Buscar:dur

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

Ob vor der Kamera, am Mikrofon oder jetzt im Musikstudio - Marleen Lohse beweist erneut ihr kreatives Gespür und ihre Vielseitigkeit. Bekannt ist sie aus erfolgreichen TV-Produktionen wie "Nord bei Nordwest", "Unsere wunderbaren Jahre", "Katakomben" oder Kinofilmen wie "Cleo", "La Palma" und "Happy Burnout". Nun zeigt sie eine neue Facette ihres Talents - als Musikerin. Mit "Wide Awake" veröffentlicht sie ihr erstes Album auf ihrem eigenen Label Amore Mio - ein Werk voller Gefühl, Tiefe und musikalischer Handschrift. Die Songs bewegen sich zwischen introspektivem Indie und melodischem Pop, getragen von einer warmen, atmosphärischen Klangwelt. Gemeinsam mit Andi Fins (u.a. Cäthe, Moritz Krämer) entstanden Texte und Melodien, die berühren und im Ohr bleiben. Für den Sound sorgte ein erfahrenes Team: Hanno Stick (Judith Holofernes) am Schlagzeug, Julius Hartog (Andreas Bourani) und Tim Neuhaus (Clueso, Glen Hansard) an den Gitarren. Henrik Menzel (Udo Lindenberg, Yvonne Catterfeld) verlieh dem Album durch Co-Produktion, Mix und Mastering seinen finalen Glanz. "Wide Awake" ist ein musikalisches Statement - ehrlich, emotional und eigenständig. Für alle, die Musik mit Charakter und Seele lieben.

"Humdrum" ist das neue Album des Ostlondoner Sextetts Home Counties. Geschrieben im Sommer 2024 und aufgenommen im vergangenen Herbst mit Al Doyle von LCD Soundsystem, behandelt das zweite Album der Band Themen wie streitsüchtige Kommunikation, stillen Groll und die Spirale des Grübelns. Erzählt durch die Doppelstimmen und Perspektiven der Leadsänger Will Harrison und Lois Kelly, setzt "Humdrum" auf drahtige Grooves, zwischen Bedrohung und Euphorie schwankende Synthesizer und messerscharfe Pop-Instinkte – und verpackt vertrackte Ideen in Songs, die sich zugleich sorgfältig konstruiert und vergnüglich verrückt anfühlen.

Das ursprünglich 2013 veröffentlichte einzige gemeinsame Album von Adam Green von The Moldy Peaches und Binki Shapiro von Little Joy ist eine charmante Ode an den Folk-Pop der 60er Jahre. Das Album nahm Gestalt an, als Green Little Joy einige Jahre zuvor auf einer Südamerikatournee unterstützte. Obwohl die zehn Duette hier offen über gescheiterte Romanzen und die daraus resultierenden emotionalen Turbulenzen sinnieren, sind sie überraschend sanft und sachlich gehalten. Auf luftigen Melodien und gezupften Gitarren, die durch subtile Synthesizer-Klänge akzentuiert werden, unterstreicht das Album die gegenseitige Bewunderung der beiden Musiker für ihre Arbeit und lädt zum wiederholten Hören ein.

Die britischen Afro-Dub-Meister Soothsayers liefern mit "Fly Higher" ihr wohl bestes Werk ihrer drei Jahrzehnte langen Geschichte ab. Ihr mittlerweile 12. Studioalbum spiegelt die Essenz der Band aus Afrobeat, Soul, Jazz und Dub-Grooves wider. Die mitreißenden, eingängigen Melodien kommen durch dreistimmige Harmonien, Bläser-Hooks und hypnotisierende Basslines voll zum Ausdruck. Der Sound ist organisch und warm im originellen Soothsayers Songwriting-Stil, der eine Vielzahl von Einflüssen kombiniert, aber Klischees und Vorhersehbarkeit vermeidet. Featuring u.a. Youthsayers, die jamaikanische Jazzikone Tommy McCook, die britisch-nigerianische Sängerin Lizzy Donsumu, den ehemaligen Fela Kuti-Keyboarder Dele Sosimi und die britische Jazzmusikerin Julia Biel.











[i] BJP (Big John Price) [feat. Youthsayers]

For the first time in full, a unique anthology of Hungarian TV and radio recordings by the legendary guitarist Gábor Szabó, captured during his return visits to Budapest in 1974, 1978, and 1981. This historic collection documents the deeply personal reconnection of an exiled artist with his homeland, bridging musical worlds and emotional landscapes.


The first disc features both studio and concert recordings with some of Hungary’s top jazz players of the era, including the legendary double bassist Aladár Pege and renowned vocalist Kati Kovács. The second disc includes a rare televised concert from the Hilton Hotel (1978) and Szabó’s final known performance — a moving rendition of “From a Dream” recorded in 1981.


The music collected here captures a poignant duality: Szabó as both American and Hungarian, outsider and homecomer. This is one of the most intimate and emotionally charged chapters of his career and a musical homecoming, rich in atmosphere and soul.


As always with Ebalunga!!!, Gábor Szabó’s legacy is treated with great care and passion. This edition features a 2LP gatefold vinyl release, complete with an in-depth essay by Szabó’s official biographer Douglas Payne — a fascinating piece of cultural and musical research in its own right.
The visual design is the work of artist and industrial designer Anton Bogdanov. With no use of AI tools — just handwork, imagination, and deep respect for the material — the artwork invites the listener to spend long evenings in its layered atmosphere.


Mastering is by Grammy-nominated engineer Jessica Thompson, whose work has revived dozens of legendary archival recordings — including the previous four Szabó releases on Ebalunga!!!.


This album is also available as a 2CD set in an elegant 6-panel digipak, crafted with the same care and attention as the vinyl edition.


Two hours of sublime music, stunning sound, and timeless packaging — a true gift for fans of Szabó and those who cherish deep, living jazz traditions.

Auf "Describe" lernt Hannah Jadagu auf die harte Tour, dass Entfernung relativ ist. Nachdem ihr Debütalbum "Aperture" aus dem Jahr 2023 von Medien wie der New York Times und NPR mit begeisterten Kritiken bedacht wurde, führte Jadagus aufblühende Karriere sie weg von ihrer aufblühenden Beziehung in New York. Auf ihrem expansiven zweiten Album setzt sie sich mit dieser Trennung auseinander, findet Verbindungen, die über das Physische hinausgehen, und stärkt dabei ihre eigene Stimme. "Describe" schwingt diese Spannung zwischen dem Wunsch nach Verbindung und dem Verlangen nach Freiraum mit. Wie schon auf ihrem Debütalbum sind die Texte von einer emotionalen Präzision geprägt, die nur aus gelebten Erfahrungen stammen kann. "I've been five thousand miles away", singt sie über hallende Hi-Hats in "More" - "Why does three thousand feel like more?" Aber diese Distanz hat Jadagu auch dazu gebracht, neue Dimensionen ihres Sounds zu erkunden. "Ich stehe total auf Künstler, die Analoges mit Modernem mischen können", sagt sie, und der Umzug nach Kalifornien für den Sommer gab ihr die Möglichkeit, neue Kollaborateure kennenzulernen und mit analogen Synthesizern und Drum Machines zu experimentieren. Während das warme Summen ihrer Gitarre ihr Hauptinstrument für "Aperture" war, begann sie zu spüren, dass ihre Muskelgedächtnis sie zurückhielt. "Es war befreiend, an einem Synthesizer sitzen und eine Note spielen zu können, während ich meine Stimme erkundete", sagte sie. "Das empfand ich als etwas befreiender als das Spielen auf einer Gitarre." In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Sora Lopez in seinem Studio in Altadena und aus der Ferne mit dem Co-Produzenten und Kollaborateur von ,Aperture", Max Baby, aus Paris, schuf Jadagu einen Sound für "Describe", der unverkennbar ihr eigener ist und sich völlig von den verzerrten Gitarrenmelodien ihres Debüts unterscheidet. Ein Großteil von "Describe" handelt jedoch von dem, was ungesagt bleibt: ,In diesem Album versuche ich vor allem, Ideen auszudrücken, die nicht immer so konkret sind", sagte Jadagu. ,Es ist einfach ein Fluss von Dingen, die ich fühle, durchlebe und ausdrücke." Passenderweise endet "Describe" mit "Bergamont", einem Song, in dem Jadagu einige ihrer bisher ehrlichsten Texte zu einem vielschichtigen Synthesizer-Sound singt, der die Anspannung und Entspannung eines langen, reinigenden Atemzugs nachahmt. "I hope you find something true to you ", singt sie. Auf "Describe" sucht Jadagu nach Worten, um die Wahrheit zu beschreiben, nach ihren eigenen Vorstellungen, und genießt die Ungewissheit dieser Reise.

Das Dance Arts Center ist ein maximalistisches, genreübergreifendes Musik- und Performance-Projekt der in Los Angeles lebenden Künstlerin Nicolette Norgaard. Angetrieben von Tanzmusik und verwurzelt im Geschichtenerzählen, ist DAC der Ort, an dem Club auf Theater trifft und die Seele des Performers auf das Werkzeug des Produzenten. Ihr Debütalbum ,dance arts center presents" ist ein Konzept-Mixtape im Stil einer fiktiven Broadway-Cast-Aufnahme, komplett mit Ouvertüre und Entr'acte. Es untersucht, wie wir uns in Beziehungen verhalten, uns emotional verkleiden, uns für die Liebe verwandeln und wie die Show manchmal auch nach dem Fallen des Vorhangs nicht endet. Klanglich bewegt es sich in einer Welt aus synthlastiger, grooviger Tanzmusik, die von Indie-Pop-Sensibilität und durchdachtem Songwriting geprägt ist. Jeder Song ist eine Geschichte, und jeder Beat trägt etwas Schwereres in sich, als er vermuten lässt. Aber DAC ist nicht nur aufgenommene Musik, sondern ein sich ständig weiterentwickelndes Live-Erlebnis. Norgaard bringt das Projekt mit der Präzision einer ausgebildeten Performerin und der Freiheit einer Person, die auf der Tanzfläche erwachsen geworden ist, auf die Bühne. Die Live-Show ist theatralisch, narrativ, verspielt und selbstbewusst. Sie bezeichnet es als ,dekonstruiertes Theater" und verwendet von Fosse inspirierte Choreografien, Personas, Metafiktion und Sketche, um etwas zu schaffen, das die Grenzen dessen, was Musik und Theater ,sein sollten", sprengt.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Für Joyer, das Indie-Rock-Duo der Brüder Nick und Shane Sullivan von der Ostküste, ist Distanz in letzter Zeit ein seltsamer roter Faden - Distanz von zu Hause, Distanz zueinander, Distanz von einer stabilen Routine. Ihr aktuelles Album ,On the Other End of the Line_" reflektiert, wie Aufenthalte an weit entfernten Orten sie geprägt haben, Ängste und ein brennendes Verlangen nach Verbindung offenbart haben. Letztendlich ist es jedoch eine hoffnungsvolle Reflexion zweier unterschiedlicher Perspektiven auf wechselnde Kulissen und den Druck der Kreativität, gefiltert durch eingängige Ernsthaftigkeit und knackige Sechs-Saiten-Klänge. Seit ihrem letzten Album ,Night Songs", das 2024 erschien, sind sowohl Nick als auch Shane in andere Städte gezogen - Nick von Brooklyn nach Philadelphia und Shane von Boston nach Brooklyn - und mussten sich an ein neues Leben gewöhnen. Zusammen mit Joyers immer hektischer werdendem Tourplan, bei dem sie mit Horse Jumper of Love, Wishy und villagerrr, um nur einige zu nennen, suchten die Brüder nach gesünderen Ansätzen für ihr Leben auf Tour und zu Hause und kämpften mit der Einsamkeit in einer neuen Stadt. Trotz der Höhen und Tiefen war das Tourleben für Joyer bereichernd - sie trafen Gleichgesinnte und wuchsen als Band zusammen, was den Wunsch nach neuem Material weckte. Eifrig darauf bedacht, die Pop-Melodik von Night Songs noch weiter voranzutreiben, begannen Joyer mit dem Schreiben eines neuen Albums und buchten acht Tage in einem Studio in Chicago mit Henry Stoehr von Slow Pulp, der sie zu einem experimentelleren Aufnahmeprozess ermutigte, der an Joyers Zeit vor der Live-Band erinnerte, als sie ohne Deadlines im Keller ihrer Mutter Demos aufnahmen. Sie reduzierten ihre Shoegaze-Einflüsse zugunsten folkigerer Elemente und weniger konventioneller, ambitionierterer Arrangements. On the Other End of the Line_ zeigt Joyer von ihrer verletzlichsten Seite, weniger auf Bilder und Abstraktionen setzend und einen Blick auf ihr brodelndes Inneres gewährend.

Local Action is proud to present Daughters, the debut album by Jennifer Walton.

Walton is a beloved figure across various sectors of the alternative music underground. Outside of her own music and soundtrack work, she has been a live drummer for Kero Kero Bonito, collaborates with Sarah Midori Perry on the pair’s Cryalot project, has remixed Metronomy and worked with Iceboy Violet, BABii and more. She also makes music and DJs with close friends aya and 96 Back under the name Microplastics, and recently contributed to London collective caroline’s acclaimed caroline 2 album.

The first seeds of Walton’s debut album were sowed during touring North America in 2018, where whilst ticking off life-long music goals, Walton’s father was dying of cancer. Grief is a constant presence throughout Daughters, and specifically the surreal nature of having to process it amongst a blur of airports, flight connections, hotel rooms and battles for stolen medication with the American healthcare system. Strip malls, drug deals, panic attacks; the artificiality of downtown American city districts dovetailing with reality in its most brutal form. Miss America for a day while life is changed forever.

Weaving between real life diary entries, travelogue-style storytelling, imagery that ranges from mechanical to religious and a scattering of fiction (though we are obliged to mention that ‘Shelly’ is based on a true story), Daughters climaxes with the staggering run of ‘Saints’, ‘Miss America’ and its title track. Sampling unattended machines harmonising bleeps into the void in a London hospital ward, ‘Saints’ narrates Walton taking her father to and from cancer research trials, “sat, hunched and sick in the concourse as minutes became hours”. And to be very real for a moment, Jen is a friend, and first hearing the ‘Miss America’ demo is up there with the most emotional moments we’ve had in 15 years of running this record label.

Finished in London across the second half of 2024, Daughters features musical contributions from some of the closest friends and collaborators that Walton has made in her time as a musician: aya (who also mixed the album), Daniel S. Evans, Joshua Barfood and Nick Granata (all of Shovel Dance), Alex McKenzie (of caroline and Shovel Dance), Aga Ujma and Bob Lockwood.

Villain of the Story sind zurück... Mit „Convergence: Two Minds In One“ präsentiert die Band ihr bislang persönlichstes, künstlerischtes und kompromisslosestes Werk. Das Album erscheint am 26. September und markiert ein neues, kraftvolles Kapitel: Eine Wiederauferstehung voll emotionaler Tiefe, gesanglicher Entwicklung und einer Geschichte, die den Breakdowns an Intensität nichts nachlässt. Die Platte steht sinnbildlich an einem Wendepunkt; zwischen Licht und Dunkelheit, Heilung und Zerstörung. Mit dem Einstieg des neuen Sängers Cody Crook meldet sich Villain of the Story eindrucksvoll zurück und liefert ein Album ab, das messerscharfen Metalcore, mitreißende Melodien und schonungslos ehrliches Storytelling vereint, auf eine Art, wie es nur wenige Bands wagen. Klanglich geht die Band dabei so weit wie nie zuvor, jeder Song ist emotional aufgeladen und bis ins Detail durchdacht. Doch „Convergence“ ist mehr als nur ein Album. Es ist eine Geschichte über Schmerz, Liebe, Verlust und den inneren Kampf. Erzählt wird das Leben eines Mannes, der von seinen Traumata und einem dämonischen Wesen – sei es real oder sinnbildlich – verfolgt wird, das sich von seinem Leid nährt. Eine Geschichte über Erlösung, die zur Tragödie wird: Liebe hat ihn einst gerettet, doch der Verlust droht alles zu zerstören. Im finalen Titeltrack „Two Minds In One“ kulminiert das Drama mit der alles entscheidenden Frage: Wer hat am Ende die Kontrolle? „Das übergeordnete Thema des Albums ist, dass nicht jede Geschichte ein Happy End hat. Am Ende haben wir die Wahl: Werden wir zu den schlimmsten Versionen unserer selbst, wenn alles zerfällt, oder nehmen wir den Schmerz an und versuchen, neu anzufangen?“ –Villain of the Story Egal ob du Villain of the Story von Anfang an verfolgst oder gerade erst entdeckst, „Convergence: Two Minds In One“ beweist, dass diese Band Veränderungen nicht nur überlebt, sondern daran wächst.

Heavyweight Dub album by Alien Trackers, a new project by cosmic trumpet specialist Pablo Volt (STA) and Jahtari space ship mechanic disrupt, landing right in the sweet spot between soulful Black Ark-warmth, digital Firehouse dancehall hitters and Jahtarian Dub psychedelics.

A lazy day at a beach, in a galaxy far, far away... Feel the sand between your tentacles and splash in the emerald acid sea. Snorkel with plasma squids and shock eels. Marvel at the double suns during the magic twilight cycle and bask in their glorious gamma rays. Gaze into the depths of the local Vortex...

Coming on alien-green vinyl, with hand drawn art by David 8000 Farris, additional bass & guitars from Dubsworth, and an all four thumbs up-rating, 'Dubs from Vortex Beach' is landing in your orbit right now!
--------------

"Carmina Burana macht Spaß, denn das Werk hat echte Emotionen. Das sind die beiden markanten Punkte, die in dieser lebhaft charakterisierten Aufführung deutlich werden und viele neue Hörer und Genießer gewinnen dürfte.“ Gramophone Magazine. André Previns bahnbrechende Aufnahme der Carmina Burana mit dem London Symphony Orchestra aus dem Jahr 1974 ist nach wie vor eine der elektrisierendsten Darbietungen von Orffs überschwänglicher Kantate. Vom bedeutungsvollen Eröffnungslied O Fortuna bis zum schwärmerischen Schlusschor bringt Previn die rhythmische Vitalität, die Sinnlichkeit und das theatralische Flair dieser hedonistischen Feier des Lebens und der Liebe zur Geltung. Die Solisten – Sheila Armstrong, Gerald English und vor allem Thomas Allen glänzen mit Klarheit und Charakter, während der London Symphony Chorus und der temperamentvolle Knabenchor der St. Clement Danes Grammar School die Aufführung abrunden. Nun erscheint diese Aufnahme auf Vinyl.

Crate digger and music enthusiast James Endeacott compiles ‘Unlock Your Mind With Morning Glory’ for Two-Piers Records – A glorious heady mix of the weird and wonderful eclectic music from his radio show ‘Morning Glory’

“One weekday afternoon towards the end of 2017 I sat in The Lyric pub on Great Windmill Street, Soho with my dear friend Raf. I’d just finished another of my weekly Soho Radio shows and was starting to think about the next one. Raf had been on as a guest playing some of his favourite tunes of the day. We had a few drinks, told a few stories and started to plot and scheme. It was always a dream of mine to have a daily radio show. Radio had always informed and excited me from my early teens listening to John Peel under the blanket when I should’ve been either sleeping or revising right up to the present-day musical excursions of NTS, WFMU and numerous internet based stations.

We decided to speak to Adrian and Dan who ran Soho Radio to see if they’d be up for us doing a daily morning show. To our surprise they were into the idea and within 5 minutes Adrain came up with the name Morning Glory. We all liked it. We were all excited. It was all systems go. In December 2017 Raf and myself started a daily 2 hour show. We did the show together, got guests in and the musical policy was whatever we felt like that day. After several months Raf found the mornings too much. Off he went into the distance occasionally coming back with a smile, and a bag of new music. I carried on alone and then suddenly in March 2020 the world stopped, and we went into lockdown.

We set up in my house in Catford, Southeast London and carried on. The show became 3 hours a day and I started to invite friends, record labels, record shops, bands etc.. to supply me with hour long mixes that I played every day. The show took off during this time. My musical tastes expanded as I spent all day long searching for new sounds from around the globe. People started to send me more and more music. I became obsessed with the show. The audience started to take to social media and ask for certain tracks or artists to be played. I got listeners to make me mixes to play on the show and I did several phone interviews with musicians while playing some of their favourite tunes.

I was grateful that Soho Radio left me to my own devices. They never told me what to do or what to play – they trusted ma and I trusted my instincts.

The music on this compilation is not a ‘best of’ it’s just how I felt when I compiled it at the start of 2025. Apart from a couple of tracks they are all things I’ve come across since the show started in December 2017. If I did a list of tracks now I’m sure it would be completely different. Surely that’s the point. We never stick in one place. We are always moving and searching. Always trying to unlock our minds. Put it on. Take your time and let it take you somewhere” James Endeacott 2025

Dayseeker wurden in Südkalifornien gegründet und haben sich von Post-Hardcore-Urgesteinen zu einer der emotionalsten und stilistisch beweglichsten Bands der heutigen Heavy-Musik entwickelt. Ihre Songs verarbeiten nicht nur Trauer, Herzschmerz und Traumata - sie verwandeln sie in etwas Magnetisches, Kraftvolles und letztlich Ermächtigendes.
Die Band, bestehend aus Sänger Rory Rodriguez, Gitarrist Gino Sgambelluri, Bassist Ramone Valerio (seit 2017) und Schlagzeuger Zac Mayfield (seit 2022), stellt emotionale Wahrheit über Trends und verbindet authentische Leidenschaft, klangliche Innovation mit lyrischer Verletzlichkeit.
Die tiefe Resonanz, die die Musik der Band bei anderen Außenseitern auf der ganzen Welt hervorruft, zeigt sich in ihren über 600 Millionen Streams. Und sie ist bei jeder Show spürbar, von ausverkauften Headline-Terminen bis hin zu Touren mit Pierce The Veil, Bad Omens oder Ice Nine Kills.
Dieses Gefühl der kreativen Träumerei pulsiert durch Dayseekers sechstes Album, Creature in the Black Night. Produziert von Daniel Braunstein (Spiritbox, Silent Planet) und gemischt von Zakk Cervini (Blink-182, Bring Me The Horizon, Lorna Shore), ist das Album Dayseekers bisher eindringlichstes und ambitioniertetes Album - gewaltig, cineastisch und durchzogen von einer dunklen, emotionalen und sexy Strömung.
Fans, die einen traurigen Abstieg in die Depression erwarten, werden überrascht sein - "Creature in the Black Night" hat schärfere Kanten, härtere Riffs und einen neu entdeckten Sinn für Klarheit. Dayseeker haben sich nicht nur weiterentwickelt. Sie haben einen gewaltigen Schritt auf eine neue Ebene gemacht.

Einem US-Metalfan die Band Griffin zu erklären hieße Eulen nach Athen tragen. Während das Debüt noch traditionellen Heavy Metal in Reinkultur bietet, tendierte die Gruppe um den außergewöhnlichen Sänger William McKay in Richtung Speed- und Thrash Metal, aber ohne dabei ihre Trademarks einzubüßen. „Protectors Of The Lair“ erschien 1986 bei Steamhammer/SPV. Musikalisch war man am Puls der Zeit, doch der Stil kann auch ebenso als kauzig und individuell bezeichnet werden. Das größte Manko war allerdings immer der dünne Sound, der sich fast nur in den Mitten und Höhen abspielte. Dies wurde nun gleich doppelt behoben!

Es ergab sich das seltene Glück, dass die originalen 24-Spur-Bänder noch vorlagen und nach einigen Reparaturen überspielt werden konnten. Somit war nicht nur ein Remaster möglich, sondern ein Remix, der von Neudi 2020 angefertigt wurde und nun die LP 1 füllt. Die zweite Scheibe beinhaltet den Original Mix von 1986, allerdings remastert von Patrick Engel (Metal Blade, High Roller, etc.).

Hammers Rule gelten als Kultgruppe des US-Metal, deren LP „Show No Mercy“ und EP „After The Bomb“ (1984/1985) heute gesuchte Sammlerobjekte sind. Man wollte sich vom Härtegrad nicht festlegen und decken dadurch ein enorm breites Spektrum des US-Metal ab. Während die ersten vier Tracks zwischen Epic-, Heavy- und Speed Metal liegen (ebenso die beiden EP-Tracks „Kamikaze“ und „Stop The World“), war die B-Seite der Original-LP etwas zugänglicher und passt auch gut zum hohen Haarsprayverbrauch der Achtziger. Doch auch diese Stücke stecken voller Energie und Spielwitz. Einer der Gründe ist die unfassbar gute Rhythmussektion aus Drummer Chuck Hohn und Bassist Shaun Henley.

Die beiden Musiker operierten auf einem Niveau wie Steve Harris und Nicko McBrain (Iron Maiden). Zudem ersetzt der Bass durch das kräftige Spiel und die Präsenz im Mix auf beeindruckende Weise eine zweite Gitarre. Das Album und auch die EP wurden weitestgehend live im Studio aufgenommen. Golden Core war das erste Label, bei dem die verbleibenden Bandmitglieder einer Wiederveröffentlichung zugestimmt haben. Die Golden Core LP enthält die EP-Tracks als 7“ Single.

Legendry haben 2020 eine spannende EP mit drei Coverversionen (u.a. „Metal“ von Manilla Road) und einem neuen, eigenen Song (das titelgebende „Heavy Metal Adventure“) eingespielt, die auch optisch ins Konzept der drei Vorgänger passt. Wer auf Epic Metal steht kommt um „Heavy Metal Adventure“ nicht herum!