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Nach zwei Alben auf Morr Music erscheint das dritte Album der Münchner ALOA INPUT auf dem Wiener Label SILUH RECORDS. Der versponnen-psychedelische Krautpop-Entwurf mit Independent Folk-Anleihen wird konzeptuell erhöht und darf Liebhabern der Beta Band, Jane Weaver, späten Tame Impala oder Animal Collective nicht entgehen. ALOA INPUT ist im besten Sinne eine Experimental Pop Band. Das dritte Album der Band um Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck (The Notwist, Joasihno) ist ein Konzeptalbum, hört auf den Namen "Devil's Diamond Memory Collection" und erscheint im Mai 2021. Fünf Jahre sind seit dem letzten Album von Aloa Input, der einstigen Speerspitze des "New Weird Bavaria", vergangen. Eine für die Band ungewöhnlich lange Zeit. Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck verbrachten sie damit einen endlosen Strom an Demomaterial zu produzieren. Bei Sessions in Ateliers, Kinos und Kellerräumen in München, Mexico City und Montreal entstanden knapp 50 Stücke. Am Ende blieben 14 übrig, die im ersten Konzeptalbum der achtjährigen Bandgeschichte gipfelten. Das Thema? Die ,gefühlte Ewigkeit"! Jedes der 14 Lieder ist aus einer anderen, fiktiven Perspektive aus einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft erzählt, eine Rückschau auf die Fetzen unserer Zivilisation. ,Wir wollten eine Platte machen, die wir selber in 20 Jahren anhören würden und sagen, ja: So erschien uns damals die Zukunft". Doch wie lässt man eine Zukunft vor dem inneren Ohr auferstehen, die nur in unseren Gedanken existieren kann? Aloa Input haben auf ,Devil's Diamond Memory Collection" den richtigen Ton getroffen, irgendwo zwischen alienated und alltäglich. "Devil's Diamond Memory Collection" ist der Soundtrack für ein Science-Fiction-Szenario, das nicht als fortschrittsoptimistische Utopie oder bombastische Endzeitvision daherkommt, sondern als geradezu beiläufige Erkenntnis, dass wir längst in unserer Zukunft angekommen sind. 180gr Vinyl in festem Klappcover plus Download Code

LTD PINK PANTHER LP

Nach zwei Alben auf Morr Music erscheint das dritte Album der Münchner ALOA INPUT auf dem Wiener Label SILUH RECORDS. Der versponnen-psychedelische Krautpop-Entwurf mit Independent Folk-Anleihen wird konzeptuell erhöht und darf Liebhabern der Beta Band, Jane Weaver, späten Tame Impala oder Animal Collective nicht entgehen. ALOA INPUT ist im besten Sinne eine Experimental Pop Band. Das dritte Album der Band um Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck (The Notwist, Joasihno) ist ein Konzeptalbum, hört auf den Namen "Devil's Diamond Memory Collection" und erscheint im Mai 2021. Fünf Jahre sind seit dem letzten Album von Aloa Input, der einstigen Speerspitze des "New Weird Bavaria", vergangen. Eine für die Band ungewöhnlich lange Zeit. Angela Aux, Marcus Grassl und Cico Beck verbrachten sie damit einen endlosen Strom an Demomaterial zu produzieren. Bei Sessions in Ateliers, Kinos und Kellerräumen in München, Mexico City und Montreal entstanden knapp 50 Stücke. Am Ende blieben 14 übrig, die im ersten Konzeptalbum der achtjährigen Bandgeschichte gipfelten. Das Thema? Die ,gefühlte Ewigkeit"! Jedes der 14 Lieder ist aus einer anderen, fiktiven Perspektive aus einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft erzählt, eine Rückschau auf die Fetzen unserer Zivilisation. ,Wir wollten eine Platte machen, die wir selber in 20 Jahren anhören würden und sagen, ja: So erschien uns damals die Zukunft". Doch wie lässt man eine Zukunft vor dem inneren Ohr auferstehen, die nur in unseren Gedanken existieren kann? Aloa Input haben auf ,Devil's Diamond Memory Collection" den richtigen Ton getroffen, irgendwo zwischen alienated und alltäglich. "Devil's Diamond Memory Collection" ist der Soundtrack für ein Science-Fiction-Szenario, das nicht als fortschrittsoptimistische Utopie oder bombastische Endzeitvision daherkommt, sondern als geradezu beiläufige Erkenntnis, dass wir längst in unserer Zukunft angekommen sind. 180gr Vinyl in festem Klappcover plus Download Code

Die 7-fache Grammy Gewinnerin Carrie Underwood veröffentlicht ihr neues Album „My Savior“ Seit ihrem Gewinn der amerikanischen TV-Show „American Idol“ 2005 geht es für die 37-Jährige steil Bergauf: Mit mehr als 64 Millionen verkauften Platten weltweit, 27 Nummer eins Hits (14 davon als CoAutor) und sieben Alben die mit dem RIAA Platin Award ausgezeichnet wurden zählt Carrie Underwood
zweifelsohne zu den Ausnahmetalenten im Pop-Olymp.
Mit „My Savior“ erscheint nun das nächste Werk der Amerikanerin. Das Album enthält eine intime Sammlung traditioneller Gospel-Hymnen und ist das spirituelle Gegenstück zum Weihnachtsalbum „My Gift“: ”Diese beiden Alben stehen seit Beginn meiner Karriere auf meiner musikalischen Bucket List und waren
lange vor den Ereignissen des vergangenen Jahres geplant, aber irgendwie fühlt es sich wie der perfekte
Zeitpunkt an, diese Songs mit der Welt zu teilen.”, so Underwood.
Der Grammy Preisträger David Garcia ist als Co-Produzent beteiligt und wirkte bereits an Carrie Underwood‘s mit Platin ausgezeichnetem Album „Cry Pretty“ mit.

Die Irish Folk Punks von Dropkick Murphys sind mit einem neuen Album zurück, wütend, mitreißend und trotz aller Umstände lebensfroh wie eh und je. "Turn Up That Dial" ist das bereits 10. Album der Band aus Boston und wird am 30. April über das bandeigene Label Born & Bred Records erscheinen. Mit den elf Songs des Albums zelebrieren Dropkick Murphys die Liebe zur Musik und das erleichternde Gefühl, alle Sorgen wegblasen zu können, wenn man die Musik voll aufdreht. Vor 25 Jahren hätte es kein Bandmitglied für möglich gehalten, 10 Alben zu veröffentlichen und damit auf der gesamten Erde ausverkaufte Konzerte spielen zu können. Die Dankbarkeit, dass ihre Musik ihnen das ermöglicht hat, möchten sie auf "Turn Up That Dial" mit ihren vielen treuen Fans teilen.

Erster Release der Light In The Attic Re-Issue Serie zu Ehren von LEE HAZLEWOOD mit Stücken von so essentiellen Alben wie ,Cowboy In Sweden". Mit Duetts mit Suzi Jane Hokom, Ann Margret und Nina Lizell. Extensive Linernotes und bisher ungesehene Photos. Mit seinem Schnurrbart und dem klingenden Bariton war LEE HAZLEWOOD einer der Stars der späten 60er Jahre. Obwohl er wahrscheinlich am bekanntesten wegen seiner Arbeit mit NANCY SINATRA ist (er schrieb ihren Megahit ,These Boots Are Made For Walking"), leistete HAZLEWOOD auch fernab dieser besonderen Glamourkönigin beachtliche Arbeit und fand später große Fans in BECK, SONIC YOUTH und JARVIS COCKER. Für den Record Store Day 2012 präsentiert Light In The Attic den Startpunkt einer Anthologie mit ,Singles, Nudes&Backsides", die LEEs beste Solosongs und Duetts seines Lee Hazlewood Industries Sublabels (LHI) versammelt. Die Serie wird sich Material von LHI widmen (das hier zum ersten Mal von den analogen Originaltapes neu gemastert wurde), zusammen mit LEEs Output bei anderen Labels, Raritäten, unveröffentlichten Schätzen und den Filmen von Torbjörn Axelman. Man muss nur das Cover anschauen: umringt von nackten Mädchen, die alle einen unechten Schnurrbart tragen, spielt HAZLEWOOD im Anzug leicht unsouverän den Playboy. Exakt wie dieses Photo zeigen auch die Songs einen gespaltenen Mann: er ist der zärtliche Romantiker, der gebrochene Loser und der zerfurchte Cowboy zugleich.

Re-release! Mit vier Alben in fünf knapp Jahren hat dieses explosive Trio immer größere Erfolge gefeiert und sich Respekt bei Rock-Fans ebenso wie bei Anhängern des Jazz erspielt. Blühendes Lob kam dabei zum Beispiel von David Fricke, dem leitenden Redakteur des Rolling Stone (US) Magazins und dem erfahrenen Autor Richard Williams, der seinen Bericht zum Berliner Jazz Festival mit den Worten eröffnete, dass das HEDVIG MOLLESTAD TRIO während deren Late-Night-Gigs einen Weg gefunden habe, um ihn davon zu überzeugen, dass sich ,headbangen gut anfühlt". Das Trio kehrt mit seiner unverkennbaren Fähigkeit zurück, die Kraft des Heavy Rock mit elektronischen Jazzklängen zu verbinden und präsentiert uns sein neues Album ,Black Stabat Master", auf dem nun auch neue und freiere Gefilde betreten werden. Frontfrau Hedvig Mollestad Thomassen präsentiert sich hier nicht nur als Riffmeisterin, sondern auch als Sologitarristin und wird früheren Vergleichen mit Tony Iommi und Jimmy Page mehr als gerecht. * "Hedvig Mollestad macht instrumentalen Jazzrock so spannend, wie er schon lange nicht mehr war. Ihr Spiel ist virtuos-fiebrig und zugleich nordisch unterkühlt, lässig kann sie in ihren Improvisationen gefühlte tausend Melodien aufflackern lassen, um doch immer wieder mit verblüffenden Wendungen am Ausgangspunkt anzukommen. In ihrem Trio bündelt sie die volle Kraft von Heavy-Rock und Elektro-Jazz, ihre volumenstarken Auftritte erinnern an die großen Momente des Hardrock der siebziger Jahre, wirken jedoch zu keinem Zeitpunkt anachronistisch." Berliner Festspiele 2019

Quietschbunte Indie-Pop-Tunes Nachdem das letzte Tune-Yards-Album "I can feel you creep into my private life" 2018 auf 12 Songs Themen wie Geschlechterteilung, Politik, Feminismus und die nach wie vor um sich greifende Umweltverschmutzung behandelte, hinterfragen sich Merrill Garbus und ihr langjähriger Mitstreiter Nate Brenner auf dem fünften Studioalbum "sketchy." selbst. "We had really been non-stop hustling," reflektiert Merrill, die zwischen 2009 und 2018 vier hoch gelobte Alben als Tune-Yards veröffentlicht hat, durchgängig auf Tour war und zusätzlich noch den Score zum surrealistischen Boots Riley-Film "Sorry To Bother You" kreierte. Ihre eigene Rolle in den von ihr so verhassten, eingefahrenen Systemen, lähmte Merrill, ohne Idee, wie sie nun weitermachen sollte. Inspiriert vom Buch der Beastie Boys und von Questloves "Creative Quest" machte sich das Duo daran täglich für mehrere Stunden in ihrem Proberaum zu jammen, um sich ähnlich wie Athleten vor einem Wettkampf zu trainieren. Dabei tauschten sie Computer-Samples gegen Live-Instrumente ein (Merrill an den Drums, Nate am Bass) und schon nach kurzer Zeit entstanden die ersten neuen Songs. Das Ergebnis ist ein farbenfrohes und fröhliches Album mit Lyrics, die es in sich haben

In Zusammenarbeit mit dem britischen Entwickler-Studio Kaizen Game Works veröffentlicht das Kölner Soundtrack-Label Black Screen Records im Frühjahr 2021 Barry "Epoch" Toppings funkigen "City-Pop meets Vaporwave"-Soundtrack zu dem von der internationalen Gaming-Presse gefeierten Open World Adventure Game Paradise Killer auf Vinyl. Barrys Toppings Soundtrack erscheint auf limitiertem 180g Curacao & Pink Doppel-Vinyl und kommt in einem von 80er Animes & City Pop-Alben inspirierten Artwork der deutschen Designerin Mizucat. Zudem enthält das Vinyl ein gefaltetes A2 Poster und einen Download Code. Die Sounds des Paradieses. Die Musik eines kosmischen Traums. Tracks einer anderen Realität. Das Tempo eines Verbrechens, dass alle Verbrechen beendet. Der Beat von lange verlorenen außerirdischen Göttern. Die Playlist des "Investigation Freaks". Lass dich von der Musik ins Paradies führen. Fühle die glühend heiße Sonne auf deiner Haut. Rieche unerträglich heißen Beton. Genieße den süßen Geschmack von Verbrechen, begangen, auf einer tropischen Insel in einer alternativen Realität. Erinnerst du dich daran, wie wir am Strand getanzt haben? Neben den paradiesischen Straßen? Du hast mir dieses Mix-Tape auf dem Dach deines Apartments gemacht. Wir haben den Mond angestarrt. Du sagtest, du würdest den Mond töten. Ich glaubte dir nicht. Wie falsch ich doch lag.

First released by Cazzo Film in 2001, ebo hill’s Bonking Berlin Bastards has long achieved the status of an underground punk porn classic. Like the Cazzo productions of director Bruce LaBruce, hill’s vision was both ahead of its time and a playful distillation of 90s and early-2000s Berlin Zeitgeist: queer, industrial, hypersexual, exhibitionist and fueled by electronic music. The story is told in large part by the soundtrack, to be released for the first time on Ostgut Ton sublabel A-TON. The music follows a group of squatters, punks and drag queens as they fuck, party and stumble their way through an empty city at the turn of the millennium. Approaching these themes more through location than plot, the film’s narrative freedom is also a narrative of freedom; between chance encounters and sex in public, atop the maze of roofs in the city’s former East, bent over bridges and moaning in ecstasy at oncoming traffic, pants down in telephone booths, packed into sex clubs, in the shadows of abandoned factories and techno clubs lost in time. Composed by improvisational techno trio AeoX and noise / industrial producer Rouage aka CNM (respectively), the music spans a broad range of appropriately pounding industrial, weird techno, noise, ultra-stoned ambient, improvised dub and electro. It’s a sonic spectrum that connects Berlin’s queer hardcore techno and squatter party scenes from which AeoX and Rouage emerged, drawing a direct line between the likes of Berghain-forerunner OstGut (a primary meeting point for the film’s cast & crew) to the more industrial, breakcore and noise- oriented independent party collectives and locations who provided multiple settings for the film, including Grüne Hölle and Stellwerk.

*Artists:* CNM / Rouage (Kathinka): Born in 1975 and raised in East Berlin. Co-organization of subcultural events since 1998 in Berlin, Potsdam, Leipzig and Barcelona. Experimental music, collaborations, exhibitions and audiovisual shows since 2000.

AeoX: Active between 2001 and 2007. Originally a quartet, then a trio, the group eventually shrank to two permanent members: Alex.E and Hanno Hinkelbein. The latter founded Null Records, where AeoX released two album and numerous EPs. They also released on Mental.Ind.Records founded by former OstGut resident Cora S. Musically, the group experimented with combining improvisational hardware techno, breaks, traditional instruments (guitar, clarinet, piano) industrial and metal.

Ursprünglich 2001 von Cazzo Film veröffentlicht, hat Bonking Berlin Bastards von ebo hill längst den Status eines Underground-Punk-Pornoklassikers erreicht. Wie die Cazzo- Produktionen von Regisseur Bruce LaBruce, war auch hills Vision seiner Zeit voraus und ein spielerisches Destillat des 90er- und Anfang-2000er Berlin-Zeitgeists: queer, industriell, hypersexuell, exhibitionistisch, angetrieben von elektronischer Musik. Die Geschichte wird größtenteils über den Soundtrack erzählt, der auf Ostgut Tons Sublabel A-TON zum ersten Mal veröffentlicht wird. Die Musik folgt einer Gruppe von Hausbesetzern, Punks und Drags, die ficken, feiern und durch die leere Stadt um die Jahrtausendwende streifen. Bonking Berlin Bastards erzählt diese Themen mehr über die Drehorte als über die Handlung. Die erzählerische Freiheit des filmischen Narrativs ist gleichzeitig eine Erzählung von Freiheit: Von zufälligen Begegnungen bis hin zu Sex in der Öffentlichkeit, auf Dächern im früheren Osten Berlins, sich über die Brüstungen von Straßenbrücken beugen, trotz und wegen des Verkehrs stöhnen, mit heruntergelassenen Hosen in Telefonzellen, in überfüllten Sexclubs, im Schatten aufgegebener Fabriken, zeitverloren in Technoclubs. Der Soundtrack wurde sowohl vom Improvisationstechnotrio AeoX als auch von Noise-/Industrial-Producer Rouage aka CNM komponiert und spannt einen weiten Bogen von explizit pumpendem Industrial, schräg klingendem Techno, Noise, ultra-stoned Ambient, improvisiertem Dub und Electro. Das musikalische Spektrum verbindet Berlins queere Hardcore-, Techno- und Hausbesetzer-Party-Szenen, aus denen AeoX und Rouage selbst hervorgingen und zieht dabei eine direkte Linie zwischen dem Berghain- Vorgängerclub OstGut (ein wichtiger Treffpunkt für die Darsteller und Crew des Films) und den eher Industrial-, Breakcore- und Noise-orientierten Independent-Partykollektiven und -Locations wie Grüne Hölle und Stellwerk, welche mehrfach als Drehort und Kulisse des Films auftauchen.

CNM / Rouage (Kathinka): 1975 geboren nd aufgewachsen in Ost- Berlin. Co-Organisation subkultureller Events seit 1998 in Berlin, Potsdam, Leipzig und Barcelona. Experimentelle Musik, Kollaborationen, Ausstellungen und audiovisuelle Shows seit 2000.

AeoX: Aktiv zwischen 2001 und 2007. Ursprünglich ein Quartett, dann ein Trio, dann verkleinerte sich die Gruppe auf zwei permanente Mitglieder: Alex.E und Hanno Hinkelbein. Letzterer gründete Null Records, auf dem AeoX zwei Alben und zahlreiche EPs veröffentlichte. Ebenfalls Veröffentlichungen auf Mental.Ind.Records, welches von der ehemaligen OstGut resident Cora S. gegründet wurde. Musikalisch kombiniert die Gruppe improvisierten Hardware- Techno mit Breaks, traditionellen Instrumenten (Gitarre, Klarinette, Klavier), Industrial und Metal.

With his new album, Year Of The Living Dead, Vienna-born and LA-based producer John Tejada finds a blissful extended moment of balance between the new and the familiar. Anyone who’s followed his career to date, which has included four previous albums for Kompakt, outings for storied labels like Plug Research, Playhouse and Cocoon, and numerous remixes and collaborations – most recently, his Wajatta duo with actor and musician Reggie Watts – will immediately sense the warmth and eloquence that Tejada brings to his gilded, pliant techno and electro hybrids. But there’s more here, too; an explorer’s glimmer in the producer’s eye, as he gets to grips with new ways of working and being, while offering a reflective opening for the listener, something echoed in artwork by graphic designer and ‘contemplative artist’ David Grey.

“The album was started using tools I was unfamiliar with, which became an interesting exploratory process,” Tejada says. “Staying away from the obvious and having to re-learn simple things was a fun challenge.” You can hear these new creative pulsions pushing the eight tracks on Year Of The Living Dead ever-forward; the album has an unique cast, and though there are trace elements of the genres Tejada has indulged previously, he’s never quite put them together this way before. There’s the dubwise glitter sprinkled across the moody opener “The Haunting Of Earth”, the kind caresses found amongst the deftly woven textures of “Sheltered”, and the churchy melancholy, all hymnal and golden, of “Echoes Of Life”.

Year Of The Living Dead also speaks obliquely to its moment, though Tejada works this implicitly, allowing the strange circumstances of 2020 to cast their inevitable shadow without being obvious or didactic. “The production process began right before lockdown and continued through what felt like a very serious time for all of us,” he recalls. “Not being able to see or touch our loved ones made me feel we are all like ghosts. We can observe from a distance but cannot really be there. We are isolated and alone.” And yet, Year Of The Living Dead’s tenderness offers an out for that anxiety and loneliness, its intimate immensities gifting the album a redemptive and compassionate core. Compact and glistening, Year Of The Living Dead sculpts unassuming beauty.

Mit seinem neuen Album “Year Of The Living Dead“ findet der in Wien geborene und in Los Angeles lebende Produzent John Tejada die richtige Balance zwischen Neuem und Vertrautem. Wer seine bisherige Karriere verfolgt hat, seine vier Alben für Kompakt, Beiträge für Labels wie Plug Research, Playhouse und Cocoon, zahlreiche Remixe und Kollaborationen wie zuletzt das Projekt Wajatta zusammen mit dem Schauspieler und Musiker Reggie Watts, spürt sofort wieder die Wärme und Eloquenz, die Tejada in seine geschmeidigen Techno-Elektro-Hybride einbringt. Doch es geht auch noch einen Schritt weiter. Da ist dieses Aufblitzen des Entdeckers im Auge eines Produzenten, der sich mit neuen Arbeits- und Seinsweisen auseinandersetzt und dem Zuhörer gleichzeitig etwas sehr Offenes und Nachdenkliches anbietet, etwas, das im Artwork des Grafikdesigners und "kontemplativen Künstlers" David Grey nachklingt.

"Ich hatte angefangen, das Album mit mir noch unbekannten Tools zu produzieren, was sich zu einem interessanten Forschungsprozess für mich entwickelte", sagt Tejada. "Sich vom allzu Offensichtlichen zu trennen und einfache mal Dinge neu lernen zu müssen, war eine recht spaßige Herausforderung.“ Man kann diese neuen kreativen Impulse hören, die “Year Of The Living Dead“ auf einer Länge von 8 Tracks nach vorne treiben; das Album hat einen einzigartigen Ansatz, denn obwohl es Elemente der Genres gibt, denen Tejada zuvor gefrönt hat, hatte er sie doch noch nie zuvor so zusammengefügt wie hier. Da ist dieses dubbige Glitzern im atmosphärischen Opener "The Haunting Of Earth", die freundlichen Zärtlichkeiten, die man in den Texturen von "Sheltered" findet, und schließlich die heilige Melancholie im hymnischen "Echoes Of Life".

Auch “Year Of The Living Dead“ enthält Andeutungen auf die momentane Situation und erlaubt es, den seltsamen Umständen des Jahres 2020, ihren unvermeidlichen Schatten zu werfen, ohne dabei zu offensichtlich oder gar belehrend zu sein. "Der Produktionsprozess begann kurz vor dem (ersten) Lockdown und setzte sich in einer Zeit fort, die sich für uns alle als eine sehr ernste Zeit anfühlte", erinnert er sich. "Da wir nicht in der Lage waren, unsere Lieben zu sehen oder zu berühren, hatte ich das Gefühl, dass wir alle wie Geister sind. Wir können nur distanzierte Beobachter sein, aber wir können nicht wirklich anwesend sein. Wir sind isoliert und allein." Und doch scheint die Zärtlichkeit von "Year Of The Living Dead" einen Ausweg aus dieser Angst und Einsamkeit anzubieten, die grenzenlose Intimität des Albums enthält einen erlösenden und mitfühlenden Kern. Derart konsistent und schillernd formt "Year Of The Living Dead" eine unprätentiöse Schönheit.

Lee Kerslake war der Ausnahmeschlagzeuger auf allen Uriah Heep-Alben von 1972 bis 2005. "Eleventeen" ist sein erstes Solo-Album, das er 2015 zu schreiben und einzuspielen begann und 2019 vollendete. Cherry Red ist stolz darauf, dieses Album nun posthum veröffentlichen zu können - Kerslake starb am 19.09.2020 an Krebs. Erhältlich als Gatefold Vinyl Edition!

Der BIG THIEF-Gitarrist BUCK MEEK veröffentlicht mit "Two Saviors" sein zweites Soloalbum. "Two Saviors" entpuppt sich als ein geradezu kathartisches, nacktes Geständnis von Herzschmerz, Widerstandsfähigkeit und Verzauberung. Produziert wurde das Zweitwerk von Andrew Sarlo, der bisher auch für alle BIG THIEF-Alben verantwortlich war. Sarlo schlug vor, das Album während der heißesten Zeit des Jahres in New Orleans an nicht mehr als sieben Tage auf einer 8-Spur-Tonbandmaschine live aufzunehmen. Die Takes gab es bis zum letzten Tag nicht für die Musiker zu hören. Das Ergebnis zeichnet sich durch eine rohe und menschliche Qualität aus.

Der BIG THIEF-Gitarrist BUCK MEEK veröffentlicht mit "Two Saviors" sein zweites Soloalbum. "Two Saviors" entpuppt sich als ein geradezu kathartisches, nacktes Geständnis von Herzschmerz, Widerstandsfähigkeit und Verzauberung. Produziert wurde das Zweitwerk von Andrew Sarlo, der bisher auch für alle BIG THIEF-Alben verantwortlich war. Sarlo schlug vor, das Album während der heißesten Zeit des Jahres in New Orleans an nicht mehr als sieben Tage auf einer 8-Spur-Tonbandmaschine live aufzunehmen. Die Takes gab es bis zum letzten Tag nicht für die Musiker zu hören. Das Ergebnis zeichnet sich durch eine rohe und menschliche Qualität aus.

ANRMAL ist Juana Molinas erstes Livealbum auf ihrem langen Karriereweg. Es wurde beim NRMAL Festival in Mexiko aufgenommen, kurz bevor die Welt im März zum Stillstand kam, und ist ein Zeitzeugnis, wie die Welt "vorher" einmal war. Durch das kraftvolle Set zieht sich ein so mitreißender Punkrock-Vibe, dass er uns auf bessere Zeiten hoffen lässt. Als Juana Molina vor mehr als zwei Dekaden als Musikerin startete, waren ihre Kompositionen eher reflektiert und auf das Wesentliche reduziert. Zumeist spielte sie Solokonzerte mit ihrer Gitarre, einem Keyboard und Effektgeräten. Über die Jahre wurden ihre Konzerte immer wilder und ihre Platten immer intensiver und extrovertierter, was bei den Tourneen zu ihren letzten Alben zu erleben war. Auf dem am 23.10.2020 erscheinenden ANRML wird Juana Molina von ihren Bandkollegen Odin Schwartz am Bass und Pablo González am Schlagzeug begleitet, die eine Extraportion Energie zum Auftritt beitragen. Das Set enthält Stücke aus Juanas letzten Alben Halo, Wed 21 sowie der Wiederveröffentlichung Un día und der EP "Forfun", alle erschienen bei Crammed Discs. Gemischt wurde das Album von Juana Molinas Toningenieur Marcelo Coca Monte.

Chris Stapleton veröffentlicht sein brandneues Studioalbum ”Starting Over”. Es beinhaltet 14 Titel und wird Chris’ erstes neues Studioalbum seit seiner letzten Veröffentlichung im Jahr 2017 sein. Die erste Single ist der Track ”Starting Over”. Er hat bisher 5 Grammy Awards, 7-ACM Awards, 10-CMA Awards und 5-Billboard Music Awards erhalten. Mit seinen ersten drei Alben hat er bis heute über 8 Millionen Units verkauft, darunter sein Debütalbum ”Traveller”, das sich bis heute über 4 Millionen Mal verkaufte.
Sein gemeinsamer Song mit Justin Timberlake ”Say Something” war auf Platz 1 der deutschen Radiohits.

Mariah Careys 30-jähriges Karrierejubiläum geht weiter! Nach der Veröffentlichung der Doppel-CD "The Rarities" am 2. Oktober erscheinen am 6. November ihre Alben "Emotions", "Music Box", "MTV Unplugged EP" (erstmals auf Vinyl), "Daydream", "Butterfly" und "Rainbow" - neu gemastert - auf schwarzem Vinyl.

Mariah Careys 30-jähriges Karrierejubiläum geht weiter! Nach der Veröffentlichung der Doppel-CD "The Rarities" am 2. Oktober erscheinen am 6. November ihre Alben "Emotions", "Music Box", "MTV Unplugged EP" (erstmals auf Vinyl), "Daydream", "Butterfly" und "Rainbow" - neu gemastert - auf schwarzem Vinyl.

Mariah Careys 30-jähriges Karrierejubiläum geht weiter! Nach der Veröffentlichung der Doppel-CD "The Rarities" am 2. Oktober erscheinen am 6. November ihre Alben "Emotions", "Music Box", "MTV Unplugged EP" (erstmals auf Vinyl), "Daydream", "Butterfly" und "Rainbow" - neu gemastert - auf schwarzem Vinyl.

Mariah Careys 30-jähriges Karrierejubiläum geht weiter! Nach der Veröffentlichung der Doppel-CD "The Rarities" am 2. Oktober erscheinen am 6. November ihre Alben "Emotions", "Music Box", "MTV Unplugged EP" (erstmals auf Vinyl), "Daydream", "Butterfly" und "Rainbow" - neu gemastert - auf schwarzem Vinyl

Mariah Careys 30-jähriges Karrierejubiläum geht weiter! Nach der Veröffentlichung der Doppel-CD "The Rarities" am 2. Oktober erscheinen am 6. November ihre Alben "Emotions", "Music Box", "MTV Unplugged EP" (erstmals auf Vinyl), "Daydream", "Butterfly" und "Rainbow" - neu gemastert - auf schwarzem Vinyl.

Tangerine Dreams Livekonzerte waren in ihrer 1970er Hochphase improvisierte Klangerlebnisse, die mit geringem oder gar keinem Bezug auf ihre ebenfalls esoterischen Hitalben Abend für Abend anders klangen. In den 1980ern konkretisierte sich ihr Sound zu erkennbaren Strukturen, wodurch die Band Soundtrack-Erfolge für einige der grössten Filmproduktionen des Jahrzehnts (Risky Business, Firestarter, Near Dark, Thief, Sorcerer) erzielen konnte. Heutzutage kehren die bestehenden Mitglieder Thorsten Quaeschning, Ulrich Schnauss, Paul Frick (Brandt Brauer Frick) und Hoshiko Yamane zur Improvisationsmethode der frühen Tage zurück und spielen Livesessions als Konzert oder per Stream, von denen die besten Aufnahmen in der "Sessions" Albenserie erscheinen, die im Herbst 2020 mit Vol. II und III fortgesetzt wird. Beide neuen Veröffentlichungen wurden vom prämierten Vinyl-Toningenieur Miles Showell (The Beatles, Queen, ABBA, Amy Winehouse, The Rolling Stones, The Who, Lana Del Rey, Dido, Underworld) in den Londoner Abbey Road Studios gemastered.

Die in Los Angeles lebende Harfenistin Mary Lattimore kehrt mit ihrem neuen Album ,Silver Ladders" zurück. Seit ihrem letzten Longplayer ,Hundreds Of Days" aus dem Jahr 2018 ist Lattimore international getourt und hat gemeinsame Alben mit KünstlerInnen wie Meg Baird und Mac Mccaughan veröffentlicht. Außerdem erschien 2019 ein Remix-Album von ,Hundreds Of Days" an dem sich unter anderem Jónsi und Julianna Barwick beteiligten. Bei einem ihrer Festival-Auftritte traf Lattimore Neil Halstead von Slowdive: ,A friend introduced us because she knew how big of a fan I was and Neil and I had a little chat... The next day, I just thought maybe he'd be into producing my next record." Das tat er schlussendlich auch. Lattimore nimmt ihre Alben traditionell allein auf, daher hinterlässt Halstead als Produzent und Mitarbeiter eine ganz eigene Note. Der Aufnahmeprozess in Halsteads Studio, das auf einem alten Flugplatz stationiert ist, dauerte über neun Tage. Lattimores unverkennbarer Stil ist auch auf ,Silver Ladders" elegant - im Vordergrund stehen sich ausbreitende Harfen-Schichten, welche mit aufblühenden Low-End-Synthesizern und Halsteads Gitarre angereichert werden. Die Musik kann sich teils bedrohlich anfühlen wie der Klang des Ozeans, der sich mit den Gezeiten verändert. Inspiriert von den Erzählungen aus Cornwall, die Halstead mit Lattimore teilte, sowie von diversen Gesprächen, Ideen und ihren eigenen Reisen, haben die Songs deutlich etwas märchenhaftes - und doch ist ,Silver Ladders" offen für eigene Interpretationen. LATTIMOREs Erinnerungen - ,the Cornish landscape, the hotel from the movie The Witches, the cream tea, winning the pub quiz, the Sunday Roast, the ghosts of all of the surfers who had died in the wild waves, the night walks to the top of the hill to see the moon shining on the water." - scheinen durch diese Werke hindurch, ohne sie zu definieren. In gewisser Weise gehören sie, ähnlich wie das Meer oder der Himmel, allen. Das ist die Schönheit ihres Handwerks!

Reissue des zweiten von drei Alben des US-polnischen Braindance-Produzenten Bogdan Raczynksi, die 1999 auf Rephlex erschienen. "Samurai Math Beats" lag irgendwo zwischen dem Drill'n'Bass von Aphex Twin und Squarepusher und sonnengetränkter Electronica von Plone oder Boards Of Canada. Die Kollision aus hyperkinetischen Rhythmen und Spielhallenmelodien wies einer Vielzahl zukünftiger Mutationen den Weg, von den frenetischen BPM des Footwork bis zum dekonstruierten Pop von Mica Levi. Neu geschnitten auf schwarzem Doppelvinyl samt Download-Code und 4c-Poster. Die LP ist der zweite Raczynski-Release auf Disciples nach dem Sampler "Rave 'Till You Cry" (2019) mit unveröffentlichtem Material.

- "Classic braindance" - Hardwax
- "Bogdan was a massive inspiration for some of my tracks on the Drukqs album, the fact he was doing it all on a shit PC tracker… totally amazing. This was before 99.9 percent of people used the computer for everything. His records are so underrated." - Aphex Twin

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

Das für den GRAMMY nominierte Duo ODESZA und der bahnbrechende australische Produzent Golden Features veröffentlichen neues gemeinsames Album als BRONSON.

BRONSON wurde gegründet, als die ODESZA-Mitglieder Harrison Mills und Clayton Knight 2014 bei einem australischen Musikfestival auf Tom Stell von Golden Features trafen. Die drei teilten ihre gegenseitige Bewunderung für die Auftritte der jeweils anderen und blieben in Kontakt, indem sie Musik über Zeitzonen und Kontinente hinweg über Dropbox-Dateien und FaceTime-Anrufe austauschten. Das Aufeinandertreffen des Trios gipfelte in einem Treffen 2018, als die drei Künstler eine Woche in der abgelegenen Region von Berry in Australien verbrachten, um das aufzunehmen, was später das Debütalbum von BRONSON werden sollte. Wie aus den beiden ersten Singles hervorgeht, ziehen sich Elemente von Licht und Dunkel durch das zehn Songs starke Album, da das Oberthema von „BRONSON“ das dem Menschen innewohnenden Kampf von Licht gegen Dunkelheit widerspiegeln möchte. Die Platte kombiniert sowohl melodische Vocal-Songs als auch stimmungsvollere, tiefergehende Elektronika mit Gastbeiträgen von lau.ra (die, neben u.a. Nigel Godrich von Radiohead, Teil der experimentellen Rockband Ultraísta ist), dem gefeierten US-amerikanischen R&B-Sänger Gallant und dem britischen Produzenten Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED). ODESZAs und Golden Features’ kombinierte Streamingzahlen reichen in die Milliardenhöhe und die beiden Acts haben jeweils mehrere Singles und Alben veröffentlicht, die mit Gold und Platin zertifiziert wurden. Die Künstler haben mit einer Reihe von renommierten Künstlern wie Sia, Charli XCX, Leon Bridges, Regina Spektor, Katy Perry und anderen zusammengearbeitet. Als hochgefragte Live-Acts haben die beiden Projekte zudem Millionen von Fans auf der ganzen Welt auf ihren jeweiligen Headline-Tourneen erreicht. ODESZA haben zudem legendäre Veranstaltungsorte auf der ganzen Welt ausverkauft, wie bspw. Die Verti Music Hall in Berlin, die Londoner O2 Academy Brixton, das Staples Center in Los Angeles und das Barclays Center in New York und waren Headliner auf Festivals wie Melt!, Coachella, Bonnaroo und Lollapalooza.

Midnight Resistance ist das 4. Album von The Toxic Avenger. Und zweifellos das außergewöhnlichste, bei dem seine musikalische Handschrift am besten zur Geltung kommt. Das Album gleicht einer Symbiose aus unterschiedlichen Einflüssen und Elementen, von energiegeladenem Elektro bis zu Popavancen, vom klassischen Song bis packenden House der 90er Jahre, vom neoklassischen Piano Revisited bis zum aktuellen Synth-Pop. Ein Album, bei dem der Fokus klar und direkt auf Emotionen und Gefühlen ausgerichtet wird und die Technik bewusst einen Schritt zurück tritt. Keine Frage - es ist auch sicherlich das Genre durchbrechendste und dabei offenste aller seiner Alben, bestückt mit echten Pop-Singles, wie die berauschende "Lies" (feat. Look Mum No Computer), die nostalgische Ballade "Mandala" aus den 80er Jahren (feat. Ornette) oder der packende Popsong "Rent Boy" (feat. Jay-Jay Johanson). Ein besonderes Highlight des Albums ist die Zusammenarbeit mit Maxence Cyrin bei dem sehr ausdrucksstarken und emotionalen Titel "On My own". Die wohl größte Überraschung dieses Al- bums besteht darin, dass Toxic Avenger bei "Les Heures" das erst Mal selbst singt und der Platte eine ganz besondere Note schenkt. Zum Abschluss beglückt Toxic Avenger mit zwei besonderen Gäste. Diese runden die Platte mit der luftigen und hedonistischen Teilnahme von Simone bei "Falling Appart" und dem Spoken Word und immer ungewöhnlichen Flow von Diamond Deuklo auf dem treffend benannten "L'Avenir d'Avant" genussvoll ab. Über zwei Jahre beschäftigte sich Toxic Avenger intensiv mit modularen Synthesizern – aus seiner leidenschaftlichen Klangforschung ist nun ein neuer Sound entstanden, der die Seele der Synthesizer "lebendiger" und organischer erscheinen lässt. Hier ist ein beeindruckendes Werk eines "Klangchirurgen" entstanden, dem es gelingt Stimmen im Detail zu sezieren und ihnen eine magische Aura zu verleihen und dabei ebenso eine intensive Reise in die Tiefen von Melodie und Klangwelten unternimmt, ohne den Fokus auf die Songs selbst zu verlieren. Dieses Album wird zu einer Zeit besonderer Aufmerksamkeit und Sichtbarkeit für The Toxic Avenger veröffentlicht, der gerade die Musik für Hugo Boss Parfum kreiert hat: (Europa/LateinamerikaKampagne für TV/Kino und Web for the World, für zwei Jahre sowie die Musik für die nächsten Web-Werbung von Armani und Yves Saint Laurent unterschrieben hat

Der Multi-Instrumentalist und Produzent hat sich mit fein strukturierten und enthusiastischen Kompositionen bereits einen Namen gemacht. Sein 2016 erschienenes Album „Forms“ zog mit seiner spielerischen Verwebung von Rhythmen und Samples die Aufmerk-samkeit der elektronischen Musikszene auf sich. In diesem Jahr veröffentlicht The Micronaut nun Olympia (Summer Games) – ein Album, das seinen sorgfältigen Produktionsstil weiterführt und dem Geist der Olympischen Sommerspiele gewidmet ist. Denn auch wenn diese abgesagt wurden, so sind die damit verbundenen Tugenden wie Durchhaltevermögen und Zusammenhalt zeitlos und gerade in diesen Wochen um so wichtiger. Solch grundlegende Prinzipien, die den Geist der Olympischen Spiele ausmachen, sind es auch, die The Micronaut umgetrieben haben. Und so war es kein Zufall, dass Summer Games entstanden ist: „Ich habe bisher immer Konzept-Alben veröffentlicht. Dieses Mal habe ich Olympia gewählt, weil es nicht nur Wettkampf, sondern auch eine Friedensbewegung ist, bei der es um die Menschen geht, ganz egal welcher Nation sie angehören.“ Diesen vielfältigen und stets vitalen, lebhaften Geist spiegelt das Album wider: Das verspielt-zarte Uneven Bars oder das träumerisch-sphärische Table Tennis, sie alle erzählen von den besonderen Momenten, von Siegen und Niederlagen und all den Facetten, die dem Sport innewohnen. Dadurch ist eine Reise entstanden, eine schwungvolle, aber auch turbulente Achterbahnfahrt, die den künstlerischen Anspruch The Micronauts abbildet: „Lebhaft, expressiv, dramatisch, manchmal ruhig, manchmal kraftvoll – ich versuche immer die Vibes von Wanderlust, Hoffnung und individuellen Momenten in meiner Musik einzufangen“ – erzählt der in Leipzig lebende Künstler. Und dieses Mal liegt das Spannungsfeld zwischen sportlichen Disziplinen – in dem sich The Micronaut musikalisch ausdrückt. Wobei seine Musik keinesfalls zum Sich-Messen anregt, vielmehr sind viele Tracks mit ihrem übermütigen, optimistischen Vibe für die Tanzflächen der Clubs geeignet, um sich die Anspannung der zuweilen olympischen Herausforderungen des Alltags von der Seele zu tanzen. Dazu hat The Micronaut anspruchsvolle Arrangements mit fließenden Melodien und unaufgeregtem Gesang kombiniert und den Weg für ein neues, collagenartiges musikalisches Genre geebnet. Bisweilen dreht Summer Games sogar in Richtung Elektro-Pop ab, dann wieder ist es inspiriert von old-schooligem Hip Hop and in anderen Momenten mündet und explodiert es förmlich in intelligent gesetzten musikalischen Hochsprüngen. Die Messlatte liegt hoch – doch bei allem Auf und Ab scheint immer durch, dass The Micronaut ein begeisterter Musikliebhaber ist, der Ideen und Inspirationen von überall her sammelt und sie unter Einsatz seines ganz eigenen emotionalen Prismas übersetzt.

LTD. BLUE SEAFOAM WAVE VINYL

Holy Hive ist ein Folk-Soul-Trio aus Brooklyn, bestehend aus Folksänger/Gitarrist Paul Spring, dem begehrten Soul-Schlagzeuger Homer Steinweiss und dem Bassisten Joe Harrison. Die Band hat sich durch fast schon legendäre Konzerte und ihre EP "Harping" einen Namen gemacht. Als Holy Hive erforschen sie die Beziehung zwischen den lyrischen Traditionen des Folk mit dem Rhythmus und der Ästhetik des Soul. Das Debütalbum "Float Back To You", aufgenommen in Queens im Studio Diamond Mine (von dem Steinweiss Mitbesitzer ist), besteht aus 10 eigenen Songs, einem Cover von "Be Thou By My Side" (ursprünglich von der britischen Gruppe Honeybus aus den Sechzigern) und einer Adaption des irischen Folksongs "Red Is The Rose". Steinweiss hat das Album produziert, als Gäste treten die Harfenistin Mary Lattimore, Leon Michels (El Michels Affair) am Saxofon und Keyboard, Shannon Wise (The Shacks) als Backgroundsängerin, Dave Guy (The Roots) an der Trompete, Nick Movshon am Bass und Paul Springs Ehefrau Sophia Heymans am Klavier auf. Homer Steinweiss arbeitet seit zwanzig Jahren als professioneller Schlagzeuger und hat in dieser Zeit den Beat zu Hits von Amy Winehouse, Bruno Mars, den Jonas Brothers, St. Vincent und Charles Bradley beigesteuert - um nur einige zu nennen. Als Gründungsmitglied von Sharon Jones & The Dap-Kings ist er mit der legendären Gruppe durch die ganze Welt getourt, bis er sich für eine Karriere im Studio entschieden hat. Paul Spring hat als Solokünstler sieben Alben mit eigenen Songs veröffentlicht, darunter, "Home of Song", eine von Kritikern sehr gelobte Platte mit Kinderliedern. Der Multiinstrumentalist Joe Harrison hat unter anderem mit Frank Dukes und Charles Bradley gespielt. Die symbiotische Beziehung zwischen Steinweiss und Spring ist wie die eines Spechts, der auf dem Rücken eines Nashorns sitzt. Springs zarter Gesang und seine flatternde Gitarre schweben in perfekter Harmonie über Homers bulligem Schlagzeug. Holy Hive sind eine vielschichtige Band: Manches an ihnen erschließt sich sofort, anderes erst später. Wie der Titelsong des Albums, der sich zuerst wie ein wunderschöner klassischer Liebessong anhört und sich dann als die Gefühle einer Frau entpuppt, die sich auf ihre Katze freut. Dafür steht Holy Hive: Die Musik geht verführerisch einfach ins Ohr und entfaltet sich dann sehr langsam - bis sie ganz aufblüht.

Der in Berlin lebende Komponist und Produzent Ben Lukas Boysen meldet sich mit seinem bislang progressivsten Album zurück: Mirage ist ein wahrer Formwandler. Zuvor unter dem Alias Hecq bekannt, handelt es sich bei Mirage um den mit Spannung erwarteten dritten Longplayer, den Boysen unter seinem eigenen Namen veröffentlicht, und Nachfolger zu den Alben Gravity (2013) und Spells (2016). Letzteres bescherte ihm nicht nur sehr viel Kritikerlob, sondern begeisterte auch die Fans und viele seiner Kollegen: Es gab u.a. Remixe von Max Cooper und Tim Hecker, während Jon Hopkins einen Titel von Spells zum Eröffnungstrack seiner Late Night Tales-Compilation machte. Wie schon auf seinen Alben Gravity und Spells, wird Ben im Verlauf von Mirage von mehreren Gästen unterstützt: Mit dabei sind unter anderem die Cellistin und Komponistin Anne Müller sowie der australische Saxofonist/Komponist Daniel Thorne. Beide sind auf dem ersten Vorboten "Medela" zu hören, der die Zuhörer*innen auf eine Reise durch kaleidoskopische Klangräume führt, in denen verschiedene Genres ganz spielerisch ineinander übergehen. Das geht so weit, dass man hinterher kaum noch sagen kann, was man da eigentlich gerade gehört hat: "Ich wollte experimentieren und versuchen, diese Aufnahmen mit 100% künstlichen Elementen zu verbinden. Dabei ging ich oftmals so weit, dass ein Instrument zu einer Abstraktion seiner selbst wurde, dass sich der Beitrag eines Musikers an einem Song eher wie ein zentraler DNA-Strang des Stücks anfühlt, aber nicht mehr wie eine deutlich erkennbare Spur." Insgesamt fühlt sich Mirage, wie im Titel bereits angedeutet, wie eine klangliche Illusion, eine vertonte Luftspiegelung an: Jedes Stück vereint Klänge und Techniken, die dermaßen bearbeitet und verändert wurden, dass sie wie überbelichtet wirken. Das allzu filzig wirkende Klavier von "Clarion" etwa, Daniel Thornes Saxofon auf "Medela", die einzelne Gesangsnote von Lisa Morgenstern, die sich im Verlauf von "Empyrean" in unterschiedliche Akkorde aufspaltet. Man kann diese Elemente durchaus erfassen, kann sie aber auch ohne weiteres übersehen - wie auch die beiden Klaviere von "Kenotaph", die man für ein einziges Instrument halten könnte. Genau genommen sind es zwei Instrumente, die sich in unterschiedlichen Räumen, ja sogar in unterschiedlichen Ländern befanden. Eins ist digital, das andere akustisch.

- Ursprünglich als EP zwischen den ersten beiden Bon Iver Alben veröffentlicht, enthält Blood Bank einige der beliebtesten Songs der Band - Erstpressung auf farbigem Vinyl - mit 4 brandneuen, exklusiven Live-Aufnahmen der EP-Titel, die auf der Tournee 2018, 10 Jahre nach der Entstehung der Songs, aufgenommen wurden - Bon Iver 2020 live in Berlin, Köln und München // Die "Blood Bank" EP wurde ursprünglich Anfang 2009 veröffentlicht, kurz nach dem geliebten Album "For Emma, Forever Ago". Die EP war der Vorbote eines neuen Sounds für Bon Iver: eine Bewegung weg von der akustischen Gitarren-geführten Instrumentierung des Debüts und der Beginn einer Erkundung der experimentellen Klänge, welche die Entwicklung von Bon Iver seitdem mitdefinieren. Die Neuauflage dieser bahnbrechenden EP ist gekoppelt mit brandneuen Live-Aufnahmen aller EP-Titel. Eine Reflexion über die Blood Bank EP von Ryan Matteson: When I reflect on the songs that make up the Blood Bank EP, I am drawn to mantras, both musical and lyrical. The driving and pulsating rhythm of the title track is held steady by the repeated refrain, I know it well, before it eventually yields to a beautiful array of guitar distortion and noise. These moments are significant through all four songs. When the steel guitar makes its entrance on "Beach Baby," it's transportive. A blissful, breezy feeling sweeps into the room and that puts you within the moment. Close your eyes and you can feel it. "Babys" follows perfectly. A piano guides your mind to the new beginnings that come with the changing of seasons. The awareness of time passes and makes way for another day. Then there's "Woods." A flawless finale. Foreign and new. Not just a new direction but a new beginning entirely. A place where boundaries don't exist. It was a signal change of things to come, laying the groundwork for new collaborations. A decade later, the song says so much in just three lines. Most significant to me are the words, "I'm building a sill to slow down the time." Time doesn't slow down, it races.

COMA haben etwas sehr Seltenes geschafft: sie haben Songs geschrieben, die ein authentische Gefühl von Nähe, Wärme und, ja, auch Emotionalität ausstrahlen.

Die Kölner Elektronik Band verwebt auf ihrem Album Voyage Voyage verschollen geglaubte Ebenen der Erinnerungen in ein vielschichtiges zugleich aber auch irre zugängliches Album zeitgenössischen Elektro Pops. Musik, die sich freimacht von Zwängen, von Zeitgeist und genau deshalb eine einzigartige Stellung einnimmt. Das Album besticht durch verträumte Leichtigkeit und umarmt gleichzeitig eine melancholische Grundstimmung. Voyage Voyage klingt voller spannender Sound Ideen – es zischt und rauscht und hallt und klappert – und ruht doch entspannt in sich und vor allem aber jagt es nicht irgendeinem flüchtigen Moment hinterher, dieses Album steht ganz für sich, für COMAs leicht entrückten Pop voller Möglichkeiten. COMA sind typische Kinder der aufregenden Nullerjahre, Marius und Georg wurden musikalisch aufgezogen mit 80er-Jahre Zuckerwatte, haben dann in zerrissenen Jeans und Indie-Rock der 90er die Adoleszenz durchlebt, wurden erst von den Prinzen der Kölner Clubwelt wachgeküsst und erspielten sich mit diversen EPs und zwei Alben auf Kompakt viel internationales Lob und Anerkennung. Der britische Guardian attestierte ihnen begeistert “playfulness, prettiness and the kind of intense pleasure that results from perfectly interwoven melodies“.

Es ist genau diese vielgelobte unkonventionelle und spielerische Herangehensweise, die sie wohl auch dazu inspirierte, selbst noch während einer Clubnacht im Berghain ihre Gitarre auszupacken. Es liegt also alles in ihrer DNA, doch noch nie waren COMA-Tracks so persönlich und von Vocals und Texten geprägt.

LTD Edition!

COMA haben etwas sehr Seltenes geschafft: sie haben Songs geschrieben, die ein authentische Gefühl von Nähe, Wärme und, ja, auch Emotionalität ausstrahlen.

Die Kölner Elektronik Band verwebt auf ihrem Album Voyage Voyage verschollen geglaubte Ebenen der Erinnerungen in ein vielschichtiges zugleich aber auch irre zugängliches Album zeitgenössischen Elektro Pops. Musik, die sich freimacht von Zwängen, von Zeitgeist und genau deshalb eine einzigartige Stellung einnimmt. Das Album besticht durch verträumte Leichtigkeit und umarmt gleichzeitig eine melancholische Grundstimmung. Voyage Voyage klingt voller spannender Sound Ideen – es zischt und rauscht und hallt und klappert – und ruht doch entspannt in sich und vor allem aber jagt es nicht irgendeinem flüchtigen Moment hinterher, dieses Album steht ganz für sich, für COMAs leicht entrückten Pop voller Möglichkeiten. COMA sind typische Kinder der aufregenden Nullerjahre, Marius und Georg wurden musikalisch aufgezogen mit 80er-Jahre Zuckerwatte, haben dann in zerrissenen Jeans und Indie-Rock der 90er die Adoleszenz durchlebt, wurden erst von den Prinzen der Kölner Clubwelt wachgeküsst und erspielten sich mit diversen EPs und zwei Alben auf Kompakt viel internationales Lob und Anerkennung. Der britische Guardian attestierte ihnen begeistert “playfulness, prettiness and the kind of intense pleasure that results from perfectly interwoven melodies“.

Es ist genau diese vielgelobte unkonventionelle und spielerische Herangehensweise, die sie wohl auch dazu inspirierte, selbst noch während einer Clubnacht im Berghain ihre Gitarre auszupacken. Es liegt also alles in ihrer DNA, doch noch nie waren COMA-Tracks so persönlich und von Vocals und Texten geprägt.

Die Münsteraner Indie- und Punkrockband Muff Potter hat sich mit ausverkauften Shows in 2018 und 2019 zurückgemeldet! Das Quartett veröffentlichte zwischen 1993 und 2009 sieben gemeinsame Alben, vier davon hat das Label Grand Hotel van Cleef bereits auf Vinyl wiederveröffentlicht. Jetzt wird die Reihe mit den Reissues von "Muff Potter" (1996), "Schrei wenn du brennst" (1997) und "Gute Aussicht" (2009) komplettiert.

Die Münsteraner Indie- und Punkrockband Muff Potter hat sich mit ausverkauften Shows in 2018 und 2019 zurückgemeldet! Das Quartett veröffentlichte zwischen 1993 und 2009 sieben gemeinsame Alben, vier davon hat das Label Grand Hotel van Cleef bereits auf Vinyl wiederveröffentlicht. Jetzt wird die Reihe mit den Reissues (Colored Vinyl) von "Muff Potter" (1996), "Schrei wenn du brennst" (1997) und "Gute Aussicht" (2009) komplettiert.

Becoming Real ist ein britischer Elektronikproduzent aus Kopenhagen. Seine neue EP ist beeinflusst von Grime, Cyberpunk und Ambient Dream Music, kombiniert mit einem detaillierten und fesselnden Sounddesign, das fragmentierte Geisterbilder leere Städte der Zukunft heraufbeschwört. Für Fans con Arca, Burial, Four Tet, Varg, HKE und Murlo. Seit seiner ersten Veröffentlichung 2010 hat er mehrerer EPs und Alben auf Transgressive Records herausgebracht, was ihm Aufmerksamkeit von u.a. The Guardian - ‘New Band Of The Week’ und NME - ‘Radar’ einbrachte. Zudem hatter er Auftritte beim Great Escape, Leeds Festival und in der Royal Albert Hall und tourte in Europa/ UK mit SBTRKT, Salem, Grimes und Mount Kimbie.

Wieder legen Die Goldenen Zitronen alle zehn Finger in die Wunden und wühlen darin
herum, dass es wehtut.
... und einmal mehr halten Die Goldenen Zitronen voll drauf mit den Waffen der Kritik, sezieren, spießen auf
und polieren Widersprüche. Nach nun schon einigen Jahrzehnten sind die Goldies noch immer eine
Punkband. Aber eine, die sich, die eigene Szene und die eigene Musik hinterfragt und Punk als eine Haltung
definiert, die Haltung sucht, sowohl musikalisch als auch inhaltlich. Das lässt uns immer wieder überrascht
aufhorchen, klanglich und textlich und vieles bringt uns zum Grübeln. Auf "More Than A Feeling" ist die
Gruppe arbeitsteiliger vorgegangen als auf früheren Alben, die Genese ist eher an zeitgenössische Hiphop
Produktionen angelehnt. Und so krachen hier Acid, DAF, Ernst Busch, Kendrick Lamar, Punkrock,
Störgeräusche und Experimente mit Sequencer und Drummachines zusammen. Die Goldies äußern sich
immer so, wie es bisher noch niemand gemacht hat. "More Than A Feeling" ist nicht zuletzt auch eine
Sammlung von verzweifelten Spottliedern, von denen man nicht weiß, was schwerer wiegt, der Spott oder die
Verzweiflung über das Verspottete.

Auge und Ohr vereint: Kollaborations-EP von Oscar Powell und Wolfgang Tillmans. Zufällige Treffen können viel in Gang bringen: Oscar Powell, der Londoner DJ, Elektronikproduzent und
Gründer (mit Jaime Williams) von Diagonal Records, und der deutsche Fotograf und Künstler Wolfgang Tillmans, dem 2000 als erstem Fotografen und Nichtengländer der renommierte Turner Prize verliehen wurde, liefen sich 2017 im Tate Modern bei einer Performance von Tillmans über den Weg. Man kam ins
Gespräch, führte die Konversation per Mail fort und fand sich schließlich in Berliner, Londoner und Turiner Studios wieder. Die dabei entstandenen Titel sind auf der vorliegenden EP versammelt. Obwohl dem Visuellen verpflichtet, waren die Aufnahmen für den aus Remscheid stammenden Tillmans kein Neuland. Schon 2016 veröffentlichte er Vocal basierte elektronische Songs auf einer Reihe von EPs und Mini-Alben.
Eine Komposition von ihm schließt sogar Frank Oceans Album "Endless" ab. Powell hingegen veröffentlicht seit 2011 Musik auf seinem eigenen Label sowie bei Mute und XL Recordings.

Was sich zum Jahresbeginn 2018 schon abzeichnete, wurde im Sommer gewiss: Muff Potter zieht es zurück ins Rampenlicht. Für 2019 ist eine Deutschland-Tour anberaumt, und im Zuge dessen bringt das eng mit Band befreundete Hamburger Label Grand Hotel van Cleef nicht nur vier zwischen 2000 und 2007 veröffentlichten Alben als Vinyl-Repress noch einmal neu heraus, sondern ergänzend eine Sammlung mit Raritäten und noch nie gehörten Songs aus der gesamten Schaffensphase der wegweisenden Indie- und Punkrockband. Insgesamt schufen die Münsteraner zwischen 1993 und 2009 sieben gemeinsame Alben. Sänger Nagel hat seitdem drei Romane und einen Bild- und Textband veröffentlicht, Gitarrist Dennis Scheider wurde Produzent, Bassist Dominic "Shredder" Laurenz betreibt einen Innenausbaubetrieb und Schlagzeuger Thorsten "Brami" Brameier spielte in verschiedenen Gruppen und Projekten mit. Nun schlägt das Quartett ein neues Kapitel in der ruhmreichen und wechselvollen Bandgeschichte auf.

Nachdem die Münsteraner Indie- und Punkrockband im Februar 2018 eine Live-Reunion gefeiert und wenige Monate später eine - mittlerweile schon ausverkaufte! - Tour für 2019 angekündigt hat, muss man festhalten: Muff Potter sind zurück. Das Quartett veröffentlichte zwischen 1993 und 2009 sieben gemeinsame Alben, vier davon bringt das Label Grand Hotel van Cleef auf Vinyl noch einmal heraus. "Bordsteinkantengeschichten" erschien ursprünglich im Jahr 2000 als drittes Album der Band. Zu dieser Zeit mauserten sich Muff Potter gerade neben Gleichgesinnten wie den Boxhamsters oder Dackelblut vom Geheimtipp zur ernst zu nehmenden Szenegröße. "Bordsteinkantengeschichten" präsentierten Muff Potter einem wachsenden Publikum durch extensives Touren im Verbund mit den befreundeten Formationen Hot Water Music und Leatherface. Der Langspieler stand noch ganz im Zeichen des mitreißenden Hardcore Punk der Anfangstage, gleichzeitig ließ die Gruppe aber auch schon das Interesse an anderen Stilelementen durchklingen. Das führte später sogar soweit, dass die Jungs Streich- und Tasteninstrumente in ihr Soundbild einflochten.

Danach haben sich die Fans gesehnt: Nach langer Abstinenz kehren Muff Potter 2019 für eine Deutschland-Tour auf die Konzertbühnen zurück. Im Zuge dessen legt das Label Grand Hotel van Cleef vier Alben der Jahre 2000 bis 2007 auf Vinyl noch einmal auf. "Heute wird gewonnen, bitte" kam 2003 auf den Markt und katapultierte die Band mit raffinierten lyrischen Geschichten, Melodien zum Verlieben und einem kraftvollen, elaborierten und durchdachten Punkrocksound in die erste deutsche Indie-Liga. Während der Albumaufnahmen und der anschließenden Tour wurde Muff Potter von Jule März als Backgroundsängerin unterstützt. Sie verlieh den Songs, in die auch mal ein Glockenspiel oder Mellotron eingebunden wurde, eine völlig neue Note. Anders ausgedrückt: Die Tage der rotzigen jugendlichen Punkkapelle waren eindeutig gezählt. Passend dazu veröffentlichten die Münsteraner mit "Placebo Domingo" ihre allererste CD-Single. Gleichzeitig gab es mit dem ersten Videoclip eine weitere Premiere für die Gruppe zu feiern.