The Damned schrieben Geschichte, als sie am 22. Oktober 1976 als erste britische Punkband ihre Single
„New Rose“ veröffentlichten. Kurz darauf folgte das allererste britische Punkalbum, ihr legendäres Debütalbum „Damned Damned Damned“, das am 18. Februar 1977 von Stiff Records herausgebracht wurde. Das
Album erreichte bei seiner Veröffentlichung Platz 36 der britischen Charts und hat sich in den 45 Jahren
seit seinem Erscheinen zu einer Legende entwickelt. Mit nur einer halben Stunde Spielzeit ist „Damned
Damned Damned“ ein absoluter Klassiker des Rock ’n’ Roll. Zusammen mit der kompromisslosen Ästhetik
der Band überließen The Damned Rhetorik den Theoretikern und politisches Gehabe The Clash. Die vier
Musiker wollten einfach nur rocken. Die Originalbesetzung mit Dave Vanian, Captain Sensible, Brian James
und Rat Scabies hat sich letztes Jahr wiedervereint und wird das Album im kommenden November auf
einer einmaligen Tournee komplett live spielen.
Search:alle
„Encouraging Words“ ist als limitierte Goldvinyl-Edition erhältlich. Billy Preston ist vor allem für seine
Arbeit mit den Beatles am Album „Let It Be“ bekannt und spielte eine wichtige Rolle in Peter Jacksons
Dokumentarfilm „Get Back“. Der neue, abendfüllende Dokumentarfilm „Billy Preston: That’s the Way
God Planned It“ kommt im Februar 2026 in die Kinos und enthält Interviews mit Ringo Starr, Eric Clapton
und anderen.
Der aufstrebende Country-Künstler und Songwriter Drake Milligan meldet sich mit seinem brandneuen
Album „Tumbleweed“ zurück – ein einzigartiges und lang erwartetes Kunstwerk. Produziert von Trent
Willmon, umfasst „Tumbleweed“ 14 Titel, die traditionellen Texas Country, Western Swing und moderne
Nashville-Elemente perfekt vereinen und Milligans zeitlose Musikalität unter Beweis stellen. „Das ist genau
das Album, das ich immer machen wollte“, sagt Milligan. „Es fängt so ziemlich alles ein, was ich an CountryMusik liebe, und ich freue mich riesig, es endlich veröffentlichen zu können.“ Das Album zeigt Milligans
beeindruckende Vielseitigkeit durch sein fesselndes Storytelling, sein Können und seinen charmanten Humor
in „Goodbye Ain’t All That Bad“. Im Schlusssong „How Much Beer“ holt sich Milligan seinen texanischen
Landsmann Randall King ins Boot, um eine Ode an die Kneipe des Arbeiters zu schaffen – der Song ist
eine schräge Hommage an den Bierliebhaber aus der Arbeiterklasse, seinen Barhocker und die Neonlichter
Es war DIE Nachricht des Jahres. Nach dem sich der Graf vor neun Jahren von Bühne und Öffentlichkeit
verabschiedet hatte, kündigte er - einer der erfolgreichsten Musikkünstler der letzten Dekaden - im Februar
2025 sein Comeback an. Aus zunächst sechs geplanten Comeback-Konzerten wurden aufgrund der hohen
Nachfrage in kürzester Zeit 17 Termine.
Mit dem neuen Album “LIEBE GLAUBE MONSTER“ knüpft UNHEILIG dort an, wo sie 2016 aufgehört haben. Die insgesamt 16 neuen Songs des Konzeptalbums spiegeln die ehrlichen Gedanken, Erlebnisse
und Emotionen des Grafen, die er in den ausnahmslos von ihm selbst geschriebenen Texten verarbeitet. Die
Schlagworte des Albumtitels ziehen sich als Leitmotive durch das berührende Gesamtwerk und spannen die
Bögen zwischen den verschiedenen Dimensionen, die UNHEILIG auszeichnen. Auf dem Album geht es um
Liebe, Freundschaft, Hoffnung, Zuversicht und auch um die Monster, denen wir uns alle im Leben stellen
müssen.
- 1: Nat "King" Cole - Unforgettable
- 1: 2Nat "King" Cole - (I Love You) For Sentimental Reasons
- 1: 3Nat "King" Cole - Nature Boy
- 1: 4Nat "King" Cole - (Get Your Kicks On) Route 66!
- 1: 5Nat "King" Cole - Silent Night
- 1: 6Nat "King" Cole - At Last
- 1: 7Nat "King" Cole - When I Fall In Love
- 1: 8Nat "King" Cole - Stardust
- 1: 9Nat "King" Cole - Mood Indigo
- 1: 0Nat "King" Cole - Don't Get Around Much Anymore
- 1: Nat "King" Cole - When You're Smiling
- 1: 2Nat "King" Cole - Straighten Up And Fly Right
- 2: 1Nat "King" Cole - Smile
- 2: Nat "King" Cole & Georges Shearing - Let There Be Love
- 2: 3Nat "King" Cole - Calypso Blues
- 2: 4Nat "King" Cole - Answer Me, My Love
- 2: 5Nat "King" Cole - Pretend
- 2: 6Nat "King" Cole - The More I See You
- 2: 7Nat "King" Cole & Georges Shearing - Fly Me To The Moon
- 2: 8Nat "King" Cole - Mona Lisa
- 2: 9Nat "King" Cole - Ramblin' Rose
- 2: 10Nat "King" Cole - Too Young
- 2: 11Nat "King" Cole - Orange Colored Sky
- 2: 1Terez Montcalm - L-O-V-E
Alle größten Hits von Nat King Cole jetzt auf hochwertigem Doppel-Vinyl! Diese Edition vereint 24 zeitlose Klassiker des legendären Crooners - ein Muss für Liebhaber eleganter Jazz- und Popmusik. Mit seiner unverwechselbaren Stimme prägte Cole Generationen und schuf unvergessene Standards. Enthalten sind Meilensteine wie "Unforgettable", "When I Fall in Love", "Stardust" und viele weitere Songs, die Musikgeschichte geschrieben haben.
- 1: Hello/Goodbye
- 2: You Will Never Know
- 3: Liberation
- 4: Have You Been Around
- 5: Punk Rock Song
- 6: Beat You Down
- 7: Rock'n'roll Star
- 8: Someone Special
- 9: Slide Song
- 10: Hey Now!!
- 11: Strapped
- 12: Bubblegum Ride
- 13: So Deep Inside
"Bad Sneakers and a Piña Colada" wurde 2000 veröffentlicht und ist das zweite Studioalbum der schwedischen Hardrock-Band Hardcore Superstar. Das Album mischt Elemente von Sleaze Rock, Glam Metal und Punk-Energie und trägt dazu bei, den typischen Sound der Band zu etablieren.
Mit herausragenden Titeln wie "Liberation", "Someone Special" und "You Will Never Know" bietet das Album ansteckende Hooks, energiegeladene Riffs und hymnische Refrains. Mit seiner rauen Attitüde und seiner melodischen Seite wurde ""Bad Sneakers and a Piña Colada"" von der Kritik gelobt und war vor allem in Schweden und Japan ein kommerzieller Erfolg.
Dieses Album spielte eine entscheidende Rolle bei der Wiederbelebung der Sleaze-Rock-Szene in den frühen 2000er Jahren und positionierte Hardcore Superstar als eine wichtige Kraft in diesem Genre. Für Fans von energiegeladenem, von Attitüde geprägtem Rock bleibt "Bad Sneakers and a Piña Colada" eine der wichtigsten Veröffentlichungen in der Diskografie von Hardcore Superstar.
"Bad Sneakers and a Piña Colada" ist in einer limitierten Auflage von 666 einzeln nummerierten Exemplaren auf weißem Vinyl erhältlich.
- Le Mieux Et Le Bien
- Yellow Moon
- Papillon
- Come Home
- My Little Sweet New Zealand Bunker
- Stop This World
- Indien De Paname
- Les Maximiseurs De Pi
- Notre Ile
- My Little Sweet New Zealand Bunker
- C'est Comme Ca C'est La Vie
Rather than yielding to despair in these troubled times and offering listeners a rope to hang themselves, Zimmermann (trombonist for Claude Nougaro, Manu Dibango, and Tony Allen) playfully grants them another option - a humorous sarcasm! He mocks the vain shelters of the powerful with the tune "My Little Sweet NZ Bunker", denounces the manufacture of one- track minds with "Les maximiseurs de PI", and escapism with the classic satirical Mose Allison's song "Stop This World (let me off" (translated and sung in French) In more tender moments, he reflects on the intimate consequences of this global unraveling.
Daniel Zimmerman's style, both as a composer and soloist, is that of a melodist above all else; disregarding concepts, he sings and seeks to go straight to the heart. He was voted 'Trombonist of the Year' by Jazz Magazine (Frances most influential jazz publication) in 2021, 2022, 2023 and 2024.
- A1: Vocal
- B1: Instrumental
- C1: Vocal (Picture Disc)
- D1: Instrumental (Picture Disc)
- E1: Doug Laurent Edit (Cd)
- F1: Mike Misar Edit
- F2: Doug Laurent Mix
- G1: Mike Misar Mix
- G2: Original Radio Cut
Ein absolutes Highlight für alle Italo-Disco-Fans: Diese streng limitierte Sammlerbox widmet sich einem der legendärsten Hits des Genres – „The Night“ von Valerie Dore. Der zeitloseKlassiker, der bis heute die Tanzflächen und Herzen der Fans erobert, erscheint hier in einer exklusiven Zusammenstellung.
Die Box enthält zwei Maxi Singles sowie eine Maxi CD, die den ikonischen Sound von The Night in verschiedenen Versionen und in bester Qualität präsentieren. Synthesizer Melodien, pulsierende Beats und der unverwechselbare Italo-Disco-Charme machen diese Edition zu einem Muss für Liebhaber elektronischer 80er-Jahre-Musik.
Diese limitierte Box ist eine Hommage an einen Meilenstein der Italo Disco und sollte in keiner gut sortierten Sammlung fehlen. Nur solange der Vorrat reicht!
- A1: Js Bach - Polonaise In G Major Bwv 130
- A2: Beethoven - Sonata No.20 Opus 49 'Leichte Sonate’ First Movement
- A3: Beethoven - Sonata No.20 Opus 49 'Leichte Sonate’ Second Movement
- A4: Cpe Bach - Solfeggietto In C Minor
- A5: Beethoven - Sonata No.8 Sonate Pathetique Second Movement Adagio Cantabile
- B1: Js Bach - French Suite No.5 Gavotte
- B2: Mozart - Sonate Kv 545
- B3: Scarlatti - Allegretto In E Minor
- B4: Beethoven - Sonata No.14 Opus 27 ‘Moonlight Sonata’
- 1: Them Changes
- 2: I Still Love You, Anyway
- 3: Heart's Delight
- 4: Dreams
- 5: Down By The River
- 6: Memphis Train
- 7: Paul B. Allen, Omaha, Nebraska
- 8: Your Feeling Is Mine
"Soul, Funk, Disco, Jazz, Blues, Pop-Rock and Folk out of print titles from the vaults of classic labels such
Elemental Music, together with Universal Music Group, present the best selection of 60’s & 70’s R&B,
as Polydor, Motown, Verve, Impulse, Chess, MGM, A&M, Mercury or Capitol Records, among others.
Soul, Funk, Disco, Jazz, Blues, Pop-Rock and Folk out of print titles from the vaults of classic labels such
as Polydor, Motown, Verve, Impulse, Chess, MGM, A&M, Mercury or Capitol Records, among others."
In the ever-evolving yet foundational landscape of instrumental groove music, F-Spot Records is proud to debut "Monkey Part 2 b/w Lully" from up-and-coming, multi-faceted keyboardist and composer Max Naseck. Raised in Dallas, Texas, but having worked throughout the Los Angeles music scene for almost a decade, Max Naseck, joined by guitarist Brandon Bae and drummer Julian Allen, brings his new trio project to life. After chasing this sound and style of playing for several years, Appropriately given the name "The Left Hand of God" by some of his musical peers, Max takes the classic soul jazz trio setting of holding down both the bass and melody elements and moves them to a unique combination of funky Moog synth (Key bass) and a Wurlitzer 200A electric piano. This 45 provides a fresh yet retro sound that is sure to leave listeners grooving and locked in.
From the first notes and tight 4-on-the-floor rhythm, "Monkey Part 2" kicks off the A-side with a unique psychedelic blend of soul, funk, and a touch of disco. With Allen's groovy touch, Naseck perfectly locks in with his left hand, followed by Bae's precision-picked electric guitar, which completes the trio's solid groove, further propelled by Naseck's right hand taking the melodic lead. Then on side B, "Lully" brings the tempo down to a more soulful, atmospheric blend that's equal parts Khruangbin & modern jazz pioneers, a la John Scofield. Recorded live together in one room, Max brings his strong compositional style to the table, showcasing how three musicians can interact in a playful, melodic, and groove-focused way.
Eine Disco-45 mit zwei heißen Tracks von Say She She's neuester LP ,Cut & Rewind". Die NYC Punk-Chic, Discodelic Funk Band hat letzten Oktober ihr drittes Studioalbum rausgebracht. Es ist ein politisch aufgeladenes, Dancefloor-zerstörendes Album, angeführt vom kraftvollen Gesangstrio Piya Malik, Sabrina Mileo Cunningham und Nya Gazelle Brown. Die A-Seite, der Titeltrack ,Cut & Rewind", ist ein Post-Punk-Femme-Funk-Track mit den mitreißenden Harmonien der Gruppe und einer unverkennbaren Funk-Base/Basslinie. Der Song ist hauptsächlich autobiografisch, enthält aber auch subtile Hommagen an Songwriting-Legenden. Die Gruppe hat kürzlich die B-Seite ,Disco Life" live bei Jimmy Kimmel gespielt. Der fröhliche, groovige Track verurteilt den Rassismus und die Homophobie von Steve Dahls ,Disco Demolition Night" aus dem Jahr 1979 und fordert die Tanzfläche als ,Spielfeld, auf dem alle frei sind" zurück.
2026 Repress
Alleviated Records is proud to present the first of hopefully a succession of releases sharing selections from our own Archive of recordings that either have never been issued or that have never been issued on the Alleviated imprint. After many years of being ''on-the-shelf'' we are extremely pleased to share these with the public. First up, we have a selection that was being considered for the ''Another Side'' (Fingers, Inc.) album that features Ron Wilson free-styling vocals to a deep-house vibe. To this day, we are not quite sure why this selection was not included on the project but are pleased to finally share it. Next up we have ''Electronic Debris'' delivering a ''mellow-deep'' vibe. Then we have ''Saspence'' with, as the title implies, a ''mysterious-deep-minimal house'' feel. Concluding the EP is ''Nyte Light'' delivering a ''deep-ambient-acid'' flavor. We sincerely hope that you enjoy these selections at the club and at home for a long time to come. Musically Yours...
2023 Repress
Alleviated Records is proud to present the second of hopefully a succession of releases sharing selections from our own Archive of recordings that either have never been issued or that have never been issued on the Alleviated imprint. After many years of being "on-the-shelf" we are extremely pleased to share these with the public.
- Karelia
- The Kidnapper Bell
- Jackie Says
- Op Beach
- Holy
- Error #9
- L'america
- Human Highway
Zum 25-jährigen Jubiläum der Veröffentlichung von MONOs Debütalbum "Under The Pipal Tree" bringt die Band eine einzigartige limitierte Auflage auf farbigem Vinyl in der Farbe "Iridescent Forest Night" heraus, um diesen besonderen Anlass zu feiern. "Under The Pipal Tree" ist das Debütalbum der mittlerweile legendären japanischen Experimental-Rockbands MONO. Veröffentlicht im Jahr 2001 auf dem Avantgarde-Label Tzadik von John Zorn, präsentierte "Under The Pipal Tree" ein junges japanisches Quartett, dessen vielfältige Einflüsse - vor allem Sonic Youth, Mogwai, The Velvet Underground und Neil Youngs Crazy Horse - sich in einem wilden und ambitionierten Werk zeigten. Obwohl MONO später vor allem für ihre geschickte Verbindung von Metal und klassischen Genres bekannt wurden, zeigt ,Under The Pipal Tree" die psychedelischen Wurzeln der Band. Lange Passagen mit hypnotischen, melodischen Klängen gehen über in rasante Gitarren-Freakouts, die in eindringlicher Stille versinken. Das Album ist nicht nur wegen seiner ernsthaften Suche bemerkenswert, sondern auch wegen seiner überraschenden Umsetzung. 25 Jahre und ein Dutzend Alben später gilt ,Under The Pipal Tree" als eines der besten Debütalben einer wegweisenden Underground-Band.
Sarah Connors #1 Album ”Freigeistin” erscheint 2026 als Special Deluxe Edition in neuem Look und mit
brandneuen Bonustracks. Ihr bisher persönlichstes Album hielt sich bereits sieben Wochen in den Top
10 der deutschen Albumcharts und reihte sich in die Trilogie aus ”Muttersprache” und ”HERZ KRAFT
WERKE” ein. Nun krönt sie sie den Beginn ihrer großen Arena Tour durch Deutschland, Österreich und
die Schweiz mit dem Release einer ganz besonderen Version von ”Freigeistin” inkl. aller bisherigen Hits
wie ”FICKA”, der neuen Empowerment Single ”Das schönste Mädchen der Welt” und weiteren Songs.
Sarah selbst sagt zum Album:
”Ich habe getan, was ich immer tue. Beobachtet, zugehört, geschrieben und gesungen. Ich stelle Traditionen und lang gelernte Konzepte in Frage. Ist Ehe noch zeitgemäß? Wie geht glücklich in einer langen
Beziehung? Warum hat mir keiner gesagt, wie sehr es weh tut, wenn die Kinder aus dem Haus gehen,
und kann man wirklich monogam sein? Ich will wilde Nächte und meine Leichtigkeit zurück, ich will etwas
fühlen in einer Welt, die immer stumpfer wird. Ich will jeden Tag etwas Neues lernen und ich kämpfe für
das, woran ich glaube. Meine Sehnsucht nach Aus- und Aufbruch dominiert dieses Album. Ich bin viele
und wir alle sind auf dieser Platte.”
Das Album erscheint in der Special Deluxe Edition als limitiertes Hardcover Book und als limitierte 2
LP in transparentem Pink. Beide Versionen beinhalten das komplette Album ”Freigeistin” und alle sechs
Bonustracks.
Alleviated Records is proud to present the third installment of 'Vault Sessions' series. Sharing recordings from the archives that either have never been issued or been out of print for a long time. After many years of being "on-the-shelf" we are extremely pleased to share these selections with the public.
- The End (Feat. Watch Me Rise)
- Therapy
- Strength In You
- Accept Myself (Feat. Catapults)
- Just Like Me
- Leave A Light On
- Back In Life
- Forever
- Before I Drown
- Where Do We Go
- The Beginning
Swallow’s Rose machen Punk Rock für die, die nachts wach liegen. Für alle, die nicht wissen, wo sie gerade hingehören aber unermüdlich auf der Suche sind. Auf der Suche nach Klarheit, Selbstakzeptanz, nach etwas Vertrautem oder vielleicht nach einem Neuanfang… Das neue Album „The Beginning“ beschäftigt sich genau mit dieser Suche und all den Gedanken, Zweifeln und Entscheidungen, die damit verbunden sind.
Inhaltlich knüpft es mit oft persönlichen Texten über mentale Gesundheit an „Downfall“ an, geht musikalisch aber einen Schritt weiter: härter, direkter, druckvoller. Bekannt von gemeinsamen Touren mit 100 Kilo Herz, Massendefekt sowie Festivals wie SBÄM oder Rock The Hill.
Marmoriertes Vinyl (Pink / transparent Magenta), ltd. auf 250 Exemplare.
- Sink
- Memory Be A Blade
- Clay
- Beck N Call
- Minnie
- Minnie Too
- Amiss
- Srs Ice
Die aufstrebende Singer-Songwriterin waterbaby aus Stockholm, Schweden, sieht alles durch eine romantische Brille. Das hört man in der Musik der aufstrebenden Künstlerin, die nostalgisch, zart und so fließend ist, wie ihr Künstlername schon sagt. waterbaby wuchs in einer musikalischen Familie auf, von ihrem Urgroßvater, einem Jazzpianisten, über ihren Onkel, der in Clubs arbeitete, bis hin zu ihrem eigenen Bruder, der unter dem Namen tt auftritt. Schließlich fand sie ihren eigenen Weg und Sound und veröffentlichte 2023 ihre Debüt-EP ,Foam" bei Sub Pop. Produziert von ihrem Hauptkollaborateur Marcus White (YG, Anna of the North), enthielt das spritzige, bekennende, gitarrenlastige Projekt die Singles ,911", ,Airforce Blue" und ,Wishing Well". Nach den 2025 veröffentlichten Singles ,Amiss" und der preisgekrönten Zusammenarbeit mit Hannes ,Wish" bereitet sich waterbaby auf die mit Spannung erwartete Veröffentlichung ihres Debütalbums ,Memory Be a Blade" vor. Dunkler und üppiger als ihre EP, entspringt waterbabys neue Musik einem Ort unbewusster Herzensqual, an dem sie über eine vergangene Trennung nachdenkt, während sie kurz davor steht, eine neue zu erleben. White holte ein hervorragendes Team von Musikern an Bord, um dem Sound Tiefe und Vollständigkeit zu verleihen, was waterbabys klassischen Musikhintergrund widerspiegelt. ,Es nahm quasi vor unseren Augen Gestalt an", sagt sie über den nahtlosen Prozess, diese emotionalen neuen Songs zum Leben zu erwecken. Diesmal waren die Texte eher improvisiert, was waterbaby mehr Freiheit gab, das auszudrücken, was sie sagen wollte. ,Ich habe das Mikrofon genommen, ohne zu wissen, was ich tun würde", sagt sie, ,und das ist zum ehrlichsten Ventil in meinem Leben geworden."
- Ich Wünsch Mir Du Bleibst
- Eisbär
- Euer Normal
- Viel Zu Oft Allein
- Autobahn
- Mein Zimmer
- Weisswein & Eis
- Schnee
- Zigaretten Am Friedhof
Mit "Vielleicht nicht für immer" erscheint am 06.03.2026 das Debütalbum der Zürcher Band "Fräulein Luise" auf superpolrecords. In der Schweiz werden die vier jungen Musiker*innen schon längst als neue große Indiepop-Hoffnung gefeiert. In Deutschland und Österreich gelangten sie in den letzten Monaten mit ihrer ersten Vorab-Single "Eisbär" auch in das Blickfeld der Szene, wegen ihres unverwechselbar eigenen textlichen Ansatzes, vielleicht aber auch wegen des neuen Sounds der Band, die mit dem österreichischen Produzenten Zebo Adam (Bilderbuch, Wanda u.a.) für "Vielleicht nicht für immer" zusammen gearbeitet hat.
1976 markiert das Erscheinungsjahr der ersten Punk-Singles - und 50 Jahre später feiern zwei Anthologien dieses Jubiläum mit einem einzigartigen Doppelblick auf die Geschichte des Genres. In Bored Teenagers und Angriff aufs Schlaraffenland wählen über 200 Musiker:innen, Autor:innen, Fanzine-Macher:innen, Journalist:innen, Punks, Ex- und Anti-Punks ihren persönlich wichtigsten Punk-Song. Sie fragen sich: Welcher Track hat mich geprägt? Welcher verkörpert Punk für mich am stärksten? Ob "Anarchy in the UK", "Nazis raus", "California über alles" oder "Für immer Punk" - über 400 sehr unterschiedliche Antworten zeigen, wie vielfältig Punk erlebt, erinnert und weitergeführt wird. Trotz aller Unterschiede verbindet die Beiträge eines: Punk ist für die Schreibenden auch nach fünf Jahrzehnten kein beliebiges Musikgenre. Die Texte erzählen von jugendlicher Aufbruchstimmung, radikalen Ideen und politischem Selbstverständnis, aber auch davon, wie lebendig Punk bis heute ist. Punk erscheint als musikalischer Aufruhr und ästhetischer Bruch, als DIY-Haltung, Hausbesetzung, Theorie und Praxis zugleich. Er kann feministisch, anarchistisch, widersprüchlich, laut, zärtlich oder rotzig sein - aber niemals langweilig. Während Angriff aufs Schlaraffenland die deutschsprachige Punkgeschichte beleuchtet, widmet sich Bored Teenagers zentralen Songs der internationalen Szene. Mit Beiträgen von u. a. Bela B, Simon Reynolds, Franz Dobler, Diedrich Diederichsen, Linus Volkmann, Hans Nieswandt, Bernd Begemann, Jim Avignon und vielen weiteren entsteht ein Panorama über Klassiker von Sex Pistols, X-Ray Spex, Mittagspause, Ramones, Clash und Slime, über Post-Punk von Wire, Gang of Four oder The Slits, über fast Vergessenes bis hin zu zeitgenössischen Acts wie Team Scheisse, Sleaford Mods oder Acht Eimer Hühnerherzen.
1976 markiert das Erscheinungsjahr der ersten Punk-Singles - und 50 Jahre später feiern zwei Anthologien dieses Jubiläum mit einem einzigartigen Doppelblick auf die Geschichte des Genres. In Bored Teenagers und Angriff aufs Schlaraffenland wählen über 200 Musiker:innen, Autor:innen, Fanzine-Macher:innen, Journalist:innen, Punks, Ex- und Anti-Punks ihren persönlich wichtigsten Punk-Song. Sie fragen sich: Welcher Track hat mich geprägt? Welcher verkörpert Punk für mich am stärksten? Ob "Anarchy in the UK", "Nazis raus", "California über alles" oder "Für immer Punk" - über 400 sehr unterschiedliche Antworten zeigen, wie vielfältig Punk erlebt, erinnert und weitergeführt wird. Trotz aller Unterschiede verbindet die Beiträge eines: Punk ist für die Schreibenden auch nach fünf Jahrzehnten kein beliebiges Musikgenre. Die Texte erzählen von jugendlicher Aufbruchstimmung, radikalen Ideen und politischem Selbstverständnis, aber auch davon, wie lebendig Punk bis heute ist. Punk erscheint als musikalischer Aufruhr und ästhetischer Bruch, als DIY-Haltung, Hausbesetzung, Theorie und Praxis zugleich. Er kann feministisch, anarchistisch, widersprüchlich, laut, zärtlich oder rotzig sein - aber niemals langweilig. Während Angriff aufs Schlaraffenland die deutschsprachige Punkgeschichte beleuchtet, widmet sich Bored Teenagers zentralen Songs der internationalen Szene. Mit Beiträgen von u. a. Bela B, Simon Reynolds, Franz Dobler, Diedrich Diederichsen, Linus Volkmann, Hans Nieswandt, Bernd Begemann, Jim Avignon und vielen weiteren entsteht ein Panorama über Klassiker von Sex Pistols, X-Ray Spex, Mittagspause, Ramones, Clash und Slime, über Post-Punk von Wire, Gang of Four oder The Slits, über fast Vergessenes bis hin zu zeitgenössischen Acts wie Team Scheisse, Sleaford Mods oder Acht Eimer Hühnerherzen.
Über prägende Role Models von den 1920ern bis heute Eras-Tour, Brat Summer, gefeierter Opern-Pop von Rosalía: Immer häufiger sind es Female Artists, die der Popkultur ihren Stempel aufdrücken, die Charts stürmen und Preise wie die Grammys abräumen. Endlich erhalten sie die Aufmerksamkeit und Anerkennung, die ihnen lange Zeit verwehrt blieb. Einen kleinen Beitrag hierzu leisteten womöglich auch die Anthologien "These Girls" und "These Girls, too", die übersehene Musikerinnen ins Rampenlicht gerückt und Neues zu bekannten Künstlerinnen erzählt haben. Doch die feministische Musikgeschichte ist längst nicht auserzählt: Zahlreiche Künstlerinnen warten noch auf ihre Wiederentdeckung, und abseits der Megastars wird die Branche weiterhin von Männern dominiert. Folgerichtig erscheint mit "These Girls Forever!" nun der dritte Band der Reihe: Das Buch schreibt die feministischen Musikgeschichten fort und erweitert sie um außergewöhnliche Künstlerinnen. Wie schon in den Vorgängerbänden schreiben zahlreiche Autor:innen aus persönlicher Perspektive über zu Recht gefeierte wie übergangene Musikerinnen, heben vergessene Schätze und eröffnen neue Blickwinkel auf die Ikonen der Popkultur. Die Vielfalt dieser Stimmen und Geschichten macht auch "These Girls Forever!" zu einer unterhaltsamen, inspirierenden Lektüre für alle, die ihren Blick weiten und Popgeschichte neu hören wollen. Jacinta Nandi, Rebecca Spilker, Jan Müller, Steffen íGreiner, Ebba Durstewitz, Bettina Wilpert, Sibel Schick, Kersty und Sandra Grether und viele mehr schreiben über íKünstlerinnen wie Barbra Streisand, Paula Hartmann, Betty Davis, Zaho de Sagazan, Judith Holofernes, íMalaria!, Sinéad O"Connor und zahlreiche weitere.
- The Beginning And The End
- Seventh Degraded Hymn
- Memorial Environment #4
- Eighth Degraded Hymn
- Memorial Environment #5
- Ninth Degraded Hymn
- Memorial Environment #6
- Tenth Degraded Hymn
- The End Of Life In Sound
Der postklassische Komponist, Klangkünstler und Kurator Matthew Patton ist mit seinem zweiten Album als Those Who Walk Away zurück. "Afterlife Requiem" ist eine Elegie für seinen Freund und Kollegen Jóhann Jóhannsson. Drones, Elektroakustik und fast vollständige Stille, extrahiert aus unvollendeten Aufnahmen auf Jóhannssons Festplatten, bilden die Grundlage für zwei Streichquintette - Ghost Orchestra (Reykjavík) und Possible Orchestra (Winnipeg) -, die in einem traurigen, langatmigen Werk verarbeitet und ausgelöscht werden. Patton hat auch wieder mit Andy Rudolph (Guy Maddin) und Paul Corley (Sigur Rós, Ben Frost) an der Koproduktion und dem Sounddesign gearbeitet, um eine brodelnde Körperlichkeit zu schaffen, die brodelnde Tiefen mit eindringlichen Bewegungen gespenstischer Streicher kontrastiert. ,Alles, was ich je geschrieben habe, ist ein Requiem. Alles ist ein Ende. Der Tod ist überall in dieser Musik präsent. In meinen Werken geht es um das Verschwinden - der Gegenwart, der Vergangenheit, von allem. Afterlife Requiem wird im Laufe seiner Dauer immer langsamer, es ist ein einziges großes Ritardando, die Zeit verlangsamt sich nicht nur, sie verschwindet. Ohne dass ich darüber nachgedacht hätte, ereigneten sich zwei miteinander verbundene Tragödien, die während des Schreibens, Aufnehmens und Arbeitens organisch an die Oberfläche kamen: der Tod meiner Mutter und der Tod des Komponisten und Freundes Jóhann Jóhannsson. Wenn ich mit dem Schreiben anfange, denke ich an nichts Bestimmtes, ich schreibe einfach, komponiere, nehme auf und höre zu ... aber irgendwas macht sich immer auf unvorhergesehene Weise bemerkbar oder drängt sich in den Vordergrund. Nach dem medizinisch assistierten Tod meiner Mutter wurde mir beim Ausräumen ihrer Wohnung klar, dass ich auch die physische Manifestation ihrer Welt auslöschte - und dass ich genau dasselbe mit der Musik tat, die ich schrieb und aufnahm. Während dieser Zeit wurde mir auch Jóhanns Tod immer wieder bewusst. Für Afterlife Requiem habe ich kurze, verlassene Fragmente aus Jóhann Jóhannssons Festplatten genommen und diese körperlosen Audio-Geister abwechselnd in meine eigene Musik eingebaut, wobei ich sie unrein gelassen habe - und dabei die Grenze zwischen Schaffen und Zerstören verwischt habe. Nach seinem Tod hatte ich diese Festplatten aus Jóhannssons Berliner Studio zum Anhören bekommen. Diese Musik war aufgegeben worden, in verschiedenen Stadien der Entstehung und Auflösung: ein Verzeichnis zerfallener und toter Erinnerungen, vergessen und jetzt nur noch in einer Reihe ineinandergreifender mechanischer Teile vorhanden, die mit der Zeit selbst versagen und verschwinden werden, wie alles andere auch. Monatelang hörte ich mir diese Überreste von Jóhanns Musik obsessiv an und versuchte, Hinweise auf Jóhann vor seinem Tod zu finden. Oft stellte ich fest, dass er das Aufnahmegerät noch lange nach Ende der aufgenommenen Musik laufen gelassen hatte. Er schien nicht zu bemerken, dass die Musik aufgehört hatte, oder registrierte nicht, dass dies das Ende der Musik war, oder vielleicht war er durch etwas anderes abgelenkt. Aber ich fand diese langen Stillephasen zutiefst emotional und berührend. Die verschwindenden Elegien von Afterlife Requiem sind weniger Musik als vielmehr Überreste von Musik. Auf diese Weise arbeite ich immer auf die Subtraktion von Bedeutung hin. Die Musik ist fern und verschwommen, beschädigt, geisterhaft und gespenstisch und deutet nur wie eine halb vergessene Erinnerung an das, was einmal existierte, eine verdichtete Darstellung von Verfall und Auslöschung. Ich habe dieses neue Stück von Anfang bis Ende mit diesen körperlosen Stillephasen aus Jóhanns eigenem Werk, Raum und Zeit unterlegt. Jetzt für immer verschwunden, bleibt seine aufgezeichnete Stille zurück; eine monumentale Leere, die der Welt verloren gegangen ist. Im gesamten Stück, insbesondere in den Abschnitten ,Memorial Environment", habe ich auch unzählige Geräusche aus der Natur integriert, von vulkanischer Lava über Lastenaufzüge bis hin zum menschlichen Blutfluss, dem Zischen von Turbinen und Selbstmordinjektionen. Der Künstler Robert Smithson sagte vor Jahrzehnten: ,Es ist die Dimension der Abwesenheit, die es noch zu finden gilt." Für mich misst diese Musik auch, wie die Zeit abläuft. Tatsächlich ist die Zeit bereits abgelaufen. Die Ewigkeit hat bereits begonnen." - Matthew Patton (Those Who Walk Away)
- 1: Poison Icon
- 2: Godless Cynic
- 3: The Crawl
- 4: A Dead Issue
- 5: Thy Mountain Eternal
- 6: Soulburn
- 7: The Twin Stranger
Critically acclaimed Death Metal force TEMPLE OF VOID return with their new album, The Crawl. The caveman brawn of previous albums, namely Summoning the Slayer (2022), remains, but there’s a wider dynamic on the group’s fifth full-length album at play. Now a quartet—featuring guitarist Alex Awn, drummer Jason Pearce, vocalist/guitarist Mike Erdody, and bassist Justin Malek—the Michiganders aren’t shying away from their non-metal influences, seeking greater integration of grunge and post-punk with their brutish signature. Singles “The Crawl” and “Soulburn” demonstrate the proficiency of TEMPLE OF VOID's death-cloaked, spearheaded attack. From the high intensity of opener “Poison Icon” to the granite wall of “The Twin Stranger,” The Crawl isn’t just TEMPLE OF VOID evolved, it’s a harbinger of death metal to come. “The biggest shift for me on this record was not feeling like we had to fly the ‘death-doom banner’ as part of our identity,” says Alex Awn. “Death-doom, as a genre, gave us something to anchor our sound around when we started. It was always a reference and touchstone. At the same time, we always wanted to make sure we had our own spin on it. We’ve always been adding to the conversation, adding to the genre, giving our point of view. A huge part of what makes a Temple of Void record is the non-death-doom influences that make up our DNA. And on album five we never once asked ourselves, ‘Do we have enough death metal? Do we have enough doom metal?’ We simply wrote a heavy-ass record—let the chips fall where they may.” For lyrics, Erdody built on the psychology and fear themes of Summoning the Slayer. The overarching theme of The Crawl is, put rather simply, an “allegory about life, choices, and consequences.” It’s a qualitative view on the horrors of the human condition and the contemplation of our monstrous capabilities. “The Twin Stranger,” for example, is about being stalked by a person’s doppelganger; “Godless Cynic” draws on a short story by sci-fi author Harlan Ellison; and “Poison Icon” tackles the crushing effects of mankind’s intrinsic nature to deceive and control.
Hiesigen Jazzfans dürfte Larance Marable vor allem als Schlagzeuger des legendären Quartet West von
Charlie Haden aus den 80er und 90er Jahren in Erinnerung sein. Als er 1956 als Lawrence Marable sein
einziges Album als Bandleader aufnahm, galt er als einer der gefragtesten Schlagzeuger der West-CoastJazz-Szene in L.A. Den Titel “Tenorman” gab er dem Album, weil er darauf den damals noch relativ
unbekannten, jungen texanischen Tenorsaxofonisten James Clay vorstellte. Neben vier bekannten Standards ist das Quartett hier mit drei Kompositionen seines Pianisten Sonny Clark zu hören, dem kurze Zeit
später bei Blue Note der große Durchbruch gelingen sollte.
- Gib Acht!
- Das Sieht Gut Aus
- Wo Ist Mein Preis
- Ich Bin Dafür
- Keine Angst
- Alles Wird Gut
- Alles Für Den Wind
- Fliegen
- Mama, Hol Den Hammer
- Aufhör'n Kann Ich Gut
- Ich Bin's
- Morgen Schon Weg
- Singles (Junge Frau Zum Mitreisen Gesucht)
- Danke
Nach einer fünfjährigen Schaffenspause veröffentlichte eine der dienstältesten Punkbands Deutschlands 2010 ihr achtes Album. Der passende Titel: "Gib acht!". Es entstand mit Gastmusikern von den Skatoons, Cultus Ferrox, Directors Cut und dem Pianisten Peter Stoppok. Das Repertoire reicht von dynamischen, treibenden Punkrock-Songs über Ska- und Folkanleihen bis hin zur Ballade "Ich bin"s", die an frühe Lindenberg-Lieder erinnert. Mit "Danke" hat man sogar einen echten Popsong, und für "Mama, hol den Hammer" wurde ein kultiger Uraltschlager entstaubt. Textlich geht es wieder quer durch sämtliche Lebensbereiche: mal kritisch, mal nachdenklich, dann wieder kämpferisch oder einfach nur am alltäglichen Wahnsinn orientiert. Zehn Jahr nach der Erstveröffentlichung kommt nun das Jubiläums-Tape für alle Sammler und Kassettenliebhaber.
- Dark Land
- Possessed By Evil
- Bloody Revenge
- Insanity
- Blind Destruction
- Hades Invasion
- Magic Forest
- Iron Charm
Kreator, Destruction und Sodom. Allesamt teutonische Thrash-Metal-Legenden. Doch wer kennt heutzutage noch eine Band wie Necronomicon? Dabei hätte alles ganz anders kommen können. Anstatt bei Noise, Steamhammer oder Roadrunner landeten Necronomicon bei Wave Records (einem obskuren Unterlabel von Gama Records). Ihre Debüt-LP war bereits 1984 im Kasten, erschien aufgrund von Labelproblemen aber erst ganze zwei Jahre später. Auch heute zählt »Necronomicon« (jetzt über High Roller Records als CD und Vinyl wiederveröffentlicht) noch immer zu den besten deutschen Thrash-Metal-Platten aller Zeiten. Mit Stücken wie “Possessed by Evil”, “Bloody Revenge” oder “Blind Destruction”, ist und bleibt das erste Album von 1986 ein wahrer Klassiker!
Der mehrfach preisgekrönte Londoner Jazz-Saxofonist startet mit seinerm neuen Soloalbum sein eigenes Label.
Multiinstrumentalist, Produzent und Künstler Shabaka (Hutchings) veröffentlicht mit "Of The Earth" sein drittes Soloalbum, das gleichzeitig das erste ist, das über sein eigenes Label Shabaka Records erscheint und komplett von ihm selbst geschrieben und produziert wurde. Auf "Of The Earth" kehrt Shabaka zu seinem charakteristischen Saxophonklang zurück, ergänzt durch ausgefeilte Elektronik und Produktion sowie traditionelle Holzblasinstrumente und Perkussion aus aller Welt. Diese Kombination unterstreicht sein vielseitiges Talent und prägt den Gesamtklang des Albums. Hutchings genießt hohes Ansehen für seine Arbeit mit The Comet Is Coming, Sons Of Kemet, Shabaka And The Ancestors sowie für die beiden jüngsten Soloprojekte "Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace" (2024) und "Afrikan Culture" (2023). Als Musiker arbeitete er bereits mit einer Vielzahl namhafter Künstler zusammen, darunter Andre 3000, Floating Points, Mulatu Astatke, The Sun Ra Arkestra, Lianne La Havas, Saul Williams und viele mehr. "Of The Earth" erscheint als schwarze Vinyl-LP, als limitierte kornblumenblaue Vinyl-Edition und als CD. Beide Vinyl-Formate enthalten ein Booklet mit Hutchings' eigenem Artwork.
- Make Way For Love
- Time
- Better Day
- Without Summer
- Cowboy Guardian Angel
- Fill Me With Joy
- Blossom Alley
- Berlin Room
- Injecting Thunder
- Jesus Green
- とんでもマウンテン / Mount Amazing
- アドバタイズデモ / Advertise Demo
- キャラクターせんたく / Character Selection
- マジンディスコ / Genie Dancer's Disco
- マジンロック / Genie Dancer's Rock
- カンフーストリート / Kung-Fu Alley
- ドラゴンカンフー / Dragon Kung-Fu Fighter
- ウキウキおもちゃランド / Toytown
- わくわくテレビスタジオ2 / Funtime Tv Studio 2
- トレーニングスペース / Training Room
- とこなつアイランド / Eversummer Island
- ウエスタンビレッジ / Wild West Town
- ファンタジーナイト / Fantsy Knight
- たいけつ!ウッキーピンク(バナナにハートブレイク) / Battle! Monkey Pink
- ナイトキャッスル / Knight's Castle
- うちゅうテレビようさい / Space-Tv Fortress
- たいけつ!ウッキーイエロー / Battle! Monkey Yellow
- とのさまじょう / The Emperor's Castle
- サルなげスタジアム / Super Monkey Throw Stadium
- Happy☆センセーション / Happy Sensation
- マジンダンサー / Genie Dancer
- うみべリゾート / Seaside Resort
- わくわくテレビスタジオ / Funtime Tv Studio
- サルうらない / Hall Of Horoscope
- ピポサルのテーマ / Super Monkey
- ゲッチュマン / Cyber Ace
- とのさまじょう2 / The Emperor's Castle 2
- とんでもマウンテン2 / Mount Amazing 2
- カッチンコールたいりく2 / Freeze Continent 2
- ミニマルテーマ / Minimal Theme
- かくれんぼのもり / Hide-N-Seek Forest
- カッチンコールたいりく / Freeze Continent
- ワイルドウエストキッド / Wild West Kid
- へんしんとうじょう / New Morph
- ガチャメカとうじょう / New Gadget
- しんきろうタウン / Mirage Town
- ウエスタンビレッジ2 / Wild West Town 2
- ひこうきだいへんたい / Airplain Squadron
- どっきりホラータウン2 / Bootown 2
- けっせん!スペクター(スペクターのテーマ) / Final Battle! Specter(Specter's Theme)
- びゅんびゅんビッグシティ / The Big City
- クリアリザルト2 Sg3 / Result 2 Ae3
- クリアリザルト Sg3 / Result Ae3
- サルをつかまえろ!/ Catch Monkeys!
- どっきりホラータウン / Bootown
- テレビステーション / Tv Station
- トモウキシティ / Tomouki City
- サルティメットファイティング / Ultim-Ape Fighting
- ドンドコゆきまつり2 / Winterville 2
- はじめてのゲッチュ / The First Catch
- とこなつアイランド2 / Eversummer Island 2
- たいけつ!ウッキーレッド2 / Battle! Monkey Red 2
- たいけつ!ドクタートモウキ / Battle! Dr.tomouki
- トモウキシティ2 / Tomouki City 2
- しょうてんがい / Mall
- ミラクルニンジャ / Miracle Ninja
- びっくりおんせんランド / The Hot Springs
- けっとう!ウッキーブルー / Fight! Monkey Blue
- マジンワルツ / Genie Dancer's Waltz
- ナイトキャッスル2 / Knight's Castle 2
- マジンチーク / Genie Dancer's Cheek
- トモウキタワーはっしん! / Go Tomouki Tower!
- サトルねつべん / Satoru's Speech
- トモウキのカツラ / Tomouki's Wig
- たいけつ!ウッキーレッド / Battle! Monkey Red
- トモウキのテーマ / Tomouki's Theme
- スタッフロール Sg3 / Staffroll Ae3
- サルシネマ / Monkey Cinema
- びっくりおんせんランド2 / The Hot Springs 2
- だつりょくハカセ / Lazy Professor
- まよなかベイサイド / Midnight Bay
- たいけつ!スペクター / Battle! Specter
- うちゅうテレビようさい2 / Space-Tv Fortress 2
- ドンドコゆきまつり / Winterville
- たいけつ!ウッキーホワイト / Battle! Monkey White
- たいけつ!ウッキーブルー / Battle! Monkey Blue
- クリアジングル Sg3 / Clear Fanfare Ae3
- ウキウキおもちゃランド2 / Toytown 2
- ブルーのオルゴール / Blue's Orgel
- はくちょうのみずうみ / Swanlake
4XLP box set, 4 Coloured discs: translucent violet, ice, blue, and orange vinyl
Hardcover slipcase box
Celebrate twenty-five years of Ape Escape and thirty years of PlayStation with Ape Escape 3 Originape Soundtracks in a Box!
Saru Get You 3
As with the Ape Escape Originape Soundtrack, composer Soichi Terada has meticulously re-recorded and reconstructed all tracks from the Ape Escape 3 Original soundtrack. Previously only available on CD, this is the complete soundtrack's first time on vinyl. This box set was produced in partnership with Mr. Terada and Far East Recording, and is an officially licensed Sony Interactive Entertainment product.
This release contains eighty tracks, spanning four individually sleeved records, housed in a hardcover box. It is similar in construction to the Ape Escape Originape Soundtracks in a Box release (2024), and the two will look quite nicely next to one another on your shelf!
We are happy to announce that this box set features a definitive edition of the Ape Escape 3 Originape tracklist. This also includes "Swanlake," a track previously unavailable on the CD release. At its core, the Ape Escape 3 soundtrack features much of Soichi Terada's signature sound: lush electronic, jungle, silky smooth synthesizer, humor, and charm.
Ape Escape 3 was originally released in 2005 (Japan), and its moviemaking pipos were unleashed across the rest of the globe in 2006. The game features two new protagonists (Kei and Yumi) who battle the Freaky Monkey Five, underlings of the nefarious Dr. Tomoki and the evil monkey Specter.
Complimenting the game's journey through the TV-verse, the Ape Escape 3 soundtrack also features twists on themes from Wild West Showdowns, Kung-Fu movies, and space operas. Fans of the Ape Escape Originape Soundtrack, as well as newer work like Asakusa Light, will certainly enjoy all elements of Soichi Terada's music present in Ape Escape 3.
The music on this box set was mastered by Justin Perkins of Mystery Room Mastering, who also mastered the original Ape Escape Originape Soundtracks box set (2024). Using Mr. Terada's premastered source files, the music was completely and specifically mastered for vinyl. The box set also features original Ape Escape 3 character renders and key art. All of the design elements have been put together with careful thought, referencing the original Japanese guidebook for inspiration and visual cohesiveness.
It is with great pleasure that we celebrate Soichi Terada's music and the Ape Escape franchise with this four-disc release!
Original key art and renders from the サルゲッチュ team
Officially licensed © Sony Interactive Entertainment
©2025 Sony Interactive Entertainment Inc. “PlayStation”, ”プレイステーション”, “Ape Escape” and ”サルゲッチュ” are registered trademarks of Sony Interactive Entertainment Inc.
- Sidestepping
- You Have Been Blessed
- Visiting Dust Bunnies
- Arrivederci Back Pain
- Don't Answer (When They Call)
- Tyres
- Spotless
- Chef's Hat Renaissance
Seit etwas mehr als einem Jahrzehnt hat sich EXEK ganz leise zu einer der faszinierendsten Bands der Welt entwickelt, die sich von Album zu Album verändert und weiterentwickelt und sich nach und nach geöffnet hat, ohne jemals diese seltsame, unergründliche und insgesamt essentielle Eigenschaft zu verlieren, die sie so großartig gemacht hat - so EXEK-mäßig. Nun bringt die Post-Punk-Band aus Melbourne - Sänger und Chefarchitekt Albert Wolski, Gitarrist Jai Morris-Smith, Schlagzeuger Chris Stephenson, Synthesizer-Spezialist Andrew Brocchi, Trompeterin und Sängerin Valya YL Hooi und Bassist Ben Hepworth - ihr siebtes Album und erstes für DFA raus: ,Prove The Mountains Move". Es ist, wie Wolski sagt, ,ein bisschen epischer" als alles, was er bisher aufgenommen hat, ein üppiges und unverhohlen melodisches Set surrealistischer Popmusik, das sich in Widersprüchen suhlt. ,Dieses Album ist in seiner Machart experimentell", sagt Wolski, ,aber es klingt nicht unbedingt experimentell." Dafür gibt es einen guten Grund. Die Arbeit begann an einem kalten Nachmittag im Juni 2023, als Wolski und Stephenson sich in den Pelican Refill Studios in Melbourne trafen, um die Drums aufzunehmen - das erste, was sie immer machen. Danach ging Wolski alleine nach Hause und fing an, die aufgenommenen Beats und Breaks durchzugehen, wobei er sich von den Drum-Sounds zu Melodien und Basslines leiten ließ, Loops und Layers erstellte und so die Grundlage für ,Prove The Mountains Move" schuf. ,Ich fühle mich wohl dabei, alleine wie ein verrückter Wissenschaftler herumzutüfteln", sagt er. ,Ich habe es auch genossen, ohne klare Absicht auf Aufnahme zu drücken. Meistens führte mich das in eine interessante Richtung, die mein Bewusstsein wahrscheinlich nicht gesucht hätte." Und doch gelangte Wolski irgendwie zu seinem direktesten Werk seit Beginn des Projekts, neu inspiriert von der Klarheit und Prägnanz des Mainstream-Pop, der starken und unbestreitbaren Anziehungskraft einer einfachen Gesangsmelodie. Nachdem die berühmt-berüchtigten strengen COVID-Lockdowns in Melbourne beendet waren, wollte er einfach draußen bleiben. ,Die Arbeit an neuer Musik trat gegenüber dem Feiern mit Freunden in den Hintergrund", sagt er. ,Und diese Partys waren voller großer Hits als Soundtrack - Sachen, die ich selbst nicht wirklich hörte, Sachen, denen ich seit meiner Jugend nicht mehr begegnet war. Aber in den frühen Morgenstunden des Sonntags klingt ,Alive" von Pearl Jam, als würde man mit Gott sprechen. Genauso wie ,All I Wanna Do" von Sheryl Crow und ,Feel" von Robbie Williams. Krautrock und Dub waren immer noch in meiner DNA, aber die Musik, die ich zu machen begann, war vielleicht etwas unbeschwerter und vielleicht auch etwas emotionaler." Das heißt nicht, dass man hier Spuren von Eddie Vedder in Wolskis Gesang erwarten sollte, aber die Einsätze fühlen sich auf ihre eigene Weise ähnlich an - so klingt es, wenn EXEK wirklich alles geben. Nimm zum Beispiel die schwebenden Synthesizer des Openers ,Sidestepping" oder die gewaltigen Gitarren von ,Arriverderci Back Pain", die pyrotechnischen Klavierklänge von ,Don't Answer (When They Call)" oder die Bowie-artige Melancholie von ,You Have Been Blessed". Die Arrangements wirken offener, der Sound fokussierter. Es fällt nicht schwer, Wolski zu glauben, wenn er sagt, dass er viel Zeit damit verbracht hat, seine Mixe von ,Prove The Mountains Move" mit einigen der wichtigsten Alben, die je aufgenommen wurden, darunter ,Abbey Road", zu vergleichen. Aber alles ist relativ. Und textlich bleibt Wolski weiterhin verschlüsselt. ,Jeder Song ist eine Vignette in einem abstrakten Milieu, sei es ein experimentelles Chiropraktik-Geschäft am Flughafen oder spärlich bekleidete Kreaturen aus Staub in einem Food Court. Egal wie verrückt das auch sein mag, es gibt Themen und Motive auf dem gesamten Album, sowohl textlich als auch musikalisch, die sich in verschiedenen Songs widerspiegeln und aufeinander Bezug nehmen." Diese Dissonanz zwischen direkt und indirekt, glatt und strukturiert, schattig und glühend, verrückt und ausdruckslos ist die treibende Kraft im Herzen dieser Songs, seiner bisher besten.
- Conversational Excess
- Creep Meter
- Bang Your Chain
- Vhs Motherfucker
- Milk And Bones
- Born Dumb
- Cold Roller
- Infinity Upgrade
Aaron Warren und Bjorn Copeland machen seit 1999 zusammen Musik: neun Jahre als Flaccid Mojo und 26 Jahre als Black Dice. Diese Zusammenarbeit ist wie eine Wanderung durch die verwüstete Landschaft der zeitgenössischen Musik. Indem sie Dummes, Gedämpftes und Verbrauchtem stapeln, schaffen die beiden immer wieder unausgewogene, atemberaubende Mutantenkonstruktionen. Das neueste Beispiel dafür ist ,Loose Jacks", das zweite Album von Flaccid Mojo. Es besteht aus kostenlosen Handy-Apps, fragmentierten YouTube-Videos und Elektronik mit zerbrochenen Bildschirmen - den verbrannten und zerknitterten Überresten des Streaming-Industriekomplexes. ,Loose Jacks" ist das breite, hysterische Grinsen, wenn man in den letzten Tagen einen Schatz findet. Die Songs von Flaccid Mojo sind für Live-Auftritte gemacht, mit einem modularen Arsenal an Rhythmen, Stabs und Payoffs, die alle bereitstehen. Das ist ihre Art, das Physische in den Mittelpunkt zu stellen und sicherzustellen, dass die körperlichen Vorgaben der Komposition jedes Songs diese Befehle an alle im Publikum wiederholen. Die Befriedigung eines Loops, der so lange läuft, bis er dir im Blut liegt, die Bassline, die zu einem Stoß geformt ist, der Snare-Hit, der so scharf ist wie der Ellbogen eines Fremden. Man kann sich wie ein Geist fühlen, der durch die Platte einer anderen Band schwebt, aber Loose Jacks ist wie eine Mauer, eine schwere Decke, starke Hände, die dich auf einen Haufen von Körpern heben. Es ist eine befreiende, unspirituelle Erfahrung. Eine fleischliche. Wie schon ihr Debütalbum ,Flaccid Mojo" (veröffentlicht 2022 bei Castle Face) wurde auch ,Loose Jacks" von Chris Coady aufgenommen, der seit den Neunzigern bei Black Dice-Konzerten dabei ist. Es ist toll, mit Leuten zu arbeiten, die es kapieren und nicht über Tonarten oder ,das Raster" diskutieren. Ähnlich wurde ,Loose Jacks" von Sarah Register gemastert, deren Band Talk Normal sich eine Wand mit dem Proberaum von Black Dice teilte. Für Fans von Chrome, Men's Recovery Project und den Chemical Brothers.
Uw energieboost in plaatvorm: zo klinkt de nieuwe Admiral Freebee. Geboren uit een oerdrive om samen met zijn vrienden slash helden muziek te maken en de studio in te duiken. Openingstrack Seeking A Friend zet meteen de toon: drums zwellen aan, een snedige riff valt in en Tom Van Laere giet er een rauw ‘Armageddooon’ over uit. De wereld staat in brand en Admiral Freebee is er niet blind voor, maar het spelplezier staat voorop. Uptempo, groovy, dansbaar zelfs, met synths en welgemikte opzwepende HEY’s: negen songs lang spatten good times uit de muziek, van eerste single Q&A With Myself over knallers als Future Fathers Of Utopia en The Hunger. Zoals we van Admiral Freebee gewend zijn, is er ook ruimte voor humor en een introspectieve blik. Maar vergis je niet, een schoothondje is hij niet (No One’s Puppy). In slottrack Dog That Never Dies gaat de voet van het gaspedaal en legt het enige ingetogen nummer het album neer, als een synthese van alle thema’s die aan bod komen. En we mogen gerust zijn: met Admiral Freebee gaat het goed, en zowel hij als zijn muziek lopen over van het plezier. Even alle zorgen vergeten en genieten van pure fun.
——————————————————
Your energy boost in record form: that’s how the new Admiral Freebee album sounds. Born from a primal desire to make music with his friends aka heroes and dive into the studio. Opening track Seeking A Friend sets the tone: drums swell, a sharp riff takes centre stage and Van Laere lets out a raw ‘Armageddooon’. The world is on fire and Admiral Freebee does not turn a blind eye, but first we have some fun. Uptempo, groovy, danceable even, with funky synths and a bunch of infectious HEYs: for nine songs good times are all over the place, from first single Q&A With Myself to bangers like Future Fathers Of Utopia and The Hunger. As always with Admiral Freebee, there’s also room for humor and he doesn’t shy away from introspection either. And make no mistake: Tom Van Laere is no lapdog (No One’s Puppy). Closing track Dog That Never Dies is the only intimate song on the album and sounds like a synthesis of all the album’s themes. And rest assured: Admiral Freebee is doing fine, and both him and his music are bursting with joy. So leave your worries behind for a moment and have some raw fun.
Picture by Ed Templeton/ Courtesy Tim Van Laere Gallery
Artwork by Jelle Jespers
Admiral Freebee is Tom Van Laere – Tim Coene, Senne Guns en Laurens Billiet. Recorded in summer 2025.
Uw energieboost in plaatvorm: zo klinkt de nieuwe Admiral Freebee. Geboren uit een oerdrive om samen met zijn vrienden slash helden muziek te maken en de studio in te duiken. Openingstrack Seeking A Friend zet meteen de toon: drums zwellen aan, een snedige riff valt in en Tom Van Laere giet er een rauw ‘Armageddooon’ over uit. De wereld staat in brand en Admiral Freebee is er niet blind voor, maar het spelplezier staat voorop. Uptempo, groovy, dansbaar zelfs, met synths en welgemikte opzwepende HEY’s: negen songs lang spatten good times uit de muziek, van eerste single Q&A With Myself over knallers als Future Fathers Of Utopia en The Hunger. Zoals we van Admiral Freebee gewend zijn, is er ook ruimte voor humor en een introspectieve blik. Maar vergis je niet, een schoothondje is hij niet (No One’s Puppy). In slottrack Dog That Never Dies gaat de voet van het gaspedaal en legt het enige ingetogen nummer het album neer, als een synthese van alle thema’s die aan bod komen. En we mogen gerust zijn: met Admiral Freebee gaat het goed, en zowel hij als zijn muziek lopen over van het plezier. Even alle zorgen vergeten en genieten van pure fun.
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Your energy boost in record form: that’s how the new Admiral Freebee album sounds. Born from a primal desire to make music with his friends aka heroes and dive into the studio. Opening track Seeking A Friend sets the tone: drums swell, a sharp riff takes centre stage and Van Laere lets out a raw ‘Armageddooon’. The world is on fire and Admiral Freebee does not turn a blind eye, but first we have some fun. Uptempo, groovy, danceable even, with funky synths and a bunch of infectious HEYs: for nine songs good times are all over the place, from first single Q&A With Myself to bangers like Future Fathers Of Utopia and The Hunger. As always with Admiral Freebee, there’s also room for humor and he doesn’t shy away from introspection either. And make no mistake: Tom Van Laere is no lapdog (No One’s Puppy). Closing track Dog That Never Dies is the only intimate song on the album and sounds like a synthesis of all the album’s themes. And rest assured: Admiral Freebee is doing fine, and both him and his music are bursting with joy. So leave your worries behind for a moment and have some raw fun.
Picture by Ed Templeton/ Courtesy Tim Van Laere Gallery
Artwork by Jelle Jespers
Admiral Freebee is Tom Van Laere – Tim Coene, Senne Guns en Laurens Billiet. Recorded in summer 2025.
- Car Anymore
- Even Mountains Erode
- Arrow
- Tricks
- Scammer
- Heaven2
- Anywave
- Does This Go Faster?
- This City
- Wyoming Dirt
Das vierte Album und Sub Pop-Debüt von Lala Lala, alias Lillie West, ist ein kraftvoller, warmer und mit Ohrwürmern gespickter Indie-Pop-Kracher für Fans von Jay Som, Porches, Dehd, Angel Olsen und Alex G. Lillie West hat ihre Musik immer aus dem Bedürfnis heraus gemacht, ständig in Bewegung zu sein. Als sie aber kürzlich den Wunsch verspürte, sich niederzulassen, hat sie gemerkt, dass Beständigkeit Kreativität fördern kann. Diese Entwicklung ist der Antrieb für einen Großteil ihres neuen Albums "Heaven 2". Viele Jahre lang lebte West in Chicago, wo sie Lala Lala als Teil der Indie-Szene der Stadt etablierte und mehrere Alben auf Hardly Art veröffentlichte. Diese Alben, "The Lamb" und "I Want the Door to Open", waren kraftvolle Statements einer neugierigen Künstlerin: eingängige Gitarren-Pop-Songs über das Feststecken in den Höhen und Tiefen des Lebens, den Kampf, nüchtern zu bleiben, die Stadt zu verlassen, sein Leben in die Luft zu jagen. West verließ Chicago, um nach mehr zu suchen, und schrieb dabei ihr neues Album "Heaven 2". Auf ihrer Reise landete sie in New Mexico, wo sie in Taos fernab der Zivilisation lebte. "Es war sehr herausfordernd, eiskalt und voller giftiger Tiere. Aber es ist immer noch der schönste und magischste Ort, an dem ich je gewesen bin, und ich träume ständig davon", sagt West. Anschließend zog sie nach Island, wo sie zwei Jahre lang mit Unterbrechungen lebte, wobei sie die Unterbrechungen in London verbrachte, wo sie aufgewachsen war. Schließlich kam sie nach Reykjavik, wo sie sich in der Musikszene einlebte und ein Instrumentalalbum ("If I Were A Real Man I Would Be Able To Break The Neck Of A Suffering Bird") veröffentlichte, bevor sie nach Los Angeles ging, wo sie sich verliebte und sich niederließ. L.A. ist ein guter Ort zum Leben, schon allein deshalb, weil, wie West sagt: "Wo auch immer du hingehst, dort bist du. Ich wünschte, es gäbe eine coolere Art, das auszudrücken." Zum Glück gibt es die: Dieses Thema, überall Schönheit und Erfüllung zu finden, zieht sich durch "Heaven 2". In ,Even Mountains Erode" singt West: , "There are symbols and signs, you're missing your life". West ermutigt sich selbst und uns, langsamer zu werden. Innezuhalten und den Duft der Blumen zu genießen. West hat das Album zusammen mit Melina Duterte von Jay Som produziert, die mit ihrer kraftvollen Stimme einen starken Kontrast zu Wests warmem, rundem Gesang bildet. Die Beziehung zwischen den beiden war telepathisch, und das Ergebnis ist ein mutiges und selbstbewusstes Album. Duterte und West spielten fast alle Instrumente des Albums selbst, mit ein paar wichtigen Gästen wie Sen Morimoto am Saxophon im Eröffnungstrack "Car Anymore" und einer Bridge, die Aaron Maine von Porches für den Titeltrack ,Heaven 2" geschrieben hat. Bei "Catharsis" geht es nicht nur um den Schmerz, sondern auch um die Befreiung, die man erlebt, wenn man sich davon befreit. Und so gibt es auch Momente kühner Freude auf dem Album. "Arrow", das Samples der französischen Electro-Pop-Band La Femme enthält, ist schnell, und seine Schnelligkeit und Freude fühlen sich an, als würde man auf etwas zulaufen und nicht davonlaufen. "None of this was supposed to happen", singt West. Aber es ist passiert. "Es ist so eine grundlegende spirituelle Sache", sagt West, ,Widerstand ist die Wurzel allen Leidens, und ich dachte, ich könnte den Verlauf meines Lebens bestimmen." Natürlich konnte sie das, wie alle anderen auch, nicht. Wohin man auch geht, man ist immer da.
- A1: The Mountain (Feat. Dennis Hopper, Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Amaan & Ayaan Ali Bangash)
- A2: The Moon Cave (Feat. Asha Puthli, Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Jalen Ngonda And Black Thought)
- A3: The Happy Dictator (Feat. Sparks)
- B1: The Hardest Thing (Feat. Tony Allen)
- B2: Orange County (Feat. Bizarrap, Kara Jackson And Anoushka Shankar)
- B3: The God Of Lying (Feat. Idles)
- B4: The Empty Dream Machine (Feat. Black Thought, Johnny Marr And Anoushka Shankar)
- C1: The Manifesto (Feat. Trueno And Proof)
- C2: The Plastic Guru (Feat. Johnny Marr And Anoushka Shankar)
- C3: Delirium (Feat. Mark E. Smith)
- C4: Damascus (Feat. Omar Souleyman And Yasiin Bey)
- D1: The Shadowy Light (Feat. Asha Bhosle, Gruff Rhys, Ajay Prasanna, Amaan & Ayaan Ali Bangash)
- D2: Casablanca (Feat. Paul Simonon And Johnny Marr)
- D3: The Sweet Prince (Feat. Ajay Prasanna, Johnny Marr And Anoushka Shankar)
- D4: The Sad God (Feat. Black Thought, Ajay Prasanna And Anoushka Shankar)
Black Vinyl[27,52 €]
The Mountain is Gorillaz’ ninth studio album, a collection of 15 new tracks featuring a stellar list of artists and collaborators. Jamie Hewlett’s album artwork captures the four much-loved animated band members - Murdoc, Noodle, Russel and 2D – in a series of beautifully intricate, hand-drawn illustrations.
The Mountain is Gorillaz 9th studio album. The album is a collection of 15 new tracks featuring artists and collaborators including: Ajay Prasanna, Anoushka Shankar, Asha Bhosle, Asha Puthli, Bizarrap, Black Thought, Gruff Rhys, Idles, Jalen Ngonda, Johnny Marr, Kara Jackson, Omar Souleyman, Paul Simonon, Sparks, Trueno and Yasiin Bey; as well as the voices of Bobby Womack, Dave Jolicoeur, Dennis Hopper, Mark E. Smith, Proof and Tony Allen. Produced by Gorillaz, James Ford, Samuel Egglenton, Remi Kabaka Jr. and Bizarrap (Orange County), The Mountain was recorded in London, Devon, Miami, Jaipur, Mumbai, New Delhi and Rishikesh; and features artists performing in five languages: Arabic, English, Hindi, Spanish and Yoruba. The artwork for The Mountain sees Jamie Hewlett’s distinct, yet ever-evolving, style illustrate the world of Gorillaz with an ever more detailed and beautiful intricacy across a series of hand-drawn illustrations. Circumstances find Murdoc Niccals, Russel Hobbs, 2D and Noodle in India, where our heroes are immersed in the rhythms of mystical music-making as they navigate the mountainous terrain of this thing called life.
- 1: Running
- 2: Soul Woman
- 3: Golden Sun
- 4: You’ll Never Know
- 5: Flow
- 6: Speak To Me
- 7: Pick Up The Pieces
- 8: When All Is Said And Done
- 9: Seasons
- 10: I Thank You
Clear Vinyl in limitierter Auflage von 1500 Stück. Die renommierte US-niederländische Gospel-Soul-Künstlerin Michelle David & The True-tones läuten mit ihrem neuen Album ,Soul Woman", das am 27. Februar 2026 bei Record Kicks erscheint, ein neues Kapitel ein. Aufbauend auf dem von Kritikern gefeierten Album ,Brothers & Sisters" aus dem Jahr 2024, das die Komplexität der Welt widerspiegelte, wendet sich die neue LP ,Soul Woman" nach innen - eine zutiefst persönliche Auseinandersetzung mit Identität, Heilung und spiritueller Widerstandsfähigkeit. ,Wie kann ich andere bitten, sich Zeit zu nehmen, um über ihr Leben nachzudenken, wenn ich das selbst nicht tue?", fragt Michelle David. Dieser Geist der Selbstreflexion und Erneuerung steht im Mittelpunkt von ,Soul Woman" - einem Album, das Verletzlichkeit zulässt und gleichzeitig Stärke ausstrahlt. Musikalisch verfeinert ,Soul Woman" die charakteristische Mischung der Band aus Gospel, Soul und Vintage-Rhythm & Blues und schöpft dabei aus einer breiteren Palette von Einflüssen. Anklänge an Curtis Mayfield, Bobby Womack und The Four Seasons pulsieren durch die Grooves, während das Gospel-Feuer der Blind Boys of Alabama und die fröhliche Ausstrahlung von Diana Ross & The Supremes dem Album sowohl Schwere als auch Glanz verleihen. Im Mittelpunkt steht Michelle Davids unverwechselbare Stimme - rau, warm und voller Entschlossenheit -, umhüllt von reichhaltigen, analog geprägten Arrangements ihrer langjährigen Mitstreiter Paul Willemsen (Gitarre, Bassgitarre), Onno Smit (Gitarre, Bassgitarre) und Bas Bouma (Schlagzeug). Gemeinsam stehen Michelle David & The True-tones an der Spitze der Retro-Soul-Szene - sie verbinden zeitlose Grooves mit moderner Dringlichkeit, unerschütterlicher Authentizität und herzlicher Leidenschaft. Eine Stimme, geboren in der Kirche, geschliffen auf der Straße. Michelle David wurde in New York geboren und wuchs in der Kirche auf. Mit nur vier Jahren begann sie zu singen und trat mit fünf Jahren ihrer ersten Gruppe, The Mission of Love, bei. Ihre kraftvolle Stimme führte sie um die ganze Welt, wo sie in gefeierten Broadway-Produktionen wie Mama, The Sound of Motown, Glory of Gospel und Mahalia mitwirkte und mit Legenden wie Diana Ross und Michael Bolton Aufnahmen machte - alles bevor sie ihre gefeierte Reise mit The True-tones begann. Gemeinsam haben Michelle David & The True-tones sieben von der Kritik gefeierte Alben veröffentlicht und die Bühnen Europas erobert, von Pinkpop über North Sea Jazz bis hin zum London Jazz Festival. Die Band ist bekannt für ihre mitreißenden Live-Auftritte, hat von Spanien bis Skandinavien Standing Ovations erhalten, ist in großen Fernseh- und Radiosendungen aufgetreten und hat sogar bei den Olympischen Winterspielen 2022 gespielt. Ihre Aufnahmen wurden ebenso gelobt: The Gospel Sessions wurde für einen Edison Award (das niederländische Pendant zum Grammy) nominiert, während Truth & Soul aus dem Jahr 2020 von Craig Charles' BBC Radio 6 Music zum Album des Jahres und von FIP (Radio France) zum Album des Monats gekürt wurde. Ihr jüngstes Album, Brothers & Sisters (2024), markierte ihr Debüt bei Record Kicks und wurde zu einem Durchbruch - gefeiert von Rolling Stone France, KEXP, Jazzthing Magazine (Deutschland), De Volkskrant (Niederlande) und BBC 6 Music. Ein Zeugnis der zeitlosen Kraft des Soul: Mit ,Soul Woman" bieten Michelle David & The True-tones mehr als nur eine neue Platte - es ist ein musikalisches Zeugnis der Widerstandsfähigkeit, eine Feier des spirituellen Wachstums und eine Bekräftigung der Fähigkeit der Soulmusik, zu heilen, zu verbinden und zu inspirieren. Gleichzeitig in klassischen Traditionen verwurzelt und neue Wege beschreitend, ist dies zeitgenössischer Soul vom Feinsten. Für Fans von Durand Jones & The Indications, Thee Sacred Souls, Jalen Ngonda, Sharon Jones & The Dap-Kings, Lee Fields, Mavis Staples.
- The Wires: Part 1
- Hall's Creek
- Emu Creek
- The Crater
- Alien F100
- Abysmal Horizon
- Talimnavi
- Liz
- The Shed: Part 1
- Arcane Menace
- Escape
- The Shed: Part 2
- The Cliff
- Mick
- The Return
- Trophy Room
- Head On A Stick
- Kristy
- Statesman Deville
- Ben
- Monumental Isolation
- Epilogue
- The Wires: Part 2
- Wolf Creek: Main Title
Erleben Sie den packenden Soundtrack des australischen Horrorklassikers "Wolf Creek" (2005) wie nie zuvor – neu remastert und auf Red+Black Splatter-Vinyl gepresst, mit exklusivem Artwork und Liner Notes. Der Komponist Francois Tétaz erschuf mit Klavier, Alan Lambs einzigartigen Telefonleitungsaufnahmen aus dem Outback Westaustraliens und einem Streichquartett einen Soundtrack, der als philosophischer Kontrast zum Horror von "Wolf Creek" fungiert. Eine eindringliche Mischung aus atmosphärischen Klanglandschaften, sparsamer Instrumentierung und unterschwelliger Bedrohung – die Musik fängt die Einsamkeit und Bedrohlichkeit des Outbacks in jeder Rille ein. Exklusive Collector's Edition für alle Horrorfans, Soundtrack-Sammler und Vinyl-Liebhaber gleichermaßen.








































