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Alex Zhang Hungtai steht auf ,Dras" still da, aber es ist eine Stille, die jede Menge Möglichkeiten hat. Diese neun Stücke wurden 2019 in der Saint Joseph Oratory in Montreal aufgenommen (kurz bevor ein Klavier kaputtgemacht wurde) und lagen während der Pandemiejahre auf seiner Festplatte, bis endlich der Funke übersprang. Was jetzt entsteht, fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er die Konturen seiner eigenen inneren Landschaft nachzeichnet, wobei jede Melodielinie eine sorgfältige Auseinandersetzung mit dem Unbewussten ist. Dies ist nur im weitesten Sinne ein Saxophon-Album. Das Terrain hier ist taktil und unerbittlich. Im Titeltrack werden schwierige Melodien auseinandergerissen und zu emotionalen Drones geformt, wobei Dissonanzen ineinandergreifen, während Töne mit metallischem Glanz ihren Weg durch die Sinne bahnen. ,El Khela" bricht sich in spektrale Schichten, die mit ewiger Schwerkraft ziehen, während ,Estado" Trost in seiner eigenen Dunstglocke findet, mit Rhythmen, die kaum hörbar sind, aber mit ihrer Kadenz, die sich an grauen Wänden abzeichnet, vorwärts führen. Es sind kleine Momente, die zu kathartischen Klangatmen werden und jeweils neue Passagen durch die psychische Geografie offenbaren. Es liegt Schönheit in den subtilen Wiederholungen des Openers ,Erg" und in den leuchtenden Progressionen von ,White Dwarf". Zhangs Saxophon wird zu einer Wünschelrute für das Unbekannte, während Elektrizität durch die Adern des Albums fließt und sein Atem alles an etwas wortlos Menschlichem verankert. Die digitale Bearbeitung dieser Kirchenaufnahmen verdeckt nicht das menschliche Element von ,Dras". Sie verwandelt das Rohmaterial in etwas, das zwischen äußerem Raum und innerer Landschaft navigiert. Als der Schlusssong ,Mazil" kommt, lässt Alex Zhang Hungtai sein Saxophon seine volle Resonanz entfalten. Tiefe, kehlige Klänge öffnen sich wie Abgründe unter melodischen Konstellationen, die in dichter Schwerkraft schweben. Hier herrscht Endgültigkeit, auch wenn sich etwas in diesen Passagen schwerelos anfühlt. Diese Musik ist durchdrungen von innerem Dialog, einem wortlosen Zauber, der über dem psychischen Abgrund tanzt. Tonale Sequenzen zerfallen in betäubende Klänge, eine scharfe, elegante Kante, die schneidet, ohne Blut zu vergießen. Dieses einsame Werk der Erforschung wird zu etwas Gemeinschaftlichem. ,Dras" ist eine Karte, um den Raum zwischen dem, wo wir sind, und dem, wo wir hingehen könnten, zu durchqueren.

Wir denken gerne, dass unser Leben zu Geschichten geformt werden kann - klare Bögen, verständliche Bedeutungen, aber das Leben lässt sich nicht in Schubladen stecken. Stattdessen geht es unverblümt und ohne Entschuldigung weiter, ohne Rücksicht auf unser Ordnungsgefühl. El Ten Elevens ,Nowhere Faster", das 16. Album des Duos, entstand in diesem Unbehagen. In acht Tracks geht es nicht nur um das Nichts, sondern auch um Geschwindigkeit - diese seltsame Dringlichkeit, die uns vorantreibt, auch wenn das Ziel unklar bleibt. Das 33-minütige Album verlangsamt sich gerade so lange, um die schwierigen Fragen zu stellen: Wovor laufen wir weg und was glauben wir, überholen zu können? ,Nowhere Faster" entstand während der längsten Pause, die Kristian Dunn und Tim Fogarty in ihren 23 gemeinsamen Jahren von Tourneen und Aufnahmen gemacht haben, obwohl ,Pause" eigentlich nicht ganz richtig ist. Dunn ist bekannt dafür, dass er immer kreativ am Werk ist, und das hat er auch hier nicht aufgegeben. Stattdessen fing er an, nicht nur für einen, sondern für zwei Schlagzeuger zu schreiben, was Fogarty vor eine der größten Herausforderungen seiner Karriere stellte. Das Album ist auch eine Premiere für die Band, da es durchgehend echte Streicher und Klavier einbindet und damit die Klangpalette eines ihrer vielschichtigsten Werke noch erweitert. Nowhere Faster ist kein Rückzug in Nostalgie. El Ten Eleven setzt weiterhin auf Risiko und Neuerfindung. Das Album konzentriert sich weiterhin auf Fogartys treibendes Schlagzeugspiel und Dunn's bassgetriebene Experimente: Die ersten vier Tracks (,Seite A") zeichnen sich durch E-Bass aus, während die zweite Hälfte (,Seite B") zu akustischem Bass wechselt, der durch Pedale verarbeitet wird und so die emotionale Schwere des Albums subtil verändert. Letztendlich ist ,Nowhere Faster" ein Album über das Abrechnen - über Zeit, Ausdauer und die Ungewissheit, wie lange eine Band oder ein Leben dauern kann. Wir alle tasten uns an die Endlichkeit heran. Die Frage ist nicht, ob wir dort ankommen, sondern was wir auf dem Weg dorthin hören wollen. Zu welcher Musik werden wir tanzen, wenn sich der Boden unter uns zu verschieben beginnt? Wenn schon nichts anderes, dann vielleicht zu etwas, das wie ,Nowhere Faster" klingt.

Lucciole ist Silvia Tarozzis leuchtendes Nachfolgealbum zu den intimen Reflexionen von "Mi specchio e rifletto" und den tief verwurzelten Folk-Dialogen von "Canti di guerra, di lavoro e d'amore" mit Deborah Walker. Hier bringt Tarozzi Stimmen, Erinnerungen und musikalische Traditionen zusammen, um ein Album zu schaffen, auf dem avantgardistische Kompositionen, persönliche Erzählungen und kollektive Resonanz frei miteinander verschmelzen. Das Album beginnt mit einem strahlenden Blechbläserensemble, das wegen seines populären, feierlichen und spirituellen Klangs ausgewählt wurde, und endet mit dem Piccolo Coro Angelico, dem Kinderchor, mit dem sie seit über fünfzehn Jahren zusammenarbeitet und den sie als ,meine beste Kompositionsschule und ständige Quelle der Hoffnung" bezeichnet. Zwischen diesen beiden Eckpunkten zeichnen Tarozzis Lieder mit seltener Zärtlichkeit die Übergänge des Lebens nach: von der Kindheit zum Jugendalter, von Gesundheit zu Gebrechlichkeit, von Anwesenheit zu Abwesenheit. Die Streicher, Stimmen und melodischen Konturen, die "Mi specchio e rifletto" prägen, tauchen hier mit neuer Wärme und Tiefe wieder auf. Produziert von Tarozzi in enger Zusammenarbeit mit Marta Salogni, die das Album technisch umgesetzt und abgemischt hat, strahlt Lucciole eine Klarheit, Intimität und klangliche Großzügigkeit aus, die ihre gemeinsame Reise durch den Aufnahmeprozess widerspiegeln. Im Kern ist Lucciole ein Album über kleine Lichter, die durch Momente des Übergangs tragen - eine Einladung, genau hinzuhören auf die Orte, an denen sich das Leben verändert, und auf die Menschen, die leben und in Erinnerung bleiben und den Weg erhellen.

Drei Jahre nach seinem #1-Album „Reparatur“ meldet sich Josh. mit seinem vierten Studioalbum zurück. Auf „Wer singt dann Lieder für dich“ beweist der Wiener Singer-Songwriter und fünffache Amadeus-Preisträger erneut, wie er aus persönlichen Geschichten packende Popmusik schafft – mal leicht, mal melancholisch, immer mit einem Gespür für Timing, Humor und Gefühl. Seit seiner Kindheit spielt Josh. klassische Gitarre und war in Schulbands aktiv. Später studierte er sieben Jahre lang Jazz und Popularmusik, brach das Studium jedoch aus wirtschaftlichen Gründen ab – seine Liebe zur Musik blieb davon unberührt. Heute spiegelt sich diese Erfahrung in einem Sound, der organisch, warm und zugleich überraschend facettenreich ist. Für „Wer singt dann Lieder für dich“ hat Josh. so viele Instrumente wie nie zuvor selbst eingespielt – von Gitarre über Bass bis zur Pedal-Steel – und damit jedem Song eine unmittelbare Nähe verliehen. „Es war das bisher entspannteste und lustigste, gleichzeitig aber auch das arbeitsintensivste Album“, sagt er über die Aufnahmen, die erneut in kongenialer Zusammenarbeit mit Produzent Florian Koch entstanden sind. Seit „Teilzeitromantik“ (2021) ist Koch stetiger kreativer Partner, musikalischer Direktor und Schlagzeuger der Band – eine bewährte Konstellation, die für klare Strukturen und kreative Freiheit sorgt. „Ich glaube, dass es ein Album ist, das wieder die Leichtigkeit des Nonsens gefunden hat“, so Josh., „Momente, in denen man lachen, feiern oder einfach man selbst sein kann, treffen auf nachdenkliche, melancholische Songs.“ Es ist die Momentaufnahme eines 39-Jährigen, der reflektiert – und dabei stets offen für das Absurde und Komische in den kleinen Dingen bleibt.
„Ich habe mir beim Schreiben der Songs keine Grenzen gesetzt“, sagt Josh. „Das spiegelt meine Persönlichkeit ziemlich gut wider: Ich bin jemand, der gern einen Schmäh macht, wie wir hier in Wien sagen – aber gleichzeitig auch immer wieder kämpfen muss und viel über Gefühle, Schmerz und all das nachdenkt.“ Das zeigt sich auf „Wer singt dann Lieder für dich“ in jedem Detail, sei es bei humorvollen Beobachtungen, nostalgischen Rückblicken oder in Songs über das Älterwerden und die kleinen Lebenskrisen („Was hat uns bloß so müde gemacht?“). Nach einem Livejahr 2025, das eine Tour durch Österreich und Deutschland, einen Headliner-Gig auf dem Donauinselfest vor 100.000 Fans sowie eine Support-Show für Robbie Williams umfasste, hat „Austropop-Darling“ (TZ) Josh. in diesem Jahr wieder viel vor: Im April und Mai ist er auf komplett ausverkaufter Solotour in Österreich zu erleben, im Anschluss folgen Konzerte in Deutschland und der Schweiz. Im Sommer geht es gemeinsam mit Rian auf Open-Air-Tour durch Österreich.

Vivel is Alexander Eldefors’ second release under his own name. Built around eurorack and field recordings, many captured during still moments while traveling to visit family and friends. The album was created during a period of transition. It functions as an anchor in a time of change, representing a sense of home, safety, and stillness.

Alexander Eldefors is a producer, composer, and mixing engineer based in the countryside outside of Stockholm, Sweden. With a background as both a sound engineer and musician, he has spent years recording, mixing and playing in a wide range of bands and solo projects. In 2019, he consciously slowed down and returned to a more intimate and quiet musical expression, leading to the release of his debut album Bergen in 2020 under his own name. Bergen is the Swedish word for mountains and reflects the fact that Alexander grew up in the north of Sweden close to the mountains.

His music is minimalistic, melodic, and embracing, shaped by a deep connection to nature. Natural environments are a constant presence in his work, serving both as inspiration and as a sound source. Alongside this, he is drawn to the raw textures of everyday objects, working with foley sounds and field recordings. His arrangements unfold as organic sound collages, where elements blend freely and imperfections are preserved to maintain a natural, human feel.

Mit Interval festigen Tesa ihre eigenständige Position innerhalb der europäischen Instrumental-Post-Rock- und Heavy- Music-Szene. Unbeeindruckt von Trends oder Genregrenzen konzentriert sich die Band auf Reduktion, Präzision und eine intensive Erforschung von Klang, Raum und Stille. Interval ist der Soundtrack zum Film TESA MAN - A Music Film (Eröffnungsfilm des Riga International Film Festival 2024). Das Album besteht aus vier ausgedehnten Kompositionen. Schwere Riffs, dichte Rhythmen und atmosphärische Texturen treffen auf Momente der Zurückhaltung und Stille. Die Wirkung entsteht nicht durch permanente Steigerung, sondern durch kontrollierte Intensität und bewusst gesetzte Dynamik - jeder Ton ist präzise platziert, jede Pause integraler Bestandteil des Ganzen. Zwei Jahrzehnte nach ihrer Gründung bewegt sich die Band weiterhinbewusst jenseits kurzlebiger Trends und Erwartungen und entwickelt eine Klangsprache, die auf Spannung, Dynamik und Geduld basiert. Gemastert von James Plotkin (u. a. Sunn O))), Earth, Electric Wizard, Tim Hecker)

JAPAN & PORCUPINE TREE SYNTHESIST RICHARD BARBIERI RETURNS WITH NEW STUDIO ALBUM 'HAUNTINGS' GATEFOLD 2LP EDITION, PRESSED ON CLASSIC BLACK VINYL. Richard Barbieri remains one of contemporary music's most distinctive voices. Emerging as a key architect of the late '70s/'80s synthesiser revolution with David Sylvian's art-rock ensemble Japan, his visionary synthesiser programming expanded the horizons of electronic music & left a lasting mark on artists from The Human League & Duran Duran to Gary Numan & Talk Talk. His subsequent & ongoing tenure with Steven Wilson's legendary progressive outfit Porcupine Tree across albums such as 'In Absentia' (2002), 'Fear Of A Blank Planet' (2007) &, most recently, 'Closure/Continuation' (2022) further affirmed his status as one of the most intuitive & unique musicians of his generation.

'Hauntings' is Barbieri's first studio album since 2021's 'Under A Spell', deepening the pensive, dark instrumental aesthetic of its predecessor. A diverse collection of immersive sound worlds, both dark & uplifting in equal measure, 'Hauntings' is influenced by a nostalgia for the past & future, & for things that didn't happen yet still manage to haunt the mind & soul. What is real & what is simulation? The album finds Barbieri at the height of his powers, his deft keyboard & sonic architecture conjuring a shadowy, creeping Lovecraftian atmosphere. The music wanders through the streets of a gloomy lamp-lit Victorian London & drifts into grain-speckled snapshots of Belle Époque Paris. These journeys into the past are contrasted with nihilistic but euphoric forays into the future, "Traveler" & "A New Simulation" bristling with the itchy modern anxiety that often runs through his best work. Contrasting the sound designs & electronics of Barbieri, the album features performances from renowned musicians Morgan Agren (drums & percussion), Percy Jones (bass guitar) & Luca Calabrese (trumpet). This 2LP 45 RPM edition of 'Hauntings' is presented in gatefold packaging & pressed on classic black vinyl.

Rosiers zweite LP, elle veille encore, ist eine bittersüße Ode an mütterliche Seelen - ein sanftes Gedicht, das Themen mütterlicher Natur reflektiert. Während sie Volkslieder recherchierte und sammelte, stieß Rosier auf ein Geflecht von Muttergeschichten - einige davon sind wunderbar vertraut, andere beunruhigend. Die Geschichten auf diesem Album tauchen in die vielschichtige Darstellung von Müttern ein - sowohl Mutterfiguren als auch solche, die durch Blut verbunden sind - und versuchen, die wahre Bedeutung dieser heiligen Verbindung zu ergründen. Trost, Verlassenheit, Tod, Trost, Illusion und Bestrafung ziehen sich durch diese 9-Track-Platte. Die Lieder auf elle veille encore sind tief im Folk-Bereich verwurzelt, wagen sich aber auch in die ätherischen Gefilde von Dream-Pop und Indie-Tronica. Die Platte webt eine sorgfältig zusammengestellte Klanglandschaft aus klimperndem Gitarrenspiel, schimmernden Synthesizern, dekonstruierten Beats, Vintage-DX7-Samples, Feldaufnahmen, Klavier und Schichten hauchigen Gesangs auf Französisch und Englisch. Ähnlich wie die Erzählung auf der Platte wechseln die Arrangements des Quintetts von sanften und leuchtenden Stücken zu dichten, bedrückteren musikalischen Momenten. elle veille encore wurde in den letzten zwei Jahren zusammengestellt und gilt als die bisher introspektivste und persönlichste Platte der Band.

Auf ,Reflections Vol. 3: Water Poems" bringen Félicia Atkinson und Christina Vantzou ihre Freundschaft und ihre atmosphärische Kunstfertigkeit in einem feierlichen Fokus zusammen. Gesprochene Worte und orchestrale Fantasie fließen wie Nebenflüsse in einen einheitlichen Strom und ergeben eine Sammlung traumhafter Lieder und Klanglandschaften, die im Meer, im Himmel und in den Steinen verankert sind. Mit elektroakustischen Instrumenten, Gesang und Umgebungsgeräuschen lädt Water Poems die Zuhörer in einen unbewussten Raum ein, irgendwo zwischen alltäglicher Intimität und dem Geheimnis des Ozeans, aus dem alles Leben entsteht. Atkinson und Vantzou haben sich 2009 kennengelernt und seitdem immer mal wieder zusammengearbeitet, aber ein Konzert 2019 in der Philharmonie in Paris hat dieses Projekt richtig in Gang gebracht. Da beide jetzt an der Küste leben (Félicia am Ärmelkanal, Christina am Mittelmeer), wurde das Meer natürlich zu ihrer Muse. ,Das Meer wurde nicht als monolithische Postkarte betrachtet", erklärt Atkinson, ,sondern eher als eine Person an sich; eine Energie, ein Geheimnis, ein komplexer Charakter, dem wir als Menschen, die am Meer leben, jeden Tag begegnen." Im Dialog mit dem Land und der Küste nahmen ihre Sprache und ihre Klänge einen sakramentalen Charakter an. ,Ein feierliches Gefühl, ein Gefühl des Dienens, zieht sich tief durch dieses Album", bemerkt Vantzou, ,ich habe das schon einmal gespürt, aber hier, in der Zusammenarbeit mit Félicia, ist es stärker." Stimme, Atem und wässrige Texturen prägen den Ton des maritimen Mysteriums von Water Poems. Neu in Vantzous Praxis und seit langem ein prägendes Merkmal von Atkinsons Werk, gewinnen ihre gesprochenen Worte hier an relationaler Intimität, indem sie sich gegenseitig und die Uferpromenade ansprechen. Die Texte wurden über zwei Jahre hinweg gemeinsam zusammengestellt. Mit radikaler Unschuld lenken sie das Bewusstsein auf die verborgene Auftriebskraft und die unbewussten Strömungen, die durch das Leben fließen: ,Wie kann ein Boot schwimmen? Wie kann ein Flugzeug fliegen? Wie kann ein Körper schwimmen? Wie kann ein Mensch träumen?" Was mit nah aufgenommenen Stimmen und Feldaufnahmen begann, wurde um Synthesizer, Gongs und Metallophone, Klavier, Vibraphon, Rhodes, Gitarren und Mellotron erweitert. Das Gezeitenklavier des Eröffnungstracks ,Film Still / The Sea" zieht uns in die unbewussten Gewässer des Albums. Enthalten sind Feldaufnahmen, die Vantzou in Delphi in der Nähe des legendären Orakels von Pythia aufgenommen hat - ihr griechisches Erbe verleiht diesem Ort der Vorfahren eine zusätzliche Dimension. Dieser Track und ,Water Poems" als Ganzes sind Ausdruck unseres geologischen Erbes und rufen zum Schutz der Küsten und zu einer Vertiefung unserer Beziehung zu unseren Küsten auf. Ein Teil der Einnahmen aus dem Album geht an Arion, ein gemeinnütziges Naturschutzprogramm für das griechische Mittelmeer. Der langjährige Freund und Mitstreiter John Also Bennett hat bei ,Scorpio Purple Skies", dem kosmischen Finale des Albums, mit E-Gitarre, Lap-Steel-Gitarre und Gesang mitgewirkt. Diese üppige Instrumentierung passt super zu den Science-Fiction-Visionen und der feierlichen Atmosphäre des Albums. Water Poems wurde in The Old Carpet Factory, einem Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert auf der griechischen Insel Hydra, in der Villa Medici aus dem 16. Jahrhundert in Rom und in Les Dunes, Atkinsons Heimstudio in der Normandie, aufgenommen. Mehr als das historische Prestige dieser Orte war es die spürbare Geschichte ihrer Landschaft, die die Musik geprägt hat. Atkinson sagt, dass sie sich zu ,Orten mit seltsamer Anziehungskraft" hingezogen fühlten. In der Villa Medici ,haben Steine und Mineralien das gesprochene Wort beeinflusst", bemerkt sie. ,Wir beide legen Wert auf Gefühl, Atmosphäre und Klang", fügt Vantzou hinzu, ,was er hervorruft und was er bewirkt. In unserem Fall konzentrieren wir uns auf die grundlegenden Elemente: Wasser, Luft, Fels, Kosmos - allesamt lebenswichtig.» Von der Insel Kreta aus arbeitete Vantzou den finalen Mix fertig und tauschte dabei Dateien mit Atkinson aus. Immer noch mit der Küste verbunden, verlief der Mixing-Prozess geduldig und wurde von wichtigen Pausen geprägt. Water Poems spiegelt wider, was die Meeresbiologin Rachel Carson uns in Erinnerung ruft: ,Am Rande des Meeres zu stehen bedeutet, Wissen über Dinge zu haben, die so nahezu ewig sind, wie es das irdische Leben nur sein kann." Es zelebriert rituell dieses ozeanische Gefühl als wichtige Quelle der Gelassenheit und Intelligenz. In einer Welt, die von hitzigen Meinungen und ökologischer Vernachlässigung geprägt ist, lenkt Water Poems unsere Aufmerksamkeit auf ,die Quellen der Quellen". Damit schafft es Raum, um uns wieder mit unseren elementaren, animalischen Instinkten zu verbinden und uns auf tiefere Strömungen einzustimmen. Water Poems von Félicia Atkinson und Christina Vantzou ist der dritte Band von Reflections, einer Reihe zeitgenössischer Kollaborationen von RVNG Intl..

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Melanie Baker komponiert Musik über alles, was schmerzt, und alles, was sich gut anfühlt. Sie lebt in Newcastle (Großbritannien) und schreibt mit unerschütterlicher Ehrlichkeit - Songs, die zwischen lauter Katharsis und leisen Geständnissen, zwischen absurdem Humor und tiefer Verletzlichkeit schwanken. Mit hämmernden Trommeln, verzerrten Gitarren und zarter lyrischer Präzision greift Baker den Mut und den Geist des Alternative Rock der 90er Jahre durch eine queere, moderne Linse wieder auf.

Mit ihrem Debütalbum "Luiza" präsentiert die französisch-brasilianische Sängerin eine faszinierende Mischung aus World, Pop, Electronica und organischen Grooves. Aufgewachsen zwischen Jazz, Tanz, Amazonas-Reisen und Dub-Partys auf La Réunion, formt Luiza aus all diesen Einflüssen einen eigenen, sofort wiedererkennbaren Sound. Ihre Stimme nutzt sie wie ein Instrument - warm, flexibel und voller Emotion, oft mehrsprachig und manchmal sogar in ihrer eigenen Fantasiesprache. Ihr viraler Durchbruch gelang 2025 mit "Soleil bleu", einem Song, auf den sich überraschend Jugend- und Adult-Radiostationen gleichermaßen einigen konnten. Auch in Deutschland wurde der Titel zum erfolgreichsten französischsprachigen Radiosong des Jahres. Das Album "Luiza" knüpft an diesen Erfolg an: ein sonniges, energetisches Werk, das Natur, Freiheit und Lebenslust miteinander verbindet. Zwischen brasilianischen Klassikern wie "Manha de Carnaval", kraftvollen Hymnen wie "Étincelles" und internationalen Kollaborationen entsteht ein vibrierendes Klangbild, das Grenzen aufhebt und pure Lebensfreude transportiert. Luiza zeigt auf ihrem Debüt, wie moderne Global Pop Music klingen kann: farbenreich, mutig, intuitiv und voller Herz. Ein Album, das berührt - und das die außergewöhnliche Persönlichkeit dieser Künstlerin in jeder Sekunde spürbar macht.

How do losers dance? According to Helmut, almost weightlessly, with soft feet, warm gestures, sometimes alone, sometimes together. Content Creatures, Helmut's fourth album, evokes the pop archetype of the "beautiful loser", who had almost disappeared from view in so-called late capitalism. In a present in which even suffering is often similarly instrumentalised and tailored to clicks like a competitive sport, this album sets a counterpoint: those who listen to it suddenly want to be enchanting losers again, useless and joyfully messing up, losing something beloved, having their hearts broken, giving up a dream, sinking into beauty.
You don't sink alone. Comforting harmonies envelop you, the voices of friends appear, accompany you for a while and then disappear again. Warm grooves, floating synths and delicate guitar lines characterise an indie sound that remains open and breathes.
Self-produced for the first time in his home studio in Neukölln, 'Content Creatures' sounds thoughtful and light at the same time. The album will be released digitally and on vinyl on 10 April 2026 on Berlin-based label St.Vladimir. There are four songs on one side and four songs on the other. The cover is adorned with an exceptionally pretty guinea pig. Helmut shows the special in the seemingly ordinary: a child's pet, the most ordinary of all, is his cover star and headstrong protagonist.

Wie tanzen Verlierer? Wenn man nach Helmut geht, dann fast schwerelos, mit weichen Füßen, warmen Gesten, manchmal allein, manchmal gemeinsam. Content Creatures, Helmuts viertes Album, evoziert den Pop-Archetypus des "beautiful loser", der im sogenannten Spätkapitalismus fast aus dem Blick geraten war. In einer Gegenwart, in der sogar das Leid oft ähnlich durchinstrumentalisiert und auf Klicks getrimmt ist wie ein Leistungssport, setzt dieses Album einen Kontrapunkt: Wer es hört, möchte auf einmal gern wieder ein bezaubernder Verlierer sein, nutzlos und freudvoll abkacken, etwas Geliebtes verlieren, das Herz gebrochen bekommen, einen Traum aufgeben, in Schönheit versinken.
Man versinkt nicht allein. Tröstende Harmonien legen sich um einen, die Stimmen von Freundinnen tauchen auf, begleiten einen ein Stück weit und verschwinden wieder. Warme Grooves, schwebende Synths und feine Gitarrenlinien prägen einen Indie-Sound, der offen bleibt, atmet. Erstmals in seinem Neuköllner Homestudio selbst produziert, klingt "Content Creatures" bedacht und leicht zugleich.
Das Album erscheint digital und auf Vinyl am 10.04.2026 auf dem Berliner Label St.Vladimir. Es hat vier Songs auf der einen und vier Songs auf der anderen Seite. Das Cover ziert ein außergewöhnlich hübsches Meerschweinchen. Helmut zeigt das Besondere im scheinbar Gewöhnlichen: Ein Kinderhaustier, das normalste von allen, ist bei ihm Coverstar und eigensinnige Protagonistin.

Mit Grumpy Pieces kehrt der Düsseldorfer Musiker Harmonious Thelonious alias Stefan Schwander mit einem Werk zurück, das seine langjährige Klangästhetik präzise destilliert und zugleich spürbar aufreibt. Wieder verbinden sich Pan-Afrikanische und Nahöstliche Rhythmuskonzepte, minimalistische Wiederholungsstrukturen und reduzierter Elektronik-Einsatz zu einem hypnotischen Sound - diesmal jedoch rauer, trockener und offener für Brüche als zuvor. Die acht Stücke wirken wie unter Spannung gesetzt: Melodien schaben über kantige Bassfundamente, scharfe Snare-Schläge durchschneiden das Gefüge, und trotz des klaren Groove-Fokus ist ständig ein nervöses Knistern präsent. Grumpy Pieces reflektiert eine Gegenwart voller politischer und gesellschaftlicher Reibung - ohne explizite Kommentare, aber mit einer Musik, die Reibung selbst zum Gestaltungsmittel macht. Während die A-Seite vergleichsweise direkt beginnt, öffnet sich die B-Seite zunehmend dem kontrollierten Zerfall, bis der finale Track "Dissolving" den Titel programmatisch umsetzt. Entstanden ist das Album in Schwanders Düsseldorfer Studio - intuitiv, unmittelbar, ohne große Bildschirm-Arrangements, eng verwoben mit seiner live-erprobten, tranceartigen Arbeitsweise. Grumpy Pieces ist kein Bruch, sondern eine Zuspitzung: ein kraftvoll verdichtetes, körperliches und zugleich unruhiges Album, das die charakteristische Handschrift von Harmonious Thelonious schärft. Tanzmusik mit Widerstand - und Biss.

Das Debütalbum von My New Band Believe entstand unter ungewöhnlichen Umständen: Während eines Aufenthalts in einem chinesischen Hotel fühlte sich Cameron Picton plötzlich krank. In seinem delirierenden Zustand entstanden Bilder und Textfragmente, aus denen später Songs wurden - darunter auch der Ausdruck "My New Band Believe", der zum Projekt- und Albumnamen wurde. Picton empfindet den Titel zugleich als kitschig und brillant: eine bewusste Wiedervorstellung, ein Neuanfang, der zwischen Ich-Bezug und kollektivem Anspruch oszilliert. Als Bassist und zweiter Frontmann von black midi war Picton Teil einer Band, die für komplexe Strukturen und kontrolliertes Chaos stand. Nach deren Auflösung 2023 begann er ohne festen Plan mit Studioarbeiten. Aus dieser offenen Phase heraus formierte sich My New Band Believe, unterstützt von Musiker:innen wie Kiran Leonard, Caius Williams, Steve Noble, Andrew Cheetham und Mitgliedern von caroline. Das Album bewegt sich assoziativ durch unterschiedliche emotionale Ebenen. Klanglich setzt es überwiegend auf akustische Arrangements statt auf elektronische Effekte, bleibt dabei jedoch dynamisch. Einflüsse wie Bert Jansch oder Judee Sill sind spürbar. Songs wie "Actress" oder "Opposite Teacher" verbinden Zurückhaltung mit plötzlichen Ausbrüchen. "Target Practice" verwandelt Vigilantismus in eine theatralische Mitsing-Hymne, während "One Night" und "Heart of Darkness" intime, suchende Figuren zeigen. Picton gelingt es, diffuse Ängste in eindringliche, mehrdeutige Popmusik zu übersetzen.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Die legendären Accion Mutante kehren mit einem neuen Album zurück! Sie kamen 1994 aus der Crust-Szene und prägten schon früh den Begriff "Metal Punk". "The Time Machine" verspricht erneut eine brutale, menschenunfreundliche Reise durch drei Jahrzehnte der Geschichte von Accion Mutante, darunter zehn brandneue Tracks plus zehn neu aufgenommene Songs, die von den Anfängen der Band bis zur Gegenwart reichen. Ehrliche Punk-Wut, gemischt mit rauem Metal-Sound und kombiniert mit einem unerbittlichen D-Beat sowie der kehligen Wut zweier Shouter. Auf "The Time Machine" thematisieren Accion Mutante textlich nach wie vor ihre Themen wie religiöser Blödsinn, Verbrechen gegen die Menschlichkeit oder Umweltzerstörung mit ihrem eigenen sarkastischen Ton und einer 100 % antifaschistischen Haltung. Das ist verdammt wütend und verdammt roh. Auch nach mehr als 30 Jahren sind ACCION MUTANTE noch immer Crustasfuck-Vertreter einer großartigen Mischung aus kaputtem Metal, Punk-Gestus, unerbittlichem D-Beat und den lauten Attacken beider Sänger. ACCION MUTANTE in ihrer ganzen Pracht, direkt ins Gesicht, für Fans von Britcore und Bands wie Extreme Noise Terror oder Ripcord.

Zum ersten Mal seit einem Jahrzehnt sind die lebenden Fuzz-Legenden Truckfighters mit brandneuem Material zurück und entfachen die Rockszene erneut mit ihrer rohen Energie.MASTERFLOW - das Gleichgewicht zwischen Disziplin und Freiheit. Eine vibrierende Resonanz auf mehreren Ebenen - Körper, Geist, Raum, Zeit und Publikum in perfekter Harmonie.Tauche ein in MASTERFLOW und lass dich von den donnernden Klanglandschaften mitreißen, die nur Truckfighters erschaffen können.Das neue Album entfesselt eine unerbittliche Welle aus fuzz-getränkten Hymnen, massiven Riffs und hypnotischen Grooves, die die Desert-Rock-Wurzeln der Band widerspiegeln und ihren Sound zugleich in neues, weitläufiges Terrain vorstoßen lassen.Ganz im klassischen Truckfighters-Geist ist die Musik auf MASTERFLOW sowohl dynamisch als auch reich an Variationen - sie wechselt mühelos zwischen erdrückender Schwere und ausgedehnten, psychedelischen Passagen. Von erdbebentiefem Bassfundament bis hin zu aufsteigenden, melodischen Spannungsbögen balanciert die Band meisterhaft rohe Kraft mit Feingefühl und Flow. Jeder Track atmet, entwickelt sich und trifft mit klarer Absicht - eine nahtlose Reise, angetrieben von Schweiß, Fuzz und dem rein verzerrten Geist des Rock 'n' Roll.Dieses Album ist gemacht für überfüllte Clubs, endlose Highways und Lautsprecher am Limit - ein klangliches Monolith, das noch lange nach dem Verklingen des letzten Tons nachhallt.Eine große Europa-Release-Tour startet Mitte April und zieht sich durch den gesamten Mai, bevor sie nahtlos in den Festival-Sommer übergeht. Ob im Studio oder live auf der Bühne: Truckfighters liefern ein unvergessliches, überwältigendes Klangerlebnis.

Das Debütalbum von My New Band Believe entstand unter ungewöhnlichen Umständen: Während eines Aufenthalts in einem chinesischen Hotel fühlte sich Cameron Picton plötzlich krank. In seinem delirierenden Zustand entstanden Bilder und Textfragmente, aus denen später Songs wurden - darunter auch der Ausdruck "My New Band Believe", der zum Projekt- und Albumnamen wurde. Picton empfindet den Titel zugleich als kitschig und brillant: eine bewusste Wiedervorstellung, ein Neuanfang, der zwischen Ich-Bezug und kollektivem Anspruch oszilliert. Als Bassist und zweiter Frontmann von black midi war Picton Teil einer Band, die für komplexe Strukturen und kontrolliertes Chaos stand. Nach deren Auflösung 2023 begann er ohne festen Plan mit Studioarbeiten. Aus dieser offenen Phase heraus formierte sich My New Band Believe, unterstützt von Musiker:innen wie Kiran Leonard, Caius Williams, Steve Noble, Andrew Cheetham und Mitgliedern von caroline. Das Album bewegt sich assoziativ durch unterschiedliche emotionale Ebenen. Klanglich setzt es überwiegend auf akustische Arrangements statt auf elektronische Effekte, bleibt dabei jedoch dynamisch. Einflüsse wie Bert Jansch oder Judee Sill sind spürbar. Songs wie "Actress" oder "Opposite Teacher" verbinden Zurückhaltung mit plötzlichen Ausbrüchen. "Target Practice" verwandelt Vigilantismus in eine theatralische Mitsing-Hymne, während "One Night" und "Heart of Darkness" intime, suchende Figuren zeigen. Picton gelingt es, diffuse Ängste in eindringliche, mehrdeutige Popmusik zu übersetzen.