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2xLP mit Redux Packaging/Artwork. Moses Sumney erweitert mit "græ" das Klanguniversum, das in seinem gefeierten Debütalbum "Aromanticism" und der anschließenden EP "Black In Deep Red, 2014" (2018) aufgebaut wurde. Sumneys zweites Album "græ" ist eine Behauptung, dass das Unbestimmbare immer noch existiert und das Verweilen darin ein Akt des Widerstands ist. Das Doppelalbum ist eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit der Farbe Grau und untersucht das Spektrum der Grautöne in Bezug auf Farbe, Verschiebung, Zwischenräume und marginale Identität. Indem Sumney "græ" in zwei facettenreiche, dynamische Kapitel unterteilt, schafft er buchstäblich einen "grauen" Zwischenraum, in dem die Zuhörer die Kunst aufnehmen und betrachten können. Nicht unbedingt Singles, nicht unbedingt Alben, nie ganz allein Songs oder gesprochene Wortteile. Das alles ist weder hier noch dort. Weder das Eine, noch das Andere. Die Lieder auf "græ" mögen unterschiedlich erscheinen, aber es gibt immer diese Stimme, unverkennbar und durchdringend, welche die Stücke zusammenhält: eine himmlische Klinge, einen Walgesang, Miles' Flügelhorn. Das alles erschafft ein Paradoxon, das Aufmerksamkeit einfordert und den Atem raubt, in dem Kunst und Künstler sich der Festlegung entziehen. All dies ist "græ". Weder noch, wenn man so will.

"Learning To Swim On Empty" ist die neue EP des Südlondoners Wu-Lu, sein erstes Material seit dem bahnbrechenden Debütalbum "LOGGERHEAD" (2022). Das im Mai 2024 digital veröffentlichte Vinylformat enthält zwei bisher unveröffentlichte Instrumentals. Auf der EP geht der Sänger/Musiker stärker als je zuvor in die Tiefe, wartet mit seinen bisher gefühlvollsten, intimsten Songs auf und erweitert seine Klangpalette. Die Scheibe klingt wie eine Reihe von Tagebucheinträgen, inspiriert vom Aufwachsen in Brixton, von Tod und Trauer, Wiedergeburt und dem Gefühl, unterzugehen oder zu schwimmen, das entsteht, wenn man ins kalte Wasser geworfen wird. Das Artwork stammt von Bráulio Amado.

Das Best Of Album von Christina Stürmer zum ersten Mal auf VINYL, als LIMITED EDITION, 2 LP
mit zwei unterschiedlichen Vinylfarben passend zum Artwork, Gatefold und bedruckten Innensleeves. Auf
”Gestern.Heute. verewigt die charmante Österreicherin ihre Klassiker und persönlichen musikalischen Highlights. Von Radiohits wie ”Ich lebe” oder ”Millionen Lichter” bis hin zu Balladen wie ”Mama Ana Ahabak”
oder ”Mehr als Perfekt” nehmen die Titel den Zuhörer mit auf eine kleine feine Zeitreise.

"They are the Finnish / Dutch / British troupe NIGHTWISH – one of the most fascinating rock bands of the last decades, whose enigmatic paths have proceeded from acoustic passages to symphonic heavy metal and from catchy folk to progressive majesty. If there is one trait the band has year after year, it might be this: expect something familiar but also expect the unexpected. NIGHTWISH has indeed broken all kinds of boundaries – never deliberately, but perfectly naturally.
Now guess what? NIGHTWISH's new studio album ""Yesterwynde"" – the band's tenth overall – is no exception to the rule. But it is more...

“""Yesterwynde"" took more time to make than any previous NIGHTWISH album”, nods keyboardist Tuomas Holopainen, who once again envisioned most of the material. ""The new album was intensively worked on for 3,5 years. My ambition and piety really skyrocketed, and I just couldn't let go of the creative process – and didn't want to. Along the way, ""Yesterwynde"" became both an exhilarating obsession and a comforting haven for me. All aspects of the making – compositions, lyrics, arrangements, cover art, videos, mixing and so on – were given more attention than ever before.""
The result? There's a fascinating, but inexplicable feeling that NIGHTWISH has once again been able to find unprecedented nuances, spices and perspectives in their new works – exactly: after a career of nine classic albums. """"Yesterwynde"" is an experience that takes time to digest. The gravid ingredients of the songs are easily recognizable, but beneath the surface lies a large number of intriguing details and features"", Holopainen describes.

""It's interesting – but not surprising – that ""Yesterwynde"" has attracted quite a variety of opinions. Some have stated that it is the most 'band' record to date. For some it appears to be the heaviest and most ominous NIGHTWISH release. It has also been called our most progressive album. And the list goes on.""
And what does Tuomas think of it himself?
""To me, ""Yesterwynde"" sounds, tastes and feels strongly like the true essence of NIGHTWISH – enriched with new moods and flavors.""

The lyrics of ""Yesterwynde"" deal with large-sized universal themes: memories, mortality, humanism, time and much more. ""The new album is the conclusion of the trilogy – textually it follows in the footsteps of its predecessors ""Endless Forms Most Beautiful"" and ""Human. :II: Nature."""", Holopainen says. ""At the same time, ""Yesterwynde"" is the band's most lyrically driven album: our music has never been so 'married' to the lyrics. So here's a tip: if something in the composition puzzles you, the words might clear it up.""
""For me, one of the key lines is 'we are because of a million loves' – taken from the song ""Perfume of the Timeless"". Each of us is part of an unbroken chain that stretches back billions of years. If even one of your ancestors had died too young – mauled by a cave bear, for example – during this incredibly long period of time, you would never have been born. In other words: our existence is such an unfathomable privilege!”

What does the term 'yesterwynde' mean?
""It describes a feeling that cannot be found in any human language. That's why we had to invent a whole new word. The album is supposed to open that feeling to the listener.""
Without taking anything away from the solid delivery of guitarist Emppu Vuorinen, drummer Kai Hahto, bassist Jukka Koskinen and multi-instrumentalist/singer Troy Donockley, it might be worth highlighting one fact: the performance of the eloquent storyteller Floor Jansen is once again unparalleled. It is simply breathtaking how the singer is able to make songs fly with her performance. ""Floor's second child was born just over a month ago, and we hadn't rehearsed together at all... So it was a little nerve-wracking to go to Floor's home studio for vocal recordings. Well, what happened? We had booked twelve working days and after six days everything was completed in style. Floor's preparedness for the sessions was something extreme!""

After the recordings and mixing process, there was one more working phase. Mastering. Could you possibly guess that no shortcuts were taken at this point either?
""The album was mastered seven times until we reached the finish line – one hundred percent satisfied!"", states Tuomas. ""When the record was eventually finished, a three-year, extremely inspiring adventure had come to an end. I felt very, very happy.""
NIGHTWISH's next steps are clear. And they are not the most common ones.
""NIGHTWISH will not go on a world tour this time. This was a decision made for personal reasons. But don't worry... Our contract with Nuclear Blast Records includes several albums, and there's plenty of motivation to create new music!""
May the dream continue...
"

"They are the Finnish / Dutch / British troupe NIGHTWISH – one of the most fascinating rock bands of the last decades, whose enigmatic paths have proceeded from acoustic passages to symphonic heavy metal and from catchy folk to progressive majesty. If there is one trait the band has year after year, it might be this: expect something familiar but also expect the unexpected. NIGHTWISH has indeed broken all kinds of boundaries – never deliberately, but perfectly naturally.
Now guess what? NIGHTWISH's new studio album ""Yesterwynde"" – the band's tenth overall – is no exception to the rule. But it is more...

“""Yesterwynde"" took more time to make than any previous NIGHTWISH album”, nods keyboardist Tuomas Holopainen, who once again envisioned most of the material. ""The new album was intensively worked on for 3,5 years. My ambition and piety really skyrocketed, and I just couldn't let go of the creative process – and didn't want to. Along the way, ""Yesterwynde"" became both an exhilarating obsession and a comforting haven for me. All aspects of the making – compositions, lyrics, arrangements, cover art, videos, mixing and so on – were given more attention than ever before.""
The result? There's a fascinating, but inexplicable feeling that NIGHTWISH has once again been able to find unprecedented nuances, spices and perspectives in their new works – exactly: after a career of nine classic albums. """"Yesterwynde"" is an experience that takes time to digest. The gravid ingredients of the songs are easily recognizable, but beneath the surface lies a large number of intriguing details and features"", Holopainen describes.

""It's interesting – but not surprising – that ""Yesterwynde"" has attracted quite a variety of opinions. Some have stated that it is the most 'band' record to date. For some it appears to be the heaviest and most ominous NIGHTWISH release. It has also been called our most progressive album. And the list goes on.""
And what does Tuomas think of it himself?
""To me, ""Yesterwynde"" sounds, tastes and feels strongly like the true essence of NIGHTWISH – enriched with new moods and flavors.""

The lyrics of ""Yesterwynde"" deal with large-sized universal themes: memories, mortality, humanism, time and much more. ""The new album is the conclusion of the trilogy – textually it follows in the footsteps of its predecessors ""Endless Forms Most Beautiful"" and ""Human. :II: Nature."""", Holopainen says. ""At the same time, ""Yesterwynde"" is the band's most lyrically driven album: our music has never been so 'married' to the lyrics. So here's a tip: if something in the composition puzzles you, the words might clear it up.""
""For me, one of the key lines is 'we are because of a million loves' – taken from the song ""Perfume of the Timeless"". Each of us is part of an unbroken chain that stretches back billions of years. If even one of your ancestors had died too young – mauled by a cave bear, for example – during this incredibly long period of time, you would never have been born. In other words: our existence is such an unfathomable privilege!”

What does the term 'yesterwynde' mean?
""It describes a feeling that cannot be found in any human language. That's why we had to invent a whole new word. The album is supposed to open that feeling to the listener.""
Without taking anything away from the solid delivery of guitarist Emppu Vuorinen, drummer Kai Hahto, bassist Jukka Koskinen and multi-instrumentalist/singer Troy Donockley, it might be worth highlighting one fact: the performance of the eloquent storyteller Floor Jansen is once again unparalleled. It is simply breathtaking how the singer is able to make songs fly with her performance. ""Floor's second child was born just over a month ago, and we hadn't rehearsed together at all... So it was a little nerve-wracking to go to Floor's home studio for vocal recordings. Well, what happened? We had booked twelve working days and after six days everything was completed in style. Floor's preparedness for the sessions was something extreme!""

After the recordings and mixing process, there was one more working phase. Mastering. Could you possibly guess that no shortcuts were taken at this point either?
""The album was mastered seven times until we reached the finish line – one hundred percent satisfied!"", states Tuomas. ""When the record was eventually finished, a three-year, extremely inspiring adventure had come to an end. I felt very, very happy.""
NIGHTWISH's next steps are clear. And they are not the most common ones.
""NIGHTWISH will not go on a world tour this time. This was a decision made for personal reasons. But don't worry... Our contract with Nuclear Blast Records includes several albums, and there's plenty of motivation to create new music!""
May the dream continue...
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The band was originally the solo project of multi-instrumentalist musician, songwriter and a Föllakzoid founder Juan Pablo Rodríguez, formed in 2011 and used as a vehicle to explore instrumental active ambient and space rock music with the following equipment: Roland JD800, Roland SPX404 and Samick guitar. Their debut album, the eponymously titled Special Cases has received critical acclaim since 2020, with The Quietus’ Brian Coney praising its place in neo psychedelic music and the legacy of Föllakzoid, "As a whole, though, Special Cases spills over with low-key majesty and purpose. From the vantage point of the future where his band have cornered a niche within modern psychedelia, it evinces JPR as a rare shaman of kosmiche savvy." Since late 2020, Special Cases has developed into a fully fledged live band centred around Rodríguez with songwriting and performance geared towards alternative and psychedelic rock. As a live act, they have performed at numerous venues and festivals across Chile, captivating audiences with their dynamic stage presence and infectious energy. Visual Artists Tomás Olivos and Martin Line have contributed album art on various records. The band has physical releases on cassette, CD and vinyl spread across the following record labels: Blow Your Mind, Weisskalt and ETCS Records. Their 6th album '6' was recorded in two days at Estudio Lautaro and mastered in BYM Records, it features the stable trio from 'No Mind' plus painter and guitarist Chiri, driving the sound to a more 'indie' vibe with long ambient songs, laid back and energetic tracks. The album cover was made by painter Diego Hernandez (which played in 'Album Name') and it's going to be available in colour vinyl.

Mexican supergroup Secret Echoes releases debut single ‘Bring My Beat Back’ on Crosstown Rebels. The project combining a trio of revered talents from the Mexican electronic landscape sees Estefani Brolo, Diego Cevallos, and Marco Anaya unite to reveal a first glimpse into their forthcoming debut album, with the single remixed by Zombies In Miami focus on the song's hypnotic vocals and raw emotive energy.

Secret Echoes is a dynamic collaboration of three acclaimed artists from Mexico’s electronic music scene: Estefani Brolo (of BROLORZIO & I.M YONI), Diego Cevallos (AKA Métrika), and Marco Balcazar (AKA Balcazar of Balcazar & Sordo). With each member bringing a distinct musical background to the group, creating a unique fusion of sound set to resonate with electronic music enthusiasts worldwide, Secret Echoes creates music that blends house foundations with melodic innovation.

The origins of the project trace back to the height of the pandemic, when Cevallos and Balcazar began collaborating on an album they had always envisioned. Renting a unique studio in Jiutepec, Mexico, equipped with analogue tape machines and high-end studio gear, and inviting their talented friends to contribute, Brolo soon joined the project - adding her melodic and lyrical expertise. The result was the recording of 11 tracks that were put on hold until the time was right. After revisiting the tracks and performing them live, ‘Bring My Beat Back’ caught the attention of Crosstown Rebels founder Damian Lazarus during 2024’s Day Zero performance. Inspired by its energy and potential, Lazarus signed the entire album, and this first single provides a first glimpse of what is to come from the enigmatic trio on an imprint known for continually pushing boundaries within house music.

‘Bring My Beat Back’ showcases the group’s distinctive blend of house music foundations, guided by Brolo’s captivating vocals above shimmering synths and refined percussion grooves to deliver a silky-smooth production balancing classic nuances with contemporary touches for the dance floor. Creatures Of The Night founders and Permanent Vacation regulars Zombies In Miami provide an extra layer to the package, with the renowned duo’s remix drawing for neon-lit synths and hazy tones for a deep dive into the late-night hours.

Taken from the ultra-rare Japanese promo mix CD released in 2004 by madlib himself on his Mind Fusion label. Now on multi -coloured splater viny for the first time. Taking a selection of the best tracks, grooves and breaks from the legendary Mind Fusion Volume 2 mix CD here on vinyl for the first time ever are the entirety full length unmixed original versions. An amazing collection of extremely rare Jazz, Funk , Brazilian and Soul music from Madlibs eclectic and uber diverse record collection. The sleeve design is also a wonderful piece of contemporary art as first displayed on the Japanese mix CD now fully blown up to album cover size making this a must have for all rare art and music lovers.

Es gibt Bands, die machen nach drei Akkorden und einer popeligen Orgelmelodie Feierabend. Es gibt aber auch Bands, die schleifen am Sound, schrauben am Text, polieren die Solos auf Hochglanz und überschreiten das Tempolimit nur an den dafür geeigneten Stellen. Bands, die den Popsong an allen Ecken und Enden abklopfen, bis sie perfekte Schmuckstücke mit dem Gütesiegel "Zeitlos!" herausbekommen haben. Eine amerikanische Band aus dem fernen Wien: Pretty Pleas (Daniel Smith - vocals/guitars, George Clavicle - bass, B.B. Kong - drums) zeigen, dass es neben exzellentem Handwerk und Spaß am Experiment auch die richtigen Einflüsse braucht, um einen authentischen, individuellen Sound zu schaffen, der gleichzeitig großer Pop und tougher Alternative Rock ist. Die Quadratur des Kreises? Vielleicht. Aber war gute Musik war nicht schon immer Alles und noch etwas mehr? Unterstützung beim Modellieren des idealen Sounds fanden Pretty Pleas im Multiinstrumentalisten Paolo Tornitore, der vor allem für die großartigen Arrangements verantwortlich zeichnet, sowie in der fabelhaften Keyboarderin Jasmin Nagl, die einigen Songs das perfekte Sahnehäubchen aus herrlich dahingroovendem Orgelsound aufsetzte. Daniel Smith: "The record is an intriguing blend of power pop, glam rock, new wave, and psychedelia influences." Diesen gelungenen und sehr tanzbaren Mix aus Atmosphäre, Beat und Klang bezeichnet die Band passenderweise als Moody Art Pop. Das Debutalbum "In Circles And Lines" ist das beste Beispiel für diese elegante Soundbeschreibung. Der Opener "Moving Forward" liefert den ZuhörerInnen die atemberaubende Frische, die wir von den frühen Roxy Music kennen. Mit "Broke" wird sofort auf dem gleichen Niveau nachgelegt. Und obwohl die markante Stimme von Daniel Smith eine andere Liga bespielt - das flamboyante Wesen eines Brian Ferry liegt da gar nicht weit entfernt. Aber auch die mitreißende Melancholie eines Stuart A. Staples (Tindersticks) ist Smith keineswegs unbekannt. "The band delves into universal themes such as loss, heartbreak, alienation, as well as the throes of new found love.", erklärt Daniel Smith die Themenwelt der Songs. Damit der Sound von "In Circles And Lines" kompakt und groovy bleibt wie ein Hit von The Sweet, setzt der glasklare Klang der Gitarre die Markierungen in Richtung Power Pop. Aber auch der Orgelsound, der den Garagenpunk der 60s und die britischen Ravebands der 1990er in Erinnerung ruft ("Ghosts"), feiert den Enthusiasmus für funkelnde Melodien - Moody Art Pop it definitely is. "In Circles and Lines" offers a deep dive into the ways we interact with each other in romance, life, and every facet of human relationships - a contemplative exploration of love's many forms and the inevitable heartbreak that often follows." (Daniel Smith)

Larry Mullins, langjähriger Mitarbeiter von Nick Cave and the Bad Seeds, Iggy Pop and The Stooges, Swans & The Residents, hat mit "Camissonia" ein einzigartiges und persönliches Soloalbum aus minimalen elektronischen Sci-Fi-Vignetten geschaffen, das lose auf den Schriften und dem Leben des deutschen Schriftstellers und Botanikers Adelbert von Chamisso basiert. Das Album ist nach der von Chamisso benannten Pflanzenart benannt, die von seinem Kollegen, dem Botaniker Johann Friedrich Eschscholtz, erstmals beschrieben wurde. Es ist größtenteils ein instrumentaler Soundtrack, der mehrere bemerkenswerte Ereignisse aus Chamissos Buch "Peter Schlemihls wundersame Geschichte (Der Mann, der seinen Schatten verkaufte, 1814)" sowie seine tatsächliche Überseereise an Bord von Otto von Kotzebues Schiff, der "Rurik", während der Jahre 1815-1818, als Botaniker, musikalisch illustriert. Das Artwork zum Album besteht überwiegend aus drei Holzschnitten, die zwischen 1915 und 1919 von Ernst Ludwig Kirchner geschaffen wurden. Kirchner hegte Anfang des 20. Jahrhunderts, also ca. 100 Jahre nach der Veröffentlichung von Chamissos Buch, eine ähnliche Faszination für das Werk wie Larry Mullins weitere 100 Jahre nach Erstellung von Kirchners expressionistischem Meisterwerkes - dem "Peter Schlemihl-Zyklus". Diesmal erweitert "Camissonia" das Chamisso-Erbe als Interpretation in Musik. Camissonia wurde 2020 während der Lockdown-Periode in Wien, Österreich, aufgenommen, die das belebte Zentrum Wiens in einen Zustand einer evakuierten Sci-Fi-Dystopie versetzte. Während Mullins als Musiker im Burgtheater arbeitete, fand er seine Sammlung von Instrumenten plötzlich für die kommenden Monate im Orchestergraben eingeschlossen. Er hatte jedoch eine kleine Auswahl an Elektronik in seiner Wohnung und hatte auch die Möglichkeit, sie aufzunehmen. Außerdem hatte er einen Stapel Bücher zum Lesen, und ganz oben lag - "Der Mann, der seinen Schatten verkaufte". "Die Bilder dieser Geschichte verließen meinen Geist weder bei Tag noch bei Nacht. Ich begann, Chamissos echtes Leben zu erforschen und fand ein wildes Abenteuer rund um die Welt auf einem Schiff! Eine parallele nächtliche Obsession mit den Sci-Fi-Filmen von Rainer Werner Fassbinder verschmolz schließlich zu einem bizarren Moment der Klarheit. Ich richtete mein karges Equipment ein, um zu sehen, welche Klänge ich erzeugen konnte, um die Bilder in meinem Kopf zu interpretieren. Ich entdeckte, dass die mir auferlegten Einschränkungen eine eigene Atmosphäre schufen, und so entstand jeden Tag ein neues Musikstück. Nach meiner Rückkehr nach Berlin wollte ich das Projekt so schnell wie möglich abschließen und keine weiteren Instrumente hinzufügen, um die seltsame Qualität zu bewahren. Ich lud zwei Sängerinnen ein, die ich in Berlin kannte, um bei zwei Stücken einen Chor zu singen, und ich fügte bei einem weiteren Stück selber einen Chor hinzu. Dann schloss ich die Tür und warf den Schlüssel weg."

Neuaufgelegte Compilation mit dem ursprünglichen Cover-Artwork (!), klassich schwarzes Vinyl mit DLC! 1982 lösten sich die TVP's nach fünf Jahren als D.I.Y. Pioniere auf (allerdings wurde schon drei Monate danach die Reunion ausgerufen). Die Trennung wurde von der Veröffentlichung des mysteriösen Albums "They Could Have Been Bigger Than The Beatles" begleitet. Die Sammlung mit unveröffentlichten Outtakes und alternativen Versionen von Songs der ersten beiden Alben wurde ursprünglich mit handgemalten Covern (ohne Infos) veröffentlicht. Mit an Bord sind der Klassiker und Live-Favorit "Three Wishes", eine stark veränderte, schnelle, überlegene Version von "David Hockney's Diaries", die Freakbeat-Hymne "The Boy In The Paisley Shirt", die rare Debütsingle "14th Floor" und "Games For Boys", ein lustiger Geniestreich, der textlich wie musikalisch das kindliche Wesen der TVP's ausdrückt. Dazu eigene Versionen von The Creation's "Painter man" und "Making Time" "Their quality and stature remains undiminished even after all these years. Indispensable". - NME

Nach zwölf Jahren reich an Instrumental-Alben (von zwei Solo-Piano-Platten über Kammermusik bis hin zu gemeinsamen Alben mit Boys Noize, Jarvis Cocker und Plastikman und sogar einem Weihnachts-Bestseller) hat Chilly Gonzales sich eine Menge von der Seele zu schreiben. Die Notizbücher, die seit dem 2011 erschienenen orchestralen Rap-Opus 'The Unspeakable Chilly Gonzales' leer blieben, füllten sich seit Anfang 2022 wieder mit Worten, nachdem Gonzo ein langes Jahrzehnt der Psychoanalyse beendet hatte. Ein Zufall? Wohl kaum. Hinter all den Wortspielen und dem Namedropping (u.a. Ron Jeremy, Marie Kondo, Dschingis Khan und Philip Glass) offenbaren die Songs, die es auf das neue Album 'Gonzo' geschafft haben, eine anhaltende Spannung zwischen Überzeugung und Bekenntnis, Wahn und Selbsterkenntnis und schließlich Dankbarkeit. Auch das Spannungsfeld zwischen Kreativität und Kommerz ist für Gonzo ein Thema, das ihn schon lange beschäftigt. Ist dies wirklich ein Rap-Album? Instrumentalstücke wie das strawinsky-eske 'Fidelio' oder das tränenreiche 'Eau de Cologne' erinnern den Hörer an Gonzos selbsterklärte Rolle als 'musical genius', während sich die Worte und Reime der vorangegangenen Strophen im Ohr festsetzen.
Rotes 180g-Vinyl mit einem Einleger mit Artwork auf der einen Seite und einer Kurzgeschichte (auf Englisch) von Christian Kracht auf der anderen Seite

The Jesus Lizard sind zurück mit 'Rack', ihrem ersten Album seit 1998. Das Album enthält 11 Tracks mit flottem Gitarrenrock, wie man ihn nicht mehr gehört hat seit... seit The Jesus Lizard das letzte Mal eine Bühne in deiner Stadt erobert haben. The Jesus Lizard - Sänger David Yow, Gitarrist Duane Denison, Bassist David Wm. Sims und Schlagzeuger Mac McNeilly - sind zurück mit einem Album, das vor der Art von Verrücktheit nur so strotzt, die nötig ist, um die heutige AOR-Mittelmäßigkeit und den piss-perfekten Pop-Schwachsinn gleichermaßen zu besiegen.

Seit ihrer Gründung 1987 in Chicago haben The Jesus Lizard Zuhörer auf der ganzen Welt begeistert. Die tadellose, raketenartige Rhythmussektion von Sims und McNeilly war die perfekte Basis für Denisons zackiges, aber dennoch sauberes Riffing und Yows launischen Gesang, der sich als panischer Bürger, Realitätsflüchtling oder verletzter Meeressäuger manifestierte. Auf das Debütalbum folgten sechs weitere Studioalben, zwei Live-Aufnahmen sowie zwei Singles und EPs.

Auf 'Rack' kehren The Jesus Lizard neu formiert, erfrischt und voller Elan zurück. Keine lauen, faden Tracks, die zeigen, wie sie als Songwriter 'gereift' sind. Keine albernen Ausflüge in unnötige Genreübungen.

The Jesus Lizard. Sie sind vielleicht nicht mehr jung, aber sie werden nie, nie alt.

The Jesus Lizard sind zurück mit 'Rack', ihrem ersten Album seit 1998. Das Album enthält 11 Tracks mit flottem Gitarrenrock, wie man ihn nicht mehr gehört hat seit... seit The Jesus Lizard das letzte Mal eine Bühne in deiner Stadt erobert haben. The Jesus Lizard - Sänger David Yow, Gitarrist Duane Denison, Bassist David Wm. Sims und Schlagzeuger Mac McNeilly - sind zurück mit einem Album, das vor der Art von Verrücktheit nur so strotzt, die nötig ist, um die heutige AOR-Mittelmäßigkeit und den piss-perfekten Pop-Schwachsinn gleichermaßen zu besiegen.

Seit ihrer Gründung 1987 in Chicago haben The Jesus Lizard Zuhörer auf der ganzen Welt begeistert. Die tadellose, raketenartige Rhythmussektion von Sims und McNeilly war die perfekte Basis für Denisons zackiges, aber dennoch sauberes Riffing und Yows launischen Gesang, der sich als panischer Bürger, Realitätsflüchtling oder verletzter Meeressäuger manifestierte. Auf das Debütalbum folgten sechs weitere Studioalben, zwei Live-Aufnahmen sowie zwei Singles und EPs.

Auf 'Rack' kehren The Jesus Lizard neu formiert, erfrischt und voller Elan zurück. Keine lauen, faden Tracks, die zeigen, wie sie als Songwriter 'gereift' sind. Keine albernen Ausflüge in unnötige Genreübungen.

The Jesus Lizard. Sie sind vielleicht nicht mehr jung, aber sie werden nie, nie alt.

Eine Sammlung für M. Ward-Fans jeden Jahrgangs. "For Beginners: The Best Of M. Ward" versammelt 14 Tracks aus seiner gesamten Merge Records Discografie, einschließlich des neu aufgenommenen Songs "Cry". "For Beginners" ist sowohl eine Fibel und ein Mixtape mit Lieblingsstücken. Die Reihenfolge der Songs ist so ausgetüftelt, dass ihnen neues Leben eingehaucht wird. Beginnend mit "Chinese Translation" und "Poison Cup" vom 2006 erschienenen Album "Post-War", zeigt "For Beginners", wie Ward sein Können im Studio ausbaut. Seine einzigartige Coverversion von David Bowies "Let's Dance", aus dem 2003er Album "Transfiguration of Vincent", geht über in das überschwängliche "Never Had Nobody Like You" vom 2009er Album "Hold Time". Anstatt einer sauberen Entwicklungslinie, die ein chronologisches Arrangement suggeriert, ist das, was "For Beginners" zusammenhält, ist Wards tadelloses Können als Songwriter, das im Fokus bleibt während sich sein Sound von Low-Fi-Heimaufnahmen zu elektrischen, radiotauglichen Stompern und wieder zurück bewegt. Pünktlich zum 35-jährigen Jubiläum von Merge Records wird dieses Album eines der beliebtesten Künstler des Labels veröffentlicht und enthält mit dem Song "Cry" die erste neue M. Ward Aufnahme auf Merge seit 2018. "Cry" ist eine reduzierte Coverversion des Godley & Creme Pop-Klassikers, aufgenommen mit dem Folk Bitch Trio aus Melbourne, Australien. M. Ward über "Cry": ""Cry" wurde in einem tasmanischen Museum für moderne Kunst namens MONA aufgenommen. Ich saß am Ende eines langen Flurs, nur wenige Meter entfernt von Anselm Kiefers Skulptur eines 20 Fuß hohen Stapel von Bleibüchern, und links und rechts von mir, um ein einziges Mikrofon herum, saß das Folk Bitch Trio; wir probten und nahmen "Cry" in etwa 30 Minuten auf. Es ist mir ein Vergnügen, diesen Song zu einer Sammlung meiner schönsten Erinnerungen an das Musikmachen hinzuzufügen." Der Song ist der perfekte Schlussstein für eine Sammlung dieser Art und fasst Wards Stärke als Musiker zusammen: der Reichtum, den er in spärlichen Aufnahmen erreicht, sein Talent für Zusammenarbeit und seine Fähigkeit, die Seele eines akribisch ausgearbeiteten Popsongs zu durchschauen. Ein Mittel, um auf die Zukunft seiner eigenen Arbeit zu blicken, aber auch ein Rückblick auf seine Vergangenheit.

"Glossolalia" ist das dritte Solo-Album von Dale Crover, dem weltbekannten Schlagzeuger der Melvins, Nirvana und Redd Kross sowie Sänger und Gitarrist von Altamont. Das von Crover und Toshi Kasai produzierte Werk strotzt nur so vor Nuggets-Garagenrock, Proto-Metal-Riffs und herrlich verschwommenem Psych-Pop. Die erste Single des 11-Song-Albums ist "Doug Yuletide". Der Track ist einer von zwei "Glossolalia"-Songs, bei denen Crover mit dem Gitarristen Dan Southwick zusammenarbeitet, seinem langjährigen Freund und Altamont-Bandkollegen. Aber Southwick ist nicht der einzige Freund, der auf Glossolalia zu hören ist: Kim Thayil von Soundgarden (Leadgitarre bei "I Quit" und "Rings"), Ty Segall (Leadgitarre bei "Spoiled Daisies" und "I Waited Forever"), Rob Crow von Pinback ("Don't Worry About It", "Rings" und "I Waited Forever") und Tom Waits' ungelenkes, in Zungen gesprochenes Intro beim Titelstück. "Glossolalia" ist Crovers bisher fokussiertestes Statement als Solokünstler. In seiner Gesamtheit zeigt das neue Album, dass Crover, so wie die Melvins in ihrem vierten Jahrzehnt weiter wachsen und sich entwickeln, auch als Solokünstler neue Schritte unternimmt. Inmitten des inspirierten Geplappers von Waits, des glorreichen Schredderns von Segall und Thayil und vielem mehr, sticht vor allem die Robustheit von Crovers Vision hervor. Diese Platte zeigt, dass seine Gesamtästhetik genauso stark wie sein legendärer Schlagzeugdonner ist. ENGAs he began plotting his new solo album, Dale Crover _ world-renowned drummer for the Melvins, Nirvana and Redd Kross, and singer-guitarist for Altamont _ realized that, unlike with his prior two full-lengths, he was starting from scratch. "I didn't have any songs," he says, "so I just went on this writing spree." The result is Glossolalia, Crover's third LP under his own name and arguably his most focused statement yet as a solo artist: 11 catchy yet eccentric tracks that move from Nuggets-y garage rock to crafty proto-metal riffage and gorgeously hazy psych-pop, touching on everything from a bad teenage trip to the charms of the late, great Jane Birkin, and featuring input by illustrious guests including Ty Segall, Soundgarden's Kim Thayil and none other than Tom Waits. What stands out across the record is the sturdiness of Crover's vision. He's modest about his ambitions _ "It's just kind of like extra credit," he says, about having a solo outlet apart from his main band _ but as this record shows, his overall aesthetic hits just as hard as his legendary drum thunder.

Ginger Root ist das Projekt von Cameron Lew aus Südkalifornien. Seit seiner ersten Veröffentlichung 2017 vermischt der Multi-Instrumentalist, Produzent, Songwriter und visuelle Künstler handgemachten, aber makellos polierten Synth-Pop, Alt-Disco, Boogie und Soul zu einem Sound, den er selbst als "aggressiven Fahrstuhl-Soul" beschreibt. Durch seine Linse als asiatischer Amerikaner, der mit der Musik der 1970er und 80er Jahre aufgewachsen ist, nimmt eine Musik Gestalt an, die insbesondere den kreativen und kulturellen Dialog zwischen japanischem City Pop und seinen westlichen Gegenstücken von French Pop über Philly Soul bis hin zu McCartney der Ram-Ära hervorhebt. SHINBANGUMI ist seine dritte LP und die erste für sein neues Label Ghostly International. Lew zeigt sich auf SHINBANGUMI gelassener, eigenwilliger und bewusster denn je und bringt genau das zum Vorschein, wonach sich Ginger Root anhören und anfühlen sollte. Die Leadsingle "No Problems" fungiert mit singbaren Basslines, schwungvollen Gitarrenriffs und cleveren Keyboard-Hooks als Eröffnungssequenz und als Brücke zu neuem Terrain. Für Fans von L'Imperatrice, Toro y Moi, Unknown Mortal Orchestra, Thundercat, Crumb, Khruangbin. ENGStep inside the world of Ginger Root. Cameron Lew makes it easy to do so; every considered detail is his own manifestation, written, designed, and executed as an all-encompassing diorama of sound and sight. A multi-instrumentalist, producer, songwriter, and visual artist from Southern California, Lew has crafted his project steadily since 2017, inviting a fervent and growing legion of fans into storylines drawn across mediums: captivating albums with accompanying films and globe-spanning tours. The Ginger Root sound _ handmade yet immaculately polished synth-pop, alt-disco, boogie, and soul _ takes shape through Lew's lens as an Asian-American growing up enamored by 1970s and '80s music, specifically the creative and cultural dialogue between Japanese City Pop and its Western counterparts from French Pop to Philly Soul to Ram-era McCartney. He spins his retro-minded influences and proliferates savvily in the present, synthesizing a songwriter's wit, an editor's eye, and a producer's resource into something singular and modern. SHINBANGUMI, his long-awaited third LP, and Ghostly International debut set for physical release in 2024 with a visual album component, translates roughly to a new season of a show. It finds Lew more poised, idiosyncratic, and intentional than ever in a new chapter of life, unlocking "exactly what Ginger Root should sound and feel like," he says. "In terms of instrumentation and musicality, it's the first time that I felt very confident and comfortable with what everything should be comprised of. On the more personal side, I'm coming out of the last four years of writing, touring, and living as a different person; SHINBANGUMI is a platform to showcase my new self."

Die deutschen Swe-Death-Metal-Freaks DENOMINATION sind mit ihrem zweiten Album in Bestform zurück. Hört euch 'The Last Companion' an und schnuppert den authentisch, fauligen Gestank des skandinavischen Death Metals der frühen 90er. Sehr empfehlenswert für Fans von NIHILIST, CARNAGE, ENTOMBED, DISMEMBER etc.
DENOMINATION halten die Fahne des Boss HM-2 Buzzsaw-Gitarrensounds hoch und präsentieren auf ‚The Last Companion' 10 neue Songs (+Intros), die euch ordentlich das Knochenmark durchwirbeln werden.
Aufgenommen, gemixt und gemastert wurde dieses fiese Werk bei Mike Utah´s Audio Ranch, von Jörn Michutta (u.a. auch MORGOTH' "Ungod"). Das thematisch düster-moderig umgesetzte Cover- Artwork stammt aus der Feder bzw. Pinsel von Timon Kokott (u.a. auch EVOKED, ILLDISPOSED)

Mit „HALO“ präsentiert Rea Garvey sein sechstes Studio-Album und läutet ein weiteres Kapitel seiner eindrucksvollen Karriere ein. Rea Garvey hat seine Fans stets als kreativer und vielseitiger Künstler überzeugt,
der unterschiedliche Sounds sowie Pop und Rock-Elemente mit seinen Singer/Songwriter-Qualitäten und
ebenso kraft- wie gefühlvollem Gesang verbindet. Sein außergewöhnliches erzählerisches Talent und seine
einnehmende Art, scheinen jeden Einzelnen zu umarmen, wie ein HALO. Rea Garvey über „HALO“: „Es
ist Wissen, Glück und Hoffnung. Es ist die Wärme des Vertrauens und die Stärke in dunklen Stunden.
Das Leben ist das Licht, Güte ist Glück, Glaube kennt keine Angst, und dein HALO ist das, was du hast
und gibst, es ist das, was du bist und teilst.“ Als kreativer, über die Musik hinausgehend engagierter und
enorm vielseitiger Solo-Künstler beweist Rea Garvey bereits mit Vorboten Singles „Free Like The Ocean“,
„Perfect In My Eyes“, ”Somewhere Close To Heaven” & der Key Single zum Album ”HALO” erneut,
warum er zweifelsohne zu den derzeit erfolgreichsten und beliebtesten Musikern in Deutschland gehört.
Sein bemerkenswertes Gespür für eindrückliches wie berührendes Storytelling, sein feines Händchen für
eingängige Melodien und sein Talent, jede Arena in ein ausgelassenes Fest zu verwandeln, machen ihn zu
einem wahrhaft außergewöhnlichen Künstler unserer Zeit.
”HALO” erscheint am 13.09. als CD im Hardcover Book, als CD im Digisleeve und Doppelvinyl.

Recital presents an artists’ record from the two giants Richard Hamilton and Dieter Roth. Hamilton (1922-2011) is revered as the father of British Pop Art as both theorist and practitioner, in addition to famously designing the artwork for The Beatles’ White Album. Dieter Roth (1930-1998) was a Swiss German artist who blithely ignored all artistic boundaries and aesthetic dictums. His oeuvre includes hundreds of artist books, almost half a thousand prints, sculptures, multiples and records, all balanced between magnetic playfulness and self-deprecating paranoia. Roth also ran his own record/book press Dieter Roth's Verlag and was a major force in the reckless improvisational music group Selten Gehörte Musik (1973-1979).

The two artists most significant collaborations happened between 1976 and 1978, beginning with a series of 74 paintings in which they reworked each other’s art. The paintings were made for an exhibition for dogs (as suggested by the late Marcel Broodthaers, to whom the works were dedicated) in Cadaqués, Spain. Hamilton and Roth then produced the catalogue Collaborations of Ch. Rotham with reproductions of all the paintings alongside four brilliant new collaborative texts. The narrative of the texts sprung from the “fairy story” (Hamilton) quality that emerged from these dog paintings – a hallucinatory tapestry of sausages, gestating giants, Sancho Panza, Don Quixote, and a donkey. Together they gallop, humorous and beautifully absurd, across the wild field of an imaginary seaside backdrop with endless garbled iterations of ever-mutating names riddled with mad typos.

For these recordings the individual texts were read by Roth and Hamilton, actor friend Duncan Smith, and a huge cast of British artists for the final play Die Grosse Bockwurst, performed at the Whitechapel Gallery in London in 1977. The recordings were first released on cassette on the Audio Arts label in 1978, and have now been remastered from the original ¼″ tapes for this double vinyl edition.

Also included are two booklets: one is a new essay written for this edition by artist and co-producer Malcolm Green (Red Sphinx, Atlas Press), alongside full reproductions of the Roth / Hamilton collaborative Ch. Rotham texts. Thanks to Björn Roth, Rita Donagh, Hansjörg Mayer, William Furlong, Tate Modern, and Hauser & Wirth.

Limited edition double-vinyl record of 300 copies in full color gatefold sleeve with over 70 minutes of audio recordings. Including two booklets: a 16-page new essay on Roth & Hamilton by Malcolm Green that includes new Roth translations, and a 20-page complete reproduction of the collaborative Ch. Rotham texts.