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Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Das Reissue enthält sechs bisher unveröffentlichte Demos, darunter die Songs Hold Me Up und Don"t Blow Your Wind, die nie über die Demo-Phase hinausgingen. Auch frühe Versionen von Tangerine, Summer, Kitchen Door und Clobberedsind enthalten und zeigen, wie diese Klassiker entstanden. Ergänzt wird die Veröffentlichung durch neues Artwork, Fotos, Erinnerungsstücke sowie Notizen der Band und Produzent John Agnello. Sleepy Eyed markierte Mitte der 90er einen Wendepunkt: Nach dem Erfolg von Big Red Letter Day (1993), das Buffalo Tom in die Billboard-Charts brachte und mit Late At Night in der Kultserie My So-Called Life zu sehen war, wollte die Band zurück zu einem roheren Sound. Bill Janovitz verweist auf Dylan- und Stones-Platten als Inspiration: weniger Perfektion, mehr Direktheit, Nähe und Authentizität. Aufgenommen wurde in den Dreamland Studios im Bundesstaat New York - abgeschottet, intensiv, fast wie tägliche Live-Sets. Herausgekommen sind Songs, die bis heute zu Fan-Favoriten zählen, allen voran Tangerine, Summer und Kitchen Door. Gegründet 1986 an der University of Massachusetts, stehen Buffalo Tom (Bill Janovitz, Chris Colbourn, Tom Maginnis) seit fast 40 Jahren gemeinsam auf der Bühne - 10 Alben später ein beeindruckendes Stück Beständigkeit.

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

Als MONO zum ersten Mal die Idee eines Live-Konzerts mit Orchesterbegleitung hatten, schien dies ein einmaliger Traum zu sein, der einzigartige Umstände, ein riesiges Team gleichgesinnter und großzügiger Mitwirkender und eine Menge Glück erfordern würde. Genau zehn Jahre nach Beginn ihrer Karriere war dies ihr mit Abstand ehrgeizigstes Projekt. Sie flogen aus ihrer Heimat Japan - wo sie zu dieser Zeit ironischerweise weniger bekannt und erfolgreich waren als in den Vereinigten Staaten und Europa - nach New York City, wo sie ein Orchester zusammenstellten, einen historischen Veranstaltungsort in der Nähe des Lincoln Centers sicherten und auf sich selbst setzten, um einen wirklich unvergesslichen Abend zu gestalten. Das Konzert war nicht nur ein voller Erfolg, sondern begründete auch einen wesentlichen Teil der Identität von MONO: die orchestrale Live-Performance. Seit dieser magischen Nacht in NYC im Jahr 2009 haben MONO mehr als drei Dutzend Live-Konzerte mit einer Vielzahl von Orchestern in fast ebenso vielen Ländern weltweit gegeben. Ihr letztes solches Konzert in Japan lag jedoch mehr als 15 Jahre zurück. Ein Vierteljahrhundert nach Beginn ihrer legendären Karriere sind MONO endlich nach Hause zurückgekehrt. ,Forever Home: Live in Japan with Orchestra PITREZA" feiert MONOs 25-jähriges Jubiläum mit der ,OATH"-Orchestral-Welttournee, die in den letzten Monaten des Jahres 2024 20 Konzerte in Europa, Asien und den Vereinigten Staaten von Amerika umfasste. ,Forever Home" wurde vor ausverkauftem Haus im Spotify O-EAST in Tokio aufgenommen und präsentiert ein 12-köpfiges Orchester unter der Leitung des Orchesterdirektors und häufigen Kollaborateurs Chad McCullough, das MONO bei der Aufführung ihres aktuellen Albums ,OATH" in voller Länge begleitet. Das 100-minütige Konzert endet mit zwei der bekanntesten Songs der Band - ,Ashes in the Snow" und ,Everlasting Light" -, die eine Hommage an den ersten Orchester-Live-Auftritt vor 15 Jahren in New York City darstellen. ,Forever Home" wurde von Matt Cook, dem langjährigen Tontechniker von MONO, aufgenommen und gemischt und fängt die ehrwürdige Gruppe in ihrer natürlichen Umgebung und in ihrer transzendenten Höchstform ein. Mit der symphonischen Begleitung des japanischen Orchesters PITREZA verwandeln MONO einen Raum in Tokio in ein grenzenloses Meer - launisch, kontemplativ und überwältigend. Die physischen Formate von ,Forever Home" sind angemessen umfangreich und besonders. Das von dem langjährigen Art Director und Mitarbeiter Jeremy deVine entworfene 2xCD-Set ist in einer vierfachen Gatefold-Hülle verpackt und enthält einen Konzertfilm in Spielfilmlänge auf hochauflösender Blu-ray, unter der Regie von Yusaku Mitsuwaka. Es ist ein atemberaubendes Werk der Multi-Kamera-Kinematografie, das das Live-Erlebnis von MONO perfekt einfängt. Die 3xLP im Dreifach-Klappcover ist auf audiophilem schwarzem Vinyl oder als limitierte farbige Vinyl-Variante erhältlich. Sowohl das CD- als auch das LP-Format enthalten jeweils ein umfangreiches 28-seitiges, vollfarbiges Archiv-Fotobuch, das das gesamte Konzert dokumentiert. Das sind MONO. Das ist "Forever Home".

In einer Welt, die von zwei Monden umkreist wird, tanzen die Mondphasen im Gleichklang und beeinflussen die Gezeiten. Unter diesen Lichtamuletten liegt die Landschaft, in der SAINTSENECAs neues Album ,Highwallow & Supermoon Songs" entstanden ist. Zac Little wirkt an der Oberfläche subtil, aber die Kunstfertigkeit in jeder seiner Phrasen ist fast überwältigend. HIGHWALLLOW & SUPERMOON SONGS findet seine Stimme in ihrer elastischsten Form, reitet auf den Hügeln seiner Heimat, schwirrt vorbei wie eine Libelle und legt sich dann ruhig wie ein alter Hofhund.

Mit Ex Voto / The Silent Love vollendet der schwedisch-amerikanische Singer-Songwriter Christian Kjellvander eine inoffizielle Trilogie über die Liebe - in all ihrer Zartheit, Komplexität und spirituellen Tiefe. Nach About Love and Loving Again und Hold Your Love Still präsentiert er ein Album, das leise und zugleich eindringlich wirkt: intim, atmosphärisch und emotional kompromisslos. Ursprünglich als ruhiges Country-Album geplant, entfaltet sich Ex Voto zu einer vielschichtigen Klangreise. Die Songs bewegen sich zwischen geisterhafter Stille und dynamischen Ausbrüchen, getragen von Kjellvanders markanter Baritonstimme und einer fein abgestimmten Instrumentierung aus Rhodes, Bassklarinette, Kornett und weiblichen Vocals. Produzent Tobias Fröberg verleiht dem Album durch gezielten Einsatz von Reverb eine fast übernatürliche Präsenz. Aufgenommen in einem alten Sommerhaus an der schwedischen Küste, spiegelt das Album die Ruhe und Tiefe seines Entstehungsortes wider. Es ist ein Werk, das zum Verweilen einlädt - wie ein nächtliches Gespräch, das lange nachhallt.

Mit Ex Voto / The Silent Love vollendet der schwedisch-amerikanische Singer-Songwriter Christian Kjellvander eine inoffizielle Trilogie über die Liebe - in all ihrer Zartheit, Komplexität und spirituellen Tiefe. Nach About Love and Loving Again und Hold Your Love Still präsentiert er ein Album, das leise und zugleich eindringlich wirkt: intim, atmosphärisch und emotional kompromisslos. Ursprünglich als ruhiges Country-Album geplant, entfaltet sich Ex Voto zu einer vielschichtigen Klangreise. Die Songs bewegen sich zwischen geisterhafter Stille und dynamischen Ausbrüchen, getragen von Kjellvanders markanter Baritonstimme und einer fein abgestimmten Instrumentierung aus Rhodes, Bassklarinette, Kornett und weiblichen Vocals. Produzent Tobias Fröberg verleiht dem Album durch gezielten Einsatz von Reverb eine fast übernatürliche Präsenz. Aufgenommen in einem alten Sommerhaus an der schwedischen Küste, spiegelt das Album die Ruhe und Tiefe seines Entstehungsortes wider. Es ist ein Werk, das zum Verweilen einlädt - wie ein nächtliches Gespräch, das lange nachhallt.

Im Zuge der Louisville-via-Chicago-Post-Rock-Explosion des späten Millenniums kam Mercury Program mit einem Vibraphon in der Hand in einer amorphen ,Szene" im Umbruch an. Von The Vapors of Gasoline - ihrem 2000er Album für Tiger Style - war keineswegs ein Einbruch, sondern zehn intellektuelle und dissonante Jams, die verschämt die nie gestellte Frage beantworteten: Was wäre, wenn New Age und Posthardcore ein Haus in der Vorstadt kaufen würden? Diese Remaster-Version zum 25-jährigen Jubiläum offenbart das Genie eines übersehenen Triumphs in erstaunlich lebendigen Details und bietet atmosphärische Farbe für ehemalige Reptilien- und Periodensystem-Fans gleichermaßen.

Edward J delivers big on IDM, jungle and breaks, combining fast, intricate percussion with deeply emotional melodic flourishes. Formerly producing under the alias Generate, he has remixed artists such as Kettel and Roel Funcken and appeared on compilations for respected labels like Kaer'Uiks. Surprisingly, despite years of activity, this marks his first EP. Though the highly advanced, technical and detailed sound is anything but that of a debutant.

The anticipation is there in Elizabeth Stokes’ solo guitar riff under the opening lines of “I’m Not Getting Excited”: a frenetic, driving force daring a packed Auckland Town Hall to do exactly the opposite of what the track title suggests.

As the opener of The Beths’ Auckland, New Zealand, 2020 expands to include the full band, the crowd screeches and bellows. It’s a collective exhalation, in one of the few countries where live music is still possible.

The album title, and film of the same name, deliberately include the date and location, lead guitarist Jonathan Pearce says. “That’s the sensational part of what we actually did.” In a mid-pandemic world, playing to a heaving, enraptured home crowd feels miraculous.

In March 2020, everything seemed on track for another huge year for The Beths. Home after an 18-month northern hemisphere tour, they had just finished recording sophomore album Jump Rope Gazers and were primed for more extensive touring. But within days, New Zealand’s lockdown split the band between three separate houses. All touring was cancelled.

“It was existentially bad,” Stokes says. As well as worrying about economic survival, they lost something crucial to the band’s identity: live performance. “It's a huge part of how we see ourselves... What does it mean, if we can't play live?”

The band found an outlet through live-streaming, returning to the do-it-yourself mentality of their early days to connect with a global audience. The album and film have their genesis in that urge to share the now-rare experience of a live show, as widely as possible.

The fuzzy-round-the-edges live-streams pointed the way aesthetically. Native birds, wonkily crafted by the band from tissue paper and wire, festoon the venue’s cavernous ceiling while house plants soften and disguise the imposing pipes of an organ. The presence of the film crew isn’t disguised: much of the camerawork is handheld; full of fast zooms and pans.

With much of the material still fresh, the band was less focused on re-invention than playing “a good, fast rock show”, Pearce says. The tempo is up on crowd favourites “Whatever” and “Future Me Hates Me” (released as a live single on its third anniversary) as both band and audience feed off the mutual energy in the room.

Certain songs have taken on special resonance post-Covid. Pearce has found “Out Of Sight”, a tender rumination on long-distance relationships, hits particularly hard with live audiences.

Album closer “River Run” visibly brings Stokes to tears as a mix of achievement and relief kicks in. “You can finally relax at that point … You play the last note, breathe out a sigh and look up - and you’re in a giant room full of people happy and smiling.”

Born in the sewers of Montreal in 2018, it all started with a simple goal : blending old fashioned death metal and modern hardcore together in a city where technical death metal reigns supreme. It didn't take long for the band to make a name in the underground tho. Fast, old school riffs, pummeling mosh parts mixed with energetic stage presence quickly earned ST attraction, especially in the hardcore scene. Initially formed by tattoo artist Vincent PL on vocals and axeman Philippe Leblanc, ST has now its hardest lineup to date by adding Miguel Lepage (ex- Blind Witness, ex- Obey the Brave) on bass and Émile Savard (Profane Order, ex- Malebranche) on drums, turning the band from another local act into an absolute fucking weapon. The time has come to follow the path of Cryptopsy, Quo Vadis and Despised Icon and show the world that Montreal is still to this day a reckless, unrelenting force of death metal.

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

Kreisch! The Lemonheads kehren mit ihrem ersten Studioalbum mit ausschließlich Originalmaterial seit fast 20 Jahren zurück. Nach Jahren des Schreibens, des Umherziehens und des Neuanfangs sowie der Veröffentlichung der Single "Fear Of Living" kehrt Evan Dando mit 11 Original-Lemonheads-Songs zurück. Seit langem in Arbeit, geprägt von wechselnden geografischen Gegebenheiten, entstanden mit einer Reihe willkommener Gäste, ist es eine kühne, melodische Bestätigung einer der markantesten Stimmen des Alternative Rock. Dandos Wohnsitz in Brasilien, wo ein Großteil des Albums aufgenommen wurde, hat ihm in den letzten Jahren einen ruhigen Perspektivwechsel ermöglicht - eine Chance, sich neu zu orientieren, sich wieder zu verbinden und seine Songs endlich in den Fokus zu rücken. Das Ergebnis ist ein Album, das sowohl frisch als auch vertraut klingt: verwurzelt in den Merkmalen der besten Arbeiten der Lemonheads, aber erweitert durch jahrelange Lebenserfahrung und eine neue Umgebung. Love Chant wurde von dem brasilianischen Multiinstrumentalisten Apollo Nove produziert und bringt alte Freunde und neue Partner zusammen: J Mascis (Dinosaur Jr), Juliana Hatfield und Tom Morgan sind wieder mit an Bord, zusammen mit dem Produzenten Bryce Goggin (Pavement, Antony and the Johnsons), Erin Rae aus Nashville, John Strohm von den Blake Babies und Nick Saloman von The Bevis Frond. Und Adam Green von der New Yorker Kultband The Moldy Peaches ist als Co-Autor an dem lockeren Country-Abstecher "Wild Thing" beteiligt. In den letzten Jahren hat sich der Einfluss von The Lemonheads noch verdeutlicht, Acts wie MJ Lenderman, Courtney Barnett und Waxahatchee haben Dandos Songs gecovert und loben die emotionale Klarheit, den melodischen Instinkt und die ironische Intimität, die seine Texte auszeichnen. Diese generationsübergreifende Resonanz macht Love Chant zu mehr als einer Rückkehr - es ist eine Erinnerung an das, was diese Band in erster Linie ausgemacht hat und jetzt noch um einen späten Höhepunkt erweitert wird. Inklusive der Vorab-Singles "Deep End" und "In The Margin". "The Lemonheads' ability to merge punk rock's energetic simplicity with lush, melodic hooks is both timeless and influential." Pitchfork. CD (Digipak) oder LP (embossed vinyl sleeve artwork)

High Roller Records, bone vinyl, ltd 300, 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet, download code Mit »Romantik III« präsentiert das österreichisch-ungarische Duo Bergfried den Nachfolger von »Romantik I« (2022) und »Romantik II« (2023). Die Formation besteht aus Erech von Lothringen, der alle Intrumente bedient, und Sängerin Anna de Savoy. Der Name Erech von Lothringen ist in Underground-Zirkeln nicht gänzlich unbekannt, ist der Wiener doch Urbeber zahlreicher verschiedener Projekte, vorzugsweise aus dem Black-Metal-Bereich, wobei die Interessen des Bandleaders deutlich breitgefächerter liegen. Beim neuen »Romantik III« handelt es sich um ein ausgesprochen eingängiges, sehr melodisches Album, das hier und gar nicht so düster klingt, wie die Songtitel vermuten lassen könnten. Im positiven Sinne grenzt das Material hier und da schon an Pop („Fallen From Grace“), wobei natürlich (fast) immer Melancholie mitschwingt. Auf »Romantik III« wird Erech von Lothringen unterstützt von Schlagzeuger Fabio Alessandrini (bekannt von Annihilator, Bonfire und Enforcer). Des weiteren sind als Gastsängerinnen neben der beeindruckenden Anna de Savoy aktiv: Maria Nesh von Red Eye Temple, Sarah Kitteringham von Smoulder sowie Damna von Elvenking.

It’s Not That Deep captures Demi at her most radiant - reclaiming the carefree spirit of her early eras while unleashing 11 dance-pop anthems made for late nights & dancefloors. Executive produced by Zhone, the album pulses with confidence, freedom, and joy, led by the sleek single “Fast” and the infectious “Here All Night."

„It’s Not That Deep“ zeigt Demi von ihrer strahlendsten Seite – sie kehrt zu ihrer früheren Unbeschwertheit
zurück und präsentiert elf Dance-Pop-Hymnen, die wie geschaffen sind für lange Nächte und Tanzflächen.
Das von Zhone produzierte Album strahlt Selbstbewusstsein, Freiheit und Freude aus, angeführt von der
eleganten Single „Fast“ und dem mitreißenden „Here All Night“.

Los Angeles-based duo LUCKYANDLOVE are back with their third album, evoking a new sense of art school originality, following their critically acclaimed “Transitions” album. The duo defines 'Humaura' as the atmosphere that emanates from the feelings of the human spirit void of technological control.

Blending raw analog synth sounds with driving punctuated percussion and punchy analogue bass, LUCKYANDLOVE’s music is shaped by the embers of Siouxsie and The Banshees and Bauhaus, resonant spectres carry over from synth-laden galaxies, where the needle hits the vinyl groove and Doc Martens marched to basement dance floors.

LUCKYANDLOVE is the raw sonic experiment of Loren Luck and April Love, whose music transcends genres. Their live analogue synth beats, Moog instrumentation and beautiful, harmonic vocals trigger an immediate download of fuzzy sunset synthgaze, blue-black neon darkwave, and tigerprint electro punk.

“‘Humaura’ is an action-packed, cinematic, entertaining and soulful electro-dance record full of fresh air and wide-open roads where there is more freedom to party, to be in nature, and to be our wild selves,” says April Love.

Fusing together pulsating molten kicks, abrasive fuzz-laden analog synths and sensual vocals, the anti-tech angst anthem ‘I Am Human’ is a call to take back our lives, underlining the need to reconnect with being Human before it’s too late. ‘Lonely at Night’ is a "last call" bar track about the desperate, frantic desire for human connection, building from a haunting sense of isolation to a fast-paced, climactic reunion with a crush. Elsewhere, this album features enchanting lyrics rooted in emotions from melancholy and sorrowful glom to a state of blissful trance.

This album was recorded, mixed and mastered for digital release by Grammy award-winning engineer Be Hussey (Modern English, Twin Tribes, Boy Harsher) at Balboa Studio and Catwater for the digital music, and mastered for vinyl and lathe-cut by Grammy-nominated engineer Nicholas Townsend (Weezer, Grimes) at Townsend Mastering.

Their 'Lucky + Love' and 'Transitions' albums having earning them a global fan following, US and UK tours, multiple tracks featured in the indie hit film 'Tiger Within' (Ed Asner's final performance), and wide acclaim, noting their “soulful, synthesized sound" (LA Weekly), “spectral synths and dazed-dreamy feeling” (Big Takeover Magazine), not to mention their "uncompromising and inventive sonic experiment” (The Spill Magazine) and sound that “oscillates between the asphalt synth streets & interstellar outer realms” (Impose Magazine).

LUCKYANDLOVE’s visceral, dark electro-pop appeal continues to stretch through time and space. Praise for the album’s lead track ‘I am Human’ have poured in from over a dozen countries. ‘Humaura’ promises to cement the duo’s reputation as one of America’s most vivacious electronic / synthwave acts, positioning them firmly within the lineage of artists like Phantogram, Ladytron, The Soft Moon, Twin Tribes and ACTORS.


‘Humaura’ Press:

“...In contrast to its synth-laden darkwave and electropunk sound, the song presents lyrical themes of championing the human spirit and emotions over the technological void" ~ Regen Magazine

“Moog textures and distorted synth tones weaving together like electric currents. An industrial edge that carries a dreamy undercurrent, nodding to darkwave, punk rock and post-punk influences without sounding dated" ~ Myth of Rock

"Every second and note is a meld of lava-esque incitement and beguiling melodic fixation and a breath to unpredictability and stirring fuzz hued uniqueness… a thrilling encounter" ~ The Ringmaster Review

"Layers fall into place and give rise to soaring vocals. The beautiful timbre of her voice sits over the landscapes of sound and reveal poignant lines that hit home." ~ Sound Read Six

Einem US-Metalfan die Band Griffin zu erklären hieße Eulen nach Athen tragen. Während das Debüt noch traditionellen Heavy Metal in Reinkultur bietet, tendierte die Gruppe um den außergewöhnlichen Sänger William McKay in Richtung Speed- und Thrash Metal, aber ohne dabei ihre Trademarks einzubüßen. „Protectors Of The Lair“ erschien 1986 bei Steamhammer/SPV. Musikalisch war man am Puls der Zeit, doch der Stil kann auch ebenso als kauzig und individuell bezeichnet werden. Das größte Manko war allerdings immer der dünne Sound, der sich fast nur in den Mitten und Höhen abspielte. Dies wurde nun gleich doppelt behoben!

Es ergab sich das seltene Glück, dass die originalen 24-Spur-Bänder noch vorlagen und nach einigen Reparaturen überspielt werden konnten. Somit war nicht nur ein Remaster möglich, sondern ein Remix, der von Neudi 2020 angefertigt wurde und nun die LP 1 füllt. Die zweite Scheibe beinhaltet den Original Mix von 1986, allerdings remastert von Patrick Engel (Metal Blade, High Roller, etc.).

Hammers Rule gelten als Kultgruppe des US-Metal, deren LP „Show No Mercy“ und EP „After The Bomb“ (1984/1985) heute gesuchte Sammlerobjekte sind. Man wollte sich vom Härtegrad nicht festlegen und decken dadurch ein enorm breites Spektrum des US-Metal ab. Während die ersten vier Tracks zwischen Epic-, Heavy- und Speed Metal liegen (ebenso die beiden EP-Tracks „Kamikaze“ und „Stop The World“), war die B-Seite der Original-LP etwas zugänglicher und passt auch gut zum hohen Haarsprayverbrauch der Achtziger. Doch auch diese Stücke stecken voller Energie und Spielwitz. Einer der Gründe ist die unfassbar gute Rhythmussektion aus Drummer Chuck Hohn und Bassist Shaun Henley.

Die beiden Musiker operierten auf einem Niveau wie Steve Harris und Nicko McBrain (Iron Maiden). Zudem ersetzt der Bass durch das kräftige Spiel und die Präsenz im Mix auf beeindruckende Weise eine zweite Gitarre. Das Album und auch die EP wurden weitestgehend live im Studio aufgenommen. Golden Core war das erste Label, bei dem die verbleibenden Bandmitglieder einer Wiederveröffentlichung zugestimmt haben. Die Golden Core LP enthält die EP-Tracks als 7“ Single.

Legendry haben 2020 eine spannende EP mit drei Coverversionen (u.a. „Metal“ von Manilla Road) und einem neuen, eigenen Song (das titelgebende „Heavy Metal Adventure“) eingespielt, die auch optisch ins Konzept der drei Vorgänger passt. Wer auf Epic Metal steht kommt um „Heavy Metal Adventure“ nicht herum!

Mit Release The Beast legt CV Vision sein sechstes Studioalbum vor - ein wilder, stilübergreifender Trip durch Psychedelic Rock, Detroit Techno, Black Metal, Library Music und analoge Tape-Ästhetik. Gemeinsam mit dem schwedischen Drummer Uno Bruniusson kehrt er zu raueren Produktionsmethoden zurück und erschafft ein klangliches Mosaik, das trotz aller Vielfalt wie aus einem Guss wirkt. Verzerrte Backbeats, krautige Synths, düstere Grooves und cineastische Harmonien treffen auf DIY-Spirit und Studio-Experiment. Die Tracks changieren zwischen hypnotischem Motorik-Drive, Acid-Referenzen, jazzigen Jams und folkigen Momenten - zusammengehalten durch das charakteristische Bandrauschen zweier kaputter Tonbandgeräte. "Ich wollte einen rohen, direkten Sound - das Tape ist der Kitt, der alles zusammenhält", sagt CV Vision. Release The Beast ist ein Album über kreative Befreiung, über das Chaos im Schaffensprozess - und über die Schönheit, die daraus entsteht.