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Superb 4 tracker with a nice french speech on the drop the Akouphen tune ^^
Then goes 3 mental Eletro Acid Tribe kind of... Very Balistik style... Notice that FreePoui sounds a bit like good old school sound as if it was a meeting between Crystal and Dee and Noisebuilder ^^

Obwohl es sich nicht eindeutig einem bestimmten Genre zuordnen lässt, hat ,A Way In" was von Afrobeat, Cumbia, Salsa, Jazz, Reggaeton und Soul - eine Mischung aus kraftvollen Rhythmen und geheimnisvollen Melodien, die Mitchum Yacoubs zweites Album in der Welt der Groove-Musik hervorstechen lässt. Zwischen synkopierten Dance-Tracks, ätherischen Klanglandschaften und gleichmäßigen Backbeats finden sich Geschichten über Angst, Liebe, Aufstand und Heilung. Zehn Tracks, die den menschlichen Geist offenbaren und feiern. Yacoub hat das gesamte Album selbst aufgenommen, produziert und abgemischt und damit den sorgfältig geschichteten Sound sichergestellt, den die Fans seines Debüts ,Living High in the Brass Empire" so schätzen. Wir treffen wieder auf Travis Klein, Bradley Nash und Wesley Etienne, seine unnachahmliche Bläsersektion, die man weder auf Platte noch auf der Bühne verpassen sollte. Mit den aufstrebenden Stimmen von Divina Jasso und Lourdes Iri auf der Hälfte der Tracks mangelt es ,A Way In" nicht an herausragenden Singles, die dich von morgens bis abends begleiten werden.

Obwohl es sich nicht eindeutig einem bestimmten Genre zuordnen lässt, hat ,A Way In" was von Afrobeat, Cumbia, Salsa, Jazz, Reggaeton und Soul - eine Mischung aus kraftvollen Rhythmen und geheimnisvollen Melodien, die Mitchum Yacoubs zweites Album in der Welt der Groove-Musik hervorstechen lässt. Zwischen synkopierten Dance-Tracks, ätherischen Klanglandschaften und gleichmäßigen Backbeats finden sich Geschichten über Angst, Liebe, Aufstand und Heilung. Zehn Tracks, die den menschlichen Geist offenbaren und feiern. Yacoub hat das gesamte Album selbst aufgenommen, produziert und abgemischt und damit den sorgfältig geschichteten Sound sichergestellt, den die Fans seines Debüts ,Living High in the Brass Empire" so schätzen. Wir treffen wieder auf Travis Klein, Bradley Nash und Wesley Etienne, seine unnachahmliche Bläsersektion, die man weder auf Platte noch auf der Bühne verpassen sollte. Mit den aufstrebenden Stimmen von Divina Jasso und Lourdes Iri auf der Hälfte der Tracks mangelt es ,A Way In" nicht an herausragenden Singles, die dich von morgens bis abends begleiten werden.

Music never exists in a vacuum — every scene and sound evolves from the non-stop exchange of ideas between different groups and cultures. Traditions get passed down from one generation to the next, and then individual heads take influence from their own unique perspective. Sometimes, certain people strike upon fusions that spark massive new movements, but even those rarest innovations came from somewhere.

Jon E Cash knows this more than most — the legendary beats he started putting out at the turn of the millennium had their own disparate roots and influences which he had the motivation to put together into a sound he called sublow. There wasn't any other reference point for this music — when he took the first white labels of 'Drop Top Bimmer Kid' into Blackmarket Records in Soho, London, he had to describe it to a puzzled Nicky Blackmarket and J Da Flex as being, "between garage and hip-hop."

Playing catch-up in 2004, Rephlex Records nodded to sublow when trying to introduce a wider audience to the sounds which had been tearing up the London underground. "Grime. Sublow. Dubstep... It's Music. Different people call it different things depending on when they discovered it." But Jon E Cash's sound was rooted in more than the UK garage that had dominated the clubs through the late 90s, reaching way back to his pre-teen days when the first waves of hip-hop culture crossed the Atlantic and broke in the UK.

25 years on, it's a fine time to reflect on the impact of the music Cash made at the turn of the millennium. History looks back favourably on what he and the Black Ops crew were doing with sublow in the early 00s. The timing meant it ran in parallel with what was happening over East with Pay As U Go, Roll Deep et al, and of course there was crossover. Every DJ and every MC was on the hunt for the best beats they could find. But there's a whole different swagger to sublow — a different web of influences, a different intention and so a different outcome. It's still there in the beats Cash is making more than 20 years later — his 3dom Music label is carrying upfront productions with that sublow DNA coursing through their veins. Whatever the beat or the tempo, the drums are still hard as nails, and the bass is tuned for maximum rave damage.

Zehn Jahre war es still um moskovSKAya - jetzt sind die Ska-Veteranen zurück. Die 9-köpfige Band steht für schnellen Ska mit markanten Bläser-Riffs, treibenden Rhythmen und einer explosiven Live-Energie. Mit Elementen von Polka bis Punk, von Reggea bis Jazz bringen sie ihr Live Publikum in Clubs oder bei großen Open Airs zum Tanzen...schwitzen garantiert! Bei unzähligen Auftritten, auch als Support von z.B. Bob Geldof, Manfred Mann oder The Specials haben sie das unter Beweis gestellt. Dabei stehen moskovSKAya weder für Mainstream, noch für Rebellion, sondern für Verbundenheit und der gemeinsamen Leidenschaft für die Musik, das Miteinander und dem unbeschreiblichen Gefühl, wenn auf und vor der Bühne alles zusammenpasst: die Baseline groovt, Gitarre und Orgel schwingen im Offbeat und die Bläser schieben nach vorne, bis das ganze Publikum mit dem Sänger um die Wette springt. Nun bringt die 1989 gegründete Band mit "Dancehall Schwof" ihr sechstes Studioalbum, das bei Sunny Bastards Records erscheint. Und moskovSKAya stellen mit den zehn Songs unter Beweis, dass sie nichts von ihrer Sound-Vielfalt und ihren knackigen Bläserriffs verloren haben...treibender Offbeat, musikalische Präzision, Charakter und ungebremste Spielfreude. Ska, wie er heute klingen muss - lebendig, auf den Punkt und jenseits von Nostalgie. Absolute 'Must-Dance' Anspieltipps wären unter Anderem 'Night Train', 'Let You Down', 'Eso Es' oder 'Only Once'. Hier bleibt kein Bein ruhig, Kopf und Körper wollen zwangsläufig in Bewegung gehen. Und wer damit nicht bis zum nächsten Live Auftritt der Band warten möchte, dem sei dieses Album klar ans Herz gelegt!

Zehn Jahre war es still um moskovSKAya - jetzt sind die Ska-Veteranen zurück. Die 9-köpfige Band steht für schnellen Ska mit markanten Bläser-Riffs, treibenden Rhythmen und einer explosiven Live-Energie. Mit Elementen von Polka bis Punk, von Reggea bis Jazz bringen sie ihr Live Publikum in Clubs oder bei großen Open Airs zum Tanzen...schwitzen garantiert! Bei unzähligen Auftritten, auch als Support von z.B. Bob Geldof, Manfred Mann oder The Specials haben sie das unter Beweis gestellt. Dabei stehen moskovSKAya weder für Mainstream, noch für Rebellion, sondern für Verbundenheit und der gemeinsamen Leidenschaft für die Musik, das Miteinander und dem unbeschreiblichen Gefühl, wenn auf und vor der Bühne alles zusammenpasst: die Baseline groovt, Gitarre und Orgel schwingen im Offbeat und die Bläser schieben nach vorne, bis das ganze Publikum mit dem Sänger um die Wette springt. Nun bringt die 1989 gegründete Band mit "Dancehall Schwof" ihr sechstes Studioalbum, das bei Sunny Bastards Records erscheint. Und moskovSKAya stellen mit den zehn Songs unter Beweis, dass sie nichts von ihrer Sound-Vielfalt und ihren knackigen Bläserriffs verloren haben...treibender Offbeat, musikalische Präzision, Charakter und ungebremste Spielfreude. Ska, wie er heute klingen muss - lebendig, auf den Punkt und jenseits von Nostalgie. Absolute 'Must-Dance' Anspieltipps wären unter Anderem 'Night Train', 'Let You Down', 'Eso Es' oder 'Only Once'. Hier bleibt kein Bein ruhig, Kopf und Körper wollen zwangsläufig in Bewegung gehen. Und wer damit nicht bis zum nächsten Live Auftritt der Band warten möchte, dem sei dieses Album klar ans Herz gelegt!

Zehn Jahre war es still um moskovSKAya - jetzt sind die Ska-Veteranen zurück. Die 9-köpfige Band steht für schnellen Ska mit markanten Bläser-Riffs, treibenden Rhythmen und einer explosiven Live-Energie. Mit Elementen von Polka bis Punk, von Reggea bis Jazz bringen sie ihr Live Publikum in Clubs oder bei großen Open Airs zum Tanzen...schwitzen garantiert! Bei unzähligen Auftritten, auch als Support von z.B. Bob Geldof, Manfred Mann oder The Specials haben sie das unter Beweis gestellt. Dabei stehen moskovSKAya weder für Mainstream, noch für Rebellion, sondern für Verbundenheit und der gemeinsamen Leidenschaft für die Musik, das Miteinander und dem unbeschreiblichen Gefühl, wenn auf und vor der Bühne alles zusammenpasst: die Baseline groovt, Gitarre und Orgel schwingen im Offbeat und die Bläser schieben nach vorne, bis das ganze Publikum mit dem Sänger um die Wette springt. Nun bringt die 1989 gegründete Band mit "Dancehall Schwof" ihr sechstes Studioalbum, das bei Sunny Bastards Records erscheint. Und moskovSKAya stellen mit den zehn Songs unter Beweis, dass sie nichts von ihrer Sound-Vielfalt und ihren knackigen Bläserriffs verloren haben...treibender Offbeat, musikalische Präzision, Charakter und ungebremste Spielfreude. Ska, wie er heute klingen muss - lebendig, auf den Punkt und jenseits von Nostalgie. Absolute 'Must-Dance' Anspieltipps wären unter Anderem 'Night Train', 'Let You Down', 'Eso Es' oder 'Only Once'. Hier bleibt kein Bein ruhig, Kopf und Körper wollen zwangsläufig in Bewegung gehen. Und wer damit nicht bis zum nächsten Live Auftritt der Band warten möchte, dem sei dieses Album klar ans Herz gelegt!

Onna Last Live 1983 includes the final performance by the original line-up of Onna, the psych-rock project of revered Japanese manga artist, Keizo Miyanishi. Onna’s legend has largely rested, until now, on one self-released and self-titled seven-inch from 1983. Reissued by Holy Mountain in 2009, its rediscovery, along with several archival live and studio sets that leaked out across the 2000s, signalled to a wider audience the power of Miyanishi’s strikingly hypnotic songwriting. With Onna Last Live 1983, though, we hear the group’s perfect line-up performing at its peak.

While Miyanishi was the core member and conceptualist of Onna, the other members of the group would also go on to make significant contributions to the Japanese underground. Guitarist Michio Kurihara would eventually be known for his membership of YBO2, Ghost and White Heaven, and collaborations with the likes of Boris and Damon & Naomi. Drummer Ken Matsutani formed Marble Sheep & The Run-Down Sun’s Children and The Mickey Guitar Band, while also running the Captain Trip label. Joined by the late bass player Yasui Yutaka, to whom the album is dedicated, this quartet only performed live in 1983; the live set here was recorded at Silver Elephant.

It’s a different line-up to the Onna duo that’s documented on their single. After Miyanishi and fellow manga artist Mafuyu Hiroki recorded that material, Miyanishi decided he wanted to start playing gigs; Hiroki left, and Kurihara, Matsutani and Yutaka joined soon after. This line-up allowed Miyanishi to significantly expand Onna’s powers, leading to a sound that Kurihara once described to Ptolemaic Terrascope magazine as “repetitive and heavy, yet quite orthodox.”

The songs here are simple yet deeply effective in their repetitive power, generally revolving around two or three simply strummed chords for guitar. Bass and drums repeatedly lock into mantra-like grooves as Kurihara’s guitar scales the walls, with Miyanishi’s consumptive moans and sighs sent torquing through FX. The cumulative effect of the seven songs here is very heavy indeed; if the prologue “Always…” drifts beautifully through five minutes of placid, beseeching melancholy, the epilogue, “Never Seen A Light Like This”, spirals out into sixteen minutes of glazed-over psych-rock, completely monomaniacal and thrilling in its slow-motion tumult.

Throughout, you can hear Miyanishi and co. reaching for something ineffable, something beyond and between the notes. It’s a phenomenal performance; it’s also no surprise that the group disintegrated after this show, given its intensity. Matsutani and Yutaka left after the Silver Elephant show, with Miyanishi and Kurihara continuing through the first half of 1984 firstly as a duo, and then a trio with new drummer Yoshiki Ueonyama. Kurihara left soon after. But Onna Last Live 1983 is proof plenty of the powers of the original Onna quartet, sending their Rallizes/Velvets dream-mantras off into darkened, stormy skies.

Hip Hop grooves & battle beats.

Battle tool repress taken from DJ Junk's infamous Second To None label.

Havukruunu's KUU ERKYLÄN YLLÄ reissued in April Svart Records continue to reissue the albums of Havukruunu, bringing their highly sought after 2021 EP KUU ERKYLÄN YLLÄ back on the market in April 2026. Statement from the band: "There has been a lot of rumors and mystery surrounding the album cover art for Kuu Erkylän Yllä EP. Why was the album cover art different on the cassette version and the Vinyl/CD version at the time of release? The most well-known theory is probably that the original cover art was destroyed with an axe, which is why "the blue cover" ended up only on the cassette release and the damaged artwork could no longer be transferred to the CD/Vinyl versions. We completely deny this rumor: "the blue cover" was not destroyed with an axe, but was run over by a car, and we also confirm that "the blue cover" was not even the original cover art. The original cover art has now been found from the archives and the reissue published by Svart has now been made for the first time ever with the cover art that the release was originally intended to have." The Quorthonian homemade assault Kuu Erkylän Yllä contains Havukruunu‘s earliest and, at the time on recording, latest compositions combined, reworked and finished finally to do justice for the original vision of the band. Journey to the pitch-black star-night of Erkylä, where the Night Tower stands ever vigilant under the sign….. Presented for the first time with the original, previously unused album art by Heidi Kosenius, Kuu Erkylän Yllä is available now on new limited vinyl colours and housed in a gatefold sleeve. Kuu Erkylän Yllä was performed during first four full moons of MMXXI by Stefa - Voice, Guitars, Synth Bootleg-Henkka – Guitars Sinisalo - Electric Bass Guitar Kostajainen - 125 INTERCITY EXPRESS

Havukruunu's KUU ERKYLÄN YLLÄ reissued in April Svart Records continue to reissue the albums of Havukruunu, bringing their highly sought after 2021 EP KUU ERKYLÄN YLLÄ back on the market in April 2026. Statement from the band: "There has been a lot of rumors and mystery surrounding the album cover art for Kuu Erkylän Yllä EP. Why was the album cover art different on the cassette version and the Vinyl/CD version at the time of release? The most well-known theory is probably that the original cover art was destroyed with an axe, which is why "the blue cover" ended up only on the cassette release and the damaged artwork could no longer be transferred to the CD/Vinyl versions. We completely deny this rumor: "the blue cover" was not destroyed with an axe, but was run over by a car, and we also confirm that "the blue cover" was not even the original cover art. The original cover art has now been found from the archives and the reissue published by Svart has now been made for the first time ever with the cover art that the release was originally intended to have." The Quorthonian homemade assault Kuu Erkylän Yllä contains Havukruunu‘s earliest and, at the time on recording, latest compositions combined, reworked and finished finally to do justice for the original vision of the band. Journey to the pitch-black star-night of Erkylä, where the Night Tower stands ever vigilant under the sign….. Presented for the first time with the original, previously unused album art by Heidi Kosenius, Kuu Erkylän Yllä is available now on new limited vinyl colours and housed in a gatefold sleeve. Kuu Erkylän Yllä was performed during first four full moons of MMXXI by Stefa - Voice, Guitars, Synth Bootleg-Henkka – Guitars Sinisalo - Electric Bass Guitar Kostajainen - 125 INTERCITY EXPRESS

Mental baile future-funk.
Impossibly, round two ratchets through higher gears than round one. The cutting and scratching skills are brutally imperious, by turn eviscerating in split seconds a trembling flock of far-flung musical prey. Out of the wreckage looms the apotheosis of apocalyptic Techno Scratch terror; the ebulliently vengeful prophesy of forebears like Grand Wizzard Theodore and the Knights of the Turntable.
Blisteringly hot.

'A sequel. An escalation. Pressure spikes from bar one: future facing, low-latency. A firmware update for the body.
'Cuts bite into cuts. Fragments swarm, collide, die out. Drums stumble untile they speak; samples crop up without names and leave without warning. Momentum is the one and only rule. Unpredictable, gridless, post-genre.
'From Tik-Tok feed to vinyl: born digital, cut for the floor. The glitch grows a body, develops a nervous system.
'Match it or get out of the way. Damned be the ones that are stuck on tradition.'

Part Two of our 'Back To The Old School' series has arrived in full effect. Once again, Mr "Love" Lee updates classic disco-rap cuts for today's dancefloors while preserving their original flavour and integrity. Kicking things off is Xanadu & Sweet Lady's Jamaican version of "Rappers Delight," where Dave refreshes the instantly recognisable percussion track into a captivating jazz-funk workout, perfectly complementing Sweet Lady's luscious rapping and somehow making it even more danceable than ever. Up next, Solo Sound "We Are The Crew (Called Solo Sound)" delivers a swampy, lo-down slice of cosmic funk primed to rock any block party. On the flip is an alternate Philly flavoured take on TJ Swann's 1981 jam "Get Fly." This time Dave Lee re-tracks the MFSB backbone, putting his remixing prowess fully on display and landing squarely in the dancefloor sweet spot. As a bonus, any wannabe disco rappers can hone their skills over the B2 Shepherds Delight (No Rapstrumental Mix).

From Detroit’s techno resistance to Berlin’s elastic minimalism, Lusaka’s ancestral futurism to Chicago’s house communion, When There Is No Sun is a recording project, uniting visionary electronic music producers to reimagine the universe of Sun Ra. One of the most radical musical pioneers of the 20th century, Sun Ra used jazz, electronics, poetry, and performance to expand the possibilities of sound, identity, and imagination. Commissioned by Omni Sound and curated by Ricardo Villalobos, the series brings together Underground Resistance, Chez Damier & Ben Vedren, Calibre, A Guy Called Gerald, She Spells Doom, Barış K, and Ricardo Villalobos himself. Drawing from Omni Sound’s recordings of Living Sky by the Sun Ra Arkestra and My Words Are Music of Sun Ra’s poetry, the producers pull fragments of sound and text into their own creative orbits, passing through the portal that Sun Ra opened into a realm where the impossible is possible. Saul Williams, Tunde Adebimpe, Mahogany L. Browne, Abiodun Oyewole, Anthony Joseph and Tara Middleton are the featured voices that turn rhyme into rhythm and revelation into resistance Rooted in deep reverence for Sun Ra’s legacy, yet reaching forward as a living, generative force, When There Is No Sun is not a tribute but a continuum, balancing the pulse of electronic music with the spirit of experimentation, embodying Sun Ra’s promise that ‘there are other worlds’ if you are willing to see them.

From Detroit’s techno resistance to Berlin’s elastic minimalism, Lusaka’s ancestral futurism to Chicago’s house communion, When There Is No Sun is a recording project, uniting visionary electronic music producers to reimagine the universe of Sun Ra. One of the most radical musical pioneers of the 20th century, Sun Ra used jazz, electronics, poetry, and performance to expand the possibilities of sound, identity, and imagination. Commissioned by Omni Sound and curated by Ricardo Villalobos, the series brings together Underground Resistance, Chez Damier & Ben Vedren, Calibre, A Guy Called Gerald, She Spells Doom, Barış K, and Ricardo Villalobos himself. Drawing from Omni Sound’s recordings of Living Sky by the Sun Ra Arkestra and My Words Are Music of Sun Ra’s poetry, the producers pull fragments of sound and text into their own creative orbits, passing through the portal that Sun Ra opened into a realm where the impossible is possible. Saul Williams, Tunde Adebimpe, Mahogany L. Browne, Abiodun Oyewole, Anthony Joseph and Tara Middleton are the featured voices that turn rhyme into rhythm and revelation into resistance Rooted in deep reverence for Sun Ra’s legacy, yet reaching forward as a living, generative force, When There Is No Sun is not a tribute but a continuum, balancing the pulse of electronic music with the spirit of experimentation, embodying Sun Ra’s promise that ‘there are other worlds’ if you are willing to see them.

Die Big Boys begannen ihre Karriere in der Punk-Szene von Austin Ende der 1970er Jahre. An der Spitze der Band stand der gelegentlich als Frau verkleidete Randy ,Biscuit" Turner, begleitet von Tim Kerr an der Gitarre, Chris Gates am Bass und einer Reihe von Schlagzeugern - der bekannteste unter ihnen ist Rey Washam (Scratch Acid). Im Gegensatz zum Rest der damaligen frühen Hardcore-Szene scheuten sie sich nicht, von superschnellen Tempi abzuweichen und stattdessen auf netten White-Boy-Skate-Funk zu setzen. Abgesehen von den Funk-Einflüssen spielte die Band zeitweise eine frühe Form des Post-Punk, nicht unähnlich ihren Zeitgenossen The Minutemen. Dank ihrer Teilnahme an einigen der ersten ,Skate-Compilations" des Thrasher-Magazins waren die Big Boys bei der neuen Skate-Punk-Szene der 80er Jahre enorm beliebt. Sie waren auch dafür bekannt, das Publikum zum Mitmachen zu animieren und so die Barrieren zwischen Künstlern und Zuschauern abzubauen. Sie coverten sogar Kool & the Gang und ließen sich nie beirren, wenn sie sich auf musikalisches Neuland wagten. Also, Leute, gründet jetzt eure eigene Band!

Repress of the 1 st album of the fresh Afro funk sensation ! Recorded on analog equipment in Lyon in 2014 !



Peter Solo is a singer and composer born in Aného-Glidji, Togo, the birthplace of the Guin tribe and a major site of the Voodoo culture. He was raised with this tradition’s values of respect for all forms of life and the environment. With his new band, Vaudou Game, Peter Solo claims, and spreads this spiritual and musical heritage. Chants are at the heart of the Voodoo practice, but for times immemorial, harmonic instruments have never accompanied them. No balafon, no kora - only the “skins” support the singers. However, in 2012, Peter, along with his band based in Lyon, France, decided to explore and codify the musical scales that are found in sacred or profane songs of Beninese and Togolese Voodoo so they can be played easily on modern instruments. Peter composed the album Apiafo, using the two main musical scales of this tradition. The first musical scale on Apiafo leans towards raw Funk with a sound similar to the famous 70’s bands, L’Orchestre Poly Rythmo De Cotonou and El Rego. Funk, is the skeletal structure of this record, and provided the opportunity for Peter to invite his uncle, Roger Damawuzan - the famous pioneer of the 70s Soul scene - on two tracks. Their collaboration on “Pas Contente” is a highlight on this 100% analog album. Apiafo was entirely recorded, mixed and mastered with old tapes and vintage instruments. The second scale, which had never before been transposed for instruments, evokes deeper feelings and a sacred ambiance. The moving song Ata, an invocation to a supreme divinity is another highlight of this record. Even if some can recognize similarities between this scale and Ethiopian scales, they are in fact different. Peter, the only African band member, introduced the other musicians to the universal values of Voodoo and he taught them his native language. On the recording of Apiafo and during their live performances, the musicians all sing and answer Peter in the Mina language. The strive for authenticity, the analog sound and vintage looks don’t mean that Vaudou Game is looking backwards. This is Togolese funk, born in the post-colonial era but that never before explored its ancient roots so deeply and proudly.



Antoine RAJON

Robert Pettersson, die kraftvolle Stimme hinter zwei der größten schwedischen Rockbands, Takida und Stiftelsen, tritt nun mit seinem ersten Soloalbum ins Rampenlicht. Bekannt für seine rohe Emotion und seinen unverwechselbaren Sound, hat Robert mehr als zwei Jahrzehnte damit verbracht, Charts anzuführen, Arenen auszuverkaufen und den modernen schwedischen Rock zu prägen. Sein Solodebüt zeigt eine persönlichere Seite und verbindet tiefgehende Texte mit elektronischen Klangwelten. Produziert wurde das Album von Roberts langjährigem Songwriting-Partner Chris Rehn. So habt ihr Robert Pettersson noch nie gehört - intim, mutig und unverkennbar authentisch.

Das dritte Album der Kassierer von 1996 ist wieder auf Vinyl erhältlich, Nachpressung von 500 Stück! "Habe Brille" ist benannt nach einem Stück aus einer Operette von Jacques Offenbach und der Titel deutet schon an, wohin die musikalische Reise geht: Es wird ein weiter Bogen geschlagen von der Klassik (hier brilliert Wölfi mit einem a capella Solo über acht Oktaven), Big Band-Einspielungen bis zu düsteren technoiden Maschinenklängen, wobei das Hauptgewicht selbstverständlich auf solidem Punkrock liegt. Die Kassierer überraschen mit ihren virtuos eingespielten Liedern auch verwöhnte Ohren und strafen all die Lügen, die ihnen musikalische Kompetenz absprechen wollen. Was wie ein Streifzug durch die Musikhistorie wirkt, bringt kurz vor der Jahrtausendwende die Vielfalt und Beliebigkeit aller Stile auf den Punkt und liefert nicht mehr und weniger ein Stück Zeitgeschichte. Dabei bleiben die vielen Ohrwürmer sofort im Gedächtnis und laden zum spontanen mitsingen ein. Das große Plus der Band liegt in ihrer konsequenten Konzentration auf die deutsche Sprache, deren Vielfalt sie tiefer ausschöpfen als jede andere Gruppe der Gegenwart. Die Musik der Kassierer läßt den Hörer niemals kalt, sie packt ihn, entwickelt ihre dämonische Kraft und läßt den Hörer als einen anderen zurück. Hier werden Grenzen der Wirklichkeit verzerrt und verschoben, hier wird die realität neu zusammengezimmert. "Habe Brille" bildet die Größe und die Ungeheuerlichkeit der Welt auf musikalische Weise ab. Die Kassierer sind Visionäre und Propheten des dritten Jahrtausends, sie sind Menschen von übermorgen, die mitten unter uns leben. "Nennt es infantil, nennt es genial, scheißegal, die KASSIERER kümmern sich einen Dreck drum - Hauptsache, es wird reagiert. (...) Musikalisch sind die KASSIERER hier unbestritten in Höchstform: von Swing über Volksmusik bis hin zu ihrem altgewohnten Primitiv-Punk ist alles dabei." - Ox-Fanzine / Ausgabe #24