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John Williams Legacy: Seine größten Filmmusiken in einer Edition
Dieses Album versammelt einige der bekanntesten Filmmusiken von John Williams, darunter Star Wars,
Harry Potter, Jurassic Park, Indiana Jones und E.T. Das Besondere an dieser Auswahl: John Williams dirigiert seine eigenen Kompositionen selbst. Die Aufnahmen entstanden mit den Berliner Philharmonikern,
den Wiener Philharmonikern und dem Recording Arts Orchestra of Los Angeles. Ergänzt wird die Veröffentlichung durch Booklet-Texte von Journalist Jon Burlingame.
So entsteht ein Album, das viele der prägendsten Stücke der Filmgeschichte in einer hochkarätigen Einspielung zusammenführt.

Der Wendepunkt von 1993 zwischen Pop-Punk und Emo lässt sich kaum besser veranschaulichen als durch das selbstbetitelte Debütalbum von Garden Variety. Während Billy und Bivouac mit dem Mainstream liebäugelten, machte dieses Trio aus Long Island einen Vorstoß in die Welt des Post-Hardcore. Kraftvoller Oktav- Gitarren-Chug, gepaart mit nächtlicher Zine-Arbeit im örtlichen Diner. Herzschmerz im Backbeat, ganz ohne Effekte. Danken Sie Charles Maggio für Ihre Lieblingsplatte, wenn Sie ihn das nächste Mal in der Paramus Mall sehen.

Der Wendepunkt von 1993 zwischen Pop-Punk und Emo lässt sich kaum besser veranschaulichen als durch das selbstbetitelte Debütalbum von Garden Variety. Während Billy und Bivouac mit dem Mainstream liebäugelten, machte dieses Trio aus Long Island einen Vorstoß in die Welt des Post-Hardcore. Kraftvoller Oktav- Gitarren-Chug, gepaart mit nächtlicher Zine-Arbeit im örtlichen Diner. Herzschmerz im Backbeat, ganz ohne Effekte. Danken Sie Charles Maggio für Ihre Lieblingsplatte, wenn Sie ihn das nächste Mal in der Paramus Mall sehen.

Shadows & Light - The Spirit of Mozart (limited Red Gold colour Vinly) Vom spritzigen Witz der Wiener Bühne bis hin zur stillen Zuflucht seiner intimsten Sonaten – diese Sammlung fängt das facettenreiche Genie von Wolfgang Amadeus Mozart ein. Begeben Sie sich auf eine Reise durch die pulsierende Energie von Die Hochzeit des Figaro, den ätherischen Dialog des Flöten- und Harfenkonzerts und die herzzerreißende Feierlichkeit seines Requiems. Ob es nun der verspielte Charme von Papagenos Arie oder die erhabene Ruhe des Klavierkonzerts Nr. 23 ist – jeder Titel wurde sorgfältig ausgewählt, um ein Vermächtnis zu präsentieren, das heute noch genauso lebendig ist wie vor über zwei Jahrhunderten.

Alles auf Anfang: Mit Killer, ihrem sechsten Soloalbum, markiert Mine einen Neustart - musikalisch wie persönlich. »Ich habe alte Versionen von mir selbst abgetötet», sagt sie. Nach der Trilogie aus Klebstoff, Hinüber und Baum schließt sich ein Kapitel, ein neues beginnt.

Der Sound ist reduzierter, direkter: weniger Instrumente, mehr Vibe, getragen von analogen Synthesizern und klaren Arrangements. Killer erzählt von Veränderung, Selbstfindung und dem Mut, sich neu zu definieren. Mines Texte sind offener, expliziter, persönlicher - und gleichzeitig ein Blick auf eine Welt im Umbruch.

Zwischen Weltschmerz und Aufbruch blitzt dabei immer wieder Leichtigkeit auf. Mit Killer häutet sich Mine - und bleibt dabei mehr denn je sie selbst.

Zum 50. Bandjubiläum will es John Watts richtig krachen lassen: Ein neues Album – mit 7 brandneuen Tracks, sowie 4 Neu-Interpretationen (u.a. von »Marliese«) und einem DJ-Remix des neuen Songs »Strings« – wird von einer großangelegten Herbst-Tournee begleitet. Die neuen Songs behandeln dieselben Themen, über die er schon immer geschrieben hat – menschliche Geschichten und den aktuellen Zustand der Welt, aus der Perspektive eines Beobachters mit schwarzem Humor.

Zur Feier des 25-jährigen Jubiläums von Stainds Klassiker-Album *Break The Cycle* veröffentlicht die
Band *Break The Cycle 25th Anniversary* – eine Live-Aufnahme, bei der die Band das legendäre Album in
voller Länge spielt. Die Performance umfasst jeden Song des Albums, einschließlich der klassischen Singles
„It’s Been A While“, „Outside“ und „Fade“.

Sales Note CD: Anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von David Lynchs Meisterwerk „Blue Velvet“ aus dem
Jahr 1986 freut sich Varèse Sarabande, eine neue CD-Ausgabe und LP-Ausgabe von Angelo Badalamentis
Musik zum Film präsentieren zu dürfen. Lynch und Badalamenti, die beide im Jahr 2025 verstorben sind,
nachdem sie jahrzehntelang als eines der ikonischsten kreativen Duos der Filmgeschichte gegolten hatten,
schufen eine einzigartige Klangwelt, die von „Twin Peaks“ bis „Mulholland Drive“ reichte.

Feiere die Musik der Simpsons mit ”Songs in the Key of Springfield” – jetzt als exklusive Deluxe-VinylEdition auf 2 LPs erhältlich. Diese Sammlung mit Fan-Lieblingen, seltenen Songs und klassischen Momenten aus der gesamten Serie ist ein absolutes Muss für Sammler.

„Move Along“, ursprünglich 2005 bei Interscope erschienen, ist das zweite Studioalbum von The AllAmerican Rejects. Es ist nun mit drei seltenen Bonustracks erhältlich: „Kiss Yourself Goodbye“, „Bite
Back“ und „Eyelash Wishes“. Mit Hits wie dem Titelsong, „Dirty Little Secret“ und „It Ends Tonight“
verhalf dieses Album der Band zu großem Bekanntheitsgrad, wurde von der RIAA mit 3-fach Platin ausgezeichnet und füllte Arenen auf dem Höhepunkt eines dreijährigen Tourzyklus.
Erhältlich als limitierte 2LP in Weiß

Starkes Albumdebut des Surf-Psych-Groove-Instrumental-Trios Goblyns. »Hunki Bobo« brauch sich hinter Größen wie The Meters, W.I.T.C.H, Khruangbin und Can nicht verstecken. The Meters, W.I.T.C.H, Khruangbin und Can: das sind nur einige der Bands, die die Psychrock-Newcomer Goblyns als Einflüsse auf ihren Sound nennen. In Südafrika gegründet leben die drei Bandmitglieder mittlerweile in Berlin und Amsterdam. In Europa schrieben die Drei auch die Songs für ihr Debutalbum. Die acht Tracks auf »Hunki Bobo« wurde in einem fünftägigen Studiorausch im schwülen Juli 2023 unter der erfahrenen Leitung von Andre Leo aufgenommen. Leo ist vor allem für seine Arbeit mit Medicine Boy und Wombed bekannt und hat zusammen mit den Musikern etwas ganz besonderes erschaffen. Das Album hat eine einzigartige Dynamik und steckt voller Energie. Jeder Song strahlt einen Groove aus, dem man sich schwer entziehen kann. Ob düstere Krautrock-Hypnose, grooviger Surf, Psychedelica. Goblyns fesseln den Hörer an das gesamte Album.

Nachdem sie jahrelang durch's Netz, durch Köpfe und Herzen geisterte, hier nun endlich das Debüt-Album, auf dem die mittlerweile in Berlin ansässige Formation ein graziöses Kleinod liefert, das Melancholie und Aufbruchstimmung in sich vereint und mit seiner wundervollen Inszenierung sofort unter die Haut geht. Voodoo Beach liefern mit »Wonderful Life« Postpunk / Noiserock auf höchstem Niveau. Ähnlich wie Karies, Die Nerven, Friends Of Gas oder Messer, haben sich Voodoo Beach durch 90er Jahre Noiserock prägen lassen und vermengen diese Einflüsse mit offensichtlicher Liebe zu Postpunk und Shoegaze. Harte Anschläge treffen auf durch den Äther wabernde Gitarren-Riffs, walzende Basslines und packendes Drumming. Faszinierend die Chords der Gitarre mit einem manchmal leicht nahöstlichen Touch, aber immer im Postpunk-Noiserock-Psychedelic-Modus. Darüber thronen die verrauchten Vocals von Sängerin Heike Rädeker, deren vorgetragene Texte so ehrlich sind, dass sie weh tun. Mit Hendrik Otremba (Messer) und John Moods (Fenster) konnte die Band tolle Gastbeiträge für das Album gewinnen. Eine der Platten des Jahres!

Neues Tea Glass Coloured Vinylformat des erstes Albums von Resavoir auf seinem neuen Label L'UNIVERS - nach drei von der Kritik gefeierten Releases bei International Anthem und Touren mit Khruangbin, BADBADNOTGOOD und Kassa Overall. ""Themes For Dreams"" markiert eine Kehrtwende und zeigt den Chicagoer Musiker/Produzenten Will Miller von seiner meditativen Seite. Auf 13 bemerkenswert stimmigen Tracks verzichtet die LP auf Schlagzeug und setzt stattdessen auf eindringliche Melodien, die schweben, verklingen und nachklingen. Mit Arrangements, die sich wie eine warme Decke anfühlen. Als Gastmusiker dabei sind Marta Sofia Honer, Jeremiah Chiu, Macie Stewart, Matt Gold, William Corduroy und Molly Rife. ""Man denke an die Ambient-Werke von Künstlern des elektronischen Jazz der 70er und 80er Jahre wie Beverly Glenn Copeland und Laraaji."" - Tasha Viets-VanLear, Chicago Reader

Die Gentrys, bekannt für ihren Hit „Keep On Dancing“ aus dem Jahr 1965, waren eine Garage-Rock-Band aus Memphis, die 1970 zu Sun Records wechselte, als das Label nach Nashville umzog. Diese Sammlung seltener Grooves und bisher unveröffentlichter, verschollener Titel aus dem Sun-Archiv präsentiert die Gentrys unter der Leitung des legendären WWE-Managers und TV-Stars Jimmy Hart, produziert vom Sohn des Visionärs Sam Phillips, Knox Phillips. „It’s Been So Long“ zeigt eine sanftere Seite der Band und verbindet Harmonien im Laurel-Canyon-Stil mit ihrem Memphis-Rock-Sound.

Mit "Strange Horses" präsentiert Downpilot-Mastermind Paul Hiraga sein achtes Album und zugleich eine seiner persönlichsten und vielschichtigsten Arbeiten. Zwischen atmosphärischem Guitar-Pop, feinsinniger Americana und introspektivem Songwriting reflektiert Hiraga die Herausforderungen einer Welt im rasanten Wandel. Die Songs erzählen von menschlichen Beziehungen, inneren Konflikten, sich verändernden Landschaften und den Kräften der Natur. Dabei vereint Strange Horses eingängige Melodien mit emotionaler Tiefe und klanglicher Vielfalt. Von intimen Balladen bis zu weitläufigen, traumhaften Arrangements entfaltet sich ein Album voller Wärme, Nachdenklichkeit und musikalischer Eleganz. Ein zeitloses Werk für Hörerinnen und Hörer, die anspruchsvolles Songwriting und atmosphärische Klangwelten schätzen.

Der mit dem Hamburger Jazzpreis ausgezeichnete Schlagzeuger Silvan Strauss übersetzt auf SPRINTING den frenetischen, sample-basierten Sound des Chicago Footwork auf ein echtes, improvisiertes Live-Schlagzeug. Das Ergebnis ist eine hochdynamische Fusion aus Jazz-Interplay und minimalistischer Elektronik, die die Logik von Drumcomputern auf ein analoges Kit überträgt. Unterstützt wird dieser innovative, treibende Sound von hochkarätigen Gästen wie Farhot, Reuben James und Petter Eldh.

Ein Meilenstein des französischen Rap ist zurück! 25 Jahre nachdem MC Solaar die Regeln des französischen Hip-Hop neu definiert hat, feiert sein legendäres Album „Cinquième As“ eine spektakuläre Rückkehr. Mit Songs wie „Solaar pleure“, „Hasta La vista“ und „La belle et le bad boy“ ist das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Meisterwerk längst ein absoluter Klassiker. Ab sofort ist der Bestseller als Deluxe Double Vinyl und Deluxe CD erhältlich – eine essenzielle Bereicherung für jedes Sortiment, Sammler und eine neue Generation von Rap-Fans.

»Green Live« versteht sich nicht als Nebenprodukt, sondern als Essenz dessen, was Seraina ausmacht: Echte Performance, musikalische Dynamik und das Gefühl, dass jeder Abend anders sein kann. Wer sie live erlebt, merkt schnell: Hier geht es nicht um Perfektion um jeden Preis. Es geht um Intensität. Um diese seltenen Momente, die sich nicht planen lassen – wenn ein Song plötzlich eine neue Richtung nimmt, wenn das Publikum jede Zeile mitsingt, oder der Saal für einen Augenblick komplett still wird.

Ludovico Einaudi kehrt mit „The Summer Portraits Live“ zurück.
Live aufgenommen in London in der Royal Albert Hall im Jahr 2025, enthält diese neue Sammlung sowohl
Lieblingsstücke aus „The Summer Portraits“ als auch beliebte Klassiker wie „I Giorni“, „Nuvole Bianche“
und „Experience“.

A fresh blend of NDW, analog synths, and a touch of New Wave or Krautrock makes the songs absolutely awesome. The tracks from this East Berlin band are practically sing-along earworms.

‘A Wolf In Sheep’s Clothing’ (2006) is an unusual album, first because it does things with classical music that aren’t usually done. The songs Josephine Foster sings here are classical pieces, written (the texts are German poems) by some of the greatest German composers of the 19th century, Franz Schubert, Robert Schumann, Johannes Brahms, and Hugo Wolf. “Foster has found perhaps the most appropriate vehicle yet for her singular and affecting talents – 19th century German art-songs, wholly reconstructed here via Foster’s skeletal arrangements of voice and guitar” Pitchfork. Remastered and repackaged with new artwork.

Im hiesigen Indie-Punk-Kontext gab es in den letzten Jahren kaum einen Weg, der nicht an KOCHKRAFT DURCH KMA aus Duisburg-Marxloh vorbeigeführt hätte. Ob bei zahlreichen eigenen Shows oder noch mehr Festivalauftritten, oder auf Touren zusammen mit so unterschiedlichen Bands wie Team Scheisse, Kettcar, Das Lumpenpack, FJORT oder Adam Angst - Die Kochkraft war immer da und ist eine von den Bands die am Ende jede Person im Raum mitnimmt.

Limitierte hellgrüne Vinyl-Version! Death-Metal-Sensation mit dem ehemaligen NIHILIST-/ENTOMBED-Mitglied Nicke Andersson am Schlagzeug und an der Gitarre. Die Mitglieder von Death Breath spielen bzw. spielten in Metal-Bands wie Runemagick, Deathwitch, Nihilist, Entombed, Ruthless Mausoleum und Grinderbitch.

Crypt Sermon kommen mit ihrem zweiten Album, dass dem Debüt in nichts nachsteht oder um es auf den Punkt zu bringen - DAS hier ist eine Ansammlung epischer Doom Metal & Heavy Metal-Momente, glühender Stahl im Stile alter Helden wie Solitude Aeturnus oder Candlemass wie man ihn sonst derzeit nicht so schnell findet! Die Texte befassen sich mit doom-typischen Themen wie Glaube und Familie, Leben und Verlust und natürlich Stärke und Stolz. Zwischen donnernden Riffs und klagenden akustischen Momenten pendelt die Musik irgendwo zwischen Epic Doom und TRUE Heavy Metal. Erneut aufgenommen und gemischt wurde das Album von Arthur Rizk (Power Trip, Eternal Champion, Sumerlands, etc.).

Das britische Experimental-Rock-Kollektiv Abrasive Trees bündelt die eindringliche Kraft von Experimental-Rock, Post-Rock und düsterer Psychedelia zu einem fesselnden und emotionsgeladenen Klangerlebnis.
Unter der Leitung von Matthew Rochford (Silver Moth, Rothko) verwebt die Band hypnotische Stimmungen, gewaltige Crescendos, filmische Klangtexturen und überwältigende Dynamik zu Songs, die sich mit Verlust, Verwandlung und spirituellem Erwachen auseinandersetzen. Ihr Debütalbum „Light Remaining“ ist ein zutiefst bewegendes Werk, das zerbrechliche Schönheit mit überwältigender Intensität in Einklang bringt und so eine Reise schafft, die noch lange nach dem letzten Ton nachhallt.

Für Fans von: Swans, Slint, Crippled Black Phoenix, Gutter Twins

Nein, neu im Geschäft ist El Michels Affair nicht. El Michels hat hart gearbeitet, in unzähligen mitternächtlichen Studiosessions und auf einer Welttournee für den Wu-Tang Clan. Und eins ist klar: Die Band ist dabei auf eine gute Art gealtert. Nachdem es 2005 wie aus dem Nichts mit dem Instrumentalalbum "Sounding Out The City" aufschlug, hat sich das Studio-konzentrierte Kollektiv, angeführt vom Multiinstrumentalisten und Komponisten Leon Michels, Fans auf allen Kontinenten erspielt. Die Gruppe ist für ihre schwelgerischen Soul-Instrumentals bekannt, aber auch für ihre Wu-Tang-Covers, wie die explosive Reaktion auf ihre zwei Alben "Enter The 37th Chamber" (2009) und "Return To The 37th Chamber" (2019 beweist. Das alles ist aber längst Geschichte, denn das rundeste und reifste Album der Band mit dem passenden Titel "Adult Themes" beweist, welche neuen instrumentalen Höhen sie erklommen hat. Das Album, das Michels als "Soundtrack für einen imaginären Film" beschreibt, ist eine Sammlung von opulenten, abgründigen, komplexen und oft sehr funkigen Stücken, die die Ohren zum Schwingen und die Köpfe zum Nicken bringen.

Mit "Folklore" vertiefen 16 Horsepower ihre unverwechselbare, düster-spirituelle Interpretation amerikanischer und osteuropäischer Traditionals. Das Album verbindet eigene Kompositionen mit radikal neu gedeuteten Klassikern, die die Band in rituelle, minimalistische und zugleich kraftvoll aufgeladene Klanglandschaften überführt. Instrumente wie Banjo, Cello, Hurdy-Gurdy und Bandoneon schaffen ein archaisches Fundament, das den intensiven, eindringlichen Gesang von David Eugene Edwards trägt. "Folklore" zählt zu den atmosphärisch dichtesten und charakteristischsten Werken der Band - dunkel, entrückt und hypnotisch. Ein Album, das die Grenzen zwischen Tradition, Mythos und moderner Alternativkultur auf eindrucksvolle Weise auflöst.

Album #5 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Mauricio Kagel (1931–2008) wurde als Sohn jüdischer Eltern in Buenos Aires geboren. Seine Familie
war vor politischer Verfolgung in Russland nach der Oktoberrevolution nach Argentinien gekommen. Kagel
wuchs in einer der dynamischsten gesellschaftspolitischen Phasen der argentinischen Geschichte auf.
Exotica ist seiner Zeit zwar bemerkenswert voraus, steht aber gleichermaßen im Einklang mit der Kulturlandschaft der frühen 1970er Jahre. Als sich der Hippie-Trail seinen Weg um den Globus bahnte, fanden
Sitars, Gongs, Bambusflöten, Gamelans und gestimmte Perkussionsinstrumente zunehmend Eingang in die
Pop- und Avantgardemusik Europas und der USA.
Exotica – unter Einsatz von mehr als 200 Instrumenten aus aller Welt – spielt sich wie eine fröhliche
Komödie in fünf Akten. Ähnlich wie Shakespeare und Beckett setzt Kagel Humor meisterhaft als Mittel
der Kritik ein und hält der Kulturlandschaft seiner Zeit einen grellen Spiegel vor.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einer neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl

Mixed Emotions: Das legendäre Comeback-Album „We Belong Together“ erstmals auf Vinyl!
„Tag Alter, ick bin Drafi“. Mit diesen inzwischen legendären Worten begrüßte Poplegende Drafi Deutscher
im Jahr 1986 den jungen Sänger Oliver Simon. Es war der Beginn einer der erfolgreichsten Duo-Partnerschaften
der deutschen Musikgeschichte. Jetzt, genau 40 Jahre nach ihrer Gründung, erscheint das gefeierte
Comeback-Werk „We Belong Together“ aus dem Jahr 1999 zum ersten Mal auf edlem schwarzem Vinyl.
Eine Erfolgsgeschichte der Extraklasse
Was ursprünglich als Solo-Projekt für Oliver Simon geplant war, entwickelte sich unter der Regie von
Mastermind Drafi Deutscher schnell zum Pop-Phänomen Mixed Emotions. Die Kombination aus Drafis
markantem Timbre und Olivers glasklarer Stimme traf den Nerv der Zeit:
Chart-Rekorde: 1987 mit drei Singles gleichzeitig in den Single-Charts.
Edelmetall: Gold- und Platin-Auszeichnungen für beide Alben in den 80ern.
Internationale Hits: Erfolge weit über die Grenzen Europas hinaus, bis nach Südafrika.
Das 1999er Comeback: Mehr als nur Nostalgie
Nach der Trennung 1989 kehrten Mixed Emotions zehn Jahre später spektakulär zurück. Statt lediglich alte
Aufnahmen neu zu mischen, entschied sich das Duo für komplette Neuaufnahmen ihrer größten Klassiker
und Albumtracks, sowie für neue Hits wie den Uptempo-Ohrwurm „You Are My Angel“. Erneut stürmten
sie die Top 30 der Album-Charts und begeisterten Millionen in zahlreichen TV-Shows. Die musikalische
Chemie war auch nach einer Dekade Pause ungebrochen.
Exklusives Highlight für Sammler
Die vorliegende Vinyl-Edition bringt diesen Meilenstein der Pop-Schlager-Geschichte erstmals auf dem
„schwarzen Gold“ zurück. Als besonderes Schmankerl enthält die LP den brandneuen 2026er DJ Herzbeat
Remix von „Just For You“, der den unverkennbaren Mixed-Emotions-Sound perfekt in die heutige Zeit
übersetzt. Die Vinyl ist limitiert auf 500 Stück und nummeriert.
Die musikalische Formel von Mixed Emotions bleibt zeitlos. Für Drafi, Oliver und ihre treuen Fans gilt
auch heute mehr denn je: We Belong Together!

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Der ganz offizielle Soundtrack (sowie Fat Mikes zusätzliche Filmmusik auf CD-Format) zum aktuellen NOFX-Doku-Feature "40 Years Of Fuckin' Up"! Vier Jahrzehnte zählten NOFX zu den lautesten, chaotischsten und am hartnäckigsten unabhängigen Bands der Punkszene. Nun bringen sie ihre ganze Geschichte - jede Fehlentscheidung, jeden großartigen Song und jede unglaubliche Anekdote - mit "40 YEARS OF FUCKIN' UP" in die Kinos. Es ist eine rohe, ungefilterte Dokumentation, die genau so genossen werden sollte, wie es sich gehört: laut, gemeinsam und auf der großen Leinwand (idealerweise im örtlichen Kino). Dies ist keine weichgespülte Rock-Doku, das hier ist das echte Punkrock-Leben. Die Drogen, der Alkohol, die Katastrophen auf und abseits der Bühne - und ja, mindestens eine Geschichte, die eine wahrhaft unglückliche medizinische Situation beinhaltet. Der 15 Songs umfassende Soundtrack enthält die brandneuen, bisher unveröffentlichten Singles "40 Years of Fucking Up" und "We Did It Our Way" (geschrieben als der allerletzte NOFX-Song, der jemals live gespielt werden soll). Des Weiteren sind sechs seltene und unveröffentlichte Tracks enthalten - wie etwa "Secret Society (Demo)", "On The Road (Demo)" und "La Bamba (Cover)" - sowie Live-Versionen der Hit-Singles "Linoleum" und "NOFX". Die zusätzliche Original-Filmmusik besteht aus 11 brandneuen Tracks, welche von Fat Mike komponiert und gemeinsam mit einem Orchester eingespielt wurden. Pinkfarbene Einzel-LP mit Soundtrack sowie CD mit Soundtrack & Filmmusik - das Cover-Artwork wurde von Illustrator Tokyo Hiro entworfen.

Album #4 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Unter den 24 Alben, aus denen sich die Originalausgabe der Avant-Garde-Reihe der Deutschen Grammophon zusammensetzt, die zwischen 1968 und 1971 erschien, zählt die Interpretation von „Paragraph 2
& 7“ aus „The Great Learning“ des englischen Komponisten Cornelius Cardew mit dem Scratch Orchestra
nach wie vor zu den beliebtesten und komplexesten.
Nach Abschluss seines Studiums an der Royal Academy of Music in London zog Cardew 1958 nach Köln
und arbeitete dort als Assistent von Karlheinz Stockhausen im Studio für elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks (WDR).
John Tilbury sagte, dass es Cardews Ziel sowohl mit dem Scratch Orchestra als auch mit „The Great
Learning“ war, „die grundlegendsten Prinzipien der westlichen Kunst und insbesondere das des Künstlers
als Aristokraten zu überwinden. Das Scratch Orchestra war ein Ausdruck der Universalität der Kunst;
Kunst als Lebensweise.“
Diese 1971 aufgenommene Veröffentlichung von „The Great Learning“ ist nach wie vor die wichtigste
Quelle für eine klangliche Erfahrung mit dem Scratch Orchestra und der bedeutendste Beitrag zu seinem
bleibenden Vermächtnis.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einer neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl.

Album #6 der brandneuen Vinyl-Serie mit zukunftsweisenden Aufnahmen der musikalischen Avantgarde.
Luigi Nono (1924–1990) genoss während seiner gesamten Karriere große Anerkennung. Als zentrale Figur
des Nachkriegsserialismus trat der venezianische Komponist in den 1950er Jahren als eines der drei Mitglieder der „avant-garde trinity“ neben Karlheinz Stockhausen und Pierre Boulez in Erscheinung.
„Contrappunto“ wurde 1968 für 2-Kanal-Tonband komponiert, in einer Zeit, in der Nono sich intensiv für
die internationalen Studentenbewegungen sowie gegen den Vietnamkrieg engagierte. Nono stützte das
Werk auf eine Madrigal-Komödie von Adriano Banchieri aus dem frühen 17. Jahrhundert und erklärte,
er habe „versucht, die Art des musikalischen Prozesses widerzuspiegeln, den Banchieri verwendete: die
Konzentration auf die Stimme, die Einbeziehung von Klangmaterial der damaligen Zeit, humoristische und
parodistische Verzerrungen, insbesondere in den lyrischen und dramatischen Elementen … aber in der heutigen Aktualität“.
Roland Kayns „Cybernetics III“ nimmt auf beeindruckende Weise die Fortschritte in den Bereichen Synthese, Computer- und Aufnahmetechnik sowie die Entwicklung von Samplern und Sequenzern vorweg. Die
Art und Weise, wie diese Werkzeuge von den Künstlergenerationen, die in Kayns Fußstapfen traten, aufgegriffen wurden, hat die Rahmenbedingungen der elektronischen Musik grundlegend verändert. In diesem
Sinne hat „Cybernetics III“ tiefgreifende Veränderungen im kreativen Denken vorausgesehen.
Gemastert und geschnitten von den originalen analogen ¼-Zoll-2-Spur-Masterbändern von Rainer Maillard
und Sidney Claire Meyer in den Emil Berliner Studios.
Limitierte und nummerierte Auflage mit Original-Artwork und einem neu gestalteten, wunderschön gearbeiteten Sammler-Cover mit neuen Liner Notes von Bradford Bailey, gepresst auf 180-g-Vinyl.

Graham Hunt kann einfach nicht aufhören, Alben aufzunehmen. Seit 2019 hat der in Madison, Wisconsin, lebende Songwriter ein umfangreiches Repertoire an einzigartiger Musik zusammengetragen - in einem Tempo, das nur von der Qualität der Werke selbst übertroffen wird. Nun, bereits bei seinem sechsten Album ,American Pyramid", hat Hunt sich aus seiner Komfortzone herausgewagt, die bodenständigen, computerorientierten Experimente seiner früheren Arbeiten hinter sich gelassen und stattdessen Minnesotas legendäres Pachyderm Studio mit einer neunköpfigen Band, um zu versuchen, eine andere Seite seiner grenzenlosen Kreativität einzufangen. Das Ergebnis ist ein Album, das musikalisch und textlich neue Wege geht, wobei Hunt mit seinem surrealistischen Ansatz sowohl die Traditionen des amerikanischen Indie-Rock als auch die beunruhigende Distanziertheit der amerikanischen Erfahrung selbst seziert. Zusammen mit einer Reihe von Multi-Instrumentalisten aus früheren Besetzungen seiner Live-Auftritte zog Graham ins Pachyderm Studio, den berühmten Aufnahmestandort unzähliger Kultalben, von Nirvanas ,In Utero" und PJ Harveys ,Rid of Me" bis hin zu neueren Alben wie ,Sugaregg" von Bully oder ,Once Twice Melody" von Beach House. Die Session erwies sich als fruchtbar, da die meisten Songs, die es auf ,American Pyramid" schafften, jene maximalistische Ambition ausstrahlen, die in Grahams meisterhaftem Songwriting offensichtlich ist - doch nachdem er nach Hause zurückgekehrt war, wurde Hunt von noch weiterer Inspiration erfasst - und das Album schwelgt in der Dualität beider Prozesse. Tracks wie der bei Pachyderm aufgenommene Rave-up ,Riverboat Blues" gehen nahtlos in die zu Hause aufgenommene Musik wie ,Dust Underwater" über, wobei beide in eskapistische Fantasien abdriften, in denen lebhafte Produktionselemente die surreale Erzählung untermalen. Oder anderswo bietet der Album-Highlight ,Getting Older" einigen von Hunts unmittelbar befriedigendstem Gitarrenpop und die bodenständigsten Texte auf ,American Pyramid". Die Fähigkeit, so viele verschiedene Klänge, Emotionen und Stimmungen zu vereinen, macht Graham Hunt zu einem so besonderen Songwriter. Nur sehr wenige würden es überhaupt versuchen, Westerberg-artigen Everyman-Rock mit gonzoartigen, autotune-bearbeiteten Gesangspassagen oder psychedelischen lyrischen Abstraktionen mit offenherzigen Gedanken über den unaufhaltsamen Lauf der Zeit zu kombinieren - und noch weniger könnten das so umsetzen, wie Hunt es auf ,American Pyramid" tut.

Ein Konzert ist ein Ereignis, bei dem Songs zu neuem Leben erwachen. Deshalb trägt dieses Album den Titel "Live!", erklärt Jarvis Cocker zu diesem besonderen Werk im Pulp-Kanon. "Es ist sowohl eine Tatsachenfeststellung (es handelt sich um die Aufnahme einer Liveband) als auch eine Herausforderung (kommt schon! Alle sollen lebendig werden!)." Gleichzeitig ist es auch sowas wie der erste Filmsoundtrack von Pulp: Der von Garth Jennings inszenierte Film "What Do You Do For an Encore?" erscheint weltweit am 25. September. Die Zusammenarbeit zwischen Pulp und Garth Jennings reicht bis ins Jahr 1997 zurück, als er das Musikvideo zu "Help the Aged" drehte. Als Pulp 2023 ihre Rückkehr auf die Bühne ankündigten, nahm Garth Kontakt auf und bot an, das Bühnenkonzept mitzugestalten. Im Juni 2025 filmte er schließlich die beiden Auftritte der Band in der Londoner O2 Arena, die das Herzstück des Films bilden. Diese Konzerte liefern auch das Material für das Livealbum. Es waren die 566. und 567. Shows der Bandgeschichte und zeigen eine Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Aufgenommen in der Woche, in der "More" - Pulps erstes Album seit 24 Jahren - Platz 1 der offiziellen UK-Charts erreichte, fängt das Album genau den Moment ein, in dem die Band als kreative Kraft zurückkehrt: alte und neue Klassiker erstmals vereint.

Ein authentischer Geschichtenerzähler der heutigen Indie-Rock-Szene ist der in Tampa geborene und in New Orleans lebende Singer/Songwriter Thomas Dollbaum, und ,Birds of Paradise" ist sein bisher kraftvollstes und dynamischstes Werk. Nach seinen von Kritikern hochgelobten Alben "Wellswood" (Big Legal Mess, 2022) und "Drive All Night EP" (Dear Life Records, 2025) ist "Birds of Paradise" ein Abschiedsbrief an verlorene Liebste und sein früheres Ich. In diesen Songs sucht Dollbaum nach Akzeptanz an vergänglichen Zwischenorten: in den Kiefernwäldern Floridas, auf Nebenstraßen, die zur 1-95 führen, wo Vögel über das Wasser fliegen. Und obwohl die Geister seiner Alt-Country-Vorgänger Townes und Molina definitiv präsent sind, tritt Dollbaum auf Birds of Paradise aus ihrem Schatten heraus - er winkt der Vergangenheit zu und klingt dabei umso mehr wie er selbst. Dieser Moment - dieses Album - ist längst überfällig. Die Aufnahmen zu Dollbaums beiden vorherigen Veröffentlichungen hatten aufgrund von Umständen, die außerhalb seiner Kontrolle lagen, viel zu lange gedauert, was ihn frustriert zurückließ. Nachdem er acht Jahre lang von zu Hause weg war, war der Ort, den er verlassen hatte, nicht mehr der Ort, an den er sich erinnerte, und die Unveränderlichkeit der Natur fühlte sich wie eine Konstante an, über die er schreiben wollte. Mit einem Gefühl der Unmittelbarkeit schrieb er ,Birds of Paradise" in drei Monaten. Er rief die Musiker an, denen er am meisten vertraute und die er am meisten bewunderte - Nick Corson, Josh Halper und Jake Lenderman - und bat sie, sich mit ihm bei Dial Back Sound in Water Valley, Mississippi, mit dem Produzenten/Toningenieur Clay Jones zu treffen. Sie lernten das Album in vier Tagen ein und nahmen es auf, wobei sie einen Blitz in einer Flasche einfingen, eine klangliche Offenbarung, auf die Dollbaums Songwriting schon immer gewartet hatte. Mit der Hilfe von Lenderman, Halper, Corson und Jones ist ,Birds of Paradise" Dollbaums hart erkämpfter Durchbruch. Lebendig und nachhallend wie Gedichte und Kurzgeschichten, die man nicht vergessen kann: Kojoten heulen, Vögel fliegen nach Süden, Kinder jagen Kaninchen durch das Zuckerrohr und Zigaretten kosten vier Dollar pro Packung. Birds of Paradise erinnert uns daran, woher wir kommen - an die Dinge in uns, die wir vergessen haben - wir brauchten nur Dollbaum, um uns das zu zeigen. So blickt man ohne Angst oder Scham zurück. So sieht Authentizität aus.

Auf ihrem neuen Album "Bruch" mit Oslo Philharmonic unter der Leitung von Gergely Madaras präsentiert die für ihre kreativen Repertoirekonzepte bekannte Geigerin Eldbjørg Hemsing neben Max Bruchs Violinkonzert auch die eigentlich für Viola und Orchester geschriebene Romanze op. 85 sowie ein neues Arrangement von "In der Nacht" op. 72 für Solovioline und Orchester. Die Aufnahme dokumentiert Hemsings langjährige Auseinandersetzung mit einem der großen romantischen Standards des Violinrepertoires. Bereits als Kind hat Hemsing das Werk mit Oslo Philharmonic zum ersten Mal aufgeführt, jetzt sieht sie ihre Interpretation als reif für eine Aufnahme. "Das Bruch-Violinkonzert ist für mich ein lebenslanger Begleiter, ich bin praktisch mit dem Stück aufgewachsen. Das bemerkenswerte ist, wie viele Farben, Emotionen und Bedeutungsebenen sich im Lauf der Jahre für mich erschlossen haben. Ich denke, dass ich jetzt einen Zugang zum Werk habe, der eine Aufnahme rechtfertigt", erklärt Eldbjørg Hemsing. Bekannt für ihren ausdrucksstarken Ton und ihre technische Präzision, stellt Eldbjørg Hemsing in ihrer Interpretation die gesangliche Qualität des Werkes in den Mittelpunkt und arbeitet seine unterschiedlichen Charaktere klar heraus. Dabei erscheint ihr die Balance zwischen Virtuosität und musikalischem Ausdruck in Bruchs Werk von besonderer Bedeutung: "Was ich an diesem Konzert am meisten liebe, ist seine Wärme und seine zutiefst menschliche 'Stimme'. Bruch verstand die Violine auf ganz natürliche Weise. Das Konzert ist zwar virtuos, doch die technischen Herausforderungen stehen immer im Dienst der Musik. Genau das macht es für mich so besonders: Es erlaubt der Violine nicht nur zu glänzen, sondern wirklich zu singen. Jeder Satz eröffnet dabei eine eigene Welt. Dabei ist der zweite Satz für mich das Herzstück des Konzerts, erfüllt von Zärtlichkeit und einem Gefühl von Ruhe", so Eldbjørg Hemsing. Ergänzt wird das Programm durch zwei Werke, die Bruchs lyrische Klangsprache weiter bele

Am 15. Februar 2026 feierte Posaunist und Sänger Nils Landgren seinen 70. Geburtstag – wie es sich für einen der erfolgreichsten europäischen Musiker seines Fachs gehört mit einem oppulenten Orchesteralbum »Love of My Life« und einer Tour durch die großen Konzerthäuser.

ACT-Gründer, Förderer und Freund Siggi Loch machte Nils Landgren ein besonderes Geschenk: Einen Abend in der von ihm kuratierten Reihe »Jazz at Berlin Philharmonic« im großen Saal der Berliner Philharmonie. Im ersten Teil des Konzertes spielten Mitglieder der ACT Family für »Mr. Red Horn«.

Nach der Pause betrat Nils Landgren unter großem Jubel selbst die Bühne – mit einem exklusiven Programm, dass seinem großen Idol und Weggefährten Joe Sample gewidmet war. Mit dabei: Michael Wollny, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner, China Moses und Mitglieder der Berliner Philharmoniker mit Arrangements von Magnus Lindgren.

Es wurde eine Soul-Jazz-Party im Klassiktempel, bei der am Ende der ganze Saal tanzte – jetzt nachzuhören auf »Jazz at Berlin Philharmonic – Nils Landgren 70«

Ein Konzert ist ein Ereignis, bei dem Songs zu neuem Leben erwachen. Deshalb trägt dieses Album den Titel "Live!", erklärt Jarvis Cocker zu diesem besonderen Werk im Pulp-Kanon. "Es ist sowohl eine Tatsachenfeststellung (es handelt sich um die Aufnahme einer Liveband) als auch eine Herausforderung (kommt schon! Alle sollen lebendig werden!)." Gleichzeitig ist es auch sowas wie der erste Filmsoundtrack von Pulp: Der von Garth Jennings inszenierte Film "What Do You Do For an Encore?" erscheint weltweit am 25. September. Die Zusammenarbeit zwischen Pulp und Garth Jennings reicht bis ins Jahr 1997 zurück, als er das Musikvideo zu "Help the Aged" drehte. Als Pulp 2023 ihre Rückkehr auf die Bühne ankündigten, nahm Garth Kontakt auf und bot an, das Bühnenkonzept mitzugestalten. Im Juni 2025 filmte er schließlich die beiden Auftritte der Band in der Londoner O2 Arena, die das Herzstück des Films bilden. Diese Konzerte liefern auch das Material für das Livealbum. Es waren die 566. und 567. Shows der Bandgeschichte und zeigen eine Gruppe auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Aufgenommen in der Woche, in der "More" - Pulps erstes Album seit 24 Jahren - Platz 1 der offiziellen UK-Charts erreichte, fängt das Album genau den Moment ein, in dem die Band als kreative Kraft zurückkehrt: alte und neue Klassiker erstmals vereint.

Der Mann hinter der Maske, Jonathan Bree, kehrt mit seinem sechsten Studioalbum "Don't Call It Love" zurück. "Don't Call It Love" kommt als Doppelalbum mit 17 Songs und ist ein erotisches Konzeptalbum, das sich mit Sexualität auseinandersetzt und Kollaborationen mit Frauen aus den Bereichen Musik, Film, Fotografie und Tanz enthält. "Don't Call It Love" klingt wie der düstere Soundtrack zu einer versteckten, mit Samt ausgekleideten Bar in einem schummrigen Keller - mal verspielt und verführerisch, mal beunruhigend und provokativ. Brees neue Songs setzen sich mit dem gesamten Spektrum der Sexualität und ihrer emotionalen Last auseinander - ein Album, das sich weigert, wegzuschauen, und sein Herz buchstäblich auf der Zunge trägt. Fans haben diesen neuen Sound bereits mit den düster-nostalgischen Klängen von New Order und Siouxsie & The Banshees verglichen, wobei Brees musikalische Entwicklung über die Jahrzehnte hinweg endlich ihr von den 80ern durchtränktes, melancholisches Ziel erreicht hat: ein melodramatisches Meisterwerk raffinierter Sleaze-Musik. Jonathans charakteristische Orchesterarrangements sind nach wie vor vorhanden und verbinden diesmal eine karge, düster angehauchte Noir-Ästhetik mit filmischer Instrumentierung und seinem grüblerischen Bariton. "Don't Call It Love ist zudem Jonathans bisher kollaborativstes Album, auf dem eine außergewöhnliche internationale Riege von Frauen einige der entscheidenden Momente des Albums mit ihren einzigartigen Stimmen bereichert. Die bei den Fans beliebte Princess Chelsea kehrt für drei beeindruckende Songs zurück ("Live To Dance", "Part Time Love", "Slow"); Neuseelands bestgehütetes Musikgeheimnis Rachel Clarke bewegt sich bei "Savour My Love" von intimer Zurückhaltung zu schwindelerregender Intensität; die französische Fotografin und Künstlerin Eloïse Labarbe-Lafon liefert auf "Chameleon" eine charaktervolle Gesangsdarbietung, die an die Tradition von Jane Birkin anknüpft; während die französische Musikerin und Schauspielerin Adah Dylan auf dem Titeltrack zu hören ist und den Leadgesang mit direkter, schnörkelloser Klarheit trägt: "don't call it love_ when we fuck." Für einen Künstler, der bereits sechs Alben veröffentlicht hat, gibt es hier eine Reihe von Premieren - sein erstes Doppelalbum, sein gitarrenlastigstes Album, sein kollaborativstes und sein bisher kompromisslosestes konzeptionelles Werk. Es wird nicht jedem gefallen, und es ist klar, dass Bree kein Interesse daran hat, es abzuschwächen. Wie er es ausdrückt: "Als ich meiner Mutter davon erzählte, schlug ich ihr vor, dieses Album vielleicht lieber auszulassen."