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Alternative indie pop artist Rachel Chinouriri announces her long-awaited debut album What A Devastating Turn Of Events, out Friday 3rd May 2024 via Parlophone. What A Devastating Turn Of Events is a culmination of the experiences, challenges and joys of Chinouriri’s life so far, explored through the prism of musical stylings honed through years of experimentation and creation.

Ever-eclectic and brutally honest, the album traverses life’s light and shade, the writing and sharing a healing process for Rachel, and she hopes, her listeners. The album is now available to pre-order and pre-save. In addition to the digital release, the physical formats include the Standard LP & CD, exclusive red vinyl for HMV and select indie stores.

There is also a Deluxe LP and 7 inch (including 2 bonus tracks), cassette and CD + Zine that are all available exclusively via Rachel’s official store. Rachel will play her biggest sold out headline show to date at London’s KOKO on 6th March 2024. In celebration of the announcement of her debut album, Rachel also announced two US headline dates in New York and LA in March, plus a run of intimate in-store shows across the UK in February.

Alternative indie pop artist Rachel Chinouriri announces her long-awaited debut album What A Devastating Turn Of Events, out Friday 3rd May 2024 via Parlophone. What A Devastating Turn Of Events is a culmination of the experiences, challenges and joys of Chinouriri’s life so far, explored through the prism of musical stylings honed through years of experimentation and creation.

Ever-eclectic and brutally honest, the album traverses life’s light and shade, the writing and sharing a healing process for Rachel, and she hopes, her listeners. The album is now available to pre-order and pre-save. In addition to the digital release, the physical formats include the Standard LP & CD, exclusive red vinyl for HMV and select indie stores.

There is also a Deluxe LP and 7 inch (including 2 bonus tracks), cassette and CD + Zine that are all available exclusively via Rachel’s official store. Rachel will play her biggest sold out headline show to date at London’s KOKO on 6th March 2024. In celebration of the announcement of her debut album, Rachel also announced two US headline dates in New York and LA in March, plus a run of intimate in-store shows across the UK in February.

Angles, intersections, connections. Some projects are 50-year plans, while others flow from riendship, serendipity and ideally, opportunity. Deep Tunnel Project arose out of Chicago, pandemic boredom diverted into creation, inspired by their urban setting and street grids, and the ultimate idea hat what is never finished will never be done. Deep Tunnel Project are John Mohr and Mike Greenlees of TAR, Tim Midyett from Silkworm / Bottomless Pit / Mint Mile / Sunn O))) and Jeff Dean of Dead Ending, The Bomb, Heavy Seas, Her Head’s on Fire and more. This is their debut full-length.

Cherry Red Vinyl, limitiert auf 1000 Exemplare. Die Punk-Veteranen von Hot Water Music freuen sich, die Veröffentlichung ihren brandneuen Albums Vows anzukündigen, welches am 10.05.2024 via End Hits Records erscheint. Unter der Leitung des erfahrenen Produzenten Brian McTernan gibt es auf Vows hochkarätige Gastauftritte von Thrice, Dallas Green (City and Colour // Alexisonfire), The Interrupters, Daniel Fang und Brendan Yates (Turnstile) und Popeye Vogelsang (Calling Hours // ex-Farside). Drei Jahrzehnte, 10 Alben und immer noch ein fester Pfeiler des amerikanischen Punks - Hot Water Music sind nach wie vor eine Quelle des Einflusses und der Inspiration für Bands auf der ganzen Welt. Auf dem kommenden Album Vows bleibt das Ziel der Band dasselbe wie immer: kontinuierliche Weiterentwicklung mit einem scharfen Blick in die Zukunft. "Das Thema, das während der Arbeit an diesem Album immer wieder auftauchte, war das Wachstum - wie das Schreiben eines Songs, die Aufnahme eines Albums oder das Dasein in einer Band so ist, als würde man einen Samen pflanzen und ihm beim Wachsen helfen", so die Band. "Wir denken, dass das viel damit zu tun hat, dass wir zurückblicken und erkennen, dass wir es in 30 Jahren geschafft haben, etwas Besonderes zu schaffen, das wir alle wirklich lieben" Darüber hinaus markiert "Vows" ein weiteres brillantes Kapitel in der fortgesetzten Zusammenarbeit mit dem gefeierten Produzenten und Hardcore-Legende Brian McTernan, der mit der Band an "A Flight And A Crash" (2001), "Caution" (2002) und "The New What Next" (2004) gearbeitet hat, die oft als Hot Water Music-Klassiker bezeichnet werden. Ohne zu wissen, wie es weitergeht, begann die Band mit dem Schreiben der neuen Songs mit der einfachen Absicht, Musik zu veröffentlichen, um diesen hart erarbeiteten Meilenstein zu feiern, sei es eine Single, eine EP oder ein ganzes Album. Sie waren sich jedoch absolut sicher, dass sie keine neue Platte nur um der Sache willen machen wollten; diese Platte musste aufregend, unerbittlich und vor allem notwendig sein. "Jeder hat viel Zeit damit verbracht, über die Reise nachzudenken, die uns hierher gebracht hat, und darüber nachzudenken, was wir von nun an tun wollen, während wir dieses Album machen", fasst die Band zusammen. "Wir hoffen, dass sich dieses Album für jeden, der es hört, wie eine Feier unserer Geschichte und Zukunft anfühlt. Das ist es definitiv und so fühlt es sich für uns an."

Cherry Red Vinyl, limitiert auf 1000 Exemplare. Die Punk-Veteranen von Hot Water Music freuen sich, die Veröffentlichung ihren brandneuen Albums Vows anzukündigen, welches am 10.05.2024 via End Hits Records erscheint. Unter der Leitung des erfahrenen Produzenten Brian McTernan gibt es auf Vows hochkarätige Gastauftritte von Thrice, Dallas Green (City and Colour // Alexisonfire), The Interrupters, Daniel Fang und Brendan Yates (Turnstile) und Popeye Vogelsang (Calling Hours // ex-Farside). Drei Jahrzehnte, 10 Alben und immer noch ein fester Pfeiler des amerikanischen Punks - Hot Water Music sind nach wie vor eine Quelle des Einflusses und der Inspiration für Bands auf der ganzen Welt. Auf dem kommenden Album Vows bleibt das Ziel der Band dasselbe wie immer: kontinuierliche Weiterentwicklung mit einem scharfen Blick in die Zukunft. "Das Thema, das während der Arbeit an diesem Album immer wieder auftauchte, war das Wachstum - wie das Schreiben eines Songs, die Aufnahme eines Albums oder das Dasein in einer Band so ist, als würde man einen Samen pflanzen und ihm beim Wachsen helfen", so die Band. "Wir denken, dass das viel damit zu tun hat, dass wir zurückblicken und erkennen, dass wir es in 30 Jahren geschafft haben, etwas Besonderes zu schaffen, das wir alle wirklich lieben" Darüber hinaus markiert "Vows" ein weiteres brillantes Kapitel in der fortgesetzten Zusammenarbeit mit dem gefeierten Produzenten und Hardcore-Legende Brian McTernan, der mit der Band an "A Flight And A Crash" (2001), "Caution" (2002) und "The New What Next" (2004) gearbeitet hat, die oft als Hot Water Music-Klassiker bezeichnet werden. Ohne zu wissen, wie es weitergeht, begann die Band mit dem Schreiben der neuen Songs mit der einfachen Absicht, Musik zu veröffentlichen, um diesen hart erarbeiteten Meilenstein zu feiern, sei es eine Single, eine EP oder ein ganzes Album. Sie waren sich jedoch absolut sicher, dass sie keine neue Platte nur um der Sache willen machen wollten; diese Platte musste aufregend, unerbittlich und vor allem notwendig sein. "Jeder hat viel Zeit damit verbracht, über die Reise nachzudenken, die uns hierher gebracht hat, und darüber nachzudenken, was wir von nun an tun wollen, während wir dieses Album machen", fasst die Band zusammen. "Wir hoffen, dass sich dieses Album für jeden, der es hört, wie eine Feier unserer Geschichte und Zukunft anfühlt. Das ist es definitiv und so fühlt es sich für uns an."

Wenn der 18-fache Grammy-Preisträger Béla Fleck über seine jahrelange Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Pianisten Chick Corea spricht, klingt er manchmal wie ein schüchterner Musikstudent, der noch immer Ehrfurcht vor dem Jazz-Titan hat, dessen Einfluss ihn als Teenager in den 70er Jahren veränderte.

Remembrance, ein neues Doppelalbum, das am 10. Mai erscheint, ist ein bewegendes letztes Dokument der tiefen kreativen und persönlichen Beziehung, die Fleck und Corea erstmals auf Albumlänge mit dem 2007 mit dem Latin Grammy ausgezeichneten The Enchantment unter Beweis gestellt haben. Es ist auch eine wichtige Ergänzung zu Coreas Vermächtnis und enthält drei bisher unveröffentlichte Corea-Kompositionen sowie fünf kurze freie Improvisationen oder Impromptus, die Fleck mit selbst komponierter Musik unterlegt hat.

Coreas Tod im Jahr 2021, als er im Alter von 79 Jahren an Krebs starb, erschütterte die Jazzgemeinde, die in dem Pianisten eine ständige
internationale Präsenz sah, einen lebendigen Musiker, der nie aufhörte zu touren und Aufnahmen zu machen.

Our 20th celebration year continues with a very special comeback! It’s exactly ten years now since the last Ben La Desh release on our label, his sublime “Stellar Talk EP” hit big waves and together with the “Midnight Rendez-Vous EP” from 2012 he cemented himself in the lo-fi deep space house scene as an artist to look out for, no one produced deep house like he did back then. After a longer break from releasing music he is back and we think stronger as ever, with analogue gear and well curated sampling and live field recording we present you his “Fine Rise EP”.

The opener “Heel Goed” is an amazing track with that distinctive 909 beat and DX bass driven “La Desh” flavour and a truly wonderful vocal sample from a 90s TV commercial, hilariously funny and brilliant at the same time! We can’t wait to see the faces of people, especially on the Dutch dancefloors, when they try to figure out and discover what the ladies are talking about! Second A side track is the super funky “Lift Adrift” that flanges itself to outer space, etherical with chopped break beats and various percussive and rhythmic Pearl Syncussion layers running through effect pedals, Lift Adrift!

On the other side we start out with the deep title track “Fine Rise”. Here Ben treats us again to his trademark spaced out effects driven sound and on top a killer bass line and synth lead melody, reminiscent of the golden age of (good) trance music. Followed by the break beat gem that is “Asanti”, cautiously cut up breaks and layered machine drums with bubbly Syncussion sounds, rain drops falling down on different surfaces recorded in a garden in the French Drôme and processed African Kalimba. Did we already say Etherical? It is!
Closing out this great new record is the ambient piece “Expanding Signal”, an analogue tune that consists of field recordings and deep dubby chords, a building Juno pulse, swooshes and again a profound DX bassline, think of “Sun Electric” or “The Orb”.

Enjoy this one and play it loud on the dance floors or silently in your bedroom, it works everywhere as far as we are concerned!

All tracks mastered by Salz Mastering in Cologne. Photography & Art by Break 3000.

MODECENTER legen mit dem neuen Album "Altes Glück" ein dichtgewobenes, 8 Lieder umfassendes eindrucksvolles musikalisches Statement vor. Kantig, "hart" und einnehmend zugleich, in einem post-punkigen, un-rockistisch rockenden, ass-kickendem Sinn. Mit Hits wie "Endurance Eurodance" und 7 anderen lohnt der Besuch beim Vierer-mit-Gitarren MODECENTER auch ganz ohne Textilien-Erwerb. Es ist ein neues, kein altes Glück, dass dieses 8 Song-Album der in Wien verorteten Band MODECENTER so ist, wie es ist und genauso daherkommt, wie es daherkommt. MODECENTER sind dabei, wie seit ihren Anfängen, ein Quartett. 2019 veröffentlichten sie ein erstes Tape, es folgten das gleichnamige Album (2021, Numavi Records) und das Mini-Album "Peace" (2022, Rock Is Hell Records). Und sie spielten Konzerte! Wie das Bands eben so tun, außer es ist Pandemie, während derer und danach der ganzen Welt eigentlich nur mehr schwindlig im Schädel ist und alles in einer solchen Stupidität aus dem Ruder läuft, dass es einem schon eine perverse Errungenschaft erscheint, wenn a-landführende Spitzen-Politiker zweifelsohne dümmer sind als der Durchschnitt der Bevölkerung - die Intelligenz verteilt sich nach unten um, die Kohle geht nach oben, aber wer will schon immer dem money followen? Transparent Light Green Vinyl

Das dritte Album der britischen Jazz-Formation Emperor's New Clothes wurde 1996 von Trevor Jackson produziert, aber von Acid Jazz Records abgelehnt. Es blieb jahrezehntelang ungehört und erscheint jetzt, nach der Einigung alle Parteien, erstmals als Tonträger. SURREAL ESTATE, ein herrlich verdrehter Mix aus Jazz, Post-Rock, Dub, No Wave, Noise und abstrakten Beats, gespielt von einer fünfköpfigen Live-Band, klingt heute ebenso seltsam relevant, wie es 1996 seiner Zeit weit voraus war. Streng limitierte 180g Vinyl-Auflage im Gatefold, deren Gewinne an die Organisation mind.org.uk gespendet werden.

The title of the Lau Nau's 10th album, Aphrilis, derives from the Latin word aperire, meaning "to open." A fitting verb for the month of the year it is closely associated with — April. And while the images of plants and blossoms coming back to colorful life after a long, cold winter feels appropriate when listening to the rich and lustrous bloom of music on Aphrilis, another definition of open feels even more apt. For under the abundance lies the memory of times of austerity, the friction of hard choices, the acceptance that nothing is fixed and the future is unknown. This literal and metaphorical exploration of complexity and contradiction makes Aphrilis a multi-dimensional antidote for our troubled times, one that emphasizes the quiet and communal over noise and spectacle. Laura Naukkarinen, the Finnish artist behind this project, has long kept her mind and spirit open to whatever sounds and creative ideas felt appropriate for the moment. For the past six years that has meant primarily working with modular synthesis — learning how to build modules and releasing acclaimed work centered on its sounds like 5x4 (2023) or Puutarhassa (2022). Running parallel to this work, however, has been a continued exploration of acoustic instruments and group performances with her trio Lau Nau ja Seitsemäs Taivas. Aphrilis arrives then like fresh growth in a creative season cycle. A companion to her brilliant 2017 release Poseidon, the album, says Naukkarinen, "felt like a needed moment to embrace songs with lyrics again." And through the creation of this work, she remained open not only to her own creative muse, but also the input of her chosen collaborators. Each player on Aphrilis — Matti Bye on celesta and synths, Pekko Käppi on jouhikko, Hermanni Yli-Tepsa on violin and contrabass, Topias Tiheäsalo on electric guitar, Samuli Kosminen (Múm) on various instruments — was given free reign to arrange their own parts to accompany Naukkarinen's compositions. Kosminen’s lush fingerprint can also be heard in the mixing and production of the album, as with Poseidon six years ago. The moniker of this project may be taken from Naukkarinen’s own name, but Lau Nau feels more like a band than ever before. The delicacy and softness of the music is reflected in Naukkarinen’s lyrics. Each song is rife with imagery and creatures from the natural world. The spiders in the forest. The animals that keep a young woman company in her refuge in the woods. Wet grass. The feeling of the music is almost tactile, as if listening to the album will leave a bit of dew or sap on your fingers. The theme of this material, says Naukkarinen, runs even deeper. “The songs tell about cracks and changes of direction in different histories: personal, societal, planetary,” she says. “About moments when a yes can become a no and vice versa. The album wants to propose that at the moment of a crisis there is a possibility to influence the histories by our choices.” That may feel like a lot for such a fragile sounding collection of songs to bear. But Aphrilis is an album of surprising strength and resilience

Nach ihrem von der Kritik gefeierten UK-Top-20-Album 'As Days Get Dark' kehren Arab Strap mit ihrem zweiten Album für Mogwais Rock Action Records zurück, das den treffenden Titel 'I'm totally fine with it don't give a fuck anymore' trägt. Fast 28 Jahre nach ihrem Debüt klangen Arab Strap noch nie so essentiell, so unentbehrlich wie jetzt, und dieses neue Album ist ein glühender Beweis für ihren Laserfokus auf breitere Horizonte. Das Album, das ausschließlich von Malcolm Middleton und Aidan Moffat geschrieben und eingespielt wurde und an dem auch Paul Savage, ein langjähriges Mitglied der Band, mitgewirkt hat, unterstreicht die Wandlung der Band von melancholischen Slow-Core-Romantikern zu wütenden Alt-Pop-Chronisten.

Die größte dänische Rockband feiert Geburtstag! D-A-D wird vierzig Jahre alt. Natürlich wird das gefeiert. Und wie! Eine Best Of-Veröffentlichung die sich gewaschen hat! Alle Hits der Band aus vier Dekaden Musikgeschichte, zusammengefasst auf einem Werk. Die absolut wahrhaftigen Greatest Hits.
Und das I-Tüpfelchen? Ganz klar, die streng limitierte Auflage der Vinylversion mit vier alternativen Covern. Nur solange der Vorrat reicht!
Herzlichen Glückwunsch an die Band und euch viel Spaß bei diesem wilden Ritt durch Nostalgie und Gegenwart! Von Songs wie "Sleeping My Day Away", oder "Bad Craziness", bis hin zu neuen Songs wie "A Prayer for the Loud" oder "Burning Star". Es ist für jeden Fan jeder Dekade etwas dabei.

Die größte dänische Rockband feiert Geburtstag! D-A-D wird vierzig Jahre alt. Natürlich wird das gefeiert. Und wie! Eine Best Of-Veröffentlichung die sich gewaschen hat! Alle Hits der Band aus vier Dekaden Musikgeschichte, zusammengefasst auf einem Werk. Die absolut wahrhaftigen Greatest Hits.
Und das I-Tüpfelchen? Ganz klar, die streng limitierte Auflage der Vinylversion mit vier alternativen Covern. Nur solange der Vorrat reicht!
Herzlichen Glückwunsch an die Band und euch viel Spaß bei diesem wilden Ritt durch Nostalgie und Gegenwart! Von Songs wie "Sleeping My Day Away", oder "Bad Craziness", bis hin zu neuen Songs wie "A Prayer for the Loud" oder "Burning Star". Es ist für jeden Fan jeder Dekade etwas dabei.

Ngwaka Son Systéme’s debut album Iboto Ngenge means “power struggle” or “seizing the opportunity” but while words can only be roughly translated, the music reaches listeners unambiguously: A potent mixture of techno, rumba, soukous, zagué and dancehall with the unique “Kinoise” brand fresh out of Kinshasa, the Congolese megacity that never stops innovating in the music landscape worldwide. Ngwaka Son Systéme is led by musicians Love Lokombe and Bom’s Bomolo, having previously founded the band KOKOKO!. This new project continues the contemporary Congolese tradition of reinventing electronic music by shaping and crafting music instruments made of household objects. As a means to continue strengthening the links between Africa and Latin America, Eck Echo has tasked Colombian dub engineer Diego Gomez with the analog mixing of the stems, originally recorded by Levy David at Timbela Ba Studio in Kinshasa. With the aim to bring the lexicon of shared Colombian and Congolese music into the next chapter, we proudly present to the world the magnificent music of Ngwaka Son Systéme. The inadvertently techno-oriented Lakala, a trance-inducing experience where listeners can quickly relish to the lyrics even without speaking Lingala, for the shapes of the words are already inviting listeners to dance, sing and smile, all the while virtuoso percussionist Steroy operates the DIY-drum kit at high-tempo. The call-and-response effect, where each musician lends their voice to the choir, is particularly felt in Bo Lobi Pe, where the vocals guide us ever so playfully to the tune of an acoustic guitar that invites us to take off our shoes, kick back and relax. Zanga Mbongo (translated as “there is no money”) is lyrically a proud anthem to celebrating life in spite of economic scarcity, and musically it is a triumphant renewal to the legendary soukous genre of the 1970s, championed by worldwide renowned stars such as Pepe Kallé and Sam Mangwana.

Der Dancefloor ist vereint, wenn I. JORDAN an den Decks stehen. Auf ihrem lang erwarteten Debütalbum, „I AM JORDAN“ zelebrieren die britischen Elektronikproduzenten fröhlich die kollektive Ekstase als eine Form der Selbstfindung. „Auf diesem Album geht es um Freude.“, sagen I. JORDAN. „Es geht um meine Freude als Trans-Person und um die Freude von Trans-Personen im Allgemeinen, mit Trans-Personen zu arbeiten und gemeinsam diese lustige Musik zu machen.“ Mit diesem Ziel fängt die Platte die Glückseligkeit und Dynamik eines wilden I. JORDAN-Sets ein. Mit ihrer langen Erfahrung als DJs und Produzierende, gibt es schwindelerregende Hommagen an nordische Dance-Sounds wie Donk und Hardstyle, euphorischen Trance und House und viel Raum für Entdeckungen. Entscheidend ist, dass die Platte als persönliches Tanzmusiktagebuch fungiert und eine Zeit des Umbruchs markiert. Nach gemeinsamen Tracks mit Fred Again..., Planningtorock und SHERELLE, Remix-Arbeiten mit Fever Ray, Romy und Eliza Roze und einer Handvoll viel beachteter EPs bleibt das Album dank des persönlichen Gewichts und der musikalischen Breite I. JORDANs größtes Unterfangen. Es folgt auch auf hohe Anerkennung für ihre Arbeit als DJ im Jahr 2023, einschließlich einer Nominierung für den Best DJ Award bei den „DJ Mags Best of British“-Awards 2023, einer Nominierung für den AIM Breakthrough Artist 2023 und einer Platzierung auf Platz 8 bei Mixmags „Top 25 DJs who Defined the Year 2023“.
Trotz ihres eigenen Titels ist „I AM JORDAN“ ein Produkt ihrer Gemeinschaft, wie I. JORDAN erklären. „Jeder ist miteinander verbunden, und die Vorstellung, ein Individuum zu sein, ist ein Mythos... Ich wäre nicht der, der ich bin, ohne alle anderen um mich herum. Meine Freunde, vor allem die, die mich während der ganzen Transition unterstützt haben, meine Trans-Freunde, auf die ich mich verlassen habe, Reddit-Gruppenchats - das ist alles so wichtig. In der Trans-Community schafft das keiner von uns allein.“

Tulsa, Oklahoma's Unwed Sailor have been on a tear over the past few years. Following a quiet phase through much of the 2010s, they reëmerged with the aptly titled Heavy Age (2019), and two more full-lengths, Truth Or Consequences (2021) and Mute The Charm (2023), that chart a remarkable evolution of their bass-led, pop-leaning post rock. On Underwater Over There - their ninth LP overall - a current of 80s goth and jangle-pop runs beneath a litany of memorable hooks and compositional left turns, creating a propulsive and intricate world of sound. The band worked collectively on all elements of mixing and production to craft a meticulously layered environment, while maintaining an air of spontaneity and experimentation across the set. Early standout, "Final Feather", drifts through varying landscapes of airiness and haze on a high-neck bass hook, while the hum of voices adds a contrast of angelic comfort. Bearing influence from New Order and The Cure in particular, its balance of gravitas and shimmer is the result of founding member Johnathon Ford's intuitive writing method: the lead bass line comes first, followed by supporting melodies, drums, guitars, keys, and final detailing. "Dusty" is a prime example of this process, as Ford's powerful, low-end groove anchors a full-spectrum array of guitars, bells, and arpeggiations along with Matt Putman's energetic drum section. Its fluid pacing provides a perfect establishing shot, with shifting moods that gather into a coda guided by David Swatzell's harmonized, glittering guitar riffs - a sunrise after a moonless night. In quick succession, "Blue Tangier" widens the aperture with a pounding percussive refrain, vibrant bass tone and an unforgettable, fuzzed-out melodic motif. Sprawling centerpiece, "Junko", is a loose callback to 2003's The Marionette and The Music Box, its deliberate stride and interwoven melodies evoking the hands of a mechanical clock, and the anticipation of something long-awaited but nebulous. It drifts effortlessly from innocence to intrigue, expands into a mesmerizing howl, and vanishes abruptly into mist. While honoring their forebears in winks and nods, Unwed Sailor remain totally inimitable in their approach and style, twenty-five years into an acclaimed career. The band's clear vision for Underwater Over There has yielded some of their most indelible work, and their inventive, passionate approach gives a strong sense of plenty more beyond the horizon.

Aerials live, dials tuned, Transmission Towers broadcasting. On either side of the river Mersey, transcendental communications are traded back and forth. Two late-night revellers, one firing messages filled with music, the other returning them laced with lyrics. The result, a dopamine hit of oddball machine soul, melded with a highlife, Afrofuturist touch. Wonky and murky yet deeply emotional, Transmission One, is a debut album that also marks the first release on Luke Una’s É Soul Cultura label, encompassing expertly the off-kilter atmosphere the label sets to orbit.

A synthesised landscape with a Northern charm, Transmission Towers marry the musical worlds of two artists that last collaborated over a decade ago. 10 years have passed, lives have been led, but a gravitational pull has placed Mark Kyriacou and Eleanor Mante back in each other’s spheres on opposite sides of the city of Liverpool. Energised with a newfound desire to strip it all back to the sounds that influenced their formative years in the late ‘80s and ‘90s - astral travelling, intoxicated on Motor City techno, Black Dog IDM and mystical Sun Ra.

Mark half Irish, half Greek Cypriot, Eleanor half Nigerian, half Ghanian, the music contained within is an alchemy of those roots and the pivotal acts that buried deep into their minds. A cosmic contrast, part machine-made, part distinctly human. Take the opener ‘UP’, an ESG-channelling, sci-fi punk beatdown or the polychromatic hyperspace anthem ‘Roller Skater 23’.

Transportive throughout, you ride the solar waves, pace and emotion ebbing and flowing. Tracks like ‘Go Slow Heart’ and ‘Cosmic Trigger’ step to a slower beat but hit with a punch. The former, a slo-mo blast of celestial tenderness, the latter an otherworldly, chugged-out lunar excursion, micro-dosing on whacked-out Wah Wah and Eleanor’s ethereal vocals. Beaming love letters to space and back, ‘Sparse’ marries the organic with the artificial, pianos and percussion circling around synth pads and broadcasting bleeps.

Elsewhere, vibrations move faster. ‘Mega’ strikes, fusing sonic tribalism with psychedelic swirls, as ‘Everything’ sweeps you up in its extra-terrestrial new wave grip. Synth stabs and basslines fizzing from every angle.

Demos of Transmission Towers music surfaced on Luke Una’s radar, making him stop in his tracks. Something magical was emerging, perfectly aligned with the E Soul guardian’s tastes. Guidance followed, quickly turning into conversations about Transmission One becoming the first release on Luke’s own label.

Escapist and futurist yet grounded and relatable. Transmission One is synthesis meets sentiment with a deep, spine-tingling soul at its core.

Nick Llobet (they/them) was ready to throw in the towel. Llobet, who grew up in South Florida, learned to play guitar at a very young age, dabbling in everything from classical, blues, classic rock, and flamenco. They'd spent much of their early 20s searching for their voice as an artist and as an individual, as well as for a musical community Llobet would eventually move to Brooklyn, but after three years of looking for a hopeful artistic breakthrough, they spent much of their time in seclusion, consumed by social anxiety and imposter syndrome-and they were considering abandoning songwriting completely. One day, while commuting through Penn Station en route to their partner's family home in Virginia (that would also lead to the crucial purchase of a secondhand Tascam cassette recorder), they noticed Patti Smith sitting alone, waiting for a train. The typically shy Llobet decided to approach the icon, who was, in turn, delighted to see that Llobet was carrying a guitar. At the end of their interaction, Smith offered some parting wisdom: "She wished me luck and said, 'Practice hard, Nick.'" Llobet took her advice to heart, and this chance encounter kicked off a personal and artistic rebirth. They started performing as youbet, a play on their last name, and began "changing their vision for what a song could be." youbet's debut, Compare & Despair, a delightful gem of a record that showcases Llobet's propensity for freewheeling whimsy and emotional intensity. In May 2019, inspired by a song-a-week writing group that produced Compare & Despair, Llobet started a second club in which contributors would upload that week's song to a private Bandcamp. Invigorated by this small musical collaboration, the feedback, and the accountability, Llobet wrote 18 songs throughout the duration of the club, twelve of which became Way To Be. After this songwriting marathon, Llobet spent 2020 focusing on instrumental guitar work and political engagement. By the summer of 2021, they were ready to revisit the Way To Be tracks. Over the next year-and-a-half, Llobet worked on the record relentlessly, refining the lyrics, recording, and arrangements from their apartment. Llobet self-produced Way To Be and describes the process as an enormous, labor-intensive undertaking that felt akin to "making a whole film." Along the way, Llobet was joined by collaborators, including Julian Fader (Ava Luna), Adam Brisbin (Buck Meek), and Daniel Siles. Across Way To Be's 12 delightfully off-kilter tunes, Llobet uses wordplay and tongue-in-cheek humor to obliquely explore dysfunctional relationships, regret, self-confidence or the lack thereof, queerness, and self-discovery. Fuzzy at the edges and filled with playful, kinetic arrangements, Way To Be is a bridge into the entrancing world of youbet. You won't want to leave.

Reissue der sechsten Of Montreal-LP "Satanic Panic In The Attic" (2004) auf orange-schwarzem Swirl-Vinyl, die gleichzeitig ihre erste Veröffentlichung auf Polyvinyl war. Zuvor erschienen zwei Alben für Bar/None und drei für Kindercore. Die produktive Band aus Athens, Georgia ist fester Bestandteil der US-Indie-Pop-Szene. Der Sound von "Satanic Panic..." weicht leicht von früheren Alben ab, setzt jedoch die Tradition der ständigen Neudefinition der Band fort. Der unverkennbare Einfluss von 1970er Afrobeat und 1980er New Wave bietet den Fans eine neue Perspektive, die man bislang von Of Montreal nicht kannte.