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Repress of the 13th chapter of this highly acclaimed compilation series, originally released in 2017.

As usual FSOJ is compiled by Compost head honcho Michael Reinboth with a solid sense of leftfield tracks, punchy floorfillers, ghostly, cinematic, balearic, frazzled, bitter-sweet or mind-shaking hybrid tunes.
Several magazines voted FSOJ as the one of the best compilation series of all time. With this series starting 1995 the term Future Jazz became a genre landmark.

FSOJ 13 including some exclusives, sought-after tracks and previously unreleased tracks. Some highlights are: First of all the Van Hai track in a Ripperton remix is a perfect opener into a tranquil music venture. A sheer bliss tune. Montezumas Rache „Wu Du Wu“, which was only released on vinyl before - still difficult to find the original 12“ - is a freaky outstanding funk hybrid. Karim Sahraoui – with a punchy Detroit-ish track, picked up from Derrick May’s Transmat label - is currently in the works with a follow up 12“ later in 2017 on Compost. Acid Pauli delivers a brand new dubby balearic remix, which he recently did for Matanza, a live band from Chile. Peter Kruder came up with something special exclusive, a warm breath in the open air tune, which drives listeners into a chilled wormhole. Beside new names, bigger names like Axel Boman, Tony Allen with a Ricardo Villalobos & Max Loderbauer remix, you’ll find more lefties tracks from respected labels like Studio Barnhus, Innervisions, Lovemonk, Transmat, Mule, Tru Thoughts, Rebirth, Ninja Tune and m.o. next to other exclusive deliveries by Manuel Tur, Marsmobil, coupled up with semi exclusives: the first time on vinyl or digital.

For Love of Grace & the Hereafter is the sixth studio album from beloved Danish quintet Iceage. Across the sprawling, twelve song arc of the album, love variously retaliates and retreats in an eternal tango, Elias Rønnenfelt's lyrics burn with apocalyptic intimacy while the band manically maneuvers around their shape-shifting brand of feral post-punk. Produced by Iceage and longtime collaborator Nis Bysted, the album threatens to bite back if bitten, thriving in the haunted shadows with streetwise, saintly splendor.

Songs, interpretiert von Memphis Slim, Sonny Boy Williamson, Big Bill Broonzy und anderen. Als United Artists 1959 ,Blues in the Mississippi Night" endlich veröffentlichte - nachdem man das Album jahrelang als ,zu kontrovers" eingestuft hatte -, erhielten die mitwirkenden Künstler Pseudonyme, um ihre Familien zu schützen. Das war der Preis dafür, dass sie die brutale, ungeschönte Wahrheit aussprachen. Heute wissen wir, dass ,Natchez, Sib & Leroy" die legendären Bluesmusiker Big Bill Broonzy, Memphis Slim und Sonny Boy Williamson waren. 1947 nahm Alan Lomax die drei Giganten mit einem Presto-Disc-Aufnahmegerät in den Decca Studios in New York City auf, nachdem sie im Rahmen seiner ,Midnight Special"-Konzertreihe in der nahegelegenen Town Hall aufgetreten waren. Lomax bat sie, ein paar Songs zu spielen und über ,den Blues" zu sprechen, und ermutigte sie, offen über die Ungerechtigkeiten des Lebens der Schwarzen in Amerika zu reden. Das Ergebnis war ,Blues in the Mississippi Night", eine bahnbrechende Aufnahme ihrer Songs und Geschichten, die die Ursprünge der Musik in Blut, Schweiß und Tränen der Afroamerikaner aufzeigt, die im Mississippi-Delta unter den Ausbeutungsbedingungen der Jim-Crow-Gesetze lebten. Einfach gesagt: Die Aufnahmen sind atemberaubend in ihrer brutalen Ehrlichkeit und ihrer fesselnden Meisterschaft. Heute hat das Lomax-Archiv die Originalbänder dieser historischen Aufnahme digital remastert, um sie zum ersten Mal seit 1959 wieder auf Vinyl zu veröffentlichen. Im Paket enthalten ist ein 20-seitiges Deluxe-Booklet mit einer vollständigen Transkription der gesamten Aufnahme sowie brandneuen Liner Notes von Anna Lomax Wood und einer Einleitung des renommierten Schlagzeugers und Produzenten Steve Jordan (Rolling Stones, John Mayer). ,Ich fordere jeden, der das Leben und die Wahrheit liebt, auf, sich diese Aufnahme anzuhören", sagt Jordan. Wenn man sich die Texte und die Musik darin anhört, wird das schnell klar. Dies ist eine unverzichtbare Aufnahme - ein Eckpfeiler in der Plattensammlung jedes Blues-Fans und ein unbestreitbarer Teil der amerikanischen Geschichte.

Obwohl Shelly Manne (1920-1984) oft auf seine Rolle in der West-Coast-Jazzszene reduziert wird, war
er tatsächlich einer der vielseitigsten amerikanischen Schlagzeuger. In seiner Karriere arbeitete er mit nahezu allen Größen des Jazz unterschiedlichster Stilrichtungen von Swing über Bebop bis hin zur Avantgarde
zusammen und war sogar auf Alben von Tom Waits und Frank Zappa zu hören. Etwas von dieser Flexibilität
zeigt er auch auf dem 1962 aufgenommenen Album “2-3-4”, das seinen Titel der Tatsache verdankt, dass
Manne sich hier im Duo, Trio und Quartett präsentiert. Dabei kommt es unter anderem zu einer Reunion
mit zwei Musikern, mit denen er zu Beginn seiner Karriere in den 1940er Jahren in New York zusammengespielt hatte: dem Tenorsaxofonisten Coleman Hawkins und dem Pianisten Hank Jones. Neben fantasievoll
interpretierten bekannten Standards präsentieren die Musiker auch zwei lakonisch betitelte Originale: “The
Sick of Us” und “Me and Some Drums”.

THE HOBKNOBS - ein Projekt der Stimmen von LEWSBERG & THE KLITTENS - werden im Juli 2026 ihr erstes Album auf ihrem eigenen Label THK Records veröffentlichen! "Helmets Off" lässt sich als ein ehrlicher Versuch beschreiben, ehrlich zu sein. Obwohl im Moment der Entstehung alle Optionen offenstehen, bleibt das Endergebnis oft reduziert und schnörkellos. Instrumente setzen genau dann ein, wenn sie gebraucht werden - doch die Songs selbst scheinen gar nicht viel zu benötigen. Jedes Wort und jeder Gitarrenanschlag wirken so, als wären sie exakt im richtigen Moment platziert. Vielleicht ist es gerade diese Schlichtheit der Songs, die das Gefühl vermittelt, als würden The Hobknobs direkt zum Hörer sprechen. Es ist offensichtlich, dass sie nichts zulassen wollen, was diese menschliche Interaktion trüben könnte - eine Interaktion, die zudem eine gewisse Verspieltheit ausstrahlt. Yaël Dekker - dem einen oder anderen bekannt als Sängerin von The Klittens - und Arie van Vliet, der seine Botschaften einst mit der Band Lewsberg verbreitete, wurden einmal als "liebevolle Misanthropen" bezeichnet. Beim Hören des Albums erscheint diese Beschreibung durchaus treffend. Ein tröstlicher Song wie ,The Mind" wirkt eindringlich. In "Dictionary" scheinen selbst Worte ihre Bedeutung verloren zu haben. Lieder, die zunächst fröhlich und naiv wirken, entpuppen sich beim zweiten Hinhören als eindringliche Appelle. Und ist "Enarmoured" etwa ein Protestsong, der den Krieg befürwortet? Welchen Krieg wollen sie eigentlich führen? Die Stimmen von Dekker und Van Vliet scheinen bestens miteinander zu harmonieren; dieses Zusammenspiel hebt die Songs auf "Helmets Off" über ihre trügerische Einfachheit hinaus. In Kombination mit der minimalistischen Produktion von Jaap van der Velde trifft das Album genau den richtigen Punkt zwischen "sofort vertraut" und "einzigartig - niemand sonst klingt so wie sie". Karina Gill von der in San Francisco ansässigen Band Cindy schrieb über The Hobknobs: "Um die Musik von The Hobknobs zu beschreiben, ist das Wort "natürlich" treffend. Gemeint ist damit: Sie ruht in sich selbst; sie ist im Grunde - wenn auch auf höfliche Weise - daran desinteressiert, ob man ihr gerade zuhört oder nicht. Man mag an frühen Rock 'n' Roll denken - und dabei an dessen energiegeladene Lässigkeit und ehrliche Reduktion, frei von jeglicher Sentimentalität. Musikalisch und textlich greifen die Elemente der Songs perfekt ineinander; sie offenbaren ihren Fluss, ohne jedoch dazu zu verleiten, sie in ihre Einzelteile zerlegen zu wollen. Das Duo Yaël Dekker und Arie van Vliet schätzt die Musik des jeweils anderen schon lange, doch ihre Zusammenarbeit hier ist kein geschlossener Dialog - sie ist zugleich umgangssprachlich und intellektuell anspruchsvoll, und wir sind eingeladen, daran teilzuhaben, sofern wir mithalten können. So wie etwas Natürliches eine gewisse Gelassenheit ausstrahlt, manövrieren sich The Hobknobs geschickt in eine Position, in der wir an ihrer Seite stehen, mit ihnen hören und sehen und feststellen: Jeder Song ist ein Ort, an dem man gerne verweilt."

MAEVE returns with a new chapter led by Mano Le Tough, continuing the label's long-standing vision of releasing timeless, emotionally resonant electronic music.

Leading the way is a special 3-track 12" featuring a collaboration of Mano Le Tough with DJ Koze, Remcord and Jonathan Kaspar, - the first in a new run of releases scheduled throughout 2026, with further singles and an EP to follow from Maeve artists and new talents.

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

This 45 reissues two Spanish classics-DJ'd, sung, and danced to exhaustion-featuring striking arrangements and rhythms inspired by soul, funk, and rock, pushing flamenco-influenced popular music into previously uncharted territory. The flamenco rock of 'Orgullo' (1974) by Las Grecas will appeal to international listeners already captivated by the Anatolian sound of Baris, Manço, Mogollar_ On the B-side, Paco, Paco, Paco' (1969) by Encarnita Polo is a soul-pop hit with an irresistible syncopated rhythm and killer bass lines. In the final years of Franco's dictatorship, when Spain's popular music was kept on the sidelines of avant-garde and countercultural trends, a number of records emerged that dared to bend and hybridize the country's so-called "national" musical genres (calling it flamenco outright would be imprecise) and infuse them with a dose of modernity. The first 20 seconds of 'Orgullo' (1974) hit with a powerful sonic punch built on ferocious fuzzed-out guitars, distorted keyboards, and thunderous drums that could easily belong in the discography of Led Zeppelin, The Guess Who, or Cream_ until, suddenly, Las Grecas start to sing and Flamenco rock is born. It will undoubtedly resonate with international audiences already drawn to the Anatolian sounds of Bar?? Manço or Mogollar. A few years earlier, in 1969, the brilliant Argentine producer and arranger Adolfo Waitzman had already transformed a harmless light pop tune recorded by a yeyé girl, Encarnita Polo, into a soul-pop hit driven by an irresistible syncopated groove and killer bass lines. The playful 'Paco, Paco, Paco' became a bestselling single in Spain and, more than 50 years later, is still celebrated as a brilliant example of the romance between flamenco-inflected sounds and soul-pop. First-ever single reissue.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

,Crusher", das Debütalbum von Sooj - einem Gemeinschaftsprojekt von Mitgliedern von Duster und Dirty Art Club. Die Platte taucht völlig unerwartet auf, wie eine schwach beleuchtete Übertragung von irgendwo zwischen Portland, Charlotte und Santa Cruz. Crusher knüpft dort an, wo ihre 2024er-Doppel-A-Seite ,Anhedonia II / Ecstasy Cowgirl" aufgehört hat, und lässt den Slowcore von Duster in die sample-lastige, collageartige Produktion von Dirty Art Club übergehen. Das Ergebnis ist weder eine Band noch ein Nebenprojekt, sondern etwas schwerer Fassbares - ein dritter Raum, erbaut aus Bandrauschen, zerhackten Erinnerungen und nächtlichen Signalüberläufen. Während seiner gesamten Laufzeit entzieht sich das Album der Anziehungskraft der Nostalgie. Stattdessen schwebt es in einer liminalen Gegenwart - teils Zusammenarbeit, teils Fluchtweg. Sooj, gegründet von Clay Parton, Canaan Amber und Matt Cagle, entstand aus einer Tour-Freundschaft, die sich allmählich zu etwas Dauerhafterem entwickelte. Frühe Gespräche führten zu gemeinsamen Sessions, wobei Cagle von North Carolina nach Portland reiste, wo schließlich der Großteil von ,Crusher" Gestalt annahm. ,Musik zu machen ist manchmal eine seltsame, ätherische Sache", erklären Sooj. ,Es kann so zerbrechlich sein, so flüchtig. So eine Art Höhepunkt eines bestimmten Moments und des gesamten Weges davor, plus all die zusätzlichen Dinge, die sich kosmisch einmischen können."

,Crusher", das Debütalbum von Sooj - einem Gemeinschaftsprojekt von Mitgliedern von Duster und Dirty Art Club. Die Platte taucht völlig unerwartet auf, wie eine schwach beleuchtete Übertragung von irgendwo zwischen Portland, Charlotte und Santa Cruz. Crusher knüpft dort an, wo ihre 2024er-Doppel-A-Seite ,Anhedonia II / Ecstasy Cowgirl" aufgehört hat, und lässt den Slowcore von Duster in die sample-lastige, collageartige Produktion von Dirty Art Club übergehen. Das Ergebnis ist weder eine Band noch ein Nebenprojekt, sondern etwas schwerer Fassbares - ein dritter Raum, erbaut aus Bandrauschen, zerhackten Erinnerungen und nächtlichen Signalüberläufen. Während seiner gesamten Laufzeit entzieht sich das Album der Anziehungskraft der Nostalgie. Stattdessen schwebt es in einer liminalen Gegenwart - teils Zusammenarbeit, teils Fluchtweg. Sooj, gegründet von Clay Parton, Canaan Amber und Matt Cagle, entstand aus einer Tour-Freundschaft, die sich allmählich zu etwas Dauerhafterem entwickelte. Frühe Gespräche führten zu gemeinsamen Sessions, wobei Cagle von North Carolina nach Portland reiste, wo schließlich der Großteil von ,Crusher" Gestalt annahm. ,Musik zu machen ist manchmal eine seltsame, ätherische Sache", erklären Sooj. ,Es kann so zerbrechlich sein, so flüchtig. So eine Art Höhepunkt eines bestimmten Moments und des gesamten Weges davor, plus all die zusätzlichen Dinge, die sich kosmisch einmischen können."

Mit seinem GRAMMY-Gewinn 2021 für seine Zusammenarbeit mit Esperanza Spalding hat sich der Komponist, Sänger und Multi-Instrumentalist Corey King still und leise zu einer der vielseitigsten Stimmen der zeitgenössischen Musik entwickelt. Seine Karriere umfasst Kooperationen mit so unterschiedlichen Künstlern wie Milton Nascimento, Gil Scott-Heron, Bonobo, DJ Premier und Iggy Pop und prägt einen Sound, der fließend zwischen Jazz, Soul, experimentellem Songwriting und filmischer Komposition wechselt. Auf ,Change the Wind" bündelt King diese Bandbreite zu einem fokussierten, zutiefst persönlichen Statement. Das Album, das in Jahren des Umbruchs und des Wandels entstanden ist, schafft einen Ausgleich zwischen Intimität und Weite und bewegt sich zwischen stiller Reflexion und ausladenden Arrangements mit voller Bandbesetzung. Themen wie Resilienz, Klarheit, und emotionale Neuausrichtung ziehen sich durch das gesamte Werk und verleihen der Platte einen Zusammenhalt, der sich eher gelebt als konzeptionell anfühlt. Im Kern steht ein tiefes Gefühl von Hingabe und Verletzlichkeit, das am deutlichsten in ,R.M.K." zu spüren ist, einem strahlenden Stück, das von der Geburt von Kings Tochter inspiriert wurde. Ohne sich in narrativen Details zu verlieren, verankert der Song das Album emotional und gibt den Ton für ein Werk vor, das sich mit Fürsorge, Verantwortung und der Zerbrechlichkeit von Verbindungen beschäftigt. An anderer Stelle erkundet King Liebe, Zweifel und persönliches Wachstum mit einer leichten, aber beständigen Hand, wobei sie Stimmung und Bewegung gegenüber explizitem Storytelling den Vorzug gibt. Musikalisch ist ,Change the Wind" reichhaltig, ohne schwerfällig zu wirken. Warmes Klavier, mehrstimmiger Gesang und kammermusikalische Bläserarrangements werden durchbrochen von Broken-Beat-Rhythmen und subtilen elektronischen Texturen. Manchmal neigt sich das Album zu Groove und Vorwärtsdrang, mit von Afrobeat geprägten Passagen und dynamischen Bläsersätzen, während es sich an anderer Stelle in spärliche, intime Räume zurückzieht. Beiträge von engen Mitwirkenden, darunter Spalding und der Trompeter Takuya Kuroda, verleihen dem Album Tiefe, ohne dessen zusammenhängendes Gefühl zu überwältigen. Anstatt einzelne Titel in den Vordergrund zu stellen, offenbart sich ,Change the Wind" als ein ganzheitliches Hörerlebnis, das sich allmählich entfaltet und mit der Zeit belohnt. Es ist ein Album über stetige Verwandlung, darüber, Klarheit in der Bewegung zu finden, und darüber, inmitten ständiger Veränderung an etwas Menschlichem festzuhalten.

GoldFord’s soul music is rooted in truth. His raw, unvarnished songs are a balance of introspection and catharsis, grappling with heartbreak, healing, and the quiet revelations that come with growth. After spending a decade in corporate America, the St. Louis native (now based in Los Angeles) turned to music as a means of survival following a devastating personal loss. “I was more afraid of dying with regret than I was of failing,” he says of his decision to finally choose the path at 30, a choice that set his entire trajectory in motion.

That initial fearlessness has since fueled extraordinary momentum. With over 4 million monthly listeners on Spotify, GoldFord has rapidly become one of the most compelling emerging voices in contemporary music. His breakout EP, Orange Blossoms (Oct 2024), has surpassed 100M streams, and his latest project, Space of the Heart (Sept 2025), has already generated 90.8M streams, 2.7M saves, and over 153,000 pieces of user-generated content across TikTok and Instagram. The standout track “Easy Does It” has reached 43.5M streams and continues to accelerate with more than 250K new weekly discoveries on Spotify.

GoldFord is stepping into a more luminous and soulful era as he prepares to unveil his next body of work. Defined by the warmth and light of his latest single, Only You Do, the music remains a dedicated exploration of mental wellness, restoration, and the profound power of human connection. From its opening chords, this new project serves as both a continuation and an elevation of his journey toward healing.

Der von der Kritik gefeierte Fotograf und in Paris lebende, aus Algerien stammende Künstler Mohamed Bourouissa hegt seit langem ein tiefes, alles umfassendes Interesse an Klängen. ,LILA" ist sein Solo-Debüt, ein selbst bezeichnetes ,musikalisches Objekt", das die wichtigen Beziehungen in seinem Leben auflistet; jeder der Tracks des Albums ist einer Person gewidmet (und nach ihr benannt), an die er dachte, als er das Album komponierte. Mit Gastauftritten von französisch-senegalesischen Künstlers Le Diouck und der italienischen Avantgarde-Künstlerin Valentina Fanigliulo (alias Mushy und Phantom Love) wirkt das Album wie ein Tagebuch hypnagogischer Reflexionen, das mit schwerelosen Synthesizern, herzzerreißendem Auto-Tune-Gesang und dissoziierten Beat-Sequenzen ein Bild von Bourouissas innerer Realität zeichnet. Emotional aufgeladen und verwurzelt in der Ästhetik, die Bourouissa mit seiner Verbundenheit zu Klang, Menschen und Kunst verbindet, ist es so komplex und vielschichtig wie jede seiner gefeierten Installationen oder Ausstellungen. Bourouissas erste erkennbare klangliche Referenz war ,Temps Morts" aus dem Jahr 2009, eine bewegende Videoarbeit, die er nach dem legendären Debütalbum des französischen Rappers Booba benannte, und seitdem ist er seiner Intuition gefolgt und hat nach und nach herausgefunden, wie er Klang nicht nur in seine Werke integrieren, sondern ihn in den Mittelpunkt stellen kann. 2017 arbeitete er gemeinsam mit dem libanesischen Free-Improv-Gitarristen Sharif Sehnaoui und Sina Araghi (alias Sina XX) an ,Si Di Kubi", einer Compilation, die experimentelle Klänge aus der arabischen Welt in den Vordergrund stellte, und sein Weg wurde klar. ,In diesem Moment wurde der Klang zu einem integralen Bestandteil meiner künstlerischen Praxis", erklärt er. Bourouissa arbeitete 2021 mit dem französischen Sounddesigner und Programmierer Jordan Quiqueret zusammen, um herauszufinden, wie sich die von der Akazie erzeugten Frequenzen in Rhythmen auf ,Brutal Family Roots` umsetzen lassen, wobei er Gedichte des Waddi-Waddi-Rappers MC Kronic und des ägyptisch-australischen MC Nardean integrierte. Später arbeitete er mit Fanigliulo an ,Haral!" - einem Duo-Projekt, das dem Künstler endlich das Selbstvertrauen gab, seine Fähigkeiten anzunehmen und seinen eigenen Produktionen Vorrang einzuräumen. Sogar seine jüngste Ausstellung ,SIGNAL" im Palais de Tokyo, Bourouissas erste Retrospektive, wurde ähnlich wie ein Album zusammengestellt, wobei der Künstler besonderen Wert auf die musikalische Logik ihrer Struktur und die ihr innewohnenden Rhythmen legte. ,Ich sehe Klang als Träger von Geschichte und Erinnerung, manchmal traumatisch", sagt er. ,Die Arbeit mit Frequenzen, Geräuschen und Atemzügen eröffnet einen Raum für Heilung, eine kathartische Möglichkeit. ,Und genau diese Philosophie leitet ,LILA`, von den hallenden Klavierakkorden und Chor-Echos von ,INTRO` bis hin zu den mikrotonalen Summtönen und verschleierten Rhythmen, die sich spiralförmig um das kurze, bewegende ,OUTRO` winden. Es ist ein Album, das sich schwer einordnen lässt; es gibt Spuren von Pop in ,HFC", einer beatlosen Suite aus modularen Schluckaufgeräuschen und biomechanischen Schreien, die in Richtung Kakophonie übergeht, und Überreste von Clubmusik, die an den Fenstern und Wänden des schweißtreibenden ,MG" zurückbleiben, in den zitternden Trommelwirbeln und Le Dioucks schrillen Ausrufen. Der rote Faden, der sich durch das Ganze zieht, ist die Tatsache, dass Bourouissa in der Lage ist, eher ein Gefühl als einen Klang darzustellen. Mit einer Palette, die er im Laufe des letzten Jahrzehnts stetig verfeinert hat, bewegt er sich schimmernd durch eine persönliche Landschaft, die sich in ein lebendiges, atmendes klangliches Ökosystem verwandelt. Auf ,AF" schweben gespenstische FM-Arpeggios unheimlich um seine lässigen, herzlichen Worte, und auf dem beunruhigenden ,SEUM" kontern mehrschichtige Synth-Drones sein verzerrtes Crooning mit elektrisierenden xenharmonischen Akkorden. Instrumentale Dunstwolken schweben durch angespannte rhythmische Ausbrüche auf ,MN", und als Fanigliulo auf dem Titeltrack auftaucht, rückt das Album in den Fokus, während warme, hoffnungsvolle Pads einige von Bourouissas eindringlichster Texte. "What did you say, why should I cry", wiederholt er in die Leere hinein und presst die Worte durch metallische Verzerrung und ungleichmäßige Beats. Es ist Musik, die so greifbar ist, dass man sie fast berühren kann.

By the time Mayday Parade began work on Sugar, the closing installment of their three-part album series, they had pushed themselves further than ever before.Following Sweet (April 2025) and Sad (October 2025), the pop-rock quintet committed to a relentless cycle—write, record, tour, repeat—building a body of work that captures the full scope of their sound across nearly 30 songs.

Sugar brings the trilogy to a close in powerful fashion, emphasizing both reflection and forward momentum through the driving emo pulse of first single “Blame It on the Youth,” the hypnotic piano ballad “What Happens Next,” the glossy melodic groove of “Two Hearts,” and the nostalgic energy of “Sweet Sad Sugar,” which reflects on the Tallahassee roots that shaped the band.
Just as importantly, the project marks the beginning of a new era defined by autonomy. Released independently, the set sees Mayday Parade taking full control of their creative output—a full-circle moment for a group that first built its audience by selling CDs in Warped Tour parking lots and quickly became a leading voice of the late-2000s emo wave thanks to gold- and platinum-certified singles like Jamie All Over and Miserable at Best.
It's this willingness to chase something ambitious, no matter how daunting, that has defined them from the very beginning. Now, with the trilogy complete, Mayday Parade find themselves in a position few of their peers can claim: still creatively restless, still evolving, and still finding new ways to win.

The night before Ella Fitzgerald walked into Konserthuset in Stockholm and recorded what became The Stockholm Concert,1966, the Pablo Records live album now considered among the essential documents of her late career, she played two concerts at Falkoner Theatre in Copenhagen. Ella is backed by the Duke Ellington Orchestra and the Jimmy Jones Trio.

Like many other Black American jazz musicians of her era, Denmark felt like home to Ella. It was a country where they found a degree of respect that the United States too often denied them.

Danny Clay is a composer who often utilizes classical instruments, open forms, found objects, analog media, and digital errata in his work. He has collaborated with musicians and ensembles throughout the US, including Kronos Quartet, Eighth Blackbird, Third Coast Percussion, Volti, the San Francisco Girls Chorus, Wu Man, Sarah Cahill, Phyllis Chen, the International Contemporary Ensemble (ICE), Ensemble Dal Niente, the St. Louis Symphony Orchestra, and others.

10 years after his last solo release on IIKKI ("Stills" IIKKI001), Danny Clay comes back with "A Moment Beyond". A new intimate and out-of-time piece evolving between ambient, chamber music and contemporary music.

A sequel to 2011's communication from our future selves on 'The Spectacle of Light Abductions', this new endeavour by restless netherzone  traveller Spencer Clark envisions a space map towards the other side of human life.

A meditation on the paintings  of Vedran Kopljar, these two side-long pieces, recorded and performed at Kopljar's exhibition at Muhka Museum in Antwerp in 2024, tap into the barren world inhabited by Clark while wandering what he calls the "Abomination Plateaus".

Searching for meaning amidst the landscape, 'Abyssfields' turns Clark's keyboards, sampler and wha pedals into sentient beings, roaming a luminous sound field of low res percussion, glistening keys and mangled voice-like transmissions. Featuring Athens-based John Also Bennet on flute, 'Abomination Plateaus' layered misty pads hover above a recurring driving-pinging loop, unlocking new harmonic spectres throughout each passage, suspended in the light. Always enveloping. 

Colemine Records is proud to present a brand new 45 from Aaron Frazer featuring two tracks from his debut LP. The funky and drum heavy "Bad News" has a timely message at a time when people willfully ignore the warnings about everything from climate change to systematic racism. Frazer recorded the tune in Nashville and he brought together a bevy of talented musicians, including members of The Memphis Boys, who backed Dusty Springfield on "Son of a Preacher Man" and Aretha Franklin on "Natural Woman." On the flip, "Done Lyin'" shows Aaron's vulnerability throughout the song. Heavy and tough production from Dan Auerbach paired with Frazer smoothly singing his heart out is a match made in sweet soul heaven.

Susan Cadogan is a Reggae & Rocksteady singer from Kingston, Jamaica. With a delicate voice that shimmers between childlike innocence and smoldering sexuality, Susan Cadogan’s vocals were the perfect expression of lovers rock.

Susan Cadogan's singing talents led to her recording her first single, "Love My Life" for Jamaican Broadcasting Corporation (JBC radio) DJ Jerry Lewis. Lee "Scratch" Perry was in the recording studio at the time, and was impressed by Cadogan's voice enough to record an album's worth of material with her, also renaming her Susan.

One of her first recordings for Perry, a cover of Millie Jackson's soul hit, "Hurt So Good" (featuring bassist Boris Gardiner), was released was released in the UK by Dennis Harris' DIP International label, and topped the UK reggae chart and went on to reach No. 4 in the UK Singles Chart which resulted in Cadogan flying to London to promote the single, including many television appearances on the BBC's Top of the Pops. Other singles ("Nice & easy", "Fever", "In the Ghetto") were released but none of these charted. "Hurt So Good" was subsequently certified silver in the United Kingdom and gold in South Africa after a few weeks and became one of the top selling singles of 1975 in the UK.

This is the album she recorded for Trojan Records and it was produced by the legendary Lee Perry, Susan Cadogan is available as a limited numbered edition of 750 copies on orange vinyl.

"Wer schickt dem ersten Detektiv eine schwarze Rose? Justus ist beunruhigt und macht sich mit seinen Freunden auf die Suche nach dem Absender.

Schnell finden die drei ??? heraus, aus welcher Gärtnerei die Blume stammt, und machen sich auf den Weg zu der ehemaligen Klosteranlage. Hinter den efeuberankten Mauern stoßen sie auf so manches Geheimnis und der Wettkampf um die schwarze Rose beginnt! Denn bislang ist es offiziell noch niemandem geglückt, eine schwarze Rose zu züchten. Zu allem Überfluss sollen in den alten Gemäuern auch noch Seelen der verstorbenen Mönche ihr Unwesen treiben ...
"

2026 Repress

For the better part of two decades, the acclaimed band Calexico has crossed musical barriers, embracing a multitude of styles, variety in instrumentation, and well-cultivated signature sounds. With their forthcoming record Edge of the Sun, out April 13th via City Slang, they take inspiration from a trip to a place surprisingly unexplored by the band before in Mexico City, and with the benefit of many friends and comrades to help guide the way.

Encouraged by the experience, the guest list grew to include Ben Bridwell (Band of Horses), Nick Urata (Devotchka), Carla Morrison, Gaby Moreno, Amparo Sanchez, multi-instrumentalists from the Greek band Takim, and Neko Case. Burns' brother John Burns lent a hand to some lyrics and songwriting, and the band's keyboardist, Sergio Mendoza, stepped up to co-write and arrange certain songs, ultimately co-producing the album along with Burns, John Convertino, and longtime associate Craig Schumacher.

Neuauflage des Calexico-Albums "Carried To Dust" von 2008 auf schwarzem Vinyl, inkl. Victor Jaras "Hands" und "Two Silver Trees".

On his new full-length album, d00mscrvll. Diplo continues his journey into the lawless, genre-blending land of phonk music, a genre that fuses Memphis rap, lo-fi hip hop and electronic dance influences into something dark, hypnotic and deeply rhythmic.

Across this project, he’s joined by Three 6 Mafia members Juicy J and Project Pat, as well as genre stalwarts Odetari, Kordhell, 1nonly, DVRST and many more.

So sehr Waterparks auch ein genreübergreifendes Kollektiv dreier Freunde ist, die Musik machen, Zeit
miteinander verbringen und immer wieder neue Wege gehen, so sehr repräsentiert Waterparks doch eigentlich
eine größere, man könnte fast sagen, eine Bewegung. Das Trio aus Houston – Awsten Knight (Gesang,
Gitarre), Otto Wood (Schlagzeug) und Geoff Wigington (Gitarre) – hat dem Rock auf unaufdringliche
Weise neue Lebendigkeit verliehen.
Auf ihrem neuesten Album „JINX“ heben sie ihre Musik auf ein neues Level und präsentieren genreübergreifende Tracks wie „RED GUITAR“, „ANY MINUTE NOW“, „PROWLER“ und „TELL ME WHY“.

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

Wir feiern das 15-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Downtown Battle II*
aus dem Jahr 2011 mit einer neuen, limitierten Pressung auf hellblauem Glitter-Vinyl.
Wir feiern das 10-jährige Jubiläum von Dance Gavin Dances wegweisendem Album *Mothership* aus
dem Jahr 2016 mit einer neuen, limitierten Pressung auf meerblauer Glitzer-Vinyl.Die auf 20 Jahre Jubiläum limitierte Neuauflage der 2006er-EP
„Whatever I Say Is Royal Ocean“ von Dance Gavin Dance ist erstmals auf „Forest Green Glitter“-Vinyl
erhältlich.

Aufgenommen während ihrer gefeierten „Works“-Tournee im Jahr 1977, fängt dieses Live-Album von Emerson, Lake & Palmer die Band auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität ein, während sie Songs aus ihrem legendären Repertoire darbietet. Ein besonderes Highlight des Albums sind die Aufnahmen ihres legendären
Konzerts vom 26. August 1977 im Olympiastadion von Montreal, bei dem die Band vor einem ausverkauften
Publikum von 78.000 Zuschauern und gemeinsam mit einem 64-köpfigen Orchester auftrat. Nun erstmals
seit fast 30 Jahren wieder als eigenständige Veröffentlichung erhältlich, präsentiert „Works Live“ eine Band,
die die Grenzen ihres Genres und der Live-Performance auf ein neues Niveau hob und damit eine ganze
Generation von Künstlern auf Jahre hinaus prägte.

“The Artistry of Freddie Hubbard” war das erste von zwei Alben, die der Trompeter unter der Ägide
von Bob Thiele für Impulse! Records aufnahm. Das im Juni 1962 entstandene Hard-Bop-Album fing Hubbard in einer entscheidenden frühen Phase seiner Karriere ein und rückt seine technische Brillanz, seinen
warmen Ton und sein rhythmisches Gespür in den Fokus. Zur Seite stand ihm dabei ein ausgesprochen
bewegliches Sextett, dem unter anderem der großartige Posaunist Curtis Fuller angehörte, der damals auch
mit Hubbard in Art Blakeys Jazz Messengers zusammenspielte. “Das sind einige wirklich vielversprechende
junge Talente, die ein klassisches Format neu beleben”, kann man in der AllMusic-Rezension des Albums
lesen, das dort vier von fünf Sternen erhielt. “Hubbards Soli zeigen, warum er der meistdiskutierte junge
Trompeter jener Zeit war.”

Das 1962 erschienene ”Big Band Bossa Nova” ist Teil einer ganzen Reihe brasilianisch geprägter Alben
von Stan Getz (1962 ”Jazz Samba”, 1963 ”Jazz Samba Encore!”, 1964 ”Getz/Gilberto”), wobei er auf
dem von Creed Taylor produzierten und von Gary McFarland arrangierten und dirigierte Album mit der
Einbettung seines Tenorsaxofons in Big-Band-Arrangements überraschte. Für die Session verbanden Stan
Getz und Gitarrist Jim Hall, Trompeter Doc Severinsen, Bassist Tommy Williams und Schlagzeuger Johnny
Rae die Rhythmen von Samba und Bossa Nova mit packenden, kraftvollen orchestralen Arrangements.
Das Repertoire greift auf brasilianische Kompositionen zurück, wie Luiz Bonfás ”Manhã de Carnaval” oder
Antônio Carlos Jobim und Vinícius de Moraes’ ”Chega de Saudade”, sowie auf Material von McFarland
(”Balanço no Samba” oder ”Street Dance”) und mehr

Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum. Anlässlich dieses historischen Meilensteins
wird Chess im Oktober dieses Jahres eine umfassende Jubiläumsreihe mit einer kuratierten Auswahl audiophiler Vinyl-Neuauflagen starten.
Die fortlaufende monatliche Serie wird Veröffentlichungen von legendären Künstlern aus dem renommierten
Chess-Kader präsentieren.
Das Album „Howlin’ Wolf“ von Howlin’ Wolf, das wegen der Abbildung eines Schaukelstuhls auf dem
Cover liebevoll als „The Rockin’ Chair Album“ bezeichnet wird, rockt in mehr als einer Hinsicht. Diese
Platte fängt den wahren Sound des Electric Blues ein und versammelt Singles, die ursprünglich zwischen
1957 und 1961 veröffentlicht wurden. Mit den Talenten der Chess-Stammbesetzung, darunter Willie Dixon,
Hubert Sumlin, Sam Lay und Jimmy Rogers, liefert das Album einen kraftvollen Sound. Zu den herausragenden Titeln zählen unter anderem „Little Red Rooster“, „Spoonful“ und „Back Door Man“.
„Muddy, Brass & The Blues“ markiert einen Wendepunkt in Muddy Waters’ Karriere. Obwohl das Cover
Waters mit einer Gitarre zeigt, sind es seine Talente als R&B-Sänger, die auf dieser Platte zur Geltung kommen. Er erkundet einen neuen Sound, der klassische Blues-Elemente mit Bläsern verbindet. Das Ergebnis
ist eine beeindruckende Interpretation des Blues, die frisch und gewagt wirkt. Zu den wichtigsten Titeln
gehören „Corine, Corina“, „Black Night“ und „Sweet Little Angel“

Im Jahr 2025 feiert Chess Records sein 75-jähriges Jubiläum. Anlässlich dieses historischen Meilensteins
wird Chess im Oktober dieses Jahres eine umfassende Jubiläumsreihe mit einer kuratierten Auswahl audiophiler Vinyl-Neuauflagen starten.
Die fortlaufende monatliche Serie wird Veröffentlichungen von legendären Künstlern aus dem renommierten
Chess-Kader präsentieren.
Das Album „Howlin’ Wolf“ von Howlin’ Wolf, das wegen der Abbildung eines Schaukelstuhls auf dem
Cover liebevoll als „The Rockin’ Chair Album“ bezeichnet wird, rockt in mehr als einer Hinsicht. Diese
Platte fängt den wahren Sound des Electric Blues ein und versammelt Singles, die ursprünglich zwischen
1957 und 1961 veröffentlicht wurden. Mit den Talenten der Chess-Stammbesetzung, darunter Willie Dixon,
Hubert Sumlin, Sam Lay und Jimmy Rogers, liefert das Album einen kraftvollen Sound. Zu den herausragenden Titeln zählen unter anderem „Little Red Rooster“, „Spoonful“ und „Back Door Man“.
„Muddy, Brass & The Blues“ markiert einen Wendepunkt in Muddy Waters’ Karriere. Obwohl das Cover
Waters mit einer Gitarre zeigt, sind es seine Talente als R&B-Sänger, die auf dieser Platte zur Geltung kommen. Er erkundet einen neuen Sound, der klassische Blues-Elemente mit Bläsern verbindet. Das Ergebnis
ist eine beeindruckende Interpretation des Blues, die frisch und gewagt wirkt. Zu den wichtigsten Titeln
gehören „Corine, Corina“, „Black Night“ und „Sweet Little Angel“

UK sound system style DUB release on 10” vinyl from Vibronics and Nia Songbird.
Straight into 2026 with a new slab of heavyweight DUB in a sound system style. Two new tracks, one side featuring uplifting vocals from Nia Songbird, the other side is classic Vibronics style undiluted instrumental dub. This one one for all lovers of Iration Steppas, OBF, Channel One and all the Bass-heavy sound systems out there.
This release is pressed on 10” vinyl and presented in a full-colour printed SCOOPS label sleeve, making it a collector’s item as much as a sound system weapon.


Vibronics is one of the most established names in UK Dub/Reggae music achieving millions of views on YouTube, millions of Spotify streams and many tens of thousands of vinyl record sales. Collaborators include Michael prophet, Macka B, Iration Steppas, Soom T, Aba-Shanti and more.
Profess Natti is the London born MC, famous for the biggest Vibronics track ‘R.A.S.T.A.F.A.R.I.’.

John Hassall (The Libertines) & The April Rainers release their long overdue second, self- titled album. It's is the followup to 2017's Wheels to Idyll, which picked up critical applause on its release. The new album was largely recorded at John's home studio in Aarhus, Denmark where he has been living since 2009. And was produced by the band, with string player Clementine Brown having a big influence on the sound. John Hassall "These 10 songs are the ones that survived, grew and took on a life of their own. There's no way of telling if a song will make it until the end. That Pale Lantern in my opinion, started off as a rank outsider and then turned into one of the strongest songs on the album. Lessons were learnt from Wheels to Idyll and a new musical development runs through it. Whereas the last album was recorded pretty much live. The new album maintains similar classic songwriting and pop sensibilities, though with more complex arrangements and production." Most of the songs were cowritten by John and longtime poet collaborator Steev Burgess exploring memories of school days, journeys and adventures, fading dreams, ancient empires and even somebody's trinket collection. Burgess who has known Hassall for many years, wrote the lyrics to lead single Miracles, a sort of Ballad of John and Line. Libertines band mate Peter Doherty is also involved with a co-writing credit on Doing Time. John Hassall and The April Rainers will be announcing UK shows shortly, in the meantime John will be appearing with his other band The Libertines at summer festivals across Europe and the UK.