteristischen Gitarrensound und melodischen Gesang. Wolfgangs Talent wird erneut unterstrichen, da er alle Instrumente
und den Gesang auf dem Album selbst übernimmt. Mit „The End“ übernimmt Wolfgang den Namen
„Mammoth“ und verzichtet auf das zuvor folgende Initial „WVH“.
Das selbstbetitelte Album von Ava Luna markiert eine fundierte und introspektive Entwicklung für das Quartett aus Brooklyn. Die Band, die nun aus Carlos Hernandez, Julian Fader, Ethan Bassford und Felicia Douglass besteht, kehrt nach einer längeren Pause mit einem reduzierten Sound zurück, der sich auf Schlagzeug, Bass und zwei Gesangsstimmen konzentriert. Dieser Back-to-Basics-Ansatz, eine Abkehr vom ,kosmischen" Gefühl ihres Vorgängeralbums ,Moon 2", hat seine Wurzeln in gemeinsamen Erfahrungen in NYC und den Rhythmen des Alltags. Themen wie Erschöpfung, Gemeinschaft und fragile Freude tauchen in Songs wie ,Lasting Impression" über die Arbeitsmüdigkeit und ,Math Money Job", einem spielerischen Gesang über Wiedersehen und Verkörperung, auf. Julians Schlagzeug und Ethans Bass Themen wie Erschöpfung, Gemeinschaft und prekäre Freude tauchen in Tracks wie ,Lasting Impression" über Arbeitsmüdigkeit und ,Math Money Job", einem verspielten Gesang über Wiedersehen und Verkörperung, auf. Julians Schlagzeug und Ethans Bass treiben das Album an, das teilweise vom rohen Sampling-Stil von Soul Coughing inspiriert ist, der in Tracks wie ,Frame of Us" zu hören ist. Gesanglich bewegen sich Carlos und Felicia wie eine Einheit - sie verschmelzen, harmonieren und fragmentieren mit Absicht, besonders in ,Archive". Obwohl im Kern minimalistisch, ist der Sound des Albums üppig und strukturiert, angereichert durch Congas von Reggae-Legende Larry McDonald, Klavier, Samples und Gitarren-Noise. Songs wie ,Social Diving" und ,My Walk" spiegeln persönliche und urbane Geschichten wider, während ,Your Man" und ,Fancy" von Widerstandsfähigkeit und Würde erzählen. Das Ergebnis ist Ava Luna in ihrer ehrlichsten und raffiniertesten Form - ein Porträt von NYC und einer Band, die sich noch immer weiterentwickelt und nichts von ihrer Dringlichkeit eingebüßt hat.
Gabriel Birnbaum, der Hauptsongwriter der Brooklyn-Band Wilder Maker, sagt, dass das neueste Album der Gruppe, The Streets Like Beds Still Warm, ,einer allgemeinen formalen Asymmetrie folgt, wie einer Traumlogik". Es ist reichhaltig strukturiert, stimmungsvoll und tiefgründig und ebenso narrativ wie experimentell. Es als Konzeptalbum zu bezeichnen, so groß dieser Begriff auch ist, würde ihm eigentlich nicht gerecht werden. Tatsächlich ist es nur der erste Teil einer Konzepttrilogie, die die Geschichte einer langen Nacht in der Stadt erzählt, von der Dämmerung bis zum Morgengrauen. Das Album folgt einem einsamen Erzähler, der durch die Straßen treibt und Bars und Krankenhauszimmer betritt und wieder verlässt. Wenn das ein bisschen noir klingt, dann liegt das daran, dass es das auch ist. ,Film noir Detektive sehen am Anfang immer makellos aus, aber am Ende des Films haben sie einen zerrissenen Kragen, ein blaues Auge, ihre Hosen sind fleckig und sie fangen an, aus Verzweiflung Leute zu schlagen", sagt Birnbaum. ,Sind sie noch die Guten? Ich finde das faszinierend und ich liebe die visuellen Hinweise, die die innere Landschaft widerspiegeln." Zwar gibt es auf The Streets Like Beds Still Warm keine visuellen Hinweise im eigentlichen Sinne, doch das Album verdankt sein großartiges Debüt der Kinematografie. Impressionistische Wirbel aus verzerrter Gitarre, Schlagzeug und Saxophon untermalen Birnbaums heiseres, weltmüdes Bariton-Crooning, das manchmal an Bill Fay erinnert. Aber manchmal, in all den düsteren Bar-Geschichten, denkt man auch an Tom Waits. Es ist ein Vergleich, der sowohl irreführend als auch verkürzend sein kann, aber es ist schwer, diese Assoziationen beim Hören von The Streets Like Beds Still Warm nicht zu sehen - vielleicht eine langsam schwingende Tiffany-Lampe direkt über dem Kopf des Erzählers, der etwas mehr als halbtrunken ist und eine brillant poetische, antiheroische Geschichte auf eine Serviette in einer Bar kritzelt. Seien Sie jedoch versichert, dass dies nicht ,The Heart of Saturday Night" und auch nicht ,In the Wee Small Hours" ist. Tatsächlich stammen die musikalischen Vorläufer von ,The Streets Like Beds Still Warm" aus ganz anderen Ecken des musikalischen Universums. Die Band lässt sich direkt von den Werken der zeitgenössischen Alt-Jazz-Musiker Anna Butterss und Jeff Parker sowie vom Ambient-Pionier Brian Eno ,The Streets Like Beds Still Warm" ist insgesamt ein Statement für nächtliches und hypnotisches Storytelling - sowohl in Bezug auf Stil als auch Inhalt. Birnbaums Engagement für die Erzählung, die letztendlich von Menschlichkeit handelt, spiegelt sich in der traumhaften Art und Weise wider, wie sich die Melodien entfalten. Es könnte gar nicht anders funktionieren. Tief empfunden und fokussiert, unbestreitbar hörenswert, aber schwer zu fassen - ,The Streets Like Beds Still Warm ist wunderschön seltsam - und es fühlt sich genau wie etwas an, das in zehn Jahren die Anerkennung erhalten wird, die es verdient.
Shrunken Elvis ist ein Trio aus Nashville, bestehend aus Spencer Cullum, Sean Thompson und Rich Ruth - drei erfahrenen Musikern, die ihre Liebe zu genreübergreifender Instrumentalmusik verbindet. Die Gruppe entstand aus langen Autofahrten durch Europa, Winter-Jam-Sessions und dem gemeinsamen Bestreben, Musik eher aus dem Bauch heraus als aus Ambitionen heraus zu machen. Cullum, ein in East London geborener Pedal-Steel-Gitarrist, spielte bereits mit Angel Olsen, Lambchop, Miranda Lambert und Billy Strings gespielt und zwei Solo-Folk-Psych-LPs bei Full Time Hobby veröffentlicht. Thompson kam mit Gnarwhal und Promised Land Sound in der DIY-Szene von Nashville groß heraus und tourte später mit Margo Price und Skyway Man. Ruth schafft unter dem Namen Rich Ruth (Third Man Records) immersive Soloarbeiten, die spirituellen Jazz, Ambient und Post-Rock miteinander verbinden. Ihre Anfänge gehen auf eine Europatournee im Jahr 2022 zurück, die sie im Rahmen von Cullums Soloalbum unternahmen. Mit einem kompakten Setup aus Gitarren, Pedal Steel und Synthesizern in einem VW Passat zusammengepfercht, begannen sie unterwegs zu komponieren - und entwickelten eine gemeinsame musikalische Sprache, die sie in ihre Wintersessions in Nashville mitnahmen. Sie nahmen in einem Studio in einem Schuppen um einen Heizstrahler herum auf und fingen den Geist dieser Reisen mit Spontaneität und Vertrauen ein. Ihr Debütalbum zielt nicht darauf ab, individuelle Fähigkeiten in den Vordergrund zu stellen, sondern die Instrumente zu etwas völlig Neuem verschmelzen zu lassen. Mit der Einstellung ,keine Ziele, nur Ideen" schufen sie Musik, die sich ungezwungen, explorativ und lebendig anfühlt. Verwurzelt in den Traditionen von Kosmischer Musik, Jazz-Fusion, Elektronik und Ambient, lässt sich Shrunken Elvis von Alice Coltrane, Michael Rother, Pat Metheny, Ashra und KLF inspirieren lassen - zusammen mit visuellen Einflüssen wie ECM-Albumcovern und den Filmen von Kurosawa und Bergman. Gemischt von Jake Davis (William Tyler) und mit Artwork von Max Kinghorn-Mills (Hollow Hand) ist ihr Debüt ein leise drängendes, zutiefst kollaboratives Album - Musik, die ohne Erwartungen entstanden ist, aber voller Absicht.
"Wao" ist das spontane und traumhafte neue Album von Joseph Shabason, Nicholas Krgovich und dem legendären japanischen Duo Tenniscoats. Aufgenommen an zwei ungeplanten Tagen in der Künstlerunterkunft Guggenheim House in Kobe am Meer, fängt "Wao" die Magie der reinen Improvisation, die Freude an einer sofortigen Verbindung und die stille Poesie des Alltags ein. Das Projekt begann im Frühjahr 2024, als Shabason und Krgovich zu ihrer ersten Tournee als Duo nach Japan reisten. Labelchef Koji Saito organisierte nicht nur ihre Termine, sondern auch für Tenniscoats - Saya und Takashi Ueno -, die sowohl als Vorgruppe als auch als Backing Band fungierten. Nach nur zwei Proben stimmte die musikalische Chemie auf der Bühne sofort, und ihre Auftritte wurden von Abend zu Abend flüssiger und spielerischer. In Erwartung ihrer Synergie buchte Saito während einer kurzen Tourneepause Zeit für Aufnahmen im Guggenheim House. Die Sessions waren völlig unstrukturiert: keine Songs, keine Pläne - nur Instrumente, ein paar Mikrofone und der Schwung eines gemeinsamen Gefühls. Was dabei herauskam, ist eine Sammlung von Songs, die sich in Echtzeit entwickelt haben. Am ersten Tag schrieb Nick im Garten eine Melodie, inspiriert von japanischen Bezeichnungen für verschiedene Wolkentypen, während die anderen unwissentlich eine vergessene Tenniscoats-Melodie wiederbelebten. Stücke wie ,A Fish Called Wanda" und ,Departed Bird" entstanden in solchen Momenten, geprägt von Intuition und sanften Einwürfen alltäglicher Wunder. Zuggeräusche von den nahegelegenen Gleisen driften in die Aufnahmen hinein und wieder heraus und fügen dem luftigen, intimen Sound Textur und Lokalität hinzu. Musikalisch schwebt Wao zwischen dem zarten, experimentellen Folk-Pop von Tenniscoats und der charakteristischen Wärme und melodischen Klarheit von Shabason und Krgovich. Es gibt ein sanftes Gefühl der Überraschung, das sich durch das Album zieht - Ideen, die von Hand zu Hand gereicht werden, Gesang, der wie ein Geschenk dargeboten wird, jeder Track kommt ohne Gewalt an. Die Reihenfolge des Albums folgt der Reihenfolge, in der die Songs entstanden sind, um die Frische und den Fluss der Erfahrung zu bewahren. "Wao" ist eine Hommage an die Leichtigkeit, das Vertrauen und die Freude, gemeinsam etwas Ephemeres zu schaffen, und ist weniger ein ausgefeiltes Statement als ein wunderschöner gemeinsamer Moment. Wie Saya nach einer Aufnahme flüsterte: "Oh_ wao". Diese stille Ehrfurcht sagt alles.
