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Das mehrfach preisgekrönte Action-Adventure »God of War« wurde erstmals 2005 veröffentlicht, entwickelte sich aber so schnell zu einem Hit, dass Santa Monica Studio sieben weitere Versionen des Spiels entwickelte. Die jüngste Version, die 2018 für die PlayStation 4 veröffentlicht wurde, konzentriert sich auf die Reise des Hauptcharakters Kratos in der griechischen Welt zusammen mit seinem Sohn Atreus, der sich auf einen Rachefeldzug begibt, weil er von den olympischen Göttern dazu verleitet wurde, seine Familie zu töten.

Der offizielle Soundtrack wurde mit einem BAFTA Award ausgezeichnet und wurde von Bear McCreary komponiert. Er basiert auf Themen, die er rund um die Hauptfiguren des Spiels geschaffen hat. Inspiriert von der Volksmusik der Wikinger, verwendete McCreary exotische Instrumente und Sprachen aus verschiedenen nordeuropäischen Volkstraditionen.

»God of War« ist in einer limitierten Auflage von 1500 einzeln nummerierten Exemplaren auf türkisem Vinyl erhältlich. Dieses Paket enthält eine Beilage mit Liner Notes von Bear McCreary.

Ok Leute, die fünf legendären Thrasher aus Antwerpen kommen mit einem dicken Moshbrett zurück auf das europäische Crossover-Parkett! Glatte 9 Jahre nach 20 Last Century brettert "Future Is Calling" straighter und direkter, aggressiver als je gehört - I know, das liest man bei jeder neuen Platte, aber hier stimmt es ausnahmsweise mal. Im Ernst, das neue Zeug klingt in keinster Weise angestaubt oder so, als wäre es schon das 100. Mal wieder aufgewärmt - im Gegenteil: Toxic Shock hat die kleine Pause der letzten Jahre offensichtlich gutgetan und ordentlich Fuel in den Motor geschüttet. Hier passt alles - die Gitarren sind super aufeinander abgestimmt, das Drumming ist tight und vor allem Wally, der Sänger, hat einen fetten Sprung in die A-Liga der Shouter geschafft. Aber klar - Toxic Shock erfinden das Crossover-Thrash-Game nicht neu, im Gegenteil, sie zollen den Großen des Genres Tribut! Klar, Excel, Suicidal Tendencies, Testament - das sind die Referenzen. Gleichzeitig merkt man die Hardcore/Punk-Wurzeln der fünf - nicht zuletzt durch das überaus passende und gelungene Cover von The Gun Club. Und fun fact - bei dem Gun Club-Song klingen Toxic Shock stellenweise wie Lee Hollis zu seinen besten Spermbirds-Zeiten! Was "Future Is Calling" aber wirklich auszeichnet, ist diese rohe, ungebremste Energie, die trotzdem nie ins Chaos kippt. Die Songs sind kompakt, kommen schnell auf den Punkt und haben trotzdem genug Hooks, um im Ohr zu bleiben. Kein unnötiger Schnickschnack, kein selbstverliebtes Gefrickel - einfach ehrlicher, wuchtiger Crossover mit Haltung. Genau so muss das 2020er-Thrash-Revival klingen. Moshpit-Garantie inklusive.

Debüt Album der britischen Indie-Rock Band Snake Eyes. Das Trio überzeugt mit einem Mix aus Garage-Rock-Attitüde und melodischem Indie-Songwriting. "Cash Rich" steht für treibende Drums, kantige Gitarren, charakterstarke Vocals, und jede Menge energetische, live-taugliche Refrains.

US-Vinylversion auf HHBTM Records (12")! Anfang 1996 veröffentlichte The Wedding Present "Mini" über Cooking Vinyl Records, eine EP mit sechs Titeln, deren Songs alle einen Bezug zum motorisierten Fahren hatten. Fast dreißig Jahre später hat David Gedge dieses Konzept wieder aufgegriffen! "Maxi" enthält wieder sechs Stücke, deren Titel/Inhalte sich alle auf diese Thema beziehen. Maxi erscheint über Clue Records und folgt kurz nach der Veröffentlichung von 40 - der Zusammenstellung, die den komplexen und faszinierenden Katalog von The Wedding Present in einem Box-Set mit vier Vinyl- und/oder vier CDs widerspiegelt. Der letzte Titel der Compilation ist "Hot Wheels" - ein Song, der nun auch auf Maxi zu finden ist, zusammen mit fünf weiteren Stücken. Obwohl Maxi dem gleichen Konzept wie Mini (1996) folgt, klingt The Wedding Present 2025 deutlich größer. Dies ist wirklich eine Band in ihrer kreativsten Phase, die sowohl die Grenzen ihres eigenen Stils/Sounds als auch die Erwartungen der Zuhörer erweitert, während die Texte auf provokative Weise Bilder zeichnen, wie es nur David Gedge kann. "Wie ich in meinen Sleeve Notes zu 40 gesagt habe, wurden die Songs, die wir für Maxi aufgenommen haben, relativ schnell geschrieben, weil ich mich besonders inspiriert fühlte, sowohl textlich - durch Situationen in meinem Leben - als auch musikalisch - durch das Schreiben mit der damals neu hinzugekommenen Rachael. Die daraus resultierenden Tracks wirken größer angelegt und stimmungsvoller als alles, was wir seit langem gemacht haben ... und sie sind dank der neuen Rockqueen von The Wedding Present und ihrem Arsenal an Gitarren und Pedalen auf jeden Fall temperamentvoller!" (David Gedge). Schwarze oder limitierte klar rote Vinyl-12"-Maxi-EP!

US-Vinylversion auf HHBTM Records (12")! Anfang 1996 veröffentlichte The Wedding Present "Mini" über Cooking Vinyl Records, eine EP mit sechs Titeln, deren Songs alle einen Bezug zum motorisierten Fahren hatten. Fast dreißig Jahre später hat David Gedge dieses Konzept wieder aufgegriffen! "Maxi" enthält wieder sechs Stücke, deren Titel/Inhalte sich alle auf diese Thema beziehen. Maxi erscheint über Clue Records und folgt kurz nach der Veröffentlichung von 40 - der Zusammenstellung, die den komplexen und faszinierenden Katalog von The Wedding Present in einem Box-Set mit vier Vinyl- und/oder vier CDs widerspiegelt. Der letzte Titel der Compilation ist "Hot Wheels" - ein Song, der nun auch auf Maxi zu finden ist, zusammen mit fünf weiteren Stücken. Obwohl Maxi dem gleichen Konzept wie Mini (1996) folgt, klingt The Wedding Present 2025 deutlich größer. Dies ist wirklich eine Band in ihrer kreativsten Phase, die sowohl die Grenzen ihres eigenen Stils/Sounds als auch die Erwartungen der Zuhörer erweitert, während die Texte auf provokative Weise Bilder zeichnen, wie es nur David Gedge kann. "Wie ich in meinen Sleeve Notes zu 40 gesagt habe, wurden die Songs, die wir für Maxi aufgenommen haben, relativ schnell geschrieben, weil ich mich besonders inspiriert fühlte, sowohl textlich - durch Situationen in meinem Leben - als auch musikalisch - durch das Schreiben mit der damals neu hinzugekommenen Rachael. Die daraus resultierenden Tracks wirken größer angelegt und stimmungsvoller als alles, was wir seit langem gemacht haben ... und sie sind dank der neuen Rockqueen von The Wedding Present und ihrem Arsenal an Gitarren und Pedalen auf jeden Fall temperamentvoller!" (David Gedge). Schwarze oder limitierte klar rote Vinyl-12"-Maxi-EP!

Crave Tapes is thrilled to announce the first vinyl release on the label which will be the second album from Frankfurt's underground post-punk/dark wave band Babes of Enola Grey, Krieg und Wohlstand.
Krieg und Wohlstand sees Babes of Enola Grey follow the path of their 2021 debut, Anfang vom Ende, and take a step further into the realm of melancholic and disillusioned soundscapes. While keeping a certain retro character to the songs, Deborah Vision, Salvador Islero and Fabian van Castorp focus on quite contemporary themes, which some might call the most German obsessions:
War and prosperity.
But this is not the only reference to the band's heritage. Sometimes more, sometimes less, there are musical allusions to various German influences and contributions to (modern) music and music history. While Doppelt Frei is a nod to EBM and bands like DAF or the early Die Krupps and Wie auf Schienen as well as Die Heuschrecken pay homage to German düster punk bands like Fliehende Stürme or EA80, Panik and the title track Krieg und Wohlstand refer to the romantic German art song tradition of the 19th century (not to mention the obvious hint at a certain successful German Schlager in Die Kugeln und das Herz).
This makes Krieg und Wohlstand not only a worthy epigone of the band's debut, but also takes the album and the artistic approach to another level.
Commenting on the chosen format (12" vinyl), the band members said: "It was clear to us that we wanted to release this album on vinyl. When you look atGerman history, war and prosperity have to be seen as two sides of the same medal, or in this case of a record".

Ltd edition - Random Coloured Vinyl..

“Eternal Almost” is a collaborative album by Japanese musician Tomo Katsurada and Estonian composer Misha Panfilov. Born from the simple joy of songwriting and creative exchange, Tomo and Misha had long admired each other’s music from afar.

When the opportunity to collaborate finally arrived, it felt completely natural, and by the time the album was finished, it almost seemed as though the two had known each other always.

United by a shared sense of humour and musical curiosity, Tomo and Misha poured a raw, honest energy into these songs — one shaped by their intuitive rapport. In an increasingly artificial world, “Eternal Almost” subtly celebrates the qualities that make music feel most alive.

Amid the weight of our current times, the pair hope this album brings listeners a sense of lightness, joy, and of course—a gently surreal journey from beginning to end.

Solid Red Vinyl Edition - 10@ Mini album. Originally release in 2025 in a painfully limited 2x7" + Book edition.

"Dream of the Egg" is the debut solo album by Tomo Katsurada, known for his work with the Japanese psychedelic band Kikagaku Moyo. This project is a unique fusion of music and visual art, inspired by the Japanese 1920s children's book “Yume No Tamago (Dream of the Egg)”. It reveals a deeply personal journey, reflecting Tomo's dreams and the numerous rebirths experienced in 2024—a year marked by profound new beginnings in every facet of his life.

This mini album was driven by a passion for raw and immediate expression. Every song was crafted and recorded with only the materials available to him at the time, embracing an organic and handmade atmosphere. By eschewing rhythm clicks and standard instrumental tunings, a spontaneous sound emerged, capturing the essence of both uncertainty and immediacy. Adding to this distinctive sonic landscape, guest musician Jonny Nash (UK) contributed ethereal guitar sounds on the first and final tracks, enriching the record's dream-like quality.

The journey begins with the opening track, "Moshimo," which means "If..." in Japanese. Here, Jonny's guitar weaves seamlessly with the vocal melody, creating a harmonious dialogue. The first half of the album concludes with "Zen Bungalow" a cover of Gabriel Yared's “Bungalow Zen” from the soundtrack of the film “Betty Blue 37°2 Le Matin”. This particular track is his partner’s favourite song to listen to every morning and left a profound impression on him. One day, he heard a song in his dream that combined both of these tracks and loved how they blended together. This experience inspired him to create a new arrangement, "Zen Bungalow," which has become a central piece of the “Dream of the Egg” album.

The third track serves as an interlude, printed on a flexi disk attached to the middle of a picture book. This interlude transitions the listener into"Inner Garden," a bittersweet folk song that explores themes of love. The EP's narrative spans 20 minutes, culminating in the final title track “Dream of the Egg”. This piece features a delicate session between Tomo & Jonny, combining cello and guitar to create a spectrum of tones that evoke the imagery of a rainbow. The focus on smooth dynamics and meticulous play reflects an intent to convey a sense of physical trembling. This track sounds like the beginning of a new dream; as if the egg of one’s dream is about to hatch, bringing a sense of anticipation and wonder to the listener. Throughout the album, a variety of instruments come into play, drifting between notes and embracing the beauty of imperfection. By incorporating free-form sounds in a highly technological age, the record aims to reconnect listeners with the tangible, human-made quality of sound.

Special Thanks
Jonny Nash – Guitar

Der mehrfach mit Platin ausgezeichnete Sänger und Songwriter Dermot Kennedy veröffentlicht am 3. April
sein drittes Studioalbum „The Weight Of The Woods“. Das Album entstand in enger Zusammenarbeit mit
dem renommierten Produzenten Gabe Simon, der bereits mit Künstlern wie Noah Kahan und Lana Del
Rey gearbeitet hat. Aufgenommen wurde das neue Werk sowohl in Dermot Kennedys Heimat Irland als
auch in Nashville und verbindet damit persönliche Wurzeln mit internationalem Sound.
Dermot Kennedys Karriere nahm 2017 mit der EP „Doves & Ravens“ ihren Anfang. Zwei Jahre später
folgte sein Debütalbum „Without Fear“, das in Irland zum erfolgreichsten Debüt eines irischen Künstlers
aller Zeiten avancierte. Auch international feierte das Album große Erfolge: Es erreichte die Top 20
der US-Charts, Platz 11 der deutschen Albumcharts und wurde in insgesamt zwölf Ländern mit Platin
ausgezeichnet.
Mit seinem zweiten Album „Sonder“ setzte Dermot Kennedy 2022 seinen Erfolgskurs fort und überzeugte
erneut sowohl Fans als auch Kritiker. Insgesamt wurden bislang vier seiner Singles in Deutschland mit Gold
ausgezeichnet.
Auch live sorgte Dermot Kennedy für Aufsehen, unter anderem 2019 beim Reeperbahn Festival sowie beim
Finale von „The Voice“. Darüber hinaus wurde er 2020 bei den Brit Awards als „International Solo Artist“
nominiert. Mit „The Weight Of The Woods“ knüpft Dermot Kennedy nun an seine beeindruckende Karriere
an und schlägt zugleich ein neues musikalisches Kapitel auf.

Vor fünf Jahren veröffentlichte Olivia Rodrigo ihr Debütalbum „SOUR“, gleich die erste Single-Auskopplung
„drivers license“ wurde ihr Durchbruch. Seitdem hat sich die Sängerin zu einer festen Größe des Alternative
Pop entwickelt, die mit vielen ihrer Helden die Bühne geteilt hat – darunter Weezer, Robert Smith (The
Cure) und David Byrne (Talking Heads). Letzterer hat zum Jahrestag von „Drivers Lxicence“ eine Coverversion aufgenommen, die am 03.04. als rubinrote, limitierte 7“ Erstpressung erscheint. Auf der B-Seite
ist eine gemeinsame Live-Performance des Talking Heads-Klassikers „Burning Down The House“.

Der energetische Tenorsaxofonist Fred Jackson begann seine Karriere Anfang der 1950er Jahre in der
Begleitband von Little Richard. In den frühen 1960er unternahm er einen kurzen Ausflug in die Jazzwelt,
der von Blue Note auf vier Alben dokumentiert wurde. Neben drei Alben, auf denen er sich als Begleiter
der Soul-Jazz-Organisten Baby Face Willette und Big John Patton profilierte, durfte er 1962 “Hootin’ ‘n
Tootin’” aufnehmen - sein einziges Album unter eigenem Namen, auf dem er funkigen Soul-Jazz und Hard
Bop spielte. Anschließend kehrte er zum Rhythm ‘n’ Blues und Soul zurück.

“Mother Ship” war 1969 das sechste und letzte Album des experimentierfreudigen Hammond-Organisten
Larry Young für das Label Blue Note. Zu hören ist er hier mit einem Quartett, aus dem insbesondere
der brillante Trompeter Lee Morgan hervorsticht. Obwohl das Album vor unbändiger kinetischer Energie
strotzte und auch eine paar gefühlvollere groovende Stücke aus der Feder des Organisten bot, wurde es
erst 1980, zwei Jahre nach Youngs Tod, veröffentlicht.

Der Countrysänger und Songwriter Charley Crockett ist zurück mit seinem Album „Age Of The Ram“.
Nach seinen Alben „Lonesome Drifter“ und dem in der GRAMMY-Kategorie „Best Traditional Country
Album“ nominierten „Dollar A Day“ bilden 20 neue Songs den Höhepunkt und das Finale von Crocketts
„The Sagebrush Trilogy“, welche er über ein Jahr hinweg erschaffen hat.
Es ist Charleys drittes Album in Zusammenarbeit mit GRAMMY-Gewinner, Musikproduzenten und CountryStar Shooter Jennings. Beide sind bekannt für ihren modernen Country-Sound, welcher getrieben von
eingestaubten Gitarren und zeitlosen Melodien ist. Das Album widmen sie den großen Country-Legenden
wie Willie Nelson und Waylon Jennings (Shooters Vater).
Mit „Age Of A Ram“ bringt Crockett die in ACT 1 und 2 erzählten Geschichten von Außenseitern und
gescheiterten Träumen in der rauen Realität des amerikanischen Westens zu einem würdigen Ende.
Das Album „Age Of The Ram” ist erhältlich als CD und auf Vinyl!

The new album by L.Y.R., their third commercial release, begins with the idea that the furthest points of light - stars - can only be seen in the dark. It’s a kind of contradiction that finds musical expression in these new tracks, the band always navigating towards sightings of hopefulness and constancy in an increasingly bewildering and storm-battered world.

The term dark sky reservation has its origins in environmentalism, and several tracks on the album deal with the messed-up weather of our contemporary planet, both meteorological and psychological, from descriptions of an earth deluged by thunderstorms to the soggy back-gardens of suburbia, a climate crisis brought on by rampant urbanism. In that context, dark sky reservations are those regions of the landscape where light pollution is discouraged and even outlawed, to allow scientists and casual stargazers to peer into the cosmos and see the glory of the constellations, patterns of light that have entranced and mystified us for hundreds of thousands of years.

It’s from those designated zones that human beings get a sense of their place in the universe, and experience the wonder of the here and now against a context of eternity and infinity. An alternative to the hectic craziness of everyday life, so often virtual and synthetic, the dark sky reservation is a place of refuge and dreaming, and like L.Y.R.’s music, such spaces are earmarked for contemplation and thoughtfulness.

L.Y.R. is author and current British poet laureate Simon Armitage, singer-songwriter Richard Walters and multi-instrumentalist & producer Patrick Pearson.

Stacey Kent is an American jazz singer in the mould of the greats, with a legion of fans, a host of honors and awards including a Grammy nomination, album sales in excess of 2 million and more than one billion streams, and Platinum, Double-Gold and Gold-selling albums that have reached a series of chart-topping positions.

Stacey, a comparative literature graduate with a passion for music, travelled to Europe to further her studies after receiving her degree from Sarah Lawrence College in NY. Through a series of twists of fate, she found herself in London where she enrolled in a graduate music program at the Guildhall School of Music and Drama, where she met her future husband and musical partner, Jim Tomlinson.

Kent's musical journey began with childhood piano lessons. A keen ear and true voice lead her to search out opportunities to express her love of music. However, nothing suggested the shift from the academic path to the one that propelled her to international recognition as one of the foremost jazz singers of her generation. With a catalogue of 13 studio albums, including the Platinum selling, Grammy-nominated Breakfast On The Morning Tram (Blue Note/EMI 2007) and an impressive list of collaborations, Stacey has graced the stages of nearly 60 countries over the course of her career.

Her worldwide fan base is testimony to her ability to express the emotional heart of her songs with delicately nuanced interpretations that transcend borders and defy categorization. Her unique multi-lingual repertoire includes standards, chanson, Bossa Nova, and originals written by Jim Tomlinson, her saxophonist/producer/composer/arranger husband in collaboration with the Nobel Prize-winning author, Kazuo Ishiguro with whom they have worked since 2006. She has also recorded with Brazilian legends, Marcos Valle, Roberto Menescal and Danilo Caymmi, and the celebrated French string quartet, the Quatuor Ébène.

Stacey's last studio album, Summer Me, Winter Me, was released in November 2023 on Naïve Records. A collection of fans' requests from her as yet unrecorded concert repertoire, Summer Me, Winter Me entered the French jazz charts at number 1 and has quickly established itself as a new highlight in her discography. She now returns with A Time For Love.

Célia Oneto Bensaid reveals the full palette of the master of minimalism: original works, opera and film transcriptions, hypnotic flashes and introspective tenderness.

This album paints a sensitive and vibrant portrait of a composer in constant metamorphosis, for whom repetition becomes breath, emotion and light.

These resonances together form the true ‘Echoes’ of Philip Glass


[b] The Poet Acts (Music from the motion picture "The Hours") [Arr. for Piano Solo by Michael Riesman and Nico Muhly]

[d] "Trilogy" Sonata: II. Knee Play 4 (From" Einstein on the Beach") [Arr. for Piano Solo by Paul Barnes]
[e] "Trilogy" Sonata: I. Dance (From "Akhnaten", Scene 3) [Arr. for Piano Solo by Paul Barnes]
[f] Mad Rush The Hours (Music from the motion picture "The Hours") [Arr. for Piano Solo by Michael Riesman and Nico Muhly

There’s an alternate reality where everyone makes a living wage and the cleanest buses you’ve ever seen arrive every other minute. Where the most intense songs are about confessing your love to a crush at the apple orchard, and where gentle feelings and chaotic energy are inseparable best friends. This is the timeline where Cootie Catcher is right at home. This Toronto based four-piece exudes both vulnerability and unbridled excitement, creating a sound that hypercharges the open-hearted tenderness of twee pop with spiraling synths and giddy electronics. New album Something We All Got is the clearest and most vibrant reading of Cootie Catcher’s vision yet, with songs of sweetness, nervousness, and expectancy that beam out unguarded.
After releasing music made primarily in basement recording environments, Something We All Got is the band’s first flirtation with studio recording. The edges are still sharp, however, with some parts assembled from time-honored lo-fi methods and fun, personally-sourced samples seeping into the production. The sound is explosive and upbeat, with euphoric guitars, bubbly synth lines, speedy drums both played and programmed, and all other manner of sound constantly colliding. Cootie Catcher has three songwriters, Sophia Chavez, Anita Fowl, and Nolan Jakupovski, all of whom have distinctive voices but still manage to overlap in their writing on shared concerns like navigating the lines of romantic and platonic relationships, their city’s social scenes, and struggles in both the microcosmic experience of playing in a band and the zoomed-out challenges of living through late-stage capitalism.
Joy still touches every surface of Something We All Got. “Quarter Note Rock” bounces around the room in a fit of jangling guitar chords, scratched samples, and interplay between breakbeat loops and somersaulting live drums. It’s a blast of positivity even with lyrics about how disappointing it can be to meet your heroes. A smiling electro pop instrumental supports lyrics about having to step painfully away from an almost realized love on “Gingham Dress,” a song that subverts themes of domesticity as a backdrop for the dashed wilt of hopeless devotion.
Cootie Catcher rolls down hills and jumps through flaming hoops throughout Something We All Got without ever dumbing down the visceral emotions that drive these songs. There’s a palpable tension between the band’s exhilarating sonics and the raw, often uneasy sentiments expressed, but it’s an integral part of what makes them unique. Rather than hide behind the kind of calculated vagueness that plagues so much of the indie rock landscape in the time of cursed algorithms, Cootie Catcher runs full-speed toward every confusion and excitement, fearlessly direct and embracing the reality they’re in.

2026 black vinyl, 2022 Abbey Road remaster, original 2012 artwork! When the mysterious masked collective calling themselves Goat first emerged in 2012, armed with an incendiary debut album 'World Music' - there was, and there still isn't, anyone else on earth quite like them. With their enticing mythology, music full of sinuous grooves and manic explosions of fuzz, Goat were outliers from the very beginning. 'World Music', received an avalanche of acclaim with critics, psych heads, outernational crate diggers etc, all left enraptured by its thunderous intensity, conjured from a singular mix of sounds from across the globe. 'World Music' is brimming with tracks now seen as 'classic' Goat live favourites. Tracks that have been wowing audiences all over the world; the afrobeat stomp of 'Disco Fever', the fuzz abuse of 'Goathead', the post-punk groove of 'Let it Bleed', the sing-along repetitive pop of 'Run to your Mama'... From the first note to the last, 'World Music' oozes with a sonic confidence rarely seen on a debut album. What Goat have is unique - they've managed to create a sound unrestrained by genre or any other boundaries. So if you haven't done so already, then it is now time you joined the Goat commune.

Mathias Kaden announces the ‘Three Decades’ LP on Rekids, releasing 3rd April 2026, with single ‘Fyutr’ featuring Zoë Xenia and a remix from the legendary Dennis Ferrer available now. His third full-length, following 2009’s ‘Studio 10’ on Vakant and 2015’s ‘Energetic’ on Freunden Am Tanzen, ‘Three Decades’ spans nine tracks and celebrates Kaden’s 30-year career as one of Germany’s most enduring House and Techno figures.

The ‘Three Decades' album opens with a title intro, in which Mathias Kaden expresses gratitude to those closest to him before moving into his signature deep, emotive House sound. Tracks like ‘Keep Balance’ set the tone with sub-heavy bass and crisp, driving drums, occasionally punctuated by vocal snippets, while ‘I Got You’ features Cassy for a high-energy, soulful dancefloor moment. Reminiscent of Kaden’s work as Mathimidori, the dubbiness of ‘Getting Closer’ sets the stage for ‘Inner Signal’, which leans into wiggy electro territory, before the second record shifts gears with ‘Next Wave’ and ‘Shelter’, returning to pacey, piano-fuelled rave energy.

‘Viral’ follows with tough drums and excellent stab work, before the album closes on ‘Fyutr’, Kaden’s collaboration with Zoë Xenia, already supported by Honey Dijon, DJ Deep, Laurent Garnier, and more. Active since the mid-90s, Mathias Kaden quickly became one of the artists at the forefront of Germany’s flourishing rave scene. He began releasing music in the early 2000s, first collaborating with Marek Hemmann on a series of EPs for Freude Am Tanzen, before establishing himself as a solo artist with more than two dozen EPs on labels including Desolat, Watergate Records, Pets Recordings, Diynamic, Ovum, and Cocoon. Since first appearing on Rekids in 2019 with the ‘Control Your Mind’ EP, Kaden has released multiple projects on the label and remains a regular contributor to its catalogue.

Alongside his own productions, he has remixed artists such as DJ Koze, KiNK, Monika Kruse, Trentemøller, and Sven Väth, while under his Mathimidori alias, he has explored more spacious territory with releases on Mule Musiq, Ornaments, and Freund der Familie, including an additional album, ‘Akebono’, on Echocord.

"BLUNTS ROLLED" GSF13 the first posthumous release of unheard music by RAS-G'. Eighteen raw transmissions: unreleased beats, remixes, loops & smoky spacecraft meditations arranged in true mixtape spirit exactly as RAS envisioned them. This isn’t a vault dump, it's RAS_G in full form - unfiltered, joyful, psychedelic & rooted in the low end theory.
"BLUNTS ROLLED" continues the ASP mission: connecting hood to heaven, ancient to future, earthly to astral. These sounds crackle with cosmic dust & Cali sunshine - grounded in LA soil, projected into Saturn’s rings. Featuring transmissions from ASP family Kahil Sadiq, The Koreatown Oddity, Zeroh, and even G himself... voices and energies orbiting each other in intimate, galaxy-folding, head-nodding, fronto-scented universes.