Search:dr dre

[b] A2 Gathering Storm / Il Pleut À Mourir [+Clatters Like Worry]
[c] A3 "Welcome To Barco AM/PM..." [L.A.X.; 5/14/00]





[i] B5 [...+The Buildings They Are Sleeping Now]





[o] D3 [Glockenspiel Duet Recorded On A Campsite In Rhinebeck, N.Y.]
[p] D4 "Attention...Mon Ami...Fa-Lala-Lala-La-La..." [55-St.Laurent]


[s] D7 [Antennas To Heaven...]

Japan’s electronic music scene has always stood out as uniquely distinctive. In the late 1970s and early 1980s, a wave of underground projects, bands, and independent labels—primarily based in Tokyo and Osaka—began crafting their own sound. Inspired by the post-punk, new wave, and experimental movements emerging from Europe and North America, these artists embraced a DIY ethic, using whatever technology they had access to in order to forge something entirely their own.

This movement, often referred to as the "Nippon-wave" scene, remained largely hidden from the outside world. Many of its releases—on cassette tapes, flexi-discs, and privately pressed vinyl—were never distributed beyond Japan’s borders, making them rare treasures for the few who managed to discover them. “Nihon No Wave” presents a selection of these long-overlooked recordings, making them accessible to listeners beyond Japan for the first time.

The album introduced a lush, complex dream world that the singer, composer, and producer created and inhabited largely on her own. She produced all the songs, and wrote and performed everything on the self-released collection outside of a re-imagined cover of Pink Floyd’s “Green is the Colour” and 2 other tracks (“The Time,” “Give It Back To You”), which started as instrumentals written by Survive’s Kyle Dixon (who composed the Stranger Things soundtrack with his bandmate Michael Stein), to which Ainsworth wrote melodies and added lyrics. Ainsworth, who’s relocated to Los Angeles from Toronto since 2017’s Darling of the Afterglow, explains that the collection revealed itself to her “as a play taking place in Mother Nature’s vanishing home,” aka Phantom Forest, and that she’s singing from 3 perspectives: herself, Mother Nature, and Greek Chorus. For instance, of the album’s opener, “Diamonds Cutting Diamonds,” she explains: “The Greek Chorus sets the scene, narrating and offering direction on how to enter Phantom Forest. It’s my hope that the listener will imagine the narration to be directed to them as well, as they begin the journey of the album.” You’ll get a sense of this from the collection’s edenic cover art and the playful, pastoral video for the album’s first single, “Can You Find Her Place.” Its inspiration came from Ainsworth’s love for Italian Renaissance painter Botticelli’s 15-century masterpiece “Primavera,” an allegorical representation of the burgeoning fertility of the earth in spring. She notes: “The video features the Greek gods of the painting in a choreographed Baroque style dance.” Keeping with the personal feel of the collection, her sister Abby Ainsworth directed the clip. In line with the classical and historical depths of Phantom Forest, Ainsworth, who holds a Masters Degree in film scoring composition from NYU and studied composition as an undergrad at McGill, notes that although the album might be considered pop, she approached it as an orchestrator. “Even if I’m dealing purely with synths,” she says, “The songs are like a score, each one an evolving journey. I love to use strings so I’ve included my string arrangements on ‘Tell Me I Exist’ and ‘Can You Find Her Place.’ I recorded live musicians on drums, bass, and guitar on ‘Edge of the Throne,’ ‘The Time,’ and ‘Floating Dream,’ and wove those live elements into my programmed elements.” Phantom Forest is a beautiful, vast collection that mixes the historical and the hands on, with hooks about the apocalypse and people obsessively using face-recognition software to see what paintings their face match with, in search of some kind of connection. It’s a journey that holds up to close listening (and lyric reading) and to dance floors, but that can also exist on a purely emotional plane. In all cases, it asks that you listen, and take some kind of action.

Als er 2011 von Scion angesprochen wurde, um ein Album für die Musik-Promotion-Abteilung der Automarke aufzunehmen, konnte sich Reigning Sound Frontmann Greg Cartwright nicht weigern - trotz oder geraden wegen der prekären Existenz seiner Band zu dieser Zeit. "Mehrere Besetzungswechsel hatten sich ergeben. Die Ursprungsbesetzung, das "Memphis-Quartett", war längst aufgelöst, und ich dachte über die Möglichkeit nach den Namen Reigning Sound zurückzulassen", so Cartwright. "Ich hatte beschlossen eine Pause einzulegen, um an Produktionen für andere Leute zu arbeiten und Songs zu schreiben für The Parting Gifts, meine Zusammenarbeit mit Coco Hames." Aber plötzlich hatte Reigning Sound dieses Toyota Angebot auf dem Tisch, und es gab keine Band. Neben Cartwright war die eine Konstante der letzten drei Reigning Sound Jahre Keyboarder Dave Amels, der ansonsten in der Brooklyn-Soul-Combo The Jay Vons Schwarzarbeit machte. Etwa zur gleichen Zeit war Dan Auerbach von den Black Keys nach Nashville gezogen und kümmerte sich dort in seinem Privatstudio darum, dem Gitarrensound der Parting Gifts Platte den letzten Schliff zu verpassen. "Dan war begierig darauf, etwas im neuen Studio zur Vorbereitung auf eine bevorstehende Sitzung mit Dr. John zu tun, und bot er mir etwas Studiozeit sowie seine Produktionsunterstützung an. Da saß ich nun ohne Band in einem Nashville-Studio, die Uhr tickte. Ich rief in Brooklyn an und The Jay Vons sagten ja. Ich rief Scion an und bat um drei Flugtickets und Hotelzimmer. In wenigen Stunden war die Band auf dem Weg nach Nashville. In zwei Tagen nahmen wir fünf Songs auf. Ich habe diese fünf mit drei Outtakes der vorherigen Reigning Sound LP "Love and Curses" mit Lance Wille am Schlagzeug und Dave Gay am Bass kombiniert.", erzählt Cartwright und fügt hinzu: "Greg + The Jay Vons ist die bis heute gültige Reigning Sound Besetzung." Nach der Veröffentlichung von "Abdication...." brachten Reigning Sound 2014 die beliebte "Shattered" LP raus. Cartwright war zudem seitdem ausgiebig mit den reformierten Oblivians auf Tour.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören. Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen." Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

In South London members Alan Lancaster (bass) and Francis Rossi (guitar) were the original members and founders of Status Quo. _x000d__x000a_Formerly known as The Spectres and later renamed to Traffic or Traffic Jam they settled for Status Quo as their band name in 1967. _x000d__x000a_The following years they were joined by John Coghlan (drums), Roy Lynes (keyboard) and Rick Parfitt (guitar)._x000d__x000a_Status Quo’s first hit record "Pictures of Matchstick Men" was released in 1968 .The single reached #7 in the UK, and remains the band's only major hit single in the US, where it reached #12. Their debut Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo soon followed. It features several covers, including "Green Tambourine" by The Lemon Pipers and "Spicks and Specks” by The Bee Gees. _x000d__x000a_Another highlight from the album is their second single, "Ice in the Sun." Even if this is not the most representative album from Status Quo, it is a good psychedelic pop exercise ._x000d__x000a__x000d__x000a_Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo is now available as a numbered limited edition of 1000 copies on turquoise coloured vinyl_x0009_

Though Toronto rockers Hot Garbage’s signature tinge of moody, heavy psychedelia remains present on Precious Dream, their forthcoming sophomore album careens at high speeds into a darker world of searing post-punk riffs, grappling with themes of dread, loss, the resilience of the human spirit and the highs and lows of solitude. From the onset, elegant yet brutalist sonic architectures provide the scenery for an escape route, while cryptic poetic spurts act as surreal signage. By the end of the journey, we are left with a strangely pleasant void, but also with an uncontrollable urge to backtrack into the outfit’s beautiful 36-minute musical trap. True to form, prolific producer Graham Walsh (Holy Fuck, No Joy, !!!, etc.) – with whom, Hot Garbage recorded their critically-acclaimed debut full-length, RIDE – does right by the band, masterfully harnessing the four-piece’s unique brand of rock & roll, setting in motion a parallel universe where phones are not what they seem, lobotomy has its merits, lower is actually better, and tunnels stretch the very fabric of spacetime. Fans of Sonic Youth, Frankie and the Witch Fingers or Joy Division should welcome a confused stroll down this romantic if dystopian opus, for a cathartic and tender sense of resolution awaits.

Anushka's third album Ancestry comes out on BBE Music as both digital and vinyl and represents a massive hitting of the duo's potential as songwriters, musicians and performers following their well received and critically acclaimed previous releases on Brownswood and Tru Thoughts respectively. Indeed Ancestry represents their best album to date and one which befits a release on one of the UK's (and the world's) premiere independent record labels. Anushka is the collaborative name for Victoria Port and Max Wheeler. The duo first met in the vibrant club, music and arts scenes in that creativity incubating south coast town that is Brighton.

With their first single, Yes Guess, gaining support from major broadcast influencers such as Gilles Peterson they released their debut album, Broken Circuit, in 2014. With major airplay support from Mary Anne Hobbs, Annie Mac, the aforementioned Gilles Peterson and others the second album Yemaya was released in 2021. On this second record they experimented with their sound, exploring darker and more complex songs and palettes. Both albums forged Anushka's sound and production values, combining a deep respect for the UK's electronic club culture mixed with Jazz and Soul. Now, with the release of Ancestry on BBE Music, the duo has created an album that furthers their sound, their songwriting, their arrangements and their production. Victoria's songwriting for Ancestry is influenced by her love of Ella Fitzgerald, Sampha, Jimmy Cliff and Georgia Anne Muldrow.

Max's approach to the production on Ancestry is driven by his own ancestral back catalogue of music from Moodymann and Theo Parrish and further back to Larry Heard, Wu Tang Clan and the 90's electronica of Tricky, Portishead and David Holmes. It definitely bears repeating that list of influences has resulted in Ancestry being Anushka's best album yet. Releasing on BBE Music, on both digital and vinyl formats, Ancestry is an album that is a must for lovers of the highly innovative, jazz and soul fuelled club sound that is part of the UK's contemporary music scene.

It"s been six years since LA DISPUTE released their last album, Panorama. Since then, the Michigan post-hardcore band-made up of Jordan Dreyer on vocals, Brad Vander Lugt on drums, Chad Morgan-Sterenberg and Corey Stroffolino on guitar, and Adam Vass on bass-dealt with the stagnance of the pandemic, celebrated the ten-year anniversaries of Wildlife and Rooms Of The House, and began working on NO ONE WAS DRIVING THE CAR. The fifth studio LP is the first entirely produced by the group, and it came together in Grand Rapids and Detroit, the United Kingdom, Australia, and the Philippines: "I think the change in environment was really helpful to breathing new life into the process each time we came back to it," Dreyer says. Partly inspired by the 2017 psychological thriller First Reformed, NO ONE WAS DRIVING THE CAR reckons with malaise in the shadow of the looming apocalypse, which has noticeably been worsened by the advancement of tech. The title comes from a quote from a police officer Dreyer read in a news article about a lethal self-driving Tesla crash, an absurd event which raises questions about the amount of control we have in our own lives. In fourteen dynamic tracks, the band grapples with the existential topic and the human need to find comfort and a sense of security in an existence where we"re often thrust into chaos without permission.

„A Danger to Ourselves“, das neue Album von Lucrecia Dalt, erscheint am 5. September 2025 bei RVNG Intl. und ist eine gewagte und doch intime Reflexion über die ungefilterten Komplexitäten menschlicher Beziehungen. Ohne die fiktiven Erzählungen der letzten Alben der Künstlerin kommt „A Danger to Ourselves“ von einem Ort der emotionalen Aufrichtigkeit. Dalts Stimme steht im Mittelpunkt und wird von einer üppigen akustischen Orchestrierung, perkussiven Instrumenten und einer Reihe hochkarätiger Mitstreiter unterstützt, die sich wie ein tiefes persönliches Gespräch entwickeln.



Die in Pereira, Kolumbien, geborene Dalt wuchs in einer musikbegeisterten Familie auf, die sie im Alter von neun Jahren dazu ermutigte, eine Gitarre in die Hand zu nehmen. Dalt folgte diesem kreativen Impuls, war fasziniert von computergestützter Produktion und verließ eine aufkeimende Karriere als Bauingenieurin, zog von Medellín nach Barcelona und schließlich nach Berlin, wo sie ihren unverwechselbaren, abenteuerlichen Sound entwickelte. Mit „Anticlines“ (2018) und „No era sólida“ (2020) und vor allem mit „¡Ay!“, Dalts bahnbrechendem Sci-Fi-Bolero-Album von 2022, hat sich ihre Arbeit auf immer anspruchsvolleres Terrain begeben. Auf dem Weg dorthin hat Dalt ihre Praxis auf die Vertonung von Filmen wie „On Becoming a Guinea Fowl“ (2024), die HBO-Serie „The Baby“ (2022) und den bevorstehenden psychologischen Horrorfilm „Rabbit Trap“ ausgeweitet, während sie Klanginstallationen und Performances kreiert, die ihre leuchtenden Modulationen und ihren unverwechselbaren, sich entwickelnden stimmlichen Ansatz zur Schau stellen. „A Danger to Ourselves“ entstand aus fragmentarischen Erklärungen, die Dalt aufschrieb, während sie das Leben auf der Tournee von „¡Ay!“ und die prägenden Momente einer neuen Beziehung meisterte. Im Januar 2024 begann sie, diese intimen Fragmente zu musikalischen Kompositionen zu kristallisieren, die allmählich zu einer zielgerichteten Konstellation von Songs wurden. Die Klangarchitektur des Albums basiert auf dynamischen Drum-Loops, die von Alex Lázaro beigesteuert werden, dessen perkussives Rückgrat wie bei „¡Ay!“ zur Leinwand für Dalts vielschichtigen Gesang wurde. Anstatt konventionellen melodischen Strukturen zu folgen, erzeugt das Album Musikalität durch das Zusammenspiel von Basslinien, Rhythmen und kompositorischem Design. „A Danger to Ourselves“ offenbart Dalts kompromissloses Streben nach klanglicher Klarheit, bei dem kühne Produktionsentscheidungen und sorgfältige Aufnahmetechniken Stimme und Instrument mit neuer Tiefe und Strahlkraft harmonieren lassen. „A Danger to Ourselves“ ist eindeutig anti-konzeptionell und ein poetischer Instinkt, mit dem Dalt den Fokus auf die Musik selbst lenkt, indem er Stimmen verwendet, die über die Parameter der Songs hinaus schwingen, und die perlenden Echos der ursprünglichen, romantischen Erregung beobachtet. Dalts klare Aufmerksamkeit für Details ist in jedem Takt spürbar, eine Hingabe, die sich in konzentrischen Kreisen dreht und ein Feld bildet, das das Persönliche und das Ätherische vereint. Das Album basiert auf intuitiven Experimenten und nutzt einfache Gesten und komplexe Kompositionen, um wandernde Linien zu weben, wie in „Divina“, das sich zwischen Spanisch und Englisch durch elastische Klanglandschaften bewegt. Der Titel des Albums geht auf David Sylvians Text „cosa rara“ zurück, der die Zerbrechlichkeit des Lebens, die Schwingungen der Liebe und die treibende Sehnsucht nach dem Wundersamen symbolisiert. „A Danger to Ourselves“ spiegelt diese transzendenten Zustände wider, indem es die Komplexität menschlicher Verstrickungen und den Wunsch nach Befreiung von Dopaminspiralen und gewöhnlichen Pfaden hin zu einer offeneren inneren Welt widerspiegelt. Sylvian selbst hat auf „A Danger to Ourselves“ eine Doppelrolle als Co-Produzent und Musiker gespielt. Es ist eine kollaborative Collage mit Beiträgen zahlreicher gefeierter Künstler. Weitere Kollaborationen ziehen sich durch das gesamte Album: Juana Molina ist Co-Autorin und Interpretin von „The Common Reader“, Camille Mandoki singt bei „Caes“, Cyrus Campbell spielt den grundlegenden Elektro- und Kontrabass, und Eliana Joy steuert bei mehreren Stücken Hintergrundgesang und Streicherarrangements bei. In den leuchtenden Tiefen von „A Danger to Ourselves“ inszeniert Dalt eine tiefgreifende Metamorphose, bei der das Persönliche durch klangliche Alchemie zum Universellen wird. Dieses Album ist sowohl Höhepunkt als auch Aufbruch - ein Portal, an dem ihre früheren experimentellen Reisen zu etwas verblüffend Intimem und doch Expansivem zusammenlaufen. Das Album ist ein Netz emotionaler Offenbarungen, jede Komposition ein präziser Indikator für Verletzlichkeit, in der Dalts Stimme eine Offenbarung in neuen harmonischen Gefilden verkörpert. Dalt hat ein lebendiges Dokument der Intuition jenseits konventioneller Grenzen geschaffen, das den Weg in Bereiche eröffnet, in denen die Musik sowohl Spiegel als auch Fenster ist.



Für Fans von PJ Harvey, Broadcast, St. Vincent, ML Buch, Stereolab, Cate LeBon, Aldous Harding, Mabe Fratti, Dry Cleaning, Juana Molina

Auf ihrem 4.Album "Welcome to the Civilized World" sind Ghostwoman schärfer als je zuvor. Hypnotische Anflüge von Psych-Grunge, verfallendem Americana und zerfetzten Blues-Instrumentalstücken bilden die intuitive Tracklist; Evan Uschenkos dreckige Gitarren und knurrender, lebendiger Gesang und Ille van Dessels ätzende Schlagzeugbeats festigen die Essenz des Albums. Aufgenommen auf alten Instrumenten und einer Bandmaschine, ist die Kraft und das Gefühl der Platte stark - rücksichtslos, unlogisch und frei.

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

"Cutthroat ist eine wilde Fahrt. Es ist für den unerfahrenen Fahrer. Für denjenigen, der einfach nur schnell fahren will, ohne einen anderen Grund als den, dass es Spaß macht. Es wird von Hunger angetrieben. Hunger nach etwas Besserem. Nach etwas, von dem man einem gesagt hat, dass man es nicht verdient. Es ist instinktiv. Es ist roh. Es ist kompromisslos. Es ist die Person, die unangekündigt auf der Party auftaucht. Denn wenn du am Boden liegst, gibt es nur einen Weg - nach oben. Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren." - shame "Cutthroat" ist shame in seiner besten Form. Das neue Album mit Grammy-Preisträger John Congleton am Ruder ist unerbittlich, aufgemotzt und überladen. Es ist genau da, wo man shame haben möchte. "It's about the cowards, the cunts, the hypocrites", sagt Sänger Charlie Steen und ergänzt: "Seien wir ehrlich, von denen gibt es im Moment eine Menge." Die fünf Freunde aus Kindertagen - Charlie Steen, die Gitarristen Sean Coyle-Smith und Eddie Green, Bassist Josh Finerty und Schlagzeuger Charlie Forbes - sind noch in ihren Zwanzigern und haben shame exponentiell wachsen lassen, mit ehrgeizigen klanglichen Ideen und den technischen Möglichkeiten, sie umzusetzen. shame haben sich mit ihren legendären Liveshows und drei von der Kritik gefeierten Alben bereits mehrfach bewährt und waren bereit, mit "Cutthroat" ein neues Ground Zero zu schaffen. "Hier geht es darum, wer wir sind", sagt Steen. "Unsere Live-Shows sind keine Performance-Kunst - sie sind direkt, konfrontativ und roh. Das war schon immer der Kern von uns. Wir leben in verrückten Zeiten. Aber es geht nicht um 'Armes Ich'. Es geht um 'Fick dich'." Entscheidend für diese aufrüttelnde neue Sichtweise war Produzent John Congleton (St. Vincent, Angel Olsen). Von ihrem ersten Treffen an wurde Congletons "No-Bullshit"-Herangehensweise zu einer treibenden Kraft, um die Ideen der Band zu optimieren. Das Album ist durch und durch von shames typischen Sinn für Humor geprägt und nimmt sich der großen Themen unserer Zeit an und spielt fröhlich mit ihnen. Mit Trump im Weißen Haus und shame in den Salvation Studios in Brighton, werfen sie einen gnadenlosen Blick auf Themen wie Konflikte und Korruption, Hunger und Begehren, Lust, Neid und den allgegenwärtigen Schatten der Feigheit. Auch musikalisch spielt die Platte mit neuen Ideen, die ins Herz gehen. Coyle-Smith, der auf Tournee zum Spaß elektronische Musik macht, hatte die Loops, die er herstellte, zuvor als etwas anderes betrachtet als das, was er für shame schrieb. Dann wurde ihm klar, dass sie das vielleicht gar nicht sein müssen. "Diesmal konnte man alles verwenden, wenn es gut klang und man es richtig machte", sagt er. Die erste Single und der Titeltrack von "Cutthroat" greifen diese Idee auf und machen daraus den vielleicht besten Song, den shame je auf Band gebracht haben. Es ist ein Knäuel kaum zu bändigender Attitüde, verpackt in drei Minuten Indie-Dancefloor-Hedonismus. Er führt auch meisterhaft in die lyrische Perspektive des Albums ein: eine, in der selbstsichere Arroganz und tiefe Unsicherheit zwei Seiten der gleichen Medaille sind. "Ich habe viele Stücke von Oscar Wilde gelesen, in denen sich alles um Paradoxe dreht", erklärt Steen. "In 'Cutthroat' geht es um diese ganze Idee aus 'Lady Windermere's Fan': 'Das Leben ist viel zu wichtig, um ernst genommen zu werden'." Auch diese freche Selbsterkenntnis ist wichtig. So sehr shame die Seifenblasen des Getöses und des Egos zerplatzen lassen wollen und uns ermutigen, in den Spiegel zu schauen und uns zu fragen: "Wer den ersten Stein wirft...", so sehr verstehen sie auch, dass das Leben im Grunde genommen oft lächerlich ist. Das Ergebnis ist ein Album, das in den Idiosynkrasien des Lebens schwelgt, eine Augenbraue hochzieht und die unangenehmen Fragen stellt, die so oft taktvoll übergangen werden. Aber die einzige Antwort, die "Cutthroat" mit durchschlagendem Erfolg gibt, ist, dass shame im Moment nie besser klangen.

Auf ihrem 4.Album "Welcome to the Civilized World" sind Ghostwoman schärfer als je zuvor. Hypnotische Anflüge von Psych-Grunge, verfallendem Americana und zerfetzten Blues-Instrumentalstücken bilden die intuitive Tracklist; Evan Uschenkos dreckige Gitarren und knurrender, lebendiger Gesang und Ille van Dessels ätzende Schlagzeugbeats festigen die Essenz des Albums. Aufgenommen auf alten Instrumenten und einer Bandmaschine, ist die Kraft und das Gefühl der Platte stark - rücksichtslos, unlogisch und frei.

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

"Double Infinity" folgt auf das Grammy-nominierte Album "Dragon New Warm Mountain I Believe In You" und wurde im letzten Winter in der New Yorker Power Station aufgenommen. Drei Wochen lang pendelte die Band mit ihren Rädern auf vereisten Wegen zwischen Brooklyn und dem Studio in Manhattan hin und her, um dort Tag für Tag zusammen zu spielen, zu improvisieren und zu arrangieren. Daran war neben der Kernbesetzung Adrianne Lenker, Buck Meek und James Krivchenia eine Community von zehn Musikerinnen und Musikern beteiligt. "Double Infinity" wurde so live mit minimalen Overdubs vom langjährigen Band-Partner Dom Monks aufgenommen, der auch Engineering und Mix übernahm.

Brbko, one of the UK underground’s most enigmatic artists, shares his debut album ‘BRAK VS. BRAK’ via acclaimed label Scenic Route. The release is accompanied by new focus track ‘JOGA 07’ a bold, introspective moment marking a turning point in the project’s emotional arc.

BRAK VS. BRAK is a genre-fluid meditation on life, death, and duality, using the afterlife as a metaphor for ego, rebirth, and reflection. Its title nods to an episode of Samurai Jack, where the hero confronts a darker version of himself, a fitting metaphor for Brbko’s own exploration of internal conflict. “It’s about realizing that your demons aren’t always from outside,” he says. “Sometimes they’re of your own making.”

Written across Manchester, Lewisham, Paris, and New York, the album moves through raw vulnerability and surreal visions. It opens with ‘BONSAM 2’ a raw intro tackling power, appropriation, and immortality, before ‘POWER OF 6’ reflects on clout and connection. The title track pits Brbko against his own shadow, while ‘BUZZ LIGHTYEAR’ distills ego and isolation into a dreamy freestyle. ‘DARK CLARITY’ offers bittersweet closure through minimalist production and vivid intimacy. The mood shifts with ‘JOGA 07’, where faith and lightness emerge as redemption.

Manchester-born and Lewisham-based, Brbko has quietly shaped UK underground music: from pirate radio and stage curation to collaborations with Alice Glass, Zed Bias, and Andrew Aged. GQ calls him “an essential part of underground music,” while Dazed praises him as “a stir in the contemporary grime scene.”

With ‘BRAK VS. BRAK’, Brbko delivers his most personal and expansive work to date.

I H8 Camera is the improvisation collective of ‘Master of Ceremonies’ Rudy Trouvé who, for more than 15 years now, has been leading an ever-changing line-up of absolute top-notch musicians through an insane adventure across rock, jazz, folk, krautrock, no wave, post-punk...boundless improvisation starting from a few brief pointers...innovative, contrary, abrasive and often very brilliant.

This double album was recorded during a 5 day residency at the famous club L’Archiduc in Brussels with a killer line up of Rudy Trouvé (Guitar, vocals) Stef Kamil Carlens (Bass, vocals), the late and dearly missed Matt Watts (Vocals), Teun Verbruggen (Drums), Teuk Henri (Guitar) and Jef Mercelis (Korg MS 10). Guest appearances by a.o. Roland Van Campenhout (Guitar) and Catherine Graindorge (Violin).
An intense and adventurous album, super hot CBGB’s vibes in Brussels!

Emerging from the shadows of a small apartment in Chicago’s South Side Pilsen neighborhood in 1999, Winterlight was produced and mixed by Daniel Thompson over the course of three years, from 1999 to 2002. It’s an intimate and evocative album that captures a pivotal chapter in Thompson’s life and echoes the spirit of a formative era in the underground music scene.
Thompson’s journey began in the heat of Houston, Texas, where his love for sound quickly became an obsession. By the late ’90s, he was among the first DJs in Houston to champion the sound of Chicago house, often driving long distances from Texas to Chicago in search of records, inspiration, and connection. These trips—equal parts pilgrimage and education—eventually led him to relocate to Chicago, where his artistic vision would fully take shape. Winterlight is the direct result of that move. Crafted over several years, the album embodies a raw, hands-on approach to production, built from analog synths, outboard gear, and hours of meticulous layering. Thompson leaned on tools like the Kurzweil K2000, SE-1, Juno-106, and classic processors such as the DP4 and TC Electronic units, shaping each track with
care and intention.
Blending atmospheric textures with hypnotic rhythm and subtle experimental flourishes, Winterlight captures the sound of an artist deeply engaged with his tools and surroundings. His extensive vinyl collection—over 3,000 records—served as both palette and inspiration, with carefully chosen samples lending further depth and narrative to the music. Now set for release across all digital platforms and as a limited double 12" vinyl edition through Berlin’s Word & Sound, Winterlight invites listeners into a soundscape that is both immersive and personal. More than just an album, it is a sonic document of a moment in time—rich in tone, memory, and intent. For those willing to listen deeply, Winterlight offers a rare window into the underground spirit of the early 2000s and the inner world of a producer finding his voice.

Spiritual Soul ist das nächste Ziel auf der Reise der Eccentric Soul Serie und bietet einen seltenen Groove mit einem transzendenten, introspektiven Flair. Gespickt mit üppigen Bläserarrangements und verankert durch warme, reflektierende Rhythmen, kanalisiert diese Compilation den meditativen Puls einer spirituellen Seele. Ein solider Begleiter für die stille Kontemplation - ob Sie nun in eine Sonntagslektüre vertieft sind oder durch die stillen Predigten der Natur wandern.

World Of Echo announces the reissue of two remastered albums by Japanese guitarist and songwriter Naoki Zushi, 1988’s Paradise, and 2005’s III. Two classics of Japanese psychedelia, both Paradise and III were originally released on Org Records, the imprint of Shinji Shibayama of acid-folk group Nagisa Ni Te, with whom Zushi has guested on second guitar for decades. Both intimate and expansive, rich with revelatory songwriting and blasted, sky-scouring guitar, these reissues return these albums to print for the first time since the 2000s. It’s the first time III has been officially released on vinyl, with an extra, previously unreleased track, “Under The June Moonlight.”

Recorded in Kyoto’s Townhouse Studios in mid 1987 and released in limited-to-500 vinyl pressing in 1988, Paradise emerged from a scene in Kansai, Japan that was embracing the idiosyncracies of 1970s singer-songwriters, the soaring solos of early seventies psychedelia, and the DIY impulse of 1980s post-punk. While Zushi’s musical history stretched back to the early eighties – he was a founding member of Jojo Hiroshige’s noise outfit Hijokaidan – he found his feet with groups like Hallelujahs, whose dream-pop collection Niku O Kuraite Chikai Wo Tateyo was recently reissued by Black Editions, and Idiot O’Clock.

Paradise appeared two years after that Hallelujahs album and share much the same membership – Zushi’s backing band on several of the songs includes Shibayama on drums and Ken-Ichi Takayama (aka Idiot) on electric guitar, though just as often, Zushi plays all the instruments himself. The coordinates here are wide-reaching – you can hear the volume and intensity of Neil Young & Crazy Horse (on “Hallelujah: Left Side” and “Paradise: Midday”), the slow-motion magic of Galaxie 500, the idiosyncratic spirit of The Only Ones, all mixed up with tender guitar miniatures and stumbling garage-psych-pop moves.

Seven years later, after the transitional album Phenomenal Luciferin, Zushi released III. Perhaps his masterpiece, it’s already been bootlegged on vinyl, but this reissue is the real deal. The album was recorded at Studio Nemu over seven years, and sees Zushi backed by Shibayama (bass) and Masako Takeda (drums), his erstwhile bandmates in Nagisa Ni Te. By this stage, Zushi had started to really stretch out, and many of the songs on III swoon languorously, taking their sweet time to say what they need to say. It’s rich with lovely, melancholy songs, in a similar realm to bandmates Nagisa Ni Te, of course, but you can also hear traces of everything from Syd Barrett’s The Madcap Laughs, through seventies private press loner folk, to the slow-burn meanderings of the likes of early Low or Damon & Naomi.

When interviewed by Shibayama in the mid-nineties, Zushi said of Paradise, “it was a sort of collection of songs that had meant something to me up to that point… it was my paradise. I wanted to create paradise.” That’s something Zushi achieves on both of these albums – visionary Japanese psychedelia, en route to paradise. - Jon Dale







g Under The June Moonlight vinyl only bonus track

Makhunik Records Presents: "Withdrawals" - A Bold New Vinyl Release by RAKANS Withdrawals, the highly anticipated follow-up to Emergence EP and Deep State (Midnight Stallion) EP, marks a bold new chapter in RAKANS's ever-evolving sonic journey.

Set for release on I Makhunik Records, Withdrawals explores the tension between desire and detachment, featuring five tracks that blur the lines between electronic, experimental, and club sounds. Available on vinyl, Withdrawals invites listeners to experience the raw and intimate emotions that inspired its creation. Following the success of Emergence EP (Gently Leftfield Techno from a Core Dresden Artist - Resident Advisor/Single Review by Andrew Ryce) and Deep State (Midnight Stallion) EP on Boudica, which gained recognition for their atmospheric intricacies and deep, immersive textures, Withdrawals delves deeper into personal and societal themes, paired with the artist's signature ethereal soundscapes and captivating beats. Each track carries a narrative, from late-night reflection to hedonistic encounters, with a pulsating intensity that mirrors the artist's own process of creative and emotional release. With Withdrawals, RAKANS continues to push boundaries, creating a profound listening experience that resonates both in its melancholy and its intensity.

Description of the Title: The title Withdrawals reflects a state of emotional and mental transition, where one is caught between the craving for connection and the unsettling effects of isolation. It symbolizes the artist's inner turmoil and process of reclaiming personal agency after experiences of burnout and separation. The tracks are an expression of that journey-tracking the highs and lows of life in a world that constantly demands more. Through these melodies, RAKANS has captured the intensity of longing and the aftermath of desire, inviting listeners to confront their own internal conflicts. The narrative is personal yet universally relatable, and the title speaks to the often painful but necessary process of letting go, detoxifying from past habits, and learning to be at peace with oneself. "With Withdrawals, He wanted to channel the emotions that often come from the struggle between desire and self-preservation, between the drive to connect and the need to retreat. he's journey, both as an artist and as an individual, has been filled with moments of intense reflection, self-discovery, and sometimes, disconnection.

These tracks are the culmination of that inner conflict, a raw exploration of what it means to both lose oneself and find a deeper, often painful, form of clarity. Like the music he's created before, the sound of Withdrawals speaks to the space between tension and release, the liminal space where truth is often revealed in its most vulnerable form. He's always believed that music is a mirror to the soul, and in this EP, He's tried to reflect that feeling of being both pulled in and out of something greater. It's a raw and intimate look at the way we navigate modern life, often feeling like we're running toward something that we can't quite reach, yet constantly pulled back into our own personal truths.

This EP is personal, but it's also for anyone who's ever felt caught between two worlds, the one they want and the one they need. I hope it resonates with listeners who are experiencing their own form of withdrawal, whether it's from people, places, or even from themselves.

Wenn es darum geht, seinem eigenen Meister zu folgen, haben die PSYCHIC ILLS aus New York das seit ihren Anfängen 2003 perfektioniert. In den frühen Jahren gab es einige Veröffentlichungen bei Social Registry, und die Band verbrachte seitdem viel Zeit auf der Straße und kollaborierte mit so unterschiedlichen Künstlern wie Gibby Haynes von den BUTTHOLE SURFERS und Sonic Boom (SPACEMEN 3 / SPECTRUM). 2011 machte sich ,Hazed Dream", die erste Platte für Sacred Bones, über verdrehte Synthesizer her und wurde zu einer Platte sonnenverbrannten Psych Pops voller warmer Töne und Blues Songwriting. 2012 erledigte die Band zwei komplette US-Touren inklusive eines Stops auf dem Austin Psych Fest und einen Trip nach China. PSYCHIC ILLS nahmen ,One Track Mind", ihr viertes komplettes Album, im Herbst 2012 auf. Das Album wartet mit Kollaboration und Produktion von Neil Michael Hagerty von ROYAL TRUX und THE HOWLING HEX auf. ,One Track Mind" ist das direkteste Rockalbum, das die PSYCHIC ILLS jemals aufgenommen haben.

DESTRUCTION UNIT sind eine amerikanische Band, die in der Wüste Arizonas zusammenkam. Gegründet von Ryan Rousseau waren D. UNIT ursprünglich ein synthielastiges Trio, dessen andere Mitglieder Jay Reatard und Alicja Trout (LOST SOUNDS) waren - ebenso war Rousseau ein Mitglieder der REATARDS, bevor Jay auf Solopfaden wanderte. Geboren im Dunstkreis der Memphis Goner Records Szene und verpflanzt nach Tempe, Arizona, hat Rousseau des Band zu einem kompletten Soundangriff geformt, für den drei Gitarristen (er selbst, Nick Nappa und Jesco Aurelius), sein Bruder Rusty am Bass und ein 19-jähriger, klassisch ausgebildeter Schlagzeuger, Andrew Flores, verantwortlich sind. DESTRUCTION UNIT haben auf dem bandeigenen Label Ascetic House bereits einige Kassetten, auf Jolly Dream eine LP namens ,Void" und kürzlich eine limitierte 7" auf Suicide Squeeze veröffentlicht. ,Deep Trip" ist ihr erstes echtes Studioalbum. Produziert von Ben Greenberg von THE MEN, HUBBLE & PYGMY SHREWS im Vacation Island Studio in New York. Morphium Boogie für den Noisesüchtigen des 21. Jahrhunderts. "Skull-crushing repetition, menacing walls of nuanced guitar noise, feedback magick wah'd from hell to the sky, a sprawling kraut backbone, evil melodies." - Pitchfork

The latest by Andrew Clinco's acid punk alias VR SEX takes its title from an architectural phrase but more importantly refers to the warped, wicked underworld the songs both chronicle and condemn. Donning the moniker Noel Skum - an acerbic anagram of Elon Musk - Clinco vents his scorn for and fascination with the seedy, surreal margins of low-life Los Angeles, doomed to dead ends of vanity, lust, and technology. Although initially launched as an outlet for "heavier sounds" beyond Clinco's duties in new wave fantasists Drab Majesty, the project has ripened into a compelling exercise in world building, weaving themes of gritty city neofuturist sleaze within a framework of driving, distorted guitars and cathode-blasted synths. Echoes of Chrome, Wire, Minimal Man, and Sisters Of Mercy ripple through the collection but ultimately Rough Dimension charts its own twisted vision of "our unforgiving reality." Written and demoed across two weeks alone in a Marseille flat using his prized 1980's Gibson "Invader" and a laptop, Clinco then took the tracks to Strange Weather studios in Brooklyn to record with Ben Greenberg (Uniform, The Men) who helmed 2019's debut, Human Traffic Jam. The results are notably ripping, refined, and riveting. Riffs in alternate tunings chug and churn over mid-tempo drums punctuated by spikes of sci-fi electronics while the vocals swagger and spit venom ("where we walk is also where we shit / but if we bark at our reflections are we hypocrites? / impulses bleed right into our seed / where hate culminates the apple rotted on the tree"). It's a bristling mix of the melodic and the macabre, absurdist observations of fast living and desperate measures, the clock of youth ticking towards midnight as dreams unravel in Babylon. VR SEX's specialty is making these cautionary tales of psychic decay and tainted love a thrill rather than a drag. There's a sunglasses at night glamor to Clinco's choruses and solos, a wit to his black leather judgements ("what is the answer / to cancerous people / walking in my line of sight?"). The music's milieu tends towards parasites and predators but its mood skews refreshingly accelerated and amused, cruising the strip with a cigarette, watching goths and limousines crawl in gridlock beneath digital billboards. The Rough Dimension may be a cesspool, but it's home.

In the spring of 2020, Ben Cook _ a.k.a. Young Governor, Young Guv, or just Guv _ was holed up in the New Mexico high desert, his U.S. tour having been abruptly covid-cancelled during a southwest swing. He and his bandmates were living moment to moment in something called an Earthship, a solar-rigged adobe structure sustainably constructed with, among other things, recycled bottles and tires. And out there in the serene vastness, as a short ride-it-out stint turned into a nine-month sojourn, Ben was writing music, slowly, little by little, mostly at night while the others slept. By the New Year, almost in spite of himself, he had created a new album, two new albums actually, and through the ordeal he was forever changed. In a place he never expected to be, under circumstances no one could have predicted, and in the face of physical isolation, emotional desolation, and existential dread, Ben created GUV III & IV, a collection of songs dedicated and testifying to the eternal healing power of love _ how to find it in the world, in others, and most importantly, in himself.

Dies ist das achte Album von DESTROYER, das ursprünglich 2008 erschien. Hier etabliert sich Dan Bejar aus Vancouver als ein Künstler, der so verschroben und rätselhaft wie DAVID BOWIE, so symphonisch und bombastisch wie SCOTT WALKER und so fantastisch literarisch wie BOB DYLAN ist. Eine Sammlung von Songs, die frisch und neu ist und dennoch wie die Faust aufs Auge in das Werk von DESTROYER passt. ,Von allen zeitgenössischen Schreibern ist er der größte Einfluss und die größte Inspiration. Weil er anmaßend ist, aber anmaßend auf die Art und Weise, die es zu einem Spiel macht, uns vorzumachen, wie grandios wir alle sind." - Will Sheff, OKKERVIL RIVER

Two years after Jazz N Palms served up his sumptuous Ses Rodes album, the Ibiza-based Italian is back with a series of 'Revisades', which means reviews in local language. Each track on this double 12" takes the original instrumentals into fresh realms with new mixes, new drum arrangements and the recovery of old takes not used on the original album.

The Jazz N Palms label and producer is Riccio, an artist who makes lush jazz-fusion, jazz dance, Balearic and downtempo instrumental music. Ses Rodes was inspired by the quiet, organic, slower side of Ibiza. It was written with young, talented local musicians, Riccio met at a jazz night at the famous Pikes hotel, and the record harks back to the island's beautiful natural charms that have been captivating visitors for hundreds of years. ‘They didn't ask me, but I did it anyway,’ he says of these magical new Revisades.

The reworks kick off with a smooth but busy broken beat rework of 'Manana', which is doused in romantic chords. 'Mediodia' becomes a jazz-funk gem, 'Tarde' picks up the pace with silky disco licks and 'Noche' glows warm with dreamy pads and soft focus vibraphone. The gentle grooves of 'Mar' are led by a sexy sax line and intimate interplay between funky bass and jazzy keys, 'Playa' is loved-up, sun-down bliss, 'Bosque' is an irresistible invitation to dance and 'Cielo' is a rich tapestry of horns, keys and percussive patter to soothe the soul.

With its deeper textures and looser grooves, Ses Rodes (Revisades) is a love letter to Ibiza’s slower side and healing spirits.

Welcome to a kaleidoscopic picnic where you can feast on a music scene that was rich, sparkling, multi-colored, ground-breaking and it'll blow your mind. A prodigious soundscape that blends the Caribbean and the Amazon sophistication and flavors; raw yet delicate textures. "Joropop. Psych Pop & Folk in Venezuela, 1968-1976" features infectious Latin rock rhythms and timeless folk melodies across 15 ultra-rare tracks-most of which have never been reissued until now. Let's set off together to discover the magic of Caracas in the late '60s! DESCRIPTION Welcome to a kaleidoscopic picnic where you can feast on a music scene that was rich, sparkling, multi-colored, ground-breaking and it'll blow your mind. A prodigious soundscape that blends the Caribbean and the Amazon sophistication and flavors; raw yet delicate textures. "Joropop. Psych Pop & Folk in Venezuela, 1968-1976" features infectious Latin rock rhythms and timeless folk melodies across 15 ultra-rare tracks-most of which have never been reissued until now. The golden age of Caracas pop started in 1965. It replaced the wave of cloyingly romantic song writing as fresh talents leant into richer and more complex styles: folk-rock, psychedelia, soul, hard blues, symphonic pop, Latin rock etc. Singer-songwriters, experimental electric guitars and jam sessions all appeared on the scene, creating music that became increasingly refined and free. The industry took a while to catch on to this new trend and leave behind the teen idols and dream lifestyles. By the late 60s, there was a long list of new bands in the capital city. Young people finally found their voice. Let's set off together to discover the magic of Caracas in the late '60s!

Nach über einem Jahrzehnt psychedelischer Odysseen, Kultstatus und internationaler Tourneen kehrt Dresdens beliebtes Psych?Kollektiv The Roaring 420s mit "We're All In It Together" zurück - dem lang erwarteten dritten Album und zugleich triumphalen Abschiedswerk der Band in ihrer ursprünglichen Besetzung. Die Songs glänzen mit 60s-Gitarren, wirbelnden Orgeln, Reverse?Fuzzes und strahlenden Gesangsharmonien. Ob man es nun Garagenrock, Surf, Psych oder Exotica nennt - eines ist klar: Diese Fahrt wird wild. Und wir sind alle dabei.

25 Jahre „Kassengift“ – Die exklusive Jubiläumsedition von ROSENSTOLZ!
Seit über drei Jahrzehnten zählen ROSENSTOLZ zu den erfolgreichsten und prägendsten Acts der deutschen
Popgeschichte. Mit zahlreichen Nr. 1-Alben, Millionen verkauften Tonträgern und etlichen Gold- und
Platin-Auszeichnungen haben sie Musikgeschichte geschrieben.
Im September 2000 erschien mit „Kassengift“ ihr erstes Nummer-1-Album – ein Meilenstein, der den
endgültigen Durchbruch markierte. Jetzt, 25 Jahre später, feiert das Kult-Album sein großes Comeback –
in einer limitierten Sonderedition auf Vinyl, wie es sie noch nie gegeben hat!
Die Highlights der Jubiläumsausgabe:
Erstmals kommt die Edition auf farbigem Vinyl in edlem Transparent-Orange und Petrol.
Mit einem ausgestanztem Schriftzug des Albumtitels und dem Bandnamen – ein echter Hingucker.
Dies als Limitierte Sammlerauflage – nur solange der Vorrat reicht.