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Foyer Red’s debut LP, Yarn the Hours Away, plays out as a collection of short stories, each with its environment and protagonist(s) meticulously crafted by the band, with lead singer, vocalist, and clarinetist Elana Riordan at the helm. Foyer Red’s debut EP, Zigzag Wombat, showcased their playfully chaotic arrangements, which bridge art-punk, math rock, and sweetly sung indie with a dash of the zoomies.

The band synthesizes their homespun take on magical realist indie rock that was centered on their EP with their varied musical influences; taking cues from the otherworldly melodies of Cate Le Bon, Yucky Duster’s jangle-filled crayon rock, and the organized chaos of Deerhoof’s iconic polyrhythms. The songs that makeup Yarn the Hours Away are fantastical, surrealist stories that hinge on contemporary, post-digital life.

The lead single “Etc” captures this dynamic perfectly. Anchored by Eric Jaso’s hypnotizing bass line, the song unfolds with off-kilter call-and-response vocals between Riordan and Kristina Moore, their stilted deliveries bouncing around the mix. The track is searching but discontent with the algorithmic and claustrophobic realities of daily life: singer/guitarist Mitch Myers throws the song for a loop singing, “gathering information / will set you free once you’ve reached / 37 percent / of the database.” While there’s paranoia and cynicism undergirding the lyrics, the song itself is a thrilling and playful listen.

The songs on Yarn the Hours Away are uniformly exciting and compelling; each track feels distinct and sometimes even in direct conflict. The peppy opener “Plumbers Unite!” belies its themes of gamification of our daily lives and delves into the science fiction and fantasy songwriting of Foyer Red’s debut EP. Centered around a relentless rhythm section, their dueling vocals never abate; Moore and Riordan’s honey-sweet but getting more frantic as the song progresses, while Myers’ erratic talk-singing culminates in one final frustrated scream. Juxtapose this with “Gorgeous,” a lovely song about Riordan and drummer Marco Ocampo’s relationship that sees the band slowing their pace into a blissful sway. Riordan coos and sighs over the track while recalling “Marco-isms”; botched colloquialisms that Ocampo uses.

“Gorgeous” shares little in common with “Pocket,” a loose lamentation on late capitalism that touches on time travel and human evolution. Moore and Riordan’s exclamations are chopped up and used as rhythm instruments, layered over the intricately frenetic guitars of Myers and Moore. Foyer Red thrives on these extremes and contradictions. Where their first release was self-recorded, this LP found them in Figure8 Studios with a deadline. “It was really liberating,” says Jaso. “We're all just kind of throwing in our own voices and challenging each other to make the songs better.”

Yarn the Hours Away comes from a lyric on the closer “Toy Wagon.” The song that first marked the time Moore and the rest of the band worked together, a promising spark of a thrilling collaboration to come. “It harkens back to all of us coming together and spending the hours together in music,” says Moore. “There are few moments where you get to relax and exhale,” adds Riordan. “It's what happened when the five of us got together and started writing. We just wrote all of these out there songs and we didn't see a reason to dial that back. Its natural form is in its chaos and layered craziness.”

Das Leben ist im Moment furchtbar düster und dennoch ist es nicht ganz unlustig. Das ist genau das Gefühl, das Water From Your Eyes auf ihrem ersten Album für Matador beseelt. Auf dem Nachfolger ihres Debüts "Structure" tanzen Albernheit und Fatalismus im Gleichschritt. Rachel Brown und Nate Amos verwenden herzklopfende Rhythmen und zum Teil absurde Texte, um ihre Geschichten von persönlichem und gesellschaftlichem Unbehagen zu erzählen. Das Duo begann 2016 in Chicago gemeinsam Musik zu machen und beschloss, eine "Sad Dance Band" zu gründen. Schnell veröffentlichten sie eine EP. In den folgenden Jahren entwickelte sich die Musik von Water From Your Eyes in Richtung schräger und weniger konventioneller Klänge, die ruhige industrielle Polyrhythmen, Ambient-Drone-Musik und zeitgenössische Kompositionen verschmelzen ließen. Amos und Brown trennten sich, zogen aber beide nach New York und begannen mit der Arbeit an "Structure". Dieses Album brachte die Pop-Momente und die experimentellen Impulse des Duos in Einklang, bestand aus hauchdünnen Popsongs, die sowohl von ihrem Gespür für klassische Hooks als auch von ihrem Sinn für Humor zeugten. Obwohl beide Trost in der Band fanden, beschreiben sie das Jahr 2021 als eines der schlimmsten Jahre ihres Lebens - Brown musste sich mit dem Unbehagen auseinandersetzte, den beide empfanden, als sie sahen, wie Kapitalismus und Establishment-Politik wieder auf Hochtouren liefen, als die Pandemie in ihre letzten Monate eintrat, und Amos mit Browns Unterstützung seine Drogenprobleme bewältigte. Das Ergebnis ist, dass "Everyone"s Crushed" von ungelösten Spannungen durchzogen ist. Die neun Tracks weigern sich beharrlich, ein eindeutiges Ende zu finden oder sich an traditionelle Strukturen zu halten. Viele Songs wurden unter Verwendung von Serialismus und Mikrotonalismus geschrieben und erinnern zuweilen an die futuristisch-poppigen Bewegungen des japanischen Komponisten Haruomi Hosono und den Brutalismus von Glenn Branca.

Die Female Fronted Swedish Doom Metal Band AVATARIUM wurde 2013 gegründet und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem großen Namen in der Szene. Die Beweise liefern Charterfolge wie Platz 36 in Deutschland und Platz 29 in der Schweiz. Mit den talentierten Musikern von Edling (Bass), Marcus Jidell (Gitarre), Lars Sköld (Schlagzeug), Carl Westholm (Keyboard) und Jennie-Ann Smith (Gesang) sowie nach mehr als 3 Millionen Streams gesammelten Streams, veröffentlichen sie am 21. Oktober 2022 ihr schweres und düsteres Album "Death, Where Is Your Sting". Mit diesem Album beweisen AVATARIUM einmal mehr, dass sie Doom Metal mit klassischem und hartem Rock der 1970er Jahre so perfekt verbinden wie keine andere Band zuvor.
aufwändige UV-Spot-Lackierung, inkl. A2-Poster.

Ascended Dead kehren zurück wie ein Sturm aus dem neunten Kreis der Hölle in den Himmel! Das neue Album "Evenfall of the Apocalypse" läutet den finalen Marsch in die Vernichtung durch gerade noch kontrolliertem Death Metal und formzerstörende Nekromantie ein.

Ascended Dead spielen Death Metal auf die uralte Art und Weise, mit inhärent bösartigen Wurzeln und einer methodischen Grausamkeit, die man heutzutage kaum noch hört. Fleischschälende Intensität in Überschallgeschwindigkeit, technisch rasende Leads, die direkt durch Knochen schneiden und eine unerbittliche, vernichtende Kraft, die selten lange genug pausiert, um Luft zu holen. Doch inmitten dieser flammenden Feuersbrunst ist eine ganz bewusste und fanatische Liebe zum Detail und zum Handwerk nicht zu leugnen, die dem Pandämonium klare Struktur und Einprägsamkeit verleiht.

Während die Band mehr als genug Fähigkeiten und Fertigkeiten besitzt, um ein düsteres Akustikstück wie "Passage to Eternity", einen seltenen Moment der Ruhe, zu spielen, dienen wiederholte Durchläufe von "Evenfall of the Apocalypse" nur dazu, Ascended Dead's unaufhaltsamen Platz an der Spitze des brutalen, wahren Death Metal zu verewigen und dessen Banner in die Zukunft zu tragen.

- Das erste neue Album von Ascended Dead seit 2017
- US- und Europa-Touren für 2023 geplant
- Gemischt und gemastert von Stevie D (Worm, Evoken)
- Schlagzeuger Charlie Koryn sitzt derzeit auch auf dem höchsten Drum-Thron des Death Metal und spielt für Morbid Angel
- FFO: Possessed, Sadistic Intent, Necrovore, Force of Darkness, Black Curse, Morbid Angel, Immolation, Angelcorpse, Sarcofago, Triumvir Foul, Concrete Winds, Ruin Lust, Degial

Ascended Dead kehren zurück wie ein Sturm aus dem neunten Kreis der Hölle in den Himmel! Das neue Album "Evenfall of the Apocalypse" läutet den finalen Marsch in die Vernichtung durch gerade noch kontrolliertem Death Metal und formzerstörende Nekromantie ein.

Ascended Dead spielen Death Metal auf die uralte Art und Weise, mit inhärent bösartigen Wurzeln und einer methodischen Grausamkeit, die man heutzutage kaum noch hört. Fleischschälende Intensität in Überschallgeschwindigkeit, technisch rasende Leads, die direkt durch Knochen schneiden und eine unerbittliche, vernichtende Kraft, die selten lange genug pausiert, um Luft zu holen. Doch inmitten dieser flammenden Feuersbrunst ist eine ganz bewusste und fanatische Liebe zum Detail und zum Handwerk nicht zu leugnen, die dem Pandämonium klare Struktur und Einprägsamkeit verleiht.

Während die Band mehr als genug Fähigkeiten und Fertigkeiten besitzt, um ein düsteres Akustikstück wie "Passage to Eternity", einen seltenen Moment der Ruhe, zu spielen, dienen wiederholte Durchläufe von "Evenfall of the Apocalypse" nur dazu, Ascended Dead's unaufhaltsamen Platz an der Spitze des brutalen, wahren Death Metal zu verewigen und dessen Banner in die Zukunft zu tragen.

- Das erste neue Album von Ascended Dead seit 2017
- US- und Europa-Touren für 2023 geplant
- Gemischt und gemastert von Stevie D (Worm, Evoken)
- Schlagzeuger Charlie Koryn sitzt derzeit auch auf dem höchsten Drum-Thron des Death Metal und spielt für Morbid Angel
- FFO: Possessed, Sadistic Intent, Necrovore, Force of Darkness, Black Curse, Morbid Angel, Immolation, Angelcorpse, Sarcofago, Triumvir Foul, Concrete Winds, Ruin Lust, Degial

Die Groove Metaller DEVILDRIVER können auf neun Alben, zahllose internationale Tourneen und weltweiten Erfolg während ihres 30-jährigen Bandbestehen zurückblicken. Als die Welt im Jahr 2020 in den Lockdown ging, machten DEVILDRIVER keine Pause und veröffentlichten den gefeierten ersten Teil ihrer zweiteiligen Dealing With Demons-Saga. Internationale Medien wie Revolver, Metal Hammer, Kerrang und Consequence rühmten das Album und Blabbermouth postulierte: ”Wenn die zweite Hälfte dieses Mammutprojekts mit der ersten mithalten kann, wird dies als ein entscheidender Moment in der Geschichte von DEVILDRIVER in Erinnerung bleiben.” In Zeiten in denen das gesellschaftliche Klima härter ist denn je kommt DEVILDRIVERs zehntes Album Dealing With Demons Vol. II wie gerufen. Die neuste Scheibe des Quintetts wurde erneut von Steve Evetts mit Unterstützung von Gitarrist Mike Spreitzer produziert.

Unverkennbar ist Dealing With Demons Vol. II härter und unerbittlicher als sein Vorgänger. Schonungslos ist sie nicht nur die düstere beider Platten, sondern richtet den Blick in die dunkelsten Abgründe der
Psyche von Frontmann Dez Fafara und die Auseinandersetzung mit seinen Dämonen, die ihn schon lange heimgesucht haben.

Wenn sich jemand die Frage überhaupt gestellt hat, ob DEVILDRIVER in nächster Zeit langsamer werden, beweist Dealing With Demons Vol. II, dass sie auch nach 20 Jahren in ihrer Karriere Dämonen bezwingen
können und an der Spitze des Metals weitermachen.

”Gemeinsam in die Abenteuer weltbekannter Heldenfiguren eintauchen und unbekannte Welten entdecken – genau das machen sich THE DARK SIDE OF THE MOON zu ihrer Aufgabe! Mit dem Debütalbum Metamorphosis (12. Mai 2023 via Napalm Records) entführt das Quartett, bestehend aus Mitgliedern von Feuerschwanz, Amaranthe und Ad Infinitum, die Hörer auf eine abenteuerliche Reise in die Welt sagenhafter Filmgeschichten, Gaming-Klassiker und überzeugt mit eigenem Songwriting.
Die 2021 gegründete Truppe um Ad Infinitum-Sängerin Melissa Bonny und Feuerschwanz-Gitarrist Hans Platz interpretiert berühmte
Soundtrack-Themen neu, widmet diese ihren Lieblingscharakteren und besticht durch eine einzigartige klangliche Handschrift.

Wie alles begann?
THE DARK SIDE OF THE MOON entstanden aus einer Wette zwischen AD INFINITUMSängerin Melissa Bonny und Hans Platz, dem Gitarristen von FEUERSCHWANZ. Der Verlierer schuldete dem anderen einen „Gefallen””. Hans gewann und forderte Melissa heraus, den Song „Jenny Of Oldstones”” in einem düsteren Metal-Gewand aufzunehmen und die Reise begann. Auf ihrem Debütalbum Metamorphosis gehen THE DARK SIDE OF THE MOON den Abenteuern ihrer Helden auf den Grund und verwandeln Soundtracks weltbekannter Filme, Fernsehsendungen und Videospiele in kraftvolle Metalversionen.

Der millionenfach gestreamte League of Legends-Titelsong „Legends Never Die”” wird dank der unglaublichen Gesangseinlagen von Melissa Bonny in einem atemberaubenden Gewand zu neuem Leben
erweckt.

Wiederveröffentlichung des 2018er Albums!

Umse ist ein Kind des Ruhrpotts – und ewig Reisender. Ein Malocher-MC mit langem Atem, der sich endlich auszahlt. Der Top-20-Künstler chartete mit seinen letzten beiden Alben „Kunst für sich“ (#36) und „Haiwanischer Schnee“ (#16), die über die Indie-Institution Jakarta Records erschienen. Für sein neues Album nahm er sich zwei Jahre Zeit, musste Tiefschläge überwinden, um „Durch die Wolkendecke“ gehen zu können. Heute präsentiert er mit „Bescheid“ das erste Video zu seinem neuen Album, das am 28. September erscheint.

In zwei Jahren hat sich einiges angestaut: an Texten und Erfahrungen. So veröffentlichte Umse erst im Mai die 6-Track starke „Flammenwerfer“-EP und nun bereits Ende September ein neues Album. Der Ruhrpott-Rapper, der in einer Tugend-Tradition mit den lokalen Legenden RAGund Too Strong steht und doch nach State of the Art klingt, tourte jahrelang durchs Land und erspielte sich von Konstanz bis Kiel einen exzellenten Ruf als Live-MC.

Über die Jahre hat sich Umse eine loyale Fanbase aufgebaut, die ihn für seine Bodenständigkeit schätzt. Er verkörpert die Werte der alten Schule, vereint Technik und Tiefgang und befriedet mit seinem Neo-Boombap-Entwurf die Rap-Generationen. „Durch Die Wolkendecke“ setzt diesen Weg konsequent fort und zeigt dabei neue Impulse und Perspektiven auf. Der Titel deutet bereits an, dass es düsterer und nachdenklicher zugeht; er steht aber auch sinnbildlich für: „Sky is the limit“.

Dieses Limit ist für den Grown-Man-Rapper noch lange nicht erreicht: Er ist weder hängengebliebener Oldschooler noch gesichtstätowierter Mumble-Rapper, und doch fruchtet sein Scheuklappen-freier, samplelastiger Trademark-Sound im Hier und Jetzt. Mal erinnern die Sing-Sang-Hooks an den frühen 50 Cent, mal an die Crowd-Control-Choruse der Dilated Peoples.

Das Regionale und das Reisen sind zwei Konstanten und Extreme, die sich durch die Karriere von Umse zu ziehen scheinen. Nachdem er sich mit Hofproduzent Deckah für die Produktion von „Hawaianischer Schnee“ in einem Landhaus in der niederländischen Provinz einmietete, flogen sie für „Durch Die Wolkendecke“ bis nach Colorado und Teneriffa. Der Track „Wenn Die Ferne Ruft“ thematisiert dieses Fernweh, das für Umbeck so inspirierend wirkt, mit markanten Lines: „Man tut es wieder, wenn man merkt, das Reisen Wunder bewirkt.“

Der Opener „Bescheid“ ist nur vordergründig ein Representer und offenbart bei genauerem Hinhören reife Reflexionen eines Mittdreißigers. Auf „Mach Das Kleine Groß“ zeigt Umse dialektisches Talent, schließt von dem Großen auf das Kleine, vom Lokalen aufs Globale, von sich als Individuum auf die Gesellschaft und Szene. Das rührende Outro „Jederzeit“ klingt wie eine Art Testament, mit der sich Umse endgültig in den Real-Rap-Analen als eine der wichtigsten Stimmen seiner Generation verewigt.

Umse sagte einmal sinngemäß über die Langlebigkeit von Alben: „Es interessiert keine Sau, wie lange du daran gearbeitet hast, es zählt, wie lange sie rotiert.“ Und eine lange Haltwertszeit hat dieses zeitlose, detailverliebte Werk ganz sicherlich.

Deluxe-Format des Soundtracks des Capcom Sound Teams (Shusaku Uchiyama, Nao Sato), unterstützt von Marcin Przybylowicz, Brian D'Oliveira und der Folk-Künstlerin Aga Ujma, zum 8. Teil der berüchtigten Survival-Horror-Spielserie, "Resident Evil Village" (2021). 25 Tracks mit düsterem Horromärchencharakter, gemastered für audiophiles 180g Doppelvinyl im Gatefold.

"Killing Innocence" - das neunte Studioalbum der Südtiroler Dark Metal-Macht GRAVEWORM! Das lange Warten hat sich gelohnt, die Dark Metal-Institution meldet sich mit ihrem vielleicht besten Album nach acht Jahren endlich zurück!

Es dauerte acht lange Jahre, aber war das Warten mehr als wert: Die Südtiroler Extreme Metal-Institution GRAVEWORM meldet sich nun endlich mit einem neuen Album zurück! Und "Killing Innocence" entschädigt für alles. Ihre ganz eigene Melange aus Thrash, Gothic und Death Metal ist durchschlagskräftig wie eh und je und zeigt, dass Graveworm auch nach all den Jahren nichts an ihrer Härte und Energie verloren haben. Die zehn neuen Songs auf "Killing Innocence" sind geprägt von düsteren Atmosphären, kraftvollen Riffs und treibenden Drums, die den Hörer direkt in den Bann ziehen. Das Album ist eine Hommage an die Wurzeln der Band und doch zeitgemäß und frisch produziert - ein absoluter Pflichtkauf für Fans von düsterem, aber mitreißendem Metal. Mit "Killing Innocence" beweist Graveworm eindrucksvoll, dass sie zu den besten Vertretern des Genres gehören und auch im Jahr 2023 noch für Überraschungen sorgen können.

Wenn es um geradlinigen, knochenbrechenden Death Metal geht, liefern DEFILED aus Tokio! "The Highest Level" bleibt der traditionellen Death Metal-Formel treu, während das düstere Songwriting der Band zu ihrer Authentizität beiträgt. DEFILED versuchen, mit diesem neuen Album ohne Schnickschnack auszukommen, und sprechen stattdessen direkt die Sensibilität von Death Metal-Fanatikern der alten Schule an, die einfach nur auf der Suche nach gesichtsschmelzender Gewalt sind!

FFO: Autopsy, Pyrexia, Pungent Stench, Macabre, Cadaver

Wenn es um geradlinigen, knochenbrechenden Death Metal geht, liefern DEFILED aus Tokio! "The Highest Level" bleibt der traditionellen Death Metal-Formel treu, während das düstere Songwriting der Band zu ihrer Authentizität beiträgt. DEFILED versuchen, mit diesem neuen Album ohne Schnickschnack auszukommen, und sprechen stattdessen direkt die Sensibilität von Death Metal-Fanatikern der alten Schule an, die einfach nur auf der Suche nach gesichtsschmelzender Gewalt sind!

FFO: Autopsy, Pyrexia, Pungent Stench, Macabre, Cadaver

Die US Horropunk Band DARKER DAYS aus Salem, Massachusetts, präsentiert ihr Debütalbum "The Burying Point" - ein Muss für Fans von The Misfits, Blitzkid oder AFI!

DARKER DAYS, aus der Halloween-Hauptstadt Salem, Massachusetts, präsentieren ihr Debütalbum "The Burying Point"!
Die Band hat ihr ganzes Herzblut, in dieses Album gesteckt und sich dabei von einigen ihrer Lieblingsbands inspirieren lassen: AFI, The Misfits oder Blitzkid.
In den Texten von DARKER DAYS geht es um ihre Lieblings-Horrorfilme, aber auch um alltägliche Herausforderungen.
Die düstere Geschichte ihrer Heimatstadt Salem und ganz New Englands - mit Nathaniel Hawthorne in Salem, H.P. Lovecraft in Providence und Stephen King in Bangor - sowie die trostlose Landschaft hatten ebenfalls einen großen Einfluss auf sie.

VINYL-AUSGABE ZUM 10-JÄHRIGEN JUBILÄUM DES ALBUMS IN DER 'DEEP BLACK VERSION'.

- Klassisch schwarzes Vinyl
- 2x 180 Gramm 12" Vinyl
- Extra audiophile Tonträger von hoher Qualität - deutsche Pressung
- Gatefold Verpackung
- Mehrfarbig bedruckte Innenhüllen mit allen Songtexten
- Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten
- Fold-Out Poster (ca. 60x90 cm)
- Streng limitiert auf 400 Exemplare

Gemeinsam können wir die Aufbruchstimmung bei ASP wiedererleben und in der Geschichte des Fremden zurückwandern, denn nun soll auch der zweite Teil des "Fremder"-Zyklus als Jubiläumsversion erscheinen. "MASKENHAFT" - das Album, das bei seinem Erscheinen im Jahr 2013 auf Platz 2 in die Charts einstieg und die Fans mit einem bisher unerreichten Cliffhanger in der Geschichte der Band auf die Folter spannte. In gewohnt authentischer Weise präsentierten die Musiker ihre Kombination aus rockigen Klängen, filigranen Wave-Momenten, lyrisch-erzählerischen Texten und tiefgründiger Botschaft. Kaum eine Band schafft es, auf derart virtuose Weise unterhaltende und zugleich gesellschaftskritische Inhalte zu liefern, wie sie in dem stimmungsvollen Kosmos dieses Werkes geschickt verwoben wurden. Wir alle tragen zu oft Masken, wir alle begegnen uns viel zu oft als Fremde. Und ebenso düster wie fremd-artig verschmitzt weist Asp in seinen Songs darauf hin, hält uns den Spiegel vor, indem er sich selbst als fremdesten aller Aliens in dieser Welt zeichnet.

Ob die maskierte Kreatur, der umherstreifende Wanderer, die Liebenden im Schneefall oder der auf steinigen Pfaden taumelnde Protagonist - viele Bilder sind über die vergangene Dekade hinweg zu altvertrauten und heißbegehrten Begleitern geworden, die das Publikum auch auf Live-Konzerten immer wieder in Begeisterungsstürme versetzen. Die fesselnde Story, die Splitter der einzelnen Kapitel, die sich zu einem größeren Bild zusammenfügen, die unterschiedlichen Bedeutungsebenen - Asp ist und bleibt der Meister der Mehrdeutigkeiten. Ob Monumentalstück oder Ohrwurm (oder beides), die Lieder schaffen es auch nach zehn Jahren noch, den Zuhörer zu bannen und sofort in die Anfänge des "Fremder"-Zyklus zurück zu katapultieren.

Wenn ungeschliffener Garage Rock auf Psychedelic Riffs trifft und dann noch eine Prise Indie darüber gestreut wird, dann kann das nur eins ergeben: The DogHunters. Gemeinsam sperrten sich die 5 Freunde für lange Zeit in einen Keller ein, hier mischen sich die Rolling Stones, The Clash, Bob Marley und auch jede Menge Kreativität. "Oumuamua" ist das dritte Album der Band. Fühlte sich die letzte LP der Gruppe wie ein Tag am Strand an, kommt das aktuelle Album "Oumuamua" einer Nacht im Wald gleich. Die Stimmung wird düsterer, die Psychedelik kann nach wohliger Wärme in diffuse Paranoia umschlagen ("Ayahuasca", "Cyber Skies") und auf einmal wird Bekanntes mysteriös.. doch wohnt der nächtlichen Stimmung der Platte auch die Chance inne in schamanischen Schattentänzen die Gestalt zu ändern; das nutzen die Musiker in Flamenco Anleihen die an spanische Skizzen erinnern ("The Sun") oder Wüstengrooves("Giza"). Die Nacht kann aber auch schön sein wenn die Sterne durch das Blätterdach aufblitzen wie in "Callisto Moon". Die Musik katapultiert die Zuhörer in verschiedene Welten, wobei auch die Texte diese verdeutlichen. Hierbei werden nicht nur Fernöstliche Weisheiten als Inspration genutzt, sondern auch Gedankenspiele die eine postapokalyptische Welt erahnen lassen sowie Träume die an den Rand der Unendlichkeit erinnern. Wir hören eine gereifte Band die im Songwriting sucht, ausprobiert und verschiedene Einflüsse auf einem Fundament des Grooves und straighten Rocks balanciert. Die Aufnahmen fanden grundsätzlich nach 22 Uhr statt.

Nach der weltweit erfolgreichen Veröffentlichung des Studioalbums "The Mars Volta" bringt die Band das Album auch als harmonische Akustikalbum mit dem Titel "Que Dios Te Maldiga Mi Corazon" heraus.

The Mars Volta bleibt sich dabei treu: Es ist subtil subversiv - unendlich erfinderisch, aber nie auf Kosten des Songs. Viele der Werte, die die früheren Alben von The Mars Volta so bahnbrechend und hochgelobt gemacht haben, sind auch hier noch vorhanden, aber sie werden auf andere, geschickte Weise eingesetzt.
Die karibischen Rhythmen, die ihre früheren Alben angetrieben haben, florieren immer noch auf Que Dios Te Maldiga Mi Corazon - sie stehen jetzt nicht mehr im Vordergrund, aber sie hörbar in jedem dieser Tracks.

Ebenso sind die großen Rockbewegungen und die proggigen Komplexitäten ihrer wegweisenden Veröffentlichungen einer größeren klanglichen Subtilität, Unmittelbarkeit und Direktheit gewichen. Aber auch wenn The Mars Volta sich von Grand-Guignol-Ausschmückungen fernhält, bleibt es ein düsterer, kraftvoller und ergreifender Hörgenuss, ausgereift und zutiefst befriedigend in seiner
Zurückhaltung.

Die neuseeländische Musikerin und Produzentin Princess Chelsea präsentiert ihr kommendes "nervous breakdown album" "Everything Is Going To Be Alright", das im pastoralen Aotearoa Neuseeland aufgenommen wurde und eine Art Trostspender ist. Es sind keine traurigen Lieder, sondern die beiden Eröffnungs- und Schlusstracks erzählen von Chelseas Genesung und sind als kathartischer Hörgenuss für alle gedacht, die es brauchen könnten. "If you feel you want to die / trust me darling / it just takes time", singt sie in "Time". In der Zwischenzeit zeigen Chelseas sorgfältig geschichtete Gesangsmelodien über Mellotron-Flöten und Harfe, verwoben mit Live-Cello und Violine, ihre Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin. Princess Chelseas cineastischer, verträumter Pop hat sich in elf Jahren, fünf Alben, einer EP und elf Singles weiterentwickelt. Ihre Vortragsweise und ihr Songwriting zeichnen sich dadurch aus, dass sie eine fast naive Ernsthaftigkeit mit zynischem, augenzwinkerndem Witz und akustischen Funken überlagert. Ihr Grunge-Girlgroup-Song "I Love My Boyfriend" aus dem Jahr 2018 und ihr von Nancy & Lee inspiriertes "Cigarette Duet" aus dem Jahr 2011 haben ihren Bekanntheitsgrad durch den Einfluss einer neuen TikTok-Generation in das öffentliche Bewusstsein gerückt. Für dieses Album wurden Chelseas Instrumentalarrangements von ihrer Live-Band inspiriert, die die Schlafzimmerdemoaufnahmen mit einem überraschenden Sound interpretiert hat. Es klingt anders, als man vielleicht erwarten würde. "The Forest" wurde live in einem Take mit Chelsea und der gesamten Band im beliebten neuseeländischen "The Lab" aufgenommen und zeigt dynamische Gitarrenwände und eine leidenschaftliche Gesangsperformance. Es ist eine markante Abweichung von ihrem bisherigen Schaffen und stellt eine weitere Einführung in das dar, was sie seit der Veröffentlichung der verträumten und doch düsteren Single "Everything is Going To Be Alright" im Februar als ihr "Gitarrenalbum" bezeichnet hat. Chelseas Fähigkeiten als Arrangeurin und Produzentin kommen auf dem Album voll zur Geltung, aber oft in Form von komplizierten Gitarrenarrangements, die an The Cars und die Breeders ("Forever is a Charm") und an klassische neuseeländische Flying Nun-Bands der 80er und 90er Jahre ("Love is More") erinnern. Obwohl das Album eine deutliche musikalische Entwicklung darstellt, sind ihre Markenzeichen immer noch da - klassische 80er Jahre Synths (Yamaha DX7, Roland D-50), vielschichtige Melodien, orchestrale Instrumente, verträumter Gesang, verdrehter Pop, der oft Vergleiche mit Julee Cruise oder Enya gezogen hat.

Der vierfach Grammy-nominierte Multiinstrumentalist, Produzent und Gründungsmitglied von Porcupine Tree veröffentlichte im März 2009 sein gefeiertes Debütalbum.

Das düstere, cineastische und reichhaltig strukturierte Album besteht aus 10 Tracks, die von Balladen und Hymnen bis hin zu industriellen Lärmattacken reichen. Es ist das Ergebnis von zwei Jahren kreativen Schaffens und zahlreichen Aufnahmesessions weltweit in Studios von Mexiko City bis Japan und Israel.

Reissue als Digipak CD oder schwarzes Doppelvinyl im Gatefold Sleeve
Wilsons Solodebütalbum erschien ursprünglich 2009 auf Kscope

mit Tony Levin, Gavin Harrison, Jordan Rudess, Michiyo Yagi, Sand Snowman und Theo Travis

Endlich auch auf Vinyl erhältlich: das neue Album der amerikanischen Progressive Metal-Sensation.

Keinem anderen Metal-Act gelingt auf so meisterhafte Weise das Beherrschen von Melodien sowie die einzigartig faszinierende Verschmelzung mit Hip-Hop-Rhythmen und düsteren Sounds - und das, ohne sich der Krücke von Mitsing-tauglichen Hooks bedienen
zu müssen. Das nun vierte Studioalbum der Band "Remember That You Will Die" enthält Kollaborationen mit $not, Chino Moreno (Deftones), Brasstracks, Steve Vai und Produktionen von den Gitarristen Tim Henson & Scott LePage sowie Beiträgen von Rodney Jerkins (Michael Jackson, Destiny's Child, Lady Gaga), JUDGE (Migos & Marshmello, blackbear, Young Thug) und vielen weiteren Hochkarätern.

Auf dem neuen Longplayer Crime Scene lenkt die bayuwarische Artrock-Institution ihre Aufmerksamkeit auf das Morbide, das Perverse, das Böse im Guten, die Abgründe des menschlichen Verhaltensspektrums in all seiner unvorhersehbaren Vielfalt, die dann manchmal auch so bizarr verstörend schlüssig daher kommt, wenn man denn ansetzt sie ergründen zu wollen.
In sechs dicht-atmosphärischen Tracks haben sich RPWL wieder einmal auf intensive Reisen durch die eigene Bandvita, als auch die jeweils eigenen Plattensammlungen begeben. Das Bemühen von Vergleichen ist immer so eine Sache, denn immerhin ist dies die 19te Veröffentlichung dieser international erfolgreichen Band. Die teils morbid-düsteren Themen werden mit old-school Fuzz konterkariert, das knapp 13-minütige "King of the World" mit seinem knurrenden Big Muff und seinen flächigen Vibes, oder "Life beyond Control", das mit seinem Offbeat-Einsatz sicher zu den härtesten Stücken in der RPWL Diskographie gehören dürfte, legen ihr Geständnis auf der Crime Scene ab. "Live in a Cage" bringt das das Kalkül des wie immer akribischen Sounddesigns dieses neuen RPWL-Albums auf den Punkt, nahtlos schließt sich "Red Rose" daran an. Pflaster auf Schusswunde als Prinzip. Aber der Wahn der normalisierten Gewalt wabert in so vielen Haushalten unter der vermeintlichen Harmonie, die die vier Musiker hier den Hörer glauben lassen. Wie fühlt es sich an, überhaupt kein Konzept von Freiheit zu haben, die Angst die bürgerliche Sicherheit zu verlassen aber größer ist? Allein im Lockdown-Jahr Jahr 2020 erfasste die Polizei über 119.000 Fälle von partnerschaftlicher Gewalt, 139 davon mit tödlichem Ausgang, die sich in über 80% der Fälle gegen den weiblichen Part in der Beziehung richteten.

Yogi Lang kommentiert aus künstlerischer Perspektive er sei schon immer von gesellschaftlichen und persönlichen Schattenseiten fasziniert gewesen. Kalle Wallner stellt die Gretchenfrage, wie man es denn mit dem Bösen an sich halte: "Wer macht uns zu dem wer wir sind? Ist es eine Frage der Genetik oder sind es doch die sozialen Umstände, unsere Kindheit, Schicksalsschläge, Druck oder Kränkungen?"

Das ‚Böse' bildet eines der Kernthemen auf Crime Scene, welches über das Band-eigene Label Gentle Art of Music erscheint. Als wertig aufgemachtes Digipak, drei unterschiedlichen Vinyl-Versionen (180Gr. Schwarz, 180Gr. Lim. Rot, 180Gr. Lim. Blau) und natürlich Digital.

eclipsed - Album des Monats:
"RPWL ist damit ein geradezu kriminell spannendes Werk gelungen. ....Auf "Crime Scene" spielen RPWL alle ihre Stärken aus. Tatorte gesichert. Fälle geklärt. Mission erfüllt. ... Wuchtige, cineastisch anmutende Arrangements, wunderschöne Melodiebögen, bewegende, leise, behutsame Momente und ein ausgesprochen spannendes Konzept hinterlassen einen starken Eindruck..."

SLAM (Highlight März/April)
Wieder einmal haben die bayrischen Artrocker RPWL ein Konzeptalbum am Start und wieder einmal kommt nach dem ersten Durchlauf der übliche Gedanke: Das ist absolut großartig, aber man hat keine Ahnung warum genau. Was haben die in Freising in ihrem Wasser, das ihnen erlaubt zu scheinbar egal welchem Thema eine Klangwelt zu bauen, die es so kein zweites Mal gibt? (...) Man kann gar nicht hoch genug einschätzen, wie wertvoll die Existenz so einer Band ist, es bleibt am Ende ein einfaches "Danke".