quête:blick

Bach und Jazz - diese Verbindung besteht seit mehr als 60 Jahren und ist mittlerweile längst nicht mehr neu - aber wieder immer neu zu entdecken. Und mit "About Bach" ist die aktuelle LP-Veröffentlichung der Vinyl-Edition Black Forest Sounds ein weiterer musikalischer und klanglicher Leckerbissen für Musikfreunde, eingespielt von Johannes Mössinger im Ensemblehaus des Freiburger Barockorchesters auf einem Steinway D-Flügel. Johann Sebastian Bach (1685-1750) ist unstrittig einer der wichtigsten Komponisten überhaupt. Seine Musik übt auf viele Musiker einen Reiz aus, vor allem aber auf Jazzer. Spätestens seit der Franzose Jacques Loussier Ende der 50er Jahre mit "Play Bach" die Grenzüberschreitung zwischen zwei Musikwelten etablierte, haben sich viele Jazzmusiker vor allem eben mit J.S. Bach beschäftigt und diesen immer wieder neu aufgearbeitet... Hier ein weiteres Meisterwerk, eingespielt vom Freiburger Pianisten Johannes Mössinger, der sich seit vielen Jahren (auch) mit Bach beschäftigt. Der 1964 geborene Musiker ist seit fast 30 Jahren auf der Jazzszene aktiv, unternahm aber Ausflüge in die Klassik und hat seit vielen Jahren immer wieder Bach-Themen aufgenommen. Im Jazz arbeitete er mit zahlreichen US-Musikern, wie Joe Lovano, Joel Frahm, Don Bradon und Adam Nussbaum zusammen, um mit denen vor allem seine eigenen Kompositionen zu präsentieren. Mösssinger hat seine ganz eigene Sichtweise auf Bach und kombiniert Bach mit seiner eigenen Musik: "Wie Mössinger Bach verwandelt, so verwandelt die Musik auch den Zuhörenden: Ein Gang durch eine sorgfältig kuratierte Gegenüberstellung, die den Blick auf Bach schärft, herausfordert und verändert. Bach hat sich bewegt, wurde bewegt, hat seine Räumlichkeit verändert und die Position gewechselt. Am Ende scheint ein anderes Licht darauf", schreibt die Musikerin und Autorin Maria Reich in den Liner Notes zur LP.

Die renommierte irische Singer-Songwriterin Wallis Bird & Spark, die klassische Band – eine der führenden Formationen der jungen kreativen Klassikszene in Deutschland - bündeln ihre Kräfte für ein genreübergreifendes Konzerterlebnis, das ein ganzes Jahrtausend weiblicher Klangkunst umfasst. Die sechs Musikerinnen und Musiker bieten einen 360-Grad-Blick auf das reiche und farbenfrohe Universum, das von visionären Frauen vom Mittelalter bis heute geschaffen wurde.

Die Band The Reds, Pinks & Purples aus San Francisco bleibt auf ihrem einmal eingeschlagenem Pfad und kündigt ein neues Album an, das im April erscheinen wird. RPPs Gehirn Glenn Donaldson hält es düster - wie könnte es anders sein - mit Titeln wie "What's Going On With Ordinary People", "We Only Hear The Bad Things People Say" und "Dead Stars In Your Eyes". Die DIY-Pop-Titanen The Reds, Pinks & Purples kristallisieren auf "Unwishing Well" den tragischen, sich selbst feiernden Reichtum der glücklichen Versager, der falschen Helden und der Menschheit mit all ihren romantisierten Sich-Wundern - und nehmen die Fäden der Hoffnung mit ungebremster Hingabe ins Visier. Das Album, das sich über 10 wunderschöne Stücke erstreckt, ist ein weiterer Beweis für Glenn Donaldsons makellose Beherrschung des intimen, aber dennoch ausladenden, niedergeschlagenen Pops. In den letzten fünf Jahren haben The Reds, Pinks & Purples sechs Alben, mehrere EPs und zahllose Singles veröffentlicht, die sich alle dem Ziel verschrieben haben, dem Independent-Guitar Pop neues Leben einzuhauchen, der die düsteren Teenager, College-Radio-DJs und Plattenladenangestellten der 80er und 90er Jahre animierte. Vorbilder wie The Go-Betweens, The Smiths, Magnetic Fields, Felt und andere sind offensichtliche Inspirationen, aber Donaldsons unermüdliches Talent für Stimmung und Melodie hat praktisch ein eigenes Genre geschaffen, und "Unwishing Well" ist dessen bisher reinste Verkörperung. Die erste Single des Albums ist ein großartiges Beispiel für die Weltanschauung von RPP, ein Blick auf die Zugeständnisse des Popstars durch die Augen eines Ausgestoßenen mit dem Titel "Your Worst Song Is Your Greatest Hit". Über verträumten, grauen Gitarren- und Synthie-Waschungen beklagt Donaldson: "Deine erste Idee wurde verwässert" und fügt hinzu: "Nur die schlimmsten Teile konnten gefunden werden." Weißes Vinyl und/oder CD, für Freunde von The Field Mice, Blue Boy, The Clientele, Cindy...

JUNKYARD DRIVE ist energiegeladener als je zuvor. Das neue Album, mit dem Titel "Look At Me Now", präsentiert eine Band mit neuer Energie und Inspiration.

Seit 2014 ist Junkyard Drive entschlossen, die Band zu sein, die den Soundtrack zum Leben auf der Überholspur mit dem Publikum als Passagier liefert. Jedes Mal! Mit drei von der Kritik gefeierten Alben, vielen Konzerten und Tourneen in den meisten Teilen der Welt haben sie mehr ausprobiert als die meisten dänischen Rockbands. Jetzt ist ihr viertes Album auf dem Weg, und das Ziel hat sich geändert.

Auf "Look At Me Now" liefern Junkyard Drive zehn hochoktanige Rocksongs, die mit Flair, Präzision und viel Energie vorgetragen werden. Man ist versucht, von neuer Energie zu sprechen, denn obwohl Junkyard Drive auf den zehn im April erscheinenden Tracks weitgehend wiedererkennbar sind, ist es in vielerlei Hinsicht eine veränderte Band, die sie abliefert. Ein paar Änderungen in der Besetzung und ein dringend notwendiger Blick in die internen Beziehungen haben den Fokus wiederhergestellt und die Freude am Spielen erneuert. "Look At Me Now" begrüßt zwei neue Gitarristen:
Oliver Hartmann und Kristoffer Kristensen. Beide bringen erfahrungen aus anderen Genres als dem Rock mit, und das bringt neue Ideen beim Songwriting mit sich

JUNKYARD DRIVE ist energiegeladener als je zuvor. Das neue Album, mit dem Titel "Look At Me Now", präsentiert eine Band mit neuer Energie und Inspiration.

Seit 2014 ist Junkyard Drive entschlossen, die Band zu sein, die den Soundtrack zum Leben auf der Überholspur mit dem Publikum als Passagier liefert. Jedes Mal! Mit drei von der Kritik gefeierten Alben, vielen Konzerten und Tourneen in den meisten Teilen der Welt haben sie mehr ausprobiert als die meisten dänischen Rockbands. Jetzt ist ihr viertes Album auf dem Weg, und das Ziel hat sich geändert.

Auf "Look At Me Now" liefern Junkyard Drive zehn hochoktanige Rocksongs, die mit Flair, Präzision und viel Energie vorgetragen werden. Man ist versucht, von neuer Energie zu sprechen, denn obwohl Junkyard Drive auf den zehn im April erscheinenden Tracks weitgehend wiedererkennbar sind, ist es in vielerlei Hinsicht eine veränderte Band, die sie abliefert. Ein paar Änderungen in der Besetzung und ein dringend notwendiger Blick in die internen Beziehungen haben den Fokus wiederhergestellt und die Freude am Spielen erneuert. "Look At Me Now" begrüßt zwei neue Gitarristen:
Oliver Hartmann und Kristoffer Kristensen. Beide bringen erfahrungen aus anderen Genres als dem Rock mit, und das bringt neue Ideen beim Songwriting mit sich

Für Fans von QOTSA, Red Fang, Elder, Black Sabbath'

"Es gibt Dinge, die passen einfach zusammen. Und manchmal ist auf den ersten Blick gar nicht so klar, warum die eigentlich so gut zusammen passen. Eines dieser Phänomene ist Stoner und Desert Rock aus Skandinavien. Es braucht keinen akademischen Abschluss in Geographie um zu erkennen, dass die Heimatstadt von Slomosa Bergen recht weit von der Wüste entfernt ist. Und dennoch kommen gerade aus den skandinavischen Ländern einige der besten Wüstenrock Bands unserer Zeit. Dozer, Greenleaf, Brutus und Spiritual Beggars sind nur einige Beispiele dafür. In dieser Reihe darf sich nun auch Bergen's Quartett Slomosa wähnen. Die vier Musiker aus der zweitgrößten Stadt Norwegens platzten in diesem Sommer mit ihrem selbstproduzierten und selbstbetitelten Debut auf den Musikmarkt (…) Dabei reichen die Einflüsse von den schwerfälligen Desert Rock Giganten Thin White Rope über den krachigen Desert Fuzz à la Sloburn bis zum zackigen und melodischen Skandivavien Blues, wie Brutus ihn spielen..." (Silence)

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album GRIP ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. GRIP und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt GRIP klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

Diese Band war Mitte der 1980er Jahre, als Independent Project Records zum ersten Mal Kontakt mit den Brüdern Mark und Clive Ives aufnahm, den bemerkenswert produktiven Vertretern exquisiter
elektronischer Musik unter dem Namen Woo, die Ende des Jahrzehnts Kultstücke wie Whichever Way You Are Going, You Are Going Wrong und It's Cosy Inside zum ersten Mal in den USA veröffentlichten. Fast vierzig Jahre später sind die Brüder bemerkenswert produktiv, und Independent Project Records befindet sich im vierten Jahr seiner Wiederbelebung. Zeit, die Kräfte wieder zu bündeln.


Das neue Team-up von Woo und IPR ist mehr als nur eine einfache Wiederveröffentlichung, sondern debütiert mit einer besonderen Auswahl von zwei Werken, Robot X und Xylophonics: Die Alben
wurden 2016 bzw. 2017 erstmals digital auf ihrer Bandcamp-Seite veröffentlicht und wurden nun neu gestaltet, erweitert und als Begleitstücke neu konzipiert. Robot X und Xylophonics nebeneinander zu hören, ist eine faszinierende und immer wieder überraschende Reise in die experimentelle retro-futuristische Electronica.

Robot X und Xylophonics erzählen gemeinsam eine Geschichte retro-futuristischer Visionen aus verschiedenen Blickwinkeln: Beide sind stolz auf ihre Experimente und kombinieren eine Flut musikalischer Einflüsse, um etwas zu bieten, das auf bemerkenswerte Weise vielschichtig und gleichzeitig minimalistisch ist. Die unvorhersehbaren Instrumentalstücke, die sie entfesseln, laden den
Hörer dazu ein, seine eigenen Fantasien mit dem, was er hört, zu verbinden, egal ob diese Fantasien der Vergangenheit, der Gegenwart oder, was wahrscheinlicher ist, einer roboterhaften Zukunft angehören.

Diese exquisiten Artefakte, die zum ersten Mal auf Vinyl und CD als Doppel-CD-Sets in der einzigartigen Letterpress-Verpackung von IPR-Labelgründer Bruce Licher mit einem handgefertigten Booklet mit Briefmarke veröffentlicht werden, sind ein Muss für jeden ernsthaften Sammler von fesselnder zeitgenössischer Musik.

Diese Band war Mitte der 1980er Jahre, als Independent Project Records zum ersten Mal Kontakt mit den Brüdern Mark und Clive Ives aufnahm, den bemerkenswert produktiven Vertretern exquisiter
elektronischer Musik unter dem Namen Woo, die Ende des Jahrzehnts Kultstücke wie Whichever Way You Are Going, You Are Going Wrong und It's Cosy Inside zum ersten Mal in den USA veröffentlichten. Fast vierzig Jahre später sind die Brüder bemerkenswert produktiv, und Independent Project Records befindet sich im vierten Jahr seiner Wiederbelebung. Zeit, die Kräfte wieder zu bündeln.


Das neue Team-up von Woo und IPR ist mehr als nur eine einfache Wiederveröffentlichung, sondern debütiert mit einer besonderen Auswahl von zwei Werken, Robot X und Xylophonics: Die Alben
wurden 2016 bzw. 2017 erstmals digital auf ihrer Bandcamp-Seite veröffentlicht und wurden nun neu gestaltet, erweitert und als Begleitstücke neu konzipiert. Robot X und Xylophonics nebeneinander zu hören, ist eine faszinierende und immer wieder überraschende Reise in die experimentelle retro-futuristische Electronica.

Robot X und Xylophonics erzählen gemeinsam eine Geschichte retro-futuristischer Visionen aus verschiedenen Blickwinkeln: Beide sind stolz auf ihre Experimente und kombinieren eine Flut musikalischer Einflüsse, um etwas zu bieten, das auf bemerkenswerte Weise vielschichtig und gleichzeitig minimalistisch ist. Die unvorhersehbaren Instrumentalstücke, die sie entfesseln, laden den
Hörer dazu ein, seine eigenen Fantasien mit dem, was er hört, zu verbinden, egal ob diese Fantasien der Vergangenheit, der Gegenwart oder, was wahrscheinlicher ist, einer roboterhaften Zukunft angehören.

Diese exquisiten Artefakte, die zum ersten Mal auf Vinyl und CD als Doppel-CD-Sets in der einzigartigen Letterpress-Verpackung von IPR-Labelgründer Bruce Licher mit einem handgefertigten Booklet mit Briefmarke veröffentlicht werden, sind ein Muss für jeden ernsthaften Sammler von fesselnder zeitgenössischer Musik.

Curacao-blaues Vinyl, bedruckte Innenhülle. Farbe ltd auf 500 Exemplare

Hi! Spencer, plötzlich leicht wie eine Wolke? Cover und Titel des neuen Albums lassen das vermuten. Aber keine Sorge! „Wir machen immer noch furchtbar melancholische Songs“, sagt die Band, die sich traditionell in keine Schublade stecken lässt, sondern sich irgendwo zwischen Indie, Pop, Rock und Punk befindet. Und doch gibt es in „oben“ einen Twist, der neu ist für die Osnabrücker: Die Songs bleiben inhaltlich nicht da stehen, wo sie beginnen, bohren sich nicht immer tiefer rein in das Gefühl – sondern zeigen Lösungen und Ausblicke auf. Und so schließt „oben“ nahtlos an das letzte Album „memori“ an, denn wie hieß es dort so schön? „Doch das geht, fängt man an, die Perspektive zu drehen.“ Eine andere Sicht einnehmen, eine Situation so annehmen, wie sie ist – das ist ein wesentliches Thema in den neuen Hi! Spencer-Songs.

Das Wechselspiel aus oben sein, oben bleiben und immer mal wieder abzufallen bringt Frontsänger Sven Bensmann gewohnt stimmgewaltig zum Ausdruck. Und das Wissen darum: Es gibt keine pauschal gute Zeit, es gibt nur ein Akzeptieren der Tatsache, dass man irgendwann einen Umgang mit seinen Themen findet. Und sich dadurch oben hält. Nicht die Umstände sind es, die sich ändern – sondern der Blick darauf: „Es tut anders weh, weil ich jetzt versteh …“ („Vermissen“). In „oben“ geht es auch um den Erhalt des Guten und die Gewissheit, dass man immer mal wieder abdriften kann und wird. Und, etwa in Songs wie „Nebel“ oder „Juno“, dass auch andere einen aus einem Tief holen können – und es sich daher immer lohnt, Gutes hochleben zu lassen!

Passend dazu zeigt das Artwork der Platte erstmalig ein gemeinsames Foto der Fünf. Zentrales Element auf dem Cover ebenso wie bei Merch und Co ist die Wolke – denn kaum etwas ist weiter „oben“. Wolken sind leicht. Sie schweben. Sind hell, oft durchsichtig. Und doch können sie uns die Sicht vernebeln und regenschwer am Himmel hängen. Sie verschwinden, bilden sich neu. Driften ab. Lösen sich auf. Sie können alles sein.

Dinosaur Jr. Webstore Exclusive auf Opaque Light Purple Blast Vinyl. Nur 300 Stück verfügbar. "Sweep It Into Space" ist Dinosaur Jr.s erstes neues Album seit dem 2016 erschienenen "Give A Glimpse Of What Yer Not" und setzt den vielleicht besten "Second Act" aller Zeiten einer Band fort. Ursprünglich für Mitte 2020 geplant, wurde der zeitliche Ablauf dieser Platte durch das Auftreten von Corona vereitelt. Aber es bräuchte mehr als nur eine Pandemie, um die exquisite Power dieses Trios zu dämpfen, wenn es einmal in Fahrt ist. Und "Sweep It Into Space" ist ein Meisterwerk von auf den Punkt gebrachter Energie. In den Jahrzehnten seit der Veröffentlichung von Dinosaur Jr.s Triptychon an Gründungs-Alben ist klar geworden, dass ihr Sound, der einst als eine Form von fast gezähmten Lärm gefeiert wurde, eher eine Art voll funktionierende Popmusik ist/war/immer war. Im Zentrum von allem, was sie taten, standen schon immer Melodien. Was Dinosaur Jr. produzieren, ist nichts anderes als eine schöne neue Version des Rock-Kontinuums - Riff, Power, Beat und Sehnsucht, geschaffen mit einem Blick in die unendliche Zukunft. Aufgenommen wie immer in Amherst's Bisquiteen Studio, begannen die Sessions für "Sweep It Into Space" im Spätherbst 2019, nach einer Westküsten-/Südost-Tour. Der einzige zusätzliche Musiker, der dieses Mal zum Einsatz kam, war Kurt Vile, der das Album mitproduzierte und die 12-saitige Leadgitarre auf dem beschwingten "I Ran Away" spielte. J Mascis' Stimme ist sofort eingängig über den aufsteigenden, elektrisierenden Gitarrenlinien. Wie es für Dinosaur Jr. typisch ist, schrieb und singt Lou Barlow zwei der Dutzend Stücke des Albums (und liefert mit "Garden" seinen vielleicht besten Dinosaur-Beitrag), und Murphs Schlagzeug-Spiel treibt die Platte an wie ein Go-Cart aus der Hölle. Lous Songs sind hier so elegant wie immer. Js Tracks fließen und blühen in den verschiedenen Richtungen, die er oft verfolgt. Aber es gibt nur sehr wenige Momente, in denen man nicht wüsste, dass man Dinosaur Jr. hört, selbst wenn man die Nadel mit verbundenen Augen an irgendeiner Stelle der Platte ansetzen würde. Sie haben einen unverwechselbaren Sound. Mit "Sweep It Into Space" erweitern sie ihr persönliches Universum weiter, ohne jemals ihren zentralen Kern zu verlieren.

Bitte einsteigen! RAHEL macht Musik für die Merkwürdigen, sprachlich raffinierte, schrullig-schillernde Deutschlyrik, mit einer Stimme, die süchtig macht. Wenn sie mit ihrem "Dreampunk" und verspieltem Ernst auf den Lippen zum Tanz einlädt, legen sich Zukunftssorgen & Weltenschmerz kurz schlafen. RAHEL ist gekommen, um zu bleiben: Seit dem Release ihrer ersten Single "Tapp Tapp Tapp" 2021 hat sich die Wiener Künstlerin in Höchstgeschwindigkeit vom "Geheimtipp" zur Fixstarterin gemausert, wenn es um deutschsprachigen Indie aus Österreich geht - das zeigen Top-Chartplatzierungen, Reviews von u.a. Musikexpress oder Tagesspiegel, Support Shows für Die Sterne oder Juli und zuletzt eine Shortlist-Nominierung für den Amadeus Austrian Music Award 2023 sowie Auftritte am Wiener Donauinselfest, Reeperbahn-, Deichbrand und Dockville Festival.

30 Jahre Metal: Drei Jahrzehnte lang hat Wade Black mit Bands wie Crimson Glory, Leatherwolf, Seven Witches, Leash Law und Chalice of Sin den Metal gelebt und international getourt. Wade, dem Veränderungen weder fremd sind noch Angst davor hat, ein Katalysator dafür zu sein, kündigt sowohl Neuerungen als auch einige sehr verlockende Teaser für die Dinge an, die im Jahr 2024 kommen werden. Geschmiedet aus über einem Jahrzehnt des gemeinsamen Schreibens, Aufnehmens und Tourens haben Wade und Rich einen Songwriting-Stil entwickelt, der nicht von dieser Welt ist - das ist auch der der Grund, warum sie den Namen Astronomica gewählt haben. Sie glauben, dass dies der beste Weg ist, um ihren Sound zu beschreiben. Ein Blick in die Zukunft: Sie freuen sich darauf, Musik zu machen, die das Herz, den Verstand und die Vorstellungskraft ihrer Fans anspricht - sie auf eine Reise zu weit entfernten Orten mitnimmt und sie dazu inspiriert, ihr Bestes zu geben! Sie bereiten sich auch darauf vor, ihren Fans eine super Live-Show zu bieten und freuen sich darauf, all ihre METAL-Fäuste in die Luft zu strecken, wenn die Band die Bühne dezimiert. See you soon!

Rosenstolz – ein Name wie eine Botschaft. So ausdrucksvoll und bis heute eine Legende. Kaum eine
Gruppierung im deutschsprachigen Raum der Popmusik, versinnbildlicht die enorme Entwicklung und beeindruckende Geschichte der Beteiligten so sehr wie die, zur Zeit der deutschen Wiedervereinigung gegründeten, 2-Kopf Band. Beflügelt durch die ungewohnte neue Freiheit, beginnt sich in den 1990er Jahren in
Berlin-Friedrichshain etwas zu entwickeln, was der deutschen Musiklandschaft bis heute seinen Stempel
aufdrücken soll. Die gebürtige Ost-Berlinerin AnNa R. und der aus West-Deutschland stammende Peter Plate schlossen sich zusammen und starteten auf in eine Reise, welche bis hierhin kaum spannender
hätte sein können. Den Soundtrack dazu lieferten sie praktischerweise stets gleich mit. Anfangs noch mit
selbstproduzierten Demos und dem Keyboard auf dem eigenen Herd, über Konzerte in Szenekneipen, bis
später endlich auf die ganz großen Bühnen und Award Shows. Rosenstolz blickt mittlerweile zurück auf
eine faszinierende Bilanz von ein Dutzend Studioalben, 4 Live-Scheiben und darunter 7 mal Platz Eins der
Charts, des weiteren diverse Top 10-Singles, Millionen verkaufter Platten, zahlreiche Awards, ausverkaufte
Konzerte und Tourneen, und vor allem hunderttausende Fans. Die 2. Auflage, der von Rosenstolz selbst
kuratierten und zusammengestellten Kollektion ”Lass es Liebe sein”. Diese wunderbare Zeitreise erscheint
nun physisch erstmals auf farbigem Vinyl, im passenden roten Design.

Auf ihrem Album "Intermundia" befasst sich die auf dem Land in der ostitalienischen Region Marche lebende Pianistin und Komponistin Olivia Belli mit spirituellen Orten, die eine besondere Verbindung zwischen Himmel und Erde haben sollen. "An diesen heiligen Orten treffen Himmel und Erde zusammen. Sie beruhigen und besänftigen oder betören und verzaubern und eröffnen einen Blick auf das Transzendente", erklärt Olivia Belli. "Hier wird man von allem Unwesentlichen der modernen Welt befreit und es gibt nur dich und deine Seele".Für die Komposition ihres Albums hat Olivia Belli acht spezielle, spirituelle Orte in ganz Mittelitalien besucht. Jedes Stück auf "Intermundia" repräsentiert das besondere, tiefe Gefühl, das sie dort empfunden hat. So ist erste Single "Valadier" von der einmaligen Atmosphäre des in einer Felsengrotte errichteten Tempels "Tempio di Valadier" inspiriert - ein Jahrhunderte altes Heiligtum in den Frasassi-Höhlen in der Provinz Ancona. Olivia Bellis ruhige, wehmütige Miniatur vermittelt die Hoffnung und das Gefühl der Absolution, das sie an diesem Ort erlebte."'Tempio di Valadier' ist mein Zufluchtsort, an dem ich versuche das wahrzunehmen, was real aber unsichtbar ist, um über die physischen Dinge hinaus den Geist zu formen," erörtert Olivia Belli. "Der Tempel vermittelt eine einzigartige Schönheit und eine besondere Atmosphäre, die von seiner Perfektion ausgeht und im Kontrast zum kahlen Felsen steht." Der Titel "Bet Ha Chaim" ist von dem gleichnamigen, alten jüdischen Friedhof in Pesaro inspiriert. Dieser Friedhof gilt seinem hebräischen Namen nach als "Haus des Lebens". In "Pian Perduto" vertont Olivia Belli die auf einer von drei Tälern umschlossenen Hochebene gelegene Landschaft, in der einst das Dorf Castelluccio zu finden war, bevor es durch ein Erdbeben unwiederbringlich zerstört wurde. "Sybil" ist dem Gipfel des Monte Sibyl im italienischen Apennin gewidmet, wo der Legende nach die Hellseherin Sibylle in einer Höhle lebte. "Sibyl" schließt das Album als Höhepunkt von Olivia Bellis musikalischer Pilgerreise ab. Kompositorisch ließ sich Olivia Belli für ihr Album durch das mittelalterliche Modalsystem der Kirchentonarten inspirieren. Sie ordnet die acht bekannten Modi den jeweiligen Stimmungen der von ihr besuchten Orten zu. Die so entstandenen acht Kompositionen unterbricht sie in der Reihenfolge des Albums mit vier nach dem italienischen Begriff für Atem "Respiro" benannten, ruhigen Klavierzwischenspielen. Sechs der Titel werden von einem Streichtrio begleitet. "Die Orte, die ich auf Intermundia vertonte, sind Plätze, an denen Menschen spirituelles Wachstum suchen und wir uns selbst besser wahrnehmen können. Solche Orte können überall sein - wir müssen sie nur finden" so Olivia Belli.

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

"Klez.e sind zurück! Im Jahr 2016 überraschten sie mit "Desintegration". Das war eine Überdosis The Cure, die ganz toll war. Nun sind sie mit ihrem neuen Album ,Erregung' wieder bei sich selbst angekommen. Der autobiographische Titeltrack ist ein bewegendes Zeugnis davon, wie Außenseitertum Menschen wie uns in die Liebe zur Musik treibt. In "Tortur" singt Tobias Siebert: ,Wir sind wie die Welt nicht mehr zu retten / Meine Lippen auf Deinen'. Der Blick von Klez.e auf die Welt ist romantisch, tieftraurig und politisch. In der Musik liegt Schmerz, aber auch Wut auf die Umstände, in denen wir gefangen sind. Ich empfehle euch, tief in ihren Songs zu versinken!" - Jan Müller (Tocotronic) "Anders gesagt, in stürmischen Zeiten braucht man manchmal irgendwen oder irgendwas zum Anlehnen. Zum Beispiel einen Sound, der einem vertraut ist. Aus der Kindheit oder Jugend. Der aber so zeitgemäß ist, dass nichts Verstaubtes an ihm haftet. In stürmischen Zeiten braucht man manchmal was zum Nachdenken, das über die Frage hinausgeht, wo man den nächsten Kaffee trinken, das nächste Konzert erleben oder den anstehenden Urlaub verbringen möchte. Für die, die gut zuhören können, auch Songtexte. Und die dürfen gerne das aktuelle Geschehen aufgreifen. Aber sie müssen einem nicht zwingend mit belehrendem Zeigefinger kommen, für den sich irgendwer eventuell nicht mal vom eigenen Schreibtisch oder Sofa wegbewegt hat, um der Welt da draußen zu erklären, was zu tun ist und was zu lassen, sobald irgendetwas passiert. Und es passiert ja immer irgendetwas, und deswegen kommt das neue Album der Band Klez.e genau richtig. Während viele andere Bands, die aktuell New Wave oder Post Punk spielen, gut aber bemüht klingen, wirkt die Musik bei Klez.e leichtfüßig gespielt und dennoch mit enormer Dringlichkeit aufgeladen. Sie klingt mächtig und selbstbewusst, dabei wärmend und umarmend - und sie erscheint nun auf einem neuen Album, das den ambivalenten Titel "Erregung" trägt." - Christiane Falk (RBB Radio Eins)

Christian Kjellvander gehört zu den wenigen Musikern, die ohne Kompromisse ihren Weg gehen, immer nur das nächste Album im Blick. Nach der Reunion seiner Band Loosegoats und deren 2012er-Album "Ideas For To Travel Down Death"s Merry Road" legt er mit "The Pitcher" umgehend nach. Es ist die fünfte Soloplatte des schwedischen Singer/Songwriters und die erste seit "The Rough And Rynge" aus dem Jahr 2010. Aufgenommen in einer alten Kirche auf dem Land in Schweden, ist "The Pitcher" sein vielleicht elegantestes und handwerklich sauberstes Werk. Eine sehr atmosphärische, dichte, bewegende Platte, mit Hingabe geschnitzt aus Worten, Noten und Erinnerungen, die mit den ersten Akkorden von "The Mariner" - einer zarten, sehr persönlichen Ballade - beginnt, sich in "The Zenith Sunset" mit den Brüchen in der Mitte des Lebens beschäftigt, um dann mit der Hymne "The Bloodline" zu enden. Das Ganze vorgetragen mit geradezu hypnotisierender Klarheit und dieser einzigartigen Stimme, die hier noch tiefer, noch einschmeichelnder erscheint als je zuvor. Die LP erscheint mit CD.

Auf seinem dritten Album ,Sleepwalking" verwebt der neuseeländische Komponist, Multi-Instrumentalist und Produzent JONATHAN BREE mit seinem unverwechselbaren Baritongesang stark orchestrierte Elemente - üppige Streicher, Hörner, Celeste- und Sopranchöre - mit Kammerpop aus einer vergangenen Zeit (LEE HAZLEWOOD & NANCY SINATRA). Die Songs tauchen auf eine ausgesprochen moderne Art und Weise in die Avantgarde ein und aus ihr heraus, darunter der Hit ,You're So Cool", dessen Masken-Video Ende 2023 über 31 Millionen Views auf YouTube hat und zum Musikvideo des Jahres 2017 im New Yorker Time Out Magazin gekürt wurde. ,You're So Cool" zeigt seine mysteriöse Band im Masken-Outfit, welches JONATHAN in den letzten Jahren mit einem weißen Ganzkörperanzug, einer Gesichtsmaske (mit Wangenknochen!) und einer Schalenperücke verfeinert hat. Ein gezupftes Cello, eine minimale Bass-Line und ein Schlagzeugmuster bilden JONATHANS Markenzeichen, dass sich durch das gesamte Album zieht. Mit ,Sleepwalking" blickt JONATHAN BREE in Richtung 60er Jahre Lounge, Exotica und französischen Pop. Es gibt mehrere Duette auf dem Album, insbesondere mit der neuseeländischen Musikerin PRINCESS CHELSEA (in ,Static" und ,Plucking Petals"), mit der JONATHAN seit vielen Jahren zusammenarbeitet. Die katalanische Musikerin CLARA VINALS ist zu Gast auf der Single ,Say You Love Me Too", die einen ausgeprägten SERGE GAINSBOURG-Stil hat, mit geflüsterten, intimen Vocals, die über einer markanten Basslinie und einem Drum-Pattern sitzen, das den Song antreibt.Als bekennender Workaholic und sozialer Einsiedler verbringt JONATHAN seine Tage (und Nächte) in einem schäbigen Heimbüro und versucht sein Plattenlabel Lil' Chief Records (Home of PRINCESS CHELSEA, RUBY SUNS u.a..) zu leiten, während er gleichzeitig Alben für Künstler wie PRINCESS CHELSEA produziert, in viralen Musikvideos für Duette über das Rauchen (,Cigarette Duet") auftritt und dann noch Zeit findet, sein eigenes Material aufzunehmen und seine Masken-Videos zu drehen. Und manchmal schläft er sogar. Aber nur manchmal.

Die mehrfach platinprämierte Chartstürmerin Zara Larsson kündigt ihr neues Album VENUS an, das am 9. Februar 2024 über Sommer House/Epic Records veröffentlicht wird. Mit ihrem aktuellen Song "On My Love" mit David Guetta auf Erfolgskurs, hat Zara auch Details zu ihrer Frühjahrstournee in Großbritannien und Europa bekannt gegeben. Die Tour mit dem Namen "The Venus Tour" wird ab 3. November zum Verkauf stehen, zusammen mit den Terminen für Zara's schwedische Holiday-Specials "Honor The Light". Es ist ihre erste weltweite Headliner-Tour seit der Pandemie. VENUS ist ein Pop-Album, das einer Göttin würdig ist. Zara Larsson setzt ihre eigene Agenda und blickt darauf zurück, wo sie herkommt. Die erste Single "Can't Tame Her" war eine kraftvolle, frauenzentrierte Hymne, die über 16 Wochen lang in den britischen Top 40 verweilte, Platz #3 bei iTunes erreichte und Platz #1 im US-Dance-Radio belegte. Eine Reise, die umso süßer war, da es auch Larssons erste Veröffentlichung auf ihrem eigenen Sommer-House-Label war, nachdem sie einen wegweisenden Vertrag mit Sony abgeschlossen hatte, bei dem die noch 25-jährige Künstlerin gleichzeitig die Kontrolle über ihren gesamten Aufnahmekatalog übernahm.

Sepulchral Voice, 12“ LP, black 140g / printed insert, 'Procul His' ist ein unerbittlicher Katarakt aus mäandernden Riffs, der jeden Aspekt früherer Veröffentlichungen erweitert und verbessert. Einzigartig, eindringlich und mysteriös, eine weitere schwarze Manifestation von Drowned's Korpus der auralen Halluzinationen. Drowned haben ein Album produziert, das zwischen versengendem Death-Thrash, treibenden remolo-Noten und doomigen Klageliedern oszilliert und in der Zeit transzendiert: in der Vergangenheit verwurzelt, und doch nach vorne blickend.

Das nigerianische Establishment bezeichnete die Einwohner der Republik Kalakuta als "Hooligans", "Hanfraucher" usw. Noise For Vendor Mouth demonstriert Felas Gleichgültigkeit gegenüber diesen Beschimpfungen, denn für ihn sind die Menschen in Kalakuta in Wirklichkeit ein Haufen hart arbeitender Bürger, die versuchen, in einer von Korruption und Misswirtschaft geprägten Gesellschaft zu überleben. Er fügt hinzu, dass die wahren Hooligans die Machthaber sind, die auf politisches Gangstertum und manchmal auf Militärputsche zurückgreifen, um verfassungsrechtliche Probleme zu lösen. Er hält ihre Kritik für nichts anderes als den Lärm, den Straßenverkäufer machen, um ihre Waren zu verkaufen.

Mattress: Fela wurde von Kritikern vorgeworfen, dass er sich nicht um die Frage des Feminismus und der Ungleichheit der Geschlechter kümmere und sich damit im Einklang mit verschiedenen Traditionen befinde, die er aus ihrer Sicht willkürlich aufrechterhalte. Mehrere Themen stehen aus afrikanischer Sicht im Gegensatz zum modernen westlichen Blick. Nehmen wir die Polygamie: Fela wurde kritisiert, weil er die Polygamie offen befürwortet. Wie kann ein Mann, der sich gegen die ungleiche Stellung der Geschlechter und gegen Rassismus einsetzt, eine männliche Vorherrschaft gutheißen? Fela rechtfertigt die Polygamie, abgesehen von der traditionellen Wiederbevölkerung der afrikanischen Gesellschaft nach der Sklaverei, mit der polygamen Natur des Menschen. Der Mensch sei - so seine Überzeugung - von Natur aus polygam. In christlichen Gesellschaften, in denen Polygamie nicht geduldet wird, heirateten Männer offiziell eine Frau, hatten aber Mätressen. Afrikanische Männer sind seiner Meinung nach da ehrlicher - sie gehen damit offen um leben mit ihren Frauen unter einem Dach. Lieder wie Mattress tragen vielleicht nicht dazu bei, das Macho-Image von Fela zu ändern, doch zieht er ja lediglich Vergleiche.

Das in Stuttgart ansässige Duo experimentiert mit Variationen von Cold Wave, Hip-Hop und Techno, den sie "Neo Grunge" nennen würden. Die beiden Musiker schreiben ihre Musik mit einer dunklen poetischen Handschrift, die durch eine starke Verwendung von Samples aus den 80er-Jahren-Wellen gekennzeichnet ist. Viel bis hin zu Metal und allem, was ihnen in den Sinn kommt. Ihre Texte tauchen oft in Themen wie gebrochene Herzen, Verluste und Tod ein und spiegeln ein sehr tiefes Gefühl wider mit einem dystopischen Blick auf die Außenwelt.

Das zweite Album »Zwischen meinen Zeilen« von LEA erscheint pünktlich zum 5. Geburtstag in einer wunderschönen Re-Edition; erstmals mit den Songs der »Zwischen meinen Zeilen Live EP« auf Vinyl. Ein weiteres besonderes Highlight ist die bisher unveröffentlichte 2023er Version von »Halb so viel«. Die Doppel-Vinyl wird individuell gefertigt mit einzigartigem, buntem Design für jede einzelne Platte.

Die Band liefert ihr mittlerweile sechstes Studioalbum - und das in besserer Form als je zuvor - voller epischer Songs. Das Warten auf diese sage und schreibe 11 epischen Tracks des argentinischen Quintetts, das heute in Finnland lebt, hat sich mehr als gelohnt. Die Band lässt mit ihrem charakteristischen Sound die Kraft des Heavy Metal mit dem Charme keltischer Melodien verschmelzen. Mächtige, schwere Rhythmen, eine massive Wand aus Schlagzeug und Bass, schmetternde Gitarren und kraftvollen Dudelsäcken treffen auf eingängige und mitreißende Vocals und Refrains.

Vor 19 Jahren von Emilio Souto gegründet, blickt SKILTRON auf einen Werdegang voller Höhepunkte zurück und spielte bereits in über 30 Ländern, darunter die größten Festivals in Europa, Headliner-Touren und Auftritte bis nach Japan. Diese fantastische Werk bringt alles mit, was nötig ist, um nicht nur die Aufmerksamkeit des bereits bekannten, sondern auch die eines neuen Publikums zu erregen. Eine Killer-Produktion, die die Band auf ihrem bisherigen Höhepunkt zeigt.

28. September 2023 – Als Tina Turner im Mai dieses Jahres verstarb, hinterließ sie das Erbe eines gewaltigen Lebenswerkes. Eine neue Anthologie blickt zurück auf ihre legendäre Solokarriere, die vor fast 50 Jahren ihren Anfang nahm. „Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist eine Zusammenstellung von 55 Tracks, die uns anhand ihrer Singles durch ihre einzigartige Solokarriere führt, angefangen bei ihrer Coverversion von „Whole Lotta Love“ (1975) bis hin zum Kygo-Remix von „What's Love Got to Do With It“ aus dem Jahr 2020. Es ist das erste Mal, dass ihre gesamte Single-Sammlung in einem Set veröffentlicht wird.

„Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist ab dem 24. November erhältlich und kann ab jetzt vorbestellt werden. Die Anthologie erscheint als 3-CD und 5LP-Set sowie als abgespeckte Vinyl-Version mit 12 Tracks. Alle physischen Varianten enthalten ein Vorwort von Bryan Adams, langjähriger Freund und Kreativpartner Turners.

Tinas erste Veröffentlichung als Solokünstlerin erfolgte zu einer Zeit, als sie mit dem Duo Ike & Tina Turner Revue tourte und Alben herausbrachte. „Tina Turns The Country On!“ – so der Titel des 1974 veröffentlichten Solo-Debüts – brachte keine Singles hervor, weshalb diese Anthologie erst 1975 einsetzt. Da nämlich wurde ihre Coverversion von Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ vom zweiten Album „Acid Queen“ offiziell als Single veröffentlicht. Im weiteren Verlauf hält die Sammlung Duette mit anderen legendären Künstlern wie David Bowie, Bryan Adams, Eric Clapton und Rod Stewart sowie einige der unvergesslichsten und berühmtesten Pop- und Rock-Singles aller Zeiten bereit, darunter „What's Love Got To Do With It“, „Private Dancer“, „We Don't Need Another Hero“, „The Best“, „Steamy Windows“, „I Don't Wanna Lose You“ und „Disco Inferno“, um nur einige zu nennen.

Um das Vermächtnis der Queen of Rock ‘n’ Roll zu feiern, enthält die Sammlung auch eine neue Version von „Something Beautiful Remains“, nunmehr schlicht betitelt „Something Beautiful“. Der ursprünglich 1996 veröffentlichte Track wurde von Turners legendärem Produzenten und langjährigen Mitstreiter Terry Britten überarbeitet und ist ein gefühlvoller und angemessener letzter Tribut an das kraftvolle Vermächtnis, das sie hinterlässt. Britten, der das Rework nicht lange nach ihrem Tod anfertigte, kommentiert: „Liebe Tina, die Zusammenarbeit mit dir war eine Erfahrung, die sich niemals wiederholen wird. Und doch bleibt in meinem Herzen ‚Something Beautiful‘ zurück.“

Tina wird auf der ganzen Welt verehrt. Mit ihrer persönlichen Geschichte, ihrem Gesang und ihrer Art des Tanzens war und ist sie eine Inspiration für Millionen von Menschen rund um den Globus. Und nicht zuletzt hat sie ein musikalisches Vermächtnis hinterlassen, das einige der bekanntesten Songs aller Zeiten umfasst.

Tina Turner ist zweifellos eine der bedeutendsten Künstlerinnen der modernen Musikgeschichte. Um es mit den Worten Beyoncés bei der Verleihung Kennedy Center Honours 2005 an Tina Turner zu sagen: „Ich werde nie den Moment vergessen, als ich den ersten Auftritt von dir Tina Turner sah. Ich hatte noch nie in meinem Leben eine Frau gesehen, die so kraftvoll, so furchtlos und so fantastisch war." (Hier kann man Beyoncés Laudatio samt darauffolgender Live-Performance ansehen.) 2008 traten die beiden dann gemeinsam bei den Grammy Awards auf und performten „Proud Mary“, ein Song von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1971. Diese Performance – anzusehen hier – gilt heute als einer der ikonischsten Momente in der Geschichte des weltweit wichtigsten Musikpreises.

Tina Turner hat über 200 Millionen Tonträger verkauft und hatte in Deutschland acht Top-10-Singles und ebenso viele Top-10-Alben (bzw. fünf, wenn man die Compilations/Livealben nicht dazuzählt), darunter die #1-Single „We Don’t Need Another Hero“ und die #1-Alben „Break Every Rule“ und „Foreign Affair“. Im UK war sie die erste weibliche Künstlerin, die in sechs aufeinanderfolgenden Jahrzehnten einen Top-40-Hit im Vereinigten Königreich hatte. Dort sind ihre Alben heute mit 20-fachem Platin dekoriert, in den USA mit 9-fachem Platin und in Deutschland mit 11-fachem Platin. Auch im Rest der Welt erzielte Turner gewaltige Verkaufszahlen. Bei den Grammy Awards wurde sie achtmal ausgezeichnet und insgesamt 25-mal nominiert. 1991 wurde Turner in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen, außerdem hat sie Sterne auf dem Hollywood Walk of Fame und dem St. Louis Walk of Fame. Das Konzert im Maracanã in Rio de Janeiro im Rahmen ihrer „Break Every Rule“-Tournee 1988 stellte mit 184.000 Zuschauer:innen im Maracanã in Rio de Janeiro einen neuen Weltrekord für das größte zahlende Publikum bei einem Solokonzert auf. Das Rolling Stone Magazine führt Tina Turner auf #17 der 100 größten Sänger:innen aller Zeiten und auf #63 der 100 größten Künstler:innen aller Zeiten.

Trotz all dieser Erfolge und ihres gewaltigen Ruhms verschwand die Person Tina Turner nie hinter der Persona Tina Turner. Sie blieb ihre gesamte Karriere über nahbar und authentisch – ein weiterer Grund, wieso sie bis heute weltweit so geliebt wird. Bryan Adams dürfte in seinem wunderschönen und persönlichen Vorwort vielen Menschen aus dem Herzen sprechen, wenn er über die Wirkung schreibt, die Tina auf ihn hatte:

„Tina hat den Lauf meines Lebens verändert, denn ihr schreibe ich zu, dass ich es aus der Bedeutungslosigkeit auf die Bühnen des Vereinigten Königreiches und Europas gebracht habe. Ich bin so dankbar, dass sie etwas von ihrer kostbaren Zeit mit mir teilte. Sie war eine Naturgewalt, niemand hatte ihre Energie oder ihre Stimme“, so Adams, der dann mit Bezug auf seinen 1985er-Song mit Tina Turner anfügt: „It’s only love, and that's all.“

28. September 2023 – Als Tina Turner im Mai dieses Jahres verstarb, hinterließ sie das Erbe eines gewaltigen Lebenswerkes. Eine neue Anthologie blickt zurück auf ihre legendäre Solokarriere, die vor fast 50 Jahren ihren Anfang nahm. „Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist eine Zusammenstellung von 55 Tracks, die uns anhand ihrer Singles durch ihre einzigartige Solokarriere führt, angefangen bei ihrer Coverversion von „Whole Lotta Love“ (1975) bis hin zum Kygo-Remix von „What's Love Got to Do With It“ aus dem Jahr 2020. Es ist das erste Mal, dass ihre gesamte Single-Sammlung in einem Set veröffentlicht wird.

„Queen of Rock ‘n‘ Roll“ ist ab dem 24. November erhältlich und kann ab jetzt vorbestellt werden. Die Anthologie erscheint als 3-CD und 5LP-Set sowie als abgespeckte Vinyl-Version mit 12 Tracks. Alle physischen Varianten enthalten ein Vorwort von Bryan Adams, langjähriger Freund und Kreativpartner Turners.

Tinas erste Veröffentlichung als Solokünstlerin erfolgte zu einer Zeit, als sie mit dem Duo Ike & Tina Turner Revue tourte und Alben herausbrachte. „Tina Turns The Country On!“ – so der Titel des 1974 veröffentlichten Solo-Debüts – brachte keine Singles hervor, weshalb diese Anthologie erst 1975 einsetzt. Da nämlich wurde ihre Coverversion von Led Zeppelins „Whole Lotta Love“ vom zweiten Album „Acid Queen“ offiziell als Single veröffentlicht. Im weiteren Verlauf hält die Sammlung Duette mit anderen legendären Künstlern wie David Bowie, Bryan Adams, Eric Clapton und Rod Stewart sowie einige der unvergesslichsten und berühmtesten Pop- und Rock-Singles aller Zeiten bereit, darunter „What's Love Got To Do With It“, „Private Dancer“, „We Don't Need Another Hero“, „The Best“, „Steamy Windows“, „I Don't Wanna Lose You“ und „Disco Inferno“, um nur einige zu nennen.

Um das Vermächtnis der Queen of Rock ‘n’ Roll zu feiern, enthält die Sammlung auch eine neue Version von „Something Beautiful Remains“, nunmehr schlicht betitelt „Something Beautiful“. Der ursprünglich 1996 veröffentlichte Track wurde von Turners legendärem Produzenten und langjährigen Mitstreiter Terry Britten überarbeitet und ist ein gefühlvoller und angemessener letzter Tribut an das kraftvolle Vermächtnis, das sie hinterlässt. Britten, der das Rework nicht lange nach ihrem Tod anfertigte, kommentiert: „Liebe Tina, die Zusammenarbeit mit dir war eine Erfahrung, die sich niemals wiederholen wird. Und doch bleibt in meinem Herzen ‚Something Beautiful‘ zurück.“

Tina wird auf der ganzen Welt verehrt. Mit ihrer persönlichen Geschichte, ihrem Gesang und ihrer Art des Tanzens war und ist sie eine Inspiration für Millionen von Menschen rund um den Globus. Und nicht zuletzt hat sie ein musikalisches Vermächtnis hinterlassen, das einige der bekanntesten Songs aller Zeiten umfasst.

Tina Turner ist zweifellos eine der bedeutendsten Künstlerinnen der modernen Musikgeschichte. Um es mit den Worten Beyoncés bei der Verleihung Kennedy Center Honours 2005 an Tina Turner zu sagen: „Ich werde nie den Moment vergessen, als ich den ersten Auftritt von dir Tina Turner sah. Ich hatte noch nie in meinem Leben eine Frau gesehen, die so kraftvoll, so furchtlos und so fantastisch war." (Hier kann man Beyoncés Laudatio samt darauffolgender Live-Performance ansehen.) 2008 traten die beiden dann gemeinsam bei den Grammy Awards auf und performten „Proud Mary“, ein Song von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1971. Diese Performance – anzusehen hier – gilt heute als einer der ikonischsten Momente in der Geschichte des weltweit wichtigsten Musikpreises.

Tina Turner hat über 200 Millionen Tonträger verkauft und hatte in Deutschland acht Top-10-Singles und ebenso viele Top-10-Alben (bzw. fünf, wenn man die Compilations/Livealben nicht dazuzählt), darunter die #1-Single „We Don’t Need Another Hero“ und die #1-Alben „Break Every Rule“ und „Foreign Affair“. Im UK war sie die erste weibliche Künstlerin, die in sechs aufeinanderfolgenden Jahrzehnten einen Top-40-Hit im Vereinigten Königreich hatte. Dort sind ihre Alben heute mit 20-fachem Platin dekoriert, in den USA mit 9-fachem Platin und in Deutschland mit 11-fachem Platin. Auch im Rest der Welt erzielte Turner gewaltige Verkaufszahlen. Bei den Grammy Awards wurde sie achtmal ausgezeichnet und insgesamt 25-mal nominiert. 1991 wurde Turner in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen, außerdem hat sie Sterne auf dem Hollywood Walk of Fame und dem St. Louis Walk of Fame. Das Konzert im Maracanã in Rio de Janeiro im Rahmen ihrer „Break Every Rule“-Tournee 1988 stellte mit 184.000 Zuschauer:innen im Maracanã in Rio de Janeiro einen neuen Weltrekord für das größte zahlende Publikum bei einem Solokonzert auf. Das Rolling Stone Magazine führt Tina Turner auf #17 der 100 größten Sänger:innen aller Zeiten und auf #63 der 100 größten Künstler:innen aller Zeiten.

Trotz all dieser Erfolge und ihres gewaltigen Ruhms verschwand die Person Tina Turner nie hinter der Persona Tina Turner. Sie blieb ihre gesamte Karriere über nahbar und authentisch – ein weiterer Grund, wieso sie bis heute weltweit so geliebt wird. Bryan Adams dürfte in seinem wunderschönen und persönlichen Vorwort vielen Menschen aus dem Herzen sprechen, wenn er über die Wirkung schreibt, die Tina auf ihn hatte:

„Tina hat den Lauf meines Lebens verändert, denn ihr schreibe ich zu, dass ich es aus der Bedeutungslosigkeit auf die Bühnen des Vereinigten Königreiches und Europas gebracht habe. Ich bin so dankbar, dass sie etwas von ihrer kostbaren Zeit mit mir teilte. Sie war eine Naturgewalt, niemand hatte ihre Energie oder ihre Stimme“, so Adams, der dann mit Bezug auf seinen 1985er-Song mit Tina Turner anfügt: „It’s only love, and that's all.“

"On The Inside", das erste eigene Album von Gotts Street Park, ist mehr als nur ein Album - es ist eine Einladung: "Wir möchten, dass die Zuhörenden das Gefühl haben, mit uns einen Raum zu betreten und einen Blick auf unseren Prozess zu werfen", sagt das Trio aus Leeds (UK) und begibt sich auf eine Odyssee zwischen den Genres: Von lässigen Vintage-Soul über R&B und Jazz-Akkorden hinzu Hip-Hop Grooves.

Josh Crocker (Bass, Produktion), Tom Henry (Keyboards) und Joe Harris (Gitarre) fanden sich durch ihre gemeinsame Liebe zum Motown der 60er Jahre und entwickelten sich schnell zu einer gefragten Szene-Band mit Millionen von Spotify-Streams bei der einige der aufregendsten aufstrebenden Stimmen des Hip-Hop und Pop nach einer Zusammenarbeit fragten: Celeste, Kali Uchis, Yellow Days und Rachel Chinouriri sind nur einige der Acts, für die die Band individuell geschrieben und produziert hat. Auch auf "On The Inside" sind einige alte und neue Weggefährten zu hören, wie etwa die aufstrebende R&B-Sängerin Pip Millett, Rosie Lowe und ENNY.

Loser edition: initial vinyl copies pressed on lovely Transparent Yellow vinyl!
Ursprünglich als Live-Konzertfilm gedacht, entwickelte sich der Film zu einem visuellen Porträt, das Beam während eines kreativen Ausbruchs einfängt, der ihm vier Grammy-Nominierungen in vier Jahren einbrachte. Wie seine Musik berührt auch der Film universell persönliche Themen, da Beam sich mit der Bewältigung seines privaten und beruflichen Lebens als Künstler auseinandersetzt. Zusammengenommen sind Soundtrack und Film ein faszinierender erster Blick hinter die Kulissen von Iron And Wine. Der Dokumentar-Konzertfilm wird in diesem Herbst/Winter in ausgewählten US-amerikanischen Städten in die Kinos kommen, bevor er 2024 auf Streaming-Diensten abrufbar wird.

Die italienische Power-Metal-Band Draconicon ist mit ihrem zweiten Album „Pestilence“ zurück! Das Album ist das nächste Kapitel der Geschichte, ein Blick auf die krankste Seite in jedem einzelnen von uns. In diesem Kapitel trifft der Sound von Draconicon auf das Chaos von Francesco Ferrini von Fleshgod Apocalypse, der alle Orchesterarrangements des Albums geschrieben hat und es der Band ermöglicht hat, einen neuen Wachstumsschritt zu machen, düsterer als je zuvor.

Ohne Zweifel haben wir es mit einem erstklassigen Album zu tun, schwer und eingängig, bei dem die Qualität der Produktion herausragt. Der Sound von Draconicon ist Power Metal im europäischen Stil, inspiriert von den großen Meistern des Genres mit Einflüssen, die von Extreme Metal und Metalcore bis hin zu klassischer Musik reichen. Das Ergebnis ist ein einzigartiges Timbre, das den Hörer in die dunkle Welt von Draconicon entführt.

„Pestilence“ dürfte perfekt für Fans von Bands wie Kamelot, Powerwolf, Sabaton, Gloryhammer, Orden Ogan und Arion sein!

Auf Album Nr. 4 wendet die britische Electronic Music Komponistin, Produzentin und Musikerin, die auch mit Ihren Filmscores für einiges Aufsehen sorgen konnte, ihren Blick nach innen, setzt sich mit Trauma und Trauer auseinander und konfrontiert ihre Ängste. Für Fans von u.a. Fever Ray.

Elizabeth Bernholz (geb. Walling), geboren 1981 in Canterbury, England, besser bekannt unter ihrem Künstlernamen Gazelle Twin, ist eine Electronic Music Komponistin, Produzentin und Musikerin, die derzeit in Leicestershire, England, lebt.

Auf ihren bisherigen drei Studioalben hat Gazelle Twin nach außen geblickt: auf Städte, auf einen gequälten Körper, auf die sich windenden Eingeweide des ländlichen Großbritanniens. Auf ihrem ersten Album für das neue Label Invada Records wendet sie ihren Blick jedoch nach innen. Black Dog ist ein Album über die Konfrontation mit der Angst und die Erwartung, dass die Dinge, die in der Dunkelheit lauerten, als man ein Kind war, verschwinden werden, wenn man erwachsen wird.

Black Dog erzählt eine Geschichte, die sich wie ein Film entrollt. Es geht darum, wie unsere Kindheit unser Erwachsensein geprägt hat: wie sich jedes Gefühl von Trauma und Trauer für immer in die Erinnerung eines Menschen einbrennt, egal wie sehr wir versuchen, ihm zu entkommen. Black Dog deutet an, wie diese Gefühle in besonderer Intensität zurückkehren, wenn man Eltern wird, wenn man sich selbst dabei beobachtet, wie man Dinge weitergibt, von denen man sich wünscht, sie nicht gehabt zu haben, nicht zu wollen.

In gewisser Weise läutert sich Bernholz auf diesem Album selbst. Im Gegensatz zu ihren maskierten Charakteren bei früheren Veröffentlichungen ist ihr Gesicht erkennbar, und sie erklärt, dass sie sich „dieses Mal nicht so weit entfernt hat" von ihrer Persona. Sie stellt sich als Medium für die Stimmen in ihrem Inneren vor, anstatt sie mit anderen Ideen zu verdrängen. Dabei wirkt sie groß und innig, ihre Stimme wechselt von feinfühliger Zärtlichkeit zu doomiger Kraft.

Dies ist ein Album, bei dem alte Geschichten geplündert, verdaut und wieder hochgewürgt werden müssen, um neue zu schreiben, bei dem wir uns selbst völlig in Frage stellen müssen. Black Dog blickt zurück und blickt hinein. Wir verschaffen uns Zugang, während wir zuhören. Unser Innerstes nach außen gekehrt.

Semisonic - eine der meist unterschätzten Alternative-Rock-Bands der Jahrtausendwende meldet sich nach über 20 Jahren mit einem bemerkenswerten neuen Album zurück.

Die Songs balancieren hier auf einem schmalen Grat zwischen roher Energie und zarter Schönheit, sie finden die Balance zwischen der Kraft des Power-Pop und der Intimität des Akustik-Sounds. Bassist John Munson und Schlagzeuger Jacob Slichter haben ihre Leistungen fein abgestimmt, um Wilsons helle, beschwingte Melodien mit einem Hauch von Melancholie und Dunkelheit zu durchdringen, die ständig am Rand lauern.

Während es für eine Band wie Semisonic leicht gewesen wäre, in Nostalgie zu schwelgen, blickt 'Little Bit Of Sun' stattdessen mit Wertschätzung in die Vergangenheit, anstatt sich nach ihr zu sehnen.

Es verbindet eine tiefe Dankbarkeit für die bisherige Reise mit einer ansteckenden Vorfreude auf alles, was noch kommen wird

Funny van Dannen auf Vinyl, eine Doppel-Vinyl zwar, aber bei 10 Trikont-CDs hätten wir eigentlich ne Box machen können mit Lieblings-Funny-Songs. So wurde es eine Auswahl von Songs, die Funny sich gewünscht hat, einigen Trikont-Lieblingssongs, Songs denen wir mehr Aufmerksamkeit wünschen und natürlich und vor allem Songs für die Fans. Es ist eine Platte geworden mit Liedern, die bei Trikont erschienen, von 1995 bis 2005 und a bissl was von "Kolossale Gegenwart" von 2023. Schon diese Auswahl an Tracks zeigt eigentlich das, was Funny van Dannen so besonders macht, sein Blick auf die Welt, auf die kleinen Dramen und die großen Katastrophen, auf menschliche Schwächen und Ungereimtheiten, auf die Guten und die Bösen, auf die Liebe und den Tod. Amen

Zum 10. Todestag von Lou Reed veröffentlichen DIE BUBEN IM PELZ ihr neues Album "Verwandler" (Konkord) auf welchem sie sich den Songs von Lou Reed widmen und diese in den Wiener Dialekt übersetzen. Als 2015 das selbstbetitelte Debütalbum (Konkord) von DIE BUBEN IM PELZ erschien, wirbelten sie damit viel Staub auf. Denn die beiden Gründungsmitglieder David Pfister und Christian Fuchs (beide vom Radiosender FM4) wagten etwas Riskantes. Die Buben übersetzten das ikonische Debütalbum von Velvet Underground komplett ins Wienerische. Wechselten die legendäre Andy Warhol-Banane auf dem Cover mit einer Wurst aus - und übertrugen die Atmosphäre des New York von 1967 in das Wien von 2015. Düstere Parallelen wurden ausgelotet. Flirrende Gitarren zum Klingen gebracht. Spirituelle Verwandtschaften mit Lou Reed, John Cale und Nico zelebriert. Die Platte wurde inzwischen zu einem viel beachteten Klassiker der deutschsprachigen, alternativen Popmusik. Für die deutsche Tageszeitung ,Die Zeit" beispielsweise ein Album des Jahres 2015. Ebenso erfuhr das Artwork der LP von Dieter Oitzinger große Aufmerksamkeit. Die Erstauflage auf Vinyl mit einer abziehbaren Wurst statt einer Banane ist inzwischen ein begehrtes Sammlerobjekt. 2017 und 2019 erschienen zwei weitere Platten auf dem Wiener Label Noise Appeal, zuletzt ,Geisterbahn" produziert von Alexander Hacke von den Einstürzenden Neubauten und Alexander Lausch. Neben Pfister und Fuchs bestehen DIE BUBEN IM PELZ auch noch aus dem Bassisten Christof Baumgartner (Black Palms Orchestra), Bernd Supper (Scarabeus Dream), Markus Reiter (Destroyed But Not Defeated) und Gernot Scheithauer (Liger). Brutalität und Zärtlichkeit Zum 10. Todestag von Lou Reed am 27. Oktober veröffentlichen Die Buben Im Pelz ihr neues Album ,Verwandler" (Konkord), auf dem sie sich erneut ausschließlich den Songs von Lou Reed und Velvet Underground widmen. Auch wenn Titel und Artwork auf den Klassiker ,Transformer" von Lou Reed anspielen, übersetzten die Buben dieses Mal kein komplettes Album, sondern eine Auswahl von Reed-Songs mit Blick auf sein gesamtes Schaffen. Und auch dieses Mal zeigt sich: Die Klassiker von Lou Reed, zwischen textlicher Brutalität und Zärtlichkeit, funktionieren auch in unserer seltsamen Zeit perfekt als tröstende Ventile. Egal ob in persönlichster Identitätssuche oder beim großen Blick auf die Welt. Black Vinyl!

Zum 10. Todestag von Lou Reed veröffentlichen DIE BUBEN IM PELZ ihr neues Album "Verwandler" (Konkord) auf welchem sie sich den Songs von Lou Reed widmen und diese in den Wiener Dialekt übersetzen. Als 2015 das selbstbetitelte Debütalbum (Konkord) von DIE BUBEN IM PELZ erschien, wirbelten sie damit viel Staub auf. Denn die beiden Gründungsmitglieder David Pfister und Christian Fuchs (beide vom Radiosender FM4) wagten etwas Riskantes. Die Buben übersetzten das ikonische Debütalbum von Velvet Underground komplett ins Wienerische. Wechselten die legendäre Andy Warhol-Banane auf dem Cover mit einer Wurst aus - und übertrugen die Atmosphäre des New York von 1967 in das Wien von 2015. Düstere Parallelen wurden ausgelotet. Flirrende Gitarren zum Klingen gebracht. Spirituelle Verwandtschaften mit Lou Reed, John Cale und Nico zelebriert. Die Platte wurde inzwischen zu einem viel beachteten Klassiker der deutschsprachigen, alternativen Popmusik. Für die deutsche Tageszeitung ,Die Zeit" beispielsweise ein Album des Jahres 2015. Ebenso erfuhr das Artwork der LP von Dieter Oitzinger große Aufmerksamkeit. Die Erstauflage auf Vinyl mit einer abziehbaren Wurst statt einer Banane ist inzwischen ein begehrtes Sammlerobjekt. 2017 und 2019 erschienen zwei weitere Platten auf dem Wiener Label Noise Appeal, zuletzt ,Geisterbahn" produziert von Alexander Hacke von den Einstürzenden Neubauten und Alexander Lausch. Neben Pfister und Fuchs bestehen DIE BUBEN IM PELZ auch noch aus dem Bassisten Christof Baumgartner (Black Palms Orchestra), Bernd Supper (Scarabeus Dream), Markus Reiter (Destroyed But Not Defeated) und Gernot Scheithauer (Liger). Brutalität und Zärtlichkeit Zum 10. Todestag von Lou Reed am 27. Oktober veröffentlichen Die Buben Im Pelz ihr neues Album ,Verwandler" (Konkord), auf dem sie sich erneut ausschließlich den Songs von Lou Reed und Velvet Underground widmen. Auch wenn Titel und Artwork auf den Klassiker ,Transformer" von Lou Reed anspielen, übersetzten die Buben dieses Mal kein komplettes Album, sondern eine Auswahl von Reed-Songs mit Blick auf sein gesamtes Schaffen. Und auch dieses Mal zeigt sich: Die Klassiker von Lou Reed, zwischen textlicher Brutalität und Zärtlichkeit, funktionieren auch in unserer seltsamen Zeit perfekt als tröstende Ventile. Egal ob in persönlichster Identitätssuche oder beim großen Blick auf die Welt. Black Vinyl!

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Jeder, der genau hinschaut, kann erkennen, dass Cincinnati, OH, derzeit eine wahre Brutstätte musikalischer Kreativität ist, und die drei Mitglieder von The Serfs - Dylan McCartney (Gesang, Perkussion, Gitarre, Bass, Elektronik), Dakota Carlyle (Elektronik, Bass, Gitarre, Gesang) & Andie Luman (Gesang, Synthesizer) - und ihre jeweiligen Nebenprojekte (The Drin, Crime of Passing, Motorbike) sind unbestreitbar im Zentrum der New-Underground-Szene von Cincinnati. Nach der Veröffentlichung von Alben auf dem Berliner Minimal-Synth-Label Detriti und dem in Seattle ansässigen DREAM Records im Jahr 2018 bzw. 2022 macht die Band für ihr drittes und bisher bestes Album den Schritt zu Trouble In Mind. "Half Eaten By Dogs" gibt dem modernistischen Twitch von Future-Forward-Bands wie Total Control oder Cold Beat sowie dem post-industriellen Dancefloor-Grime von Skinny Puppy, Dark Day, This Heat oder Factrix einen entschiedenen Midwestern-Spin. "Half Eaten by Dogs" ist ein Blick durch ein Fernrohr in eine dystopische Vision, in der eisverkrustete Synthie-Harmonien triefende chemische Rhythmen und aufgebohrte elementare Rockformationen beherrschen. Die Musik ist eine Mischung aus düsterem Drum- und Synthesizer-Industrial und stygischen Gitarreninstrumenten, mal mit vorsichtiger Paranoia, mal mit melodischem Trotz und Ausgelassenheit (und in manchen Momenten mit Mundharmonika, Saxophon oder Flöte). "Half Eaten By Dogs" fasst erfolgreich alles zusammen, was The Serfs bisher erreicht haben, aber mit weitaus größerer Absicht und Zielsetzung als ihre vorherigen Alben. Es gibt Songs zum Tanzen und Songs, die man während eines Sturms oder beim Fahren durch die Straßen der Welt in sich aufnehmen kann. Es mag für die Band ein weiterer Schritt hinunter in die Katakomben sein, dabei aber auf dem Weg zu etwas Höherem.

Auf den 12 Tracks von "God Games" stoßen Alison Mosshart und Jamie Hince in neue klangliche Gefilde vor, ohne dabei die für die Band typische Bravour zu verlieren. Nach der Doppelsingle "New York/LA Hex" vom Juli 2023 wird die Albumankündigung am 30. August von der Single "103" begleitet. Während "LA Hex" seinen Blick auf die emotionalen und zwischenmenschlichen Realitäten des modernen Lebens in Los Angeles richtete, beleuchtet "103" (Fahrenheit) die brutale Realität der beängstigenden Unbewohnbarkeit der Stadt durch die Linse eines dunklen, verdrehten Liebesliedes - Mosshart singt schneidende Texte wie "stick with me under the last palm tree / and sip a little water from the dirty fountain meant to be / the sum of it all".
"God Games" konzentriert sich auf das ursprüngliche Call-and-Response zwischen Mossharts ganzkörperlicher Stimmkatharsis und Hince' schwadronierendem, guillotine-glatten Gitarrenspiel. Sie haben den typischen Sound der beiden erweitert und sich entschieden, aus neuen Perspektiven zu schreiben. Zum ersten Mal hat das Duo hauptsächlich auf dem Klavier geschrieben und innovative Elektronik- und Bläsertexturen, eine kristallklare Produktion und zutiefst menschliche Texte sowie eine Zusammenarbeit mit dem Compton Kidz Club Choir bei "LA Hex" und "My Girls My Girls" einbezogen. Die Arbeit am Album begann 2019 und das Duo zog in eine alte Kirche, um das Album mit dem Academy®- und GRAMMY®-Award-prämierten Produzenten Paul Epworth Adele, Paul McCartney aufzunehmen, der 2002 ihr allererster Soundmann war.