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Vijan, originally released in 2003 by I Grade Records, is a seminal release from the “golden era” of St. Croix roots reggae, now available for the first time on 12” vinyl courtesy of Before Zero Records.

Produced by the legendary combination of Vaughn Benjamin and Laurent “Tippy I” Alfred, Vijan balances the raw, spiritual intensity of Vaughn’s songwriting with the sophisticated, melodic arrangements that became the hallmark of the I Grade sound.

This album features an incredible lineup of musicians who helped shape the sound of Virgin Islands reggae. The production credits boast the textured guitar layers of Tuff Lion , the deep, driving bass of Kenyatta Itola , and the rhythmic precision of Dion “Bosie” Hopkins. Uniquely, this album also showcases Vaughn Benjamin’s versatility as a multi-instrumentalist, contributing drums, bass, and keys on standout tracks like “All Ye Naashan” and “Thanks for Life”.

Akae Beka’s inimitable style of rich, deep, multi-layered songwriting and uncompromising devotion to RasTafari is on full display here. At the point of his untimely passing in 2019, Vaughn Benjamin had released over 70 albums, solidifying his place as one of the most prolific reggae artists ever known. Vijan remains
a glowing highlight in this expansive catalogue, capturing a specific moment of creative brilliance in the early 2000s.

The vinyl reissue allows listeners to engage with the album’s analogue richness and features the striking original artwork by Marcus Wilson, presented here as a 12” square masterpiece.

Bat For Lashes’ faszinierendes Debütalbum „Fur and Gold“ erscheint 2026 neu gemastert in den Abbey
Road Studios. Das Album, das 2006 erstmals veröffentlicht wurde, präsentierte Natasha Khans visionäre
Mischung aus Mythos, Emotion und cineastischem Pop und erntete breite Anerkennung sowie eine Mercury
Music Prize-Nominierung. Mit Hits wie „What’s a Girl to Do?“, „Horse and I“ und „Trophy“ ist „Fur and
Gold“ bis heute ein wegweisendes Zeugnis von Fantasie und Kunstfertigkeit.
Diese Neuauflage ist als schwere 180g schwarze Vinyl-LP des Originalalbums, sowie als Deluxe-DoppelCD-Set erhältlich. Die Doppel-CD enthält neben der remasterten Version eine Bonus-CD mit bisher unveröffentlichten Demos und Live-Aufnahmen der BBC. Ein zeitloses Debüt, wunderschön neu interpretiert
für eine neue Generation von Hörern.

Ein Album, das das Herz höher schlagen lässt. Nikolai Kapustin war ein russischer Komponist, der Klaviermusik in einem ausgesprochen jazzigen Stil schrieb, mit all der Spontaneität, die man mit Improvisation
assoziieren könnte – mit dem einzigen Unterschied, dass die Musik vollständig und akribisch notiert war.
Seine Musik ist heute regelmäßig in Konzertsälen als publikumswirksame Zugaben zu hören, aber zum
Zeitpunkt der Aufnahme (2003) war sie noch relativ unbekannt. Marc-André Hamelin war einer der ersten
Fürsprecher Kapustins, und diese Aufnahme (praktisch Marcs meistverkauftes Album) trug wesentlich dazu
bei, die Musik des Komponisten einem breiteren Publikum bekannt zu machen. Gramophone schrieb bei
der ursprünglichen Veröffentlichung: „Alles auf dieser bemerkenswerten CD wird mit einer nonchalanten
Gelassenheit und magischen Fingerfertigkeit gespielt, die man sich von keinem anderen Pianisten vorstellen
kann.“

Steven Isserlis’ mehrfach preisgekrönte Aufnahme der Bach-Cellosuiten stellt einen wichtigen Meilenstein für
einen Interpreten auf dem Höhepunkt seiner Karriere dar – von The Independent als „legendär“ bezeichnet.
In seinen eloquenten Begleittexten offenbart Steven seine persönlichen Gedanken zu den Suiten und gibt
Einblick in seine umfangreichen akademischen Recherchen. Seine Interpretation beruht eher auf seiner
leidenschaftlichen Auseinandersetzung mit der Musik als auf den verschiedenen Theorien, die in der BachForschung kursieren, und er erläutert sie ausführlich in einem Artikel, der diese mit dem Gramophone Award
ausgezeichnete Veröffentlichung perfekt ergänzt. Ein 3-LP-Set.

Auf einer Reise vom zwölften Jahrhundert (Hildegard von Bingen) bis ins einundzwanzigste Jahrhundert
widmen sich The Gesualdo Six in einer bewegenden Musiksequenz von vierzehn Komponisten einer meditativen Reflexion rund um das alte Komplet. Unter der Leitung von Owain Park, der kürzlich zum nächsten
Chefdirigenten der BBC Singers ernannt wurde, haben sich die G6 einen Ruf als Sänger von „unbeschreiblicher stimmlicher Schönheit“ (The Times) und „strahlender stimmlicher Reinheit“ (The Guardian) erarbeitet. Ihr drittes Album Fading wurde 2020 mit dem Limelight Vocal Recording of the Year Award
ausgezeichnet.

Gewinnerin des Gramophone Award 2021 und von diesem Magazin als „die Art von Spiel, die einem ohne
zu blinzeln in die Augen schaut und sagt, wie es ist“ beschrieben: Es kann sich nur um Alina Ibragimova
handeln, die Schostakowitschs Violinkonzerte spielt. Begleitet wird sie vom Dirigenten Vladimir Jurowski
und dem Staatlichen Akademischen Symphonieorchester Russlands „Evgeny Svetlanov“. SchostakowitschLiebhaber werden sich über die Gelegenheit freuen, die selten gespielte originale Eröffnung der Burleske aus
dem 1. Konzert zu hören. Ein 2-LP-Set

Mit „Filin“ legt Saxofonistin Melissa Aldana ein Balladenalbum mit Liedern aus der kubanischen Musiktradition vor, interpretiert im Quartett mit dem legendären Pianisten Gonzalo Rubalcaba, Bassist Peter
Washington und Schlagzeuger Kush Abadey sowie Gastsängerin Cécile McLorin Salvant.
Seit ihren Anfängen hegt die in Chile geborene Aldana den Wunsch, ein Balladenalbum aufzunehmen.
Nach ihrem GRAMMY-nominierten Blue Note-Debüt „12 Stars“ (2022) und dem Nachfolgealbum „Echoes
Of The Inner Prophet“ (2024), zwei von der Kritik begeistert aufgenommenen spirituellen Modern-JazzWerken, geht sie mit ihrem dritten Blue-Note-Album ihr Traumprojekt jetzt auf ungewöhnliche Weise an.
Pianist Gonzalo Rubalcaba, schlug vor, sie solle die Filin-Musik seiner Heimat interpretieren, kunstvoll
arrangierte romantische Lieder, die zwischen den späten 1940er und frühen 1960er Jahren ihre Blütezeit
erlebten. Das Ergebnis ist ein sinnliches Jazz-Werk der Spitzenklasse.

Es war eine nächtliche Spielerei – und wurde zum Welterfolg. Vor zehn Jahren lud Joep Beving, damals
noch ein unbekannter Holländer, seine selbst komponierten Klavierstücke ins Netz. Solipsism hieß das Album, das daraus entstand: sanfte Klaviergeschichten, die Menschen weltweit berühren. Die interpretierte
Fassung seines bahnbrechenden Debüts, das inzwischen Goldstatus erreicht hat und Hunderte Millionen
Streams verzeichnet.
„Solipsism ist die Vorstellung, dass die Realität nur im eigenen Geist existiert. Ich habe dieses Album
Solipsism genannt, weil ich mir selbst beweisen wollte, dass das Gegenteil wahr ist – dass wir alle tief
miteinander verbunden sind.“
Deutsche Grammophon legt Joep Beving’s erfolgreiches Album Solipsism als EcoRecord neu auf.

Der Titel “Brass/Trio/Solo” wäre für dieses legendäre Verve-Album von 1958 noch treffender gewesen, denn
der Tenorsaxofonist zeigt sich hier von drei Seiten: mit einem von Ernie Wilkins arrangierten BlechbläserEnsemble plus Rhythmusgruppe, mit seinem eigenen pianolosen Trio und schließlich zum krönenden Abschluss als unbegleiteter Solist

Das 1958 bei Verve erschienene Album dokumentiert das seltene Zusammentreffen zweier gegensätzlicher
Jazzgrößen: des entspannten Tenorsaxofonisten Stan Getz und des fulminant swingenden Trios von Oscar
Peterson. Höhepunkt ist ein zehnminütiges Medley aus fünf bekannten balladesken Jazzstandards.

Ushering in a new era, Berlin based, New Zealand heavy psych duo Earth Tongue lower the castle gates on their third album Dungeon Vision, a trove of fuzz-drenched anthems produced by garage rock luminary Ty Segall in Los Angeles. Guitarist Gussie Larkin and drummer Ezra Simons spent the Berlin winter of 2025 refining the album’s twelve tracks in their self-described “windowless cave” rehearsal space, crafting a record that channels both isolation and the duo’s live intensity. With the songs finally taking shape and a studio deadline looming, they flew to Los Angeles to turn their hard-won ideas into the real thing. Once there, the band and Ty captured lightning in a bottle, recording and mixing Dungeon Vision in just ten days at Altamira Sound. Tracked live to tape, Dungeon Vision pulses with human energy, fuzz guitars, bone-battering drums, and hauntingly tuneful vocals. Ty Segall’s influence is all over the record with Ty choosing the best takes based on feel rather than technical perfection. The “king of fuzzy guitar tones” pushed the duo to find new sonic textures while championing their raw chemistry. “Ty’s been a big driving force,” says Ezra. “We supported him in New Zealand back in 2023, and he’s backed us ever since even bringing us on tour through Europe and the UK in 2024.” Since their emergence in 2016, Earth Tongue’s world-building, visuals, and relentless touring have earned them global attention and a cult-like following. Their 2024 album Great Haunting, also released on In The Red Records, received a Taite Music Prize nomination and saw them win Best Group at the 2025 Aotearoa Music Awards. They’ve toured extensively, sharing stages with the likes of Queens of the Stone Age, IDLES, Acid King, Brant Bjork and Kikagaku Moyo. With Dungeon Vision, Earth Tongue deliver their most immersive work yet, a richly human, fuzz-soaked journey that bottles the magic of their live show and cements their reputation as one of the most exciting psych rock acts on the planet.

Originally released in 1985, the debut EP by The Mice still stands as one of the finer song-oriented rock records of that era. Drawing inspiration from both mid 1960s British Invasion groups and the energy of punk, For Almost Ever is about as scorching as an essentially pop record can be. Although vocalist / guitarist Bill Fox would go on to release several much-loved mostly acoustic solo records, here he is joined by his younger brother Tommy, a veritable monster on the drum kit, bashing away with both finesse and the manic energy of a high school kid. And let’s talk about the song “Not Proud of the USA.” Conceived as an answer to The Clash’s “I’m So Bored with the USA,” this track is packed with such overwhelming hooks, righteousness, and adrenaline that it’s irresistible. During the war in Iraq, it took on a new life on college radio and online when it was reissued on CD. And with this vinyl reissue, it would seem the timing is sadly spot-on once again. Mastered by John Golden, this new pressing crackles with The Mice’s spirit, reproduced in big 45 rpm sound for deeper low end and greater definition than the original, which has been commanding a steep price for quite a while now. We’ve also been able to restore the colors of the handcolored cover photograph to their original vibrancy.

Wewantsounds is delighted to announce the reissue of Music By Lee Mason, the cult classic from the Chappell Recorded Music Library, originally released in the UK in 1971. Credited to Lee Mason & His Orchestra, the album is in fact the work of renowned British composer and arranger Pete Moore - best known for producing the iconic "Asteroid" theme in 1968 for the Pearl & Dean cinema advertising company. One of the funkiest library albums of its era, blending cinematic tension, funky grooves, and jazzy undertones, Music By Lee Mason features the track "Shady Blues," famously sampled by Madlib. Newly remastered and featuring liner notes by Kevin Le Gendre, this long-overdue reissue brings a lost classic back to vinyl for the first time since 1971.

Sie bevorzugen Ihren Lo-Fi-Dreamgaze so, wie Sie Ihre Partner bevorzugen: geboren in den 90er Jahren und mit ihrer College-Freundin in einem Schlafzimmer in einem Vorort zusammenlebend. Hier erstmals zusammengestellt: Shoulds Debütalbum ,Feed Like Fishes" aus dem Jahr 1998 plus 10 Bonus-Tracks aus dieser Zeit, zum ersten Mal auf Vinyl erhältlich. Es klingt, als würde man den Kopf aus dem Autofenster hängen, während man drei Stunden nach der Ausgangssperre an einem Schultag mit hoher Geschwindigkeit eine Landstraße entlangfährt. Bitte schalten Sie die Scheinwerfer aus.

Prehension macht Bevings Begabung deutlich, eingängige Melodien zu schreiben und sie zu minimalistischen Stücken mit einer hohen emotionalen Dichte zu verweben.
Es sind die schwingenden Zwischentöne inniger Beziehungen, die unendlichen Farben menschlichen Lebens
und die unterschiedlichsten Empfindungen von tiefer Traurigkeit bis hin zu inniger Freude, die sich in seinem
Tastenspiel wiederspiegeln und die Beving höchst präzise und mit meditativer Intensität zum Klingen bringt.
Deutsche Grammophon legt Joep Beving’s erfolgreiches Album Prehension als EcoRecord neu auf

wHIMSY finds DESTIN CONRAD at his most free, playful, and musically adventurous yet. Blending smooth R&B with touches of jazz, neo-soul, and laid-back groove, the project feels like a late-night jam session with friends—loose, soulful, and full of feeling. Across the tracklist, Destin lets his voice glide effortlessly over warm production, exploring themes of love, curiosity, and self-discovery with a wink of humor and a lot of heart. Following the success of LOVE ON DIGITAL, wHIMSY shows Destin leaning deeper into his artistry, embracing imperfections, and finding beauty in the in-between moments. It’s intimate, imaginative, and unmistakably him. 1xLP, black vinyl, housed in a gatefold jacket and cut at 45 RPM.

The Light Below's "Georgia" d eröffnet eine Serie von Veröffentlichungen, die die Grenzen zwischen Rock, Tradition und globaler Musikkultur neu ausloten. Eein außergewöhnliches Post- Rock-Album, das instrumentale Klanglandschaften mit jahrhundertealter georgischer Gesangstradition verbindet. Für "Georgia" kooperiert die Band mit dem georgischen Frauenchor Akhla, dessen überlieferte Volkslieder aus unterschiedlichen Regionen Georgiens stammen. Diese traditionellen Songs wurden in Zusammenarbeit mit THE LIGHT BELOW neu interpretiert und so arrangiert, dass sie auf besondere Weise mit den instrumentalen Post-Rock-Elementen verschmelzen. Ein herausragender Moment des Albums ist "Tsinskharo" - ein ursprünglich von Männern gesungenes Lied, das durch Werner Herzogs Nosferatu (1979) weltweite Bekanntheit erlangte. Die neue Version wird als erste Single ausgekoppelt und von einem zweiteiligen Musikvideo begleitet. Der instrumentale Teil des Albums wurde noch von dem 2024 verstorbenen Steve Albini aufgenommen. Seine unverkennbare, rohe Produktionsästhetik verleiht ,Georgia" eine unmittelbare Klarheit und Intensität. Die Gesangsaufnahmen des Chors Akhla entstanden 2022/23 in Berlin. "Georgia" entfaltet ein unverwechselbares Klangbild aus monumentalen Gitarrenwänden, introspektiven Passagen und epischen Crescendi. Es verbindet die Emotionen und Geschichten georgischer Volkslieder mit der Dramatik des Post-Rock - ein Album, das Brücken zwischen Kulturen schlägt.

The Light Below's "Georgia" d eröffnet eine Serie von Veröffentlichungen, die die Grenzen zwischen Rock, Tradition und globaler Musikkultur neu ausloten. Eein außergewöhnliches Post- Rock-Album, das instrumentale Klanglandschaften mit jahrhundertealter georgischer Gesangstradition verbindet. Für "Georgia" kooperiert die Band mit dem georgischen Frauenchor Akhla, dessen überlieferte Volkslieder aus unterschiedlichen Regionen Georgiens stammen. Diese traditionellen Songs wurden in Zusammenarbeit mit THE LIGHT BELOW neu interpretiert und so arrangiert, dass sie auf besondere Weise mit den instrumentalen Post-Rock-Elementen verschmelzen. Ein herausragender Moment des Albums ist "Tsinskharo" - ein ursprünglich von Männern gesungenes Lied, das durch Werner Herzogs Nosferatu (1979) weltweite Bekanntheit erlangte. Die neue Version wird als erste Single ausgekoppelt und von einem zweiteiligen Musikvideo begleitet. Der instrumentale Teil des Albums wurde noch von dem 2024 verstorbenen Steve Albini aufgenommen. Seine unverkennbare, rohe Produktionsästhetik verleiht ,Georgia" eine unmittelbare Klarheit und Intensität. Die Gesangsaufnahmen des Chors Akhla entstanden 2022/23 in Berlin. "Georgia" entfaltet ein unverwechselbares Klangbild aus monumentalen Gitarrenwänden, introspektiven Passagen und epischen Crescendi. Es verbindet die Emotionen und Geschichten georgischer Volkslieder mit der Dramatik des Post-Rock - ein Album, das Brücken zwischen Kulturen schlägt.

Born in East London to Jamaican parents, 28 year old Tiana Major9 was immersed in music from an early age, influenced by jazz, praise and worship, and the neo-soul sounds of Erykah Badu and Lauryn Hill. Their journey into music saw debut releases establishing their soulful voice as one of the UK's most enticing, featuring with Stormzy, Bryson Tiller, Smino and Unknown T, support slots with Victoria Monet, Jazmine Sullivan and Adele as well as a GRAMMY nomination for "Collide" from the Queen & Slim soundtrack. After two years of self-discovery, Tiana is set to release their long-awaited debut album in 2025; a rich tapestry of love, loss, and growth, recorded in LA, the UK, and Jamaica, filled with luxurious melodies, featherlight floating production and raw, grounded storytelling. As a queer Black femme artist, Tiana reclaims the term "diva" on the project, embracing it with pride in the spirit of icons like Beyoncé and Whitney Houston, and approaches this next chapter with a focus on classic artistry, longevity, and self-expression

Wishbone Ash's self-titled debut album, released in 1970, introduced a distinctive sound that would become highly influential in British rock. This re-issue faithfully replicates the original UK release in it's gatefold sleeve and is pressed on 180gm vinyl. Blending blues-rock, folk melodies, and emerging progressive elements, the album is defined by the bands signature twin-lead guitar approach, with Andy Powell and Ted Turner weaving melodic, harmonized lines rather than relying on a single dominant lead. Tracks like Blind Eye and Queen Of Torture balance hard-edged riffs with spacious, reflective passages, while acoustic moments add a pastoral, almost medieval atmosphere. The rhythm section, understated yet precise, allows the guitars to breathe and develop organically. Rather than chasing commercial immediacy, the album favours mood, texture, and musical interplay, giving it a thoughtful, exploratory character. As a debut, Wishbone Ash feels confident and forward-looking, laying the groundwork for the bands later classics and helping to shape the twin-guitar sound later adopted by countless rock and metal acts.