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Eine Sensation für Oscar-Peterson-Fans: ein unveröffentlichtes Konzert des Piano-Giganten mit seinem
Trio weltweit erstmals auf LP und CD!
Oscar Petersons Trio mit Bassist Ray Brown und Drummer Ed Thigpen gehörte zu den populärsten und
swingendsten Jazz-Formationen der 1960er Jahre. Besonders live waren die perfekt aufeinander eingespielten Musiker ein unschlagbares Team. Ein unveröffentlichtes Konzert aus der Glanzzeit des Trios entdeckte
Verve Records jetzt in seinem Bandarchiv: zwei Wochen begeisterten die Musiker im August 1960 das
Publikum in Baker’s Keyboard Lounge in Detroit. Die damals geplante Verve-Veröffentlichung des Konzertmitschnittes fand nicht statt und erfreut stattdessen jetzt, kurz nach Petersons 100 Geburtstag, seine
zahlreichen Fans.
Ausstattung LP: 140g, Gatefold-Sleeve mit ausführlichen Linernotes
CD: Mintpak, Booklet mit ausführlichen Linernotes

For the first time ever, Roxette release ‘Baladas En Español’ on vinyl. The relationship between Roxette and Spanish-speaking audiences has been a love story since the early ‘90s and this release celebrates that special relationship. The release is timed with Roxette’s 40th anniversary and their return to South America for live shows in April. The album will be available on vinyl and CD, featuring 4 bonus tracks compared to the original release. The vinyl will be released in both a limited coloured edition and standard black.

Roxette have some exciting plans to celebrate their 40th Anniversary this year, including extensive touring, further anniversary re-releases, video upgrades, contemporary remixes and much more!

For the first time ever, Roxette release ‘Baladas En Español’ on vinyl. The relationship between Roxette and Spanish-speaking audiences has been a love story since the early ‘90s and this release celebrates that special relationship. The release is timed with Roxette’s 40th anniversary and their return to South America for live shows in April. The album will be available on vinyl and CD, featuring 4 bonus tracks compared to the original release. The vinyl will be released in both a limited coloured edition and standard black.

Roxette have some exciting plans to celebrate their 40th Anniversary this year, including extensive touring, further anniversary re-releases, video upgrades, contemporary remixes and much more!

April Records proudly presents the new album from Danish trombonist and composer Lis Wessberg. Her most personal album to date, In The Wake of Blue is a song-driven work exploring transience, love, and transformation. Expanding her writing while remaining rooted in her distinctive instrumental voice, Wessberg creates an intimate musical landscape where lyric, melody, and texture carry equal weight. Wessberg has established herself as a leading voice on the European jazz scene through her band Yellow Map and a series of acclaimed releases on April Records. Her previous album, Twain Walking (2024), marked her first step into English-language songwriting and earned a Danish Music Award nomination in 2025 for the track Behind the Walls. In The Wake of Blue develops this direction further. The album draws on images from nature - sea, tides, clouds, mist, and birds - used as emotional anchors rather than abstractions. These elements frame songs that move from uncertainty and loss toward openness, connection, and renewal. The title reflects this arc: "blue" as melancholy, depth, and memory, and what emerges in its wake. Vocalist Veronika Rud is central to the album"s sound, bringing vulnerability and clarity to the songs. Rather than a traditional singer-led project, the music unfolds as a dialogue between voice and trombone, with Wessberg"s warm, airy tone mirroring and extending each song"s emotional core. At times the two move in close unison; elsewhere, they diverge and reconnect. The core ensemble - Steen Rasmussen (piano and keys), Lennart Ginman (bass), and Jeppe Gram (drums) - provides a responsive, understated foundation, while string quartet Live Strings appear on two tracks, expanding the ensemble"s depth and resonce. In The Wake of Blue offers a quietly assured statement from an artist continuing to refine a voice that speaks as clearly through brass as it does through words.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

Wanda Felicia ist wieder bei Timmion Records mit ,Reflections Of Love" b/w ,All In The Game", einer gefühlvollen und echt menschlichen Doppel-A-Seite, die zwei sich ergänzende Facetten ihrer Kunst zeigt. Diese Veröffentlichung, die aus ihrem Debütalbum "Now Is The Time" stammt, rückt Wandas ausdrucksstarke Stimme und emotionale Klarheit in den Mittelpunkt, unterstützt von der unverkennbaren analogen Wärme von Cold Diamond & Mink. Auf der A-Seite sorgt ,Reflections Of Love" mit einem entspannten Funk-Unterton für mehr Tempo. Wandas Stimme schwebt selbstbewusst über dem Beat und vermittelt eine Reflexion über die Liebe, die ebenso tanzbar wie herzlich ist. Wenn sie ,you really got me now" singt, ist der Zuhörer bereits ganz bei ihr. Die B-Seite, ,All In The Game", verlangsamt das Tempo zu einer kraftvollen Beat-Ballade, in der Geduld und Ausdauer im Mittelpunkt stehen. Unterstützt von einem langsam brennenden Groove liefert Wanda eine Performance voller Entschlossenheit und stiller Stärke und erinnert uns daran, dass Liebe - wie das Leben - sich nach ihren eigenen Regeln entfaltet. Zusammen bilden diese beiden Songs eine wunderschön ausgewogene Platte, die Wanda Felicia von ihrer überzeugendsten Seite zeigt und ihren Platz als eine der faszinierendsten Stimmen von Timmion bestätigt.

Dass Death Of Lovers das Potenzial für mehr als ihre bislang einzige EP "Buried Under A World Of Roses" haben, war schon 2014 bei der Veröffentlichung unverkennbar. Die Frage war eher, wann kommt die Band aus Philadelphia, die seitdem mehr oder weniger permanent auf Tour ist, endlich dazu, ihr erstes Album aufzunehmen? "The Acrobat" besticht mit glitzernden Shoegaze-Gitarren, wavigen Rhythmen und konzentrierten, durchdachten und atemberaubend schönen Melodien. Die Stücke zeichnen sich durch eine einladende Komplexität und Tiefe aus, die Stimmung ist immer funkelnd und spannend und bietet einen schönen Kontrast zu den ehrlichen und dunklen Texten. "The Acrobat" erreicht eine warme Vertrautheit und klingt doch völlig neu. Und obwohl die Titel leicht aus dem Soundtrack zu jedem Lieblingsfilme der 80er-Jahre stammen könnten, gibt es eine neue Perspektive und eine Weiterentwicklung, die das "Post-Punk"-Reglement neu schreibt.

Dass Death Of Lovers das Potenzial für mehr als ihre bislang einzige EP "Buried Under A World Of Roses" haben, war schon 2014 bei der Veröffentlichung unverkennbar. Die Frage war eher, wann kommt die Band aus Philadelphia, die seitdem mehr oder weniger permanent auf Tour ist, endlich dazu, ihr erstes Album aufzunehmen? "The Acrobat" besticht mit glitzernden Shoegaze-Gitarren, wavigen Rhythmen und konzentrierten, durchdachten und atemberaubend schönen Melodien. Die Stücke zeichnen sich durch eine einladende Komplexität und Tiefe aus, die Stimmung ist immer funkelnd und spannend und bietet einen schönen Kontrast zu den ehrlichen und dunklen Texten. "The Acrobat" erreicht eine warme Vertrautheit und klingt doch völlig neu. Und obwohl die Titel leicht aus dem Soundtrack zu jedem Lieblingsfilme der 80er-Jahre stammen könnten, gibt es eine neue Perspektive und eine Weiterentwicklung, die das "Post-Punk"-Reglement neu schreibt.

Enter Shikari melden sich mit ihrem bisher ambitioniertesten und emotionalsten Album zurück: "Lose Your Self", das achte Studioalbum der Band, erscheint überraschend und besticht durch eine furchtlose Verschmelzung von Post-Hardcore-Intensität, elektronischen Experimenten und politisch engagierten Texten. Aufbauend auf ihrem UK-Nr.1-Album "A Kiss For The Whole World" (2023) und mit einem noch stärkeren Fokus auf cineastische, club-beeinflusste Klangwelten, präsentiert "Lose Your Self" eine Band, die die Grenzen des Heavy-Sounds immer wieder neu definiert. Das Album wird mit Headliner-Arena-Shows in Großbritannien und Europa sowie Konzerten in Nordamerika und Australien unterstützt. Der Guardian verlieh der Tournee 2024 vier Sterne und bezeichnete das audiovisuelle Spektakel als "den Beginn des größten Kapitels von Enter Shikari".

Drumcode returns with its flagship A-Sides series, led by a huge new Adam Beyer single that highlights the 20-track compilation.

If you want a snapshot of techno in any given year, look no further than Drumcode’s annual A-Sides compilation. The release broadly charts the evolution of the genre, while giving a platform to standout demo’s Adam Beyer has received across the course of the year with many emerging artists finding their music on Drumcode for the first time. Case in point – Wehbba, Charles D and Raxon who all debuted on the label via a track on the A-Sides series and have gone on to become regular contributors to Beyer’s influential labels.

This year’s compilation features an exciting mix of established heavy-hitters, alongside a slew of new faces set to make their mark on the genre. ‘We Don’t Say Please’ – is emblematic of Adam Beyer’s sound in 2025 – fresh, experimental and thriving on cross-genre pollinations, as elements of bass music, rap and techno collide, underpinned by a distinctive UK vocal. The results are inspiring.

Elsewhere, the 20-track compilation brims with highlights. HI-LO’s ‘NYC to Amsterdam’ has inflections of New York house fused with driving techno elements. Nicole Moudaber returns to DC in cahoots with the rising ZLATA for the super-charged ‘Report to the Dancefloor’. Oscar L & Charles D mint a new collaborative partnership with the immersive, spacey cut ‘Lift Me Up’. LUSU continue their red-hot run following the recent ‘Move 2 the Groove’ EP, and craft a straight-up mind-mashing single ‘LIKE THIS’. Mark Reeve is in trademark strong form with hypnotic ‘My Mind’, which comes to life via a massive synth led. The fantastic Kaufmann shares her ‘People are Strange’, a nod to a classic vox, re-contextualised for a modern techno audience.

As is tradition, a troupe of ascendant producers land on Drumcode for the first time. They include Uruguay’s Enzo Monza, who delivers the crisp ‘Late Night’ – a favourite of Beyer’s; Mattia Saviola, whose ‘Parallel Dimension’ is a powerful cut with fantastic sound design; Romanian artist Tao Andra, who shares the celestial ‘Unity’; and long-time industry stalwart AdamK, who makes a richly deserved Drumcode debut in partnership with Vikthor feat. MC Stretch on the stunning ‘Silence + The Sound’.

With Dispersion, Loom & Thread return to the volatile architecture of the expanded piano trio - and quietly fracture it from within.

Daniel Klein (drums), Tobias Fröhlich (double bass) and Tom Schneider (keys, sampler) remain the sole agents on stage and in the final recording. The triangle holds. And yet, the field has expanded. For their second studio album, the trio fed their improvisations with the timbral signatures of guest saxophone and vibraphone players - not just as additional voices to be featured, but also as material to be absorbed, atomized and redistributed. The result is not augmentation but thorough refraction.

Where the debut album explored the recursive labyrinth of Schneider's live sampling of his own piano, Dispersion introduces an external grain into the feedback system. Breath and metal. Reed turbulence and struck resonance. The trio sampled extended improvisations by saxophone and vibes players: Victor Fox, Asger Nissen, Volker Heuken, and L&T's own Daniel Klein; dissected their attacks, overtones and decay curves, and integrated these fragments into the trio's internal circuitry. What emerges is a play of presences without bodies - instrumental ghosts circulating through the dense weave of rhythm and keys.

At first, one might hear the familiar relational tension: Klein's polyrhythmic elasticity interlocking with Fröhlich's tensile double bass figurations, Schneider poised at the hinge between tonal field and percussive impulse. But soon, the surface splinters - again. A vibraphone shimmer appears, yet no mallets are visible. A reed multiphonic surges through the texture, bending space between bass and drums. These events are neither quotations nor overlays; they are redistributed energies, dispersed across the trio's grammar. A digital multidimensional interplay ensues.

If the first album unfolded as a two-tiered game - live phrase and sampled reflection - Dispersion adds a further axis. The sampled materials from other improvisers are stripped of their erstwhile two-way interaction and reconstituted as malleable particles. Signifier detached from origin, resonance detached from gesture. The trio navigates a constantly shifting topology in which acoustic memory and electronic manipulation are indistinguishable.

Crucially, the album never abandons the physical urgency of three musicians reacting in real time. The additional timbral layers do not thicken the texture into opacity; rather, they introduce stark points and arrows of diffraction. Density opens into prismatic clarity. Lines splinter and regroup. What seems like a quartet or quintet collapses back into three bodies negotiating an expanded field.

Dispersion is not about addition but about distribution - of agency, of timbre, of temporal perspective. It is an album in which the trio setting becomes a site of multiplicity without surrendering its immediacy. A dissolution not only of the divide between present experience and memory, but between inside and outside, self and other.

Three musicians. Countless vectors. A music that fractures in order to cohere.

CREDITS:
Tom Schneider: piano & sampler
Tobi Fröhlich: double bass
Daniel Klein: drums & percussion

sample sources:
Victor Fox: tenor saxophone
Asger Nissen: alto saxophone
Volker Heuken: vibes
Daniel Klein: vibes

Recorded by Martin Dressler at Bauer Studios, Ludwigsburg.
Mixed & mastered by Martin Ruch.
Artwork by Viet Hoa Le.

»Music for Shared Rooms« is B. Fleischmann’s eleventh solo album and his first since 2018. It is also not an album, or at least not in the conventional sense of the word. These 16 instrumental pieces provide a kaleidoscopic glimpse of a forward-thinking musician at home in many different musical worlds, including experimental and abstract music, pop and more classically-minded compositional forms. These pieces were culled from an archive of roughly 600 compositions for theatre pieces and films written throughout the past twelve years. The Österreichischer Filmpreis-awarded composer, however, aimed for more than simply documenting his extensive work in and with different media. To do so, he edited and re-mixed the individual recordings for this release, taking them out of their contexts and reworking them for an audience who can experience them in a different setting. »Music for Shared Rooms« makes it possible for its listeners to engage with the sounds and to fill the spaces they open up with their own imagination.

Roughly speaking, music for theatre or film can serve two functions: it either takes the lead, or underscores what is happening on stage or screen. The marvelous thing about these pieces is that they manage to do both. Fleischmann’s work as a prolific producer has always drawn on contrasts, at times combining pop sentiment with rigid experimentation, the seemingly naive with the intricate and complex. This approach also marks the tracks collected here: bringing together acoustic elements and electronic sounds, at times working with conventional structures but always de- and re-contextualising them, Fleischmann constructs a vivid dramaturgy out of discrete singular compositions, letting them interact across the record.

Take, for example, the opener »Träumerei« and the following »Brenne«: after the soothing acoustic sounds of the former, the latter quickly picks up speed with hard-hitting drum machine rhythms. It’s a stark contrast sonically and stylistically, however both tracks are tied together by a certain harmonic sensibility. This sort of dramaturgical interconnectedness of varied musical materials is the thread that runs through »Music for Shared Rooms«. A droney piece for string instruments like »Sehnsucht« is followed by a trip-hop beat, before »Schock« lives up to its title with skittering beats and piercing high frequencies. The differences between the pieces may be striking, but the progression from one to the other is subtle. It goes on like this through different moods and tempos. There’s soothing-yet-eerie piano pieces like the »Für Elise«-inspired »Der Lärmkrieg«, gentle house grooves, joyful synthesizer excursions and, finally, »Die Erde ist mir fremd geworden«, a collage of abstract textures and concrete sounds.

All these pieces create distinct situations through the juxtaposition of diverse musical elements, but are also bound together by a single vision. Writing music for theatre pieces or film requires a composer and his pieces to engage with people and their movements in space, which is exactly what Fleischmann offers on this record. He breaks down the fourth wall and invites his listeners into his world, a wide-ranging musical panorama. »Music for Shared Rooms« is indeed not an album in the conventional sense of the word, but more like a photo album in which each page opens up a new space to get lost in; recreates different scenes in which you can immerse yourself. These are shared rooms indeed.

Seit fast 30 Jahren erweitern SUNN O))) - Stephen O'Malley und Greg Anderson - die Grenzen der Heavy-Musik und verbinden die Welten der Avantgarde und des Rock, um einen Stil zu schaffen, der sofort als ihr eigener erkennbar ist. Jetzt melden sich SUNN O))) mit ihrem ersten Album mit neuem Material seit dem gefeierten Pyroclasts aus dem Jahr 2019 zurück. Ihr zehntes Album - ihr Debüt bei Sub Pop - zeigt, wie gut das Duo mit Zeit und Raum, Licht und Dunkelheit umgehen kann und dass sie bereit sind, ihren unverwechselbaren Sound zu neuen, mutigen Formen weiterzuentwickeln. Das gleichnamige Album ,SUNN O)))" wurde in den Bear Creek Studios in Woodinville, Washington, mit Brad Wood (HuM, Tar, Sunny Day Real Estate, Liz Phair) aufgenommen. Dieser Ort erwies sich als entscheidend für den Aufnahmeprozess. ,Der riesige Aufnahmeraum hatte große Fenster mit Blick auf Bäume", sagt O'Malley. ,Wir konnten wandern gehen und draußen im Wald sein, Zeit im Freien verbringen. Das war ein wichtiger Teil davon." SUNN O))) haben schon lange Mitwirkende in ihre eigenständige Welt aufgenommen: In früheren Werken waren Attila Csihar (Mayhem), die Komponistin Hildur Gudnadóttir, der Multi-Instrumentalist Steve Moore, der Universalgelehrte Mark Deutrom, Tim Midyett von Silkworm und der legendäre Singer-Songwriter Scott Walker zu hören. Auf diesem Album haben O'Malley und Anderson jedoch neue Möglichkeiten im ursprünglichen Format des Duos entdeckt und alle Instrumente selbst gespielt. ,Was in den letzten Jahren mit unseren Auftritten zu zweit und ohne weitere Mitwirkende passiert ist, war wirklich neu und aufregend", sagt Anderson. Die Kompositionen auf SUNN O))) sind weitläufig und panoramisch, aber dennoch detailreich und spiegeln die baumreiche Umgebung wider, in der sie aufgenommen wurden. Inmitten von heulendem Feedback und eisigem Knirschen findet man überraschend zarte Momente: eine Feldaufnahme von plätscherndem Wasser im Hintergrund, Klavierzwischenspiele, die eine gedämpfte, feierliche Stimmung erzeugen. Dabei erreicht das Duo neue Höhen telepathischer Intensität, während es Musik formt, die die belebende, erdige Luft des pazifischen Nordwestens atmet. Visuell wird das Album von zwei Gemälden des verstorbenen amerikanischen Künstlers Mark Rothko eingerahmt. Die Liner Notes stammen vom preisgekrönten britischen Schriftsteller Robert Macfarlane, der für seine Werke über Landschaft und die Beziehung zwischen Mensch und Natur bekannt ist. Durch die Arbeit der Band, Macfarlane und Rothko verbinden sich Klang, Wort und Bild zu einem umfassenden Erlebnis, das unbestreitbar ganz und gar SUNN O))) ist.

SELF-iSH is a quick but intensely dramatic concept album with dark psychedelic themes and nonstop experimental energy. Will Wood and the Tapeworms quickly grabbed attention in the punk scene following "Everything is a Lot" due to Wood's unique writing and refusal to break character even backstage and the band's dangerously high-energy shows. Face paint, confetti, and on-stage violence became the project's calling card, making SELF-iSH's dark and intense drama an inevitable direction for Wood. Mere months after the debut, producer Kevin Antreassian offered Wood a deal on his follow-up but only had a narrow time window, so Wood improvised. Bringing together a new lineup and with the help of guitarist Mike Bottiglieri, Wood wove scraps of discarded or unfinished songs together and created a tight yet abstract psychedelic concept album with the intent of taking every risk and trying every off-kilter idea he had. SELF-iSH began its highly conceptual production process during the holiday season in 2015, and the studio became littered with notepads, graphic charts, and teeth. The result was a manic little album featuring screaming, theremin, kazoo, power drills, the sound of breaking furniture, and an almost heavy-metal twist on Wood's off-kilter vision. By the time the album was finished, the piano was bloody, and the studio was wrecked. The album became what Wood described as the "bastard child" of his discography. Will Wood's early career can be primarily defined by his experimental vocal delivery, honky-tonk piano smashing, and darkly edgy songwriting. While his stylings have matured and taken on a more precise approach, his refusal to conform to expectations and constant shifts in the genre have continued to be hallmarks of his songwriting and production. In his "Will Wood and the Tapeworms" releases (Everything Is A Lot in 2015, SELF-iSH in 2016), audiences can see the first glimpses into what would eventually become his signature style, presented in a uniquely raw and chaotic state of potential.

José González has delivered a new album, Against the Dying of the Light, a companion and further meditation on the themes of his critically acclaimed album, Local Valley. Where Local Valley turned inward toward place, language, and personal reflection, this new record widens its gaze, becoming an urgent call to preserve the light of humanity with all its flaws, at a moment when, technology increasingly shapes how we think, feel, and relate to one another.

While José has always embraced technological advancement, he questions the assumption that every new possibility must be pursued to its maximum potential, especially when progress comes at the expense of human flourishing, attention, and empathy.

Keeping in the tradition of folk music as protest, José’s new single — sharing its title with the forthcoming album — urges listeners to resist systems that dehumanize and divide: “Disconnect from every algorithm, every perverse incentive that drags you down. Let’s rebel against the replicators, against the dying of the light. Kill the codes that feed the hate, keep the codes that make you thrive, celebrate the **king fact that we’re alive.”

Across the album, González works within a deliberately minimal framework, pushing his familiar palette to new heights through subtle variation, restraint, and detail. Each song unfolds with its own distinct character, proving how much emotional and musical range can be achieved within self - imposed limitations. Written in English, Swedish, and Spanish, the record reflects his Swedish - Argentine roots and frames its humanist message as a global one rather than a purely personal or political statement.

José González is one of the most quietly influential artists of our generation. The Swedish - Argentine artist has built a singular musical world from hypnotic, minimal guitar work and his unmistakably gentle voice — a sound that has become deeply personal to millions of listeners worldwide. With billions of streams across platforms and hundreds of thousands of physical records sold, González’s songs often act as emotional landmarks. Ask almost anyone, and they can name at least one of his tracks tied to a defining moment in their lives.

Wir denken gerne, dass unser Leben zu Geschichten geformt werden kann - klare Bögen, verständliche Bedeutungen, aber das Leben lässt sich nicht in Schubladen stecken. Stattdessen geht es unverblümt und ohne Entschuldigung weiter, ohne Rücksicht auf unser Ordnungsgefühl. El Ten Elevens ,Nowhere Faster", das 16. Album des Duos, entstand in diesem Unbehagen. In acht Tracks geht es nicht nur um das Nichts, sondern auch um Geschwindigkeit - diese seltsame Dringlichkeit, die uns vorantreibt, auch wenn das Ziel unklar bleibt. Das 33-minütige Album verlangsamt sich gerade so lange, um die schwierigen Fragen zu stellen: Wovor laufen wir weg und was glauben wir, überholen zu können? ,Nowhere Faster" entstand während der längsten Pause, die Kristian Dunn und Tim Fogarty in ihren 23 gemeinsamen Jahren von Tourneen und Aufnahmen gemacht haben, obwohl ,Pause" eigentlich nicht ganz richtig ist. Dunn ist bekannt dafür, dass er immer kreativ am Werk ist, und das hat er auch hier nicht aufgegeben. Stattdessen fing er an, nicht nur für einen, sondern für zwei Schlagzeuger zu schreiben, was Fogarty vor eine der größten Herausforderungen seiner Karriere stellte. Das Album ist auch eine Premiere für die Band, da es durchgehend echte Streicher und Klavier einbindet und damit die Klangpalette eines ihrer vielschichtigsten Werke noch erweitert. Nowhere Faster ist kein Rückzug in Nostalgie. El Ten Eleven setzt weiterhin auf Risiko und Neuerfindung. Das Album konzentriert sich weiterhin auf Fogartys treibendes Schlagzeugspiel und Dunn's bassgetriebene Experimente: Die ersten vier Tracks (,Seite A") zeichnen sich durch E-Bass aus, während die zweite Hälfte (,Seite B") zu akustischem Bass wechselt, der durch Pedale verarbeitet wird und so die emotionale Schwere des Albums subtil verändert. Letztendlich ist ,Nowhere Faster" ein Album über das Abrechnen - über Zeit, Ausdauer und die Ungewissheit, wie lange eine Band oder ein Leben dauern kann. Wir alle tasten uns an die Endlichkeit heran. Die Frage ist nicht, ob wir dort ankommen, sondern was wir auf dem Weg dorthin hören wollen. Zu welcher Musik werden wir tanzen, wenn sich der Boden unter uns zu verschieben beginnt? Wenn schon nichts anderes, dann vielleicht zu etwas, das wie ,Nowhere Faster" klingt.

David Bowie ist einer der bedeutendsten Popmusiker der Siebzigerjahre. Da er einen Sohn namens Zowie hat, interessiert er sich besonders für gute Musik für Kinder. Mit Blick auf seinen Sohn beteiligte er sich an dieser Aufnahme von Prokofjews sinfonischem Märchen. … 1977 produzierte Bowie ein Album von Iggy Pop und ging mit ihm auf Tournee, wo er als Pianist in der Band spielte und bescheiden auf Soloeinlagen verzichtete. Außerdem sang er mit Bing Crosby in dessen Weihnachts-Fernsehshow und sprach den Text zu Peter und der Wolf für ein Album, das Eugene Ormandy und das Philadelphia Orchestra aufgenommen hatten. (aus dem Original-Booklet)

Mit bisher über 30 Millionen Streams ihres Katalogs und einer Tournee-Geschichte, die das Download Festival, Graspop, Resurrection sowie Tourneen als Support für Electric Callboy und Bury Tomorrow umfasst, sind As Everything Unfolds sicherlich keine Neulinge in der Szene. Die Band, angeführt von der Powerfrau Charlie Rolfe, ist bekannt für ihre emotionsgeladene Musik sowie ihre dynamischen Live-Auftritte. Nun veröffentlicht die Band ihr drittes Album "DID YOU ASK TO BE SET FREE?" über Century Media Records. Das Album, benannt nach den Lyrics der Single "SET IN FLOW", zeichnet sich durch die bekannte und beliebte musikalische Intensität der Band aus, gepaart mit emotionalen Texten, mit denen sich Fans und neue Hörer gleichermaßen verbunden fühlen werden. Charlie, die sich nicht scheut, über die Inspiration hinter den Tracks zu sprechen, wechselt mühelos zwischen heavy Growls und klarem Gesang und lässt die Musik wie eine Achterbahnfahrt zwischen verschiedenen Genres wirken. Mit einem Feature von Dani Winter-Bates von Bury Tomorrow auf "WHAT YOU WANTED" würdigt die Band ihre Freundschaft und Tournee-Geschichte mit der britischen Metalcore-Band - ein Track, der sicherlich zu einem Fan-Favoriten werden wird. Nach dem Erscheinen des Albums müssen die Fans nicht allzu lange warten, um die neue Musik auch live zu erleben, denn die erste Festivalankündigung für den Sommer steht bereits fest.
Mit "DID YOU ASK TO BE SET FREE?" definieren sich As Everything Unfolds erneut als Band ohne Grenzen und als eine Gruppe, die man in der alternativen Musikszene im Auge behalten sollte - ihre größten Momente liegen vielleicht noch vor ihnen. Das Album wird als Standard-CD-Jewelcase, als trasparent-petrolgrüne LP sowie als digitales Album erhältlich sein.

Das Debütalbum einer der renommiertesten und einflussreichsten Bands Großbritanniens, Songs to Remember, versetzt uns zurück in die Anfänge von Scritti Politti. Die von Green Gartside angeführte Gruppe, die aus der DIY-Szene der Einzimmerwohnungen in Camden Ende der 70er Jahre hervorgegangen war, hatte jedoch eine musikalische Vision, die der von Miles Davis (mit dem sie später zusammenarbeiteten) in nichts nachstand. Mit Songs To Remember, das sowohl die feurige Politik der damaligen Zeit als auch eine aufkeimende Pop-Sensibilität widerspiegelte, etablierte sich die Gruppe als einer der wahren Innovatoren der frühen 80er Jahre. Songs to Remember, das bei seiner Veröffentlichung 1982 vom NME als "witzig und genial" beschrieben wurde, wurde für diese längst überfällige Vinyl-Neuauflage vollständig remastered, was Gartside persönlich überwacht hat. "Mark E Smith, damals Künstler bei Rough Trade, sagte einmal zu mir: 'Scritti hat die beste Rhythmusgruppe in der Rockmusik." Er erwähnte Green Gartside nicht, daher weiß ich nicht, was er von ihm hielt. Ich weiß jedoch, dass wir bei Rough Trade alle von Greens honigsüßer Stimme und seinen brillanten Texten fasziniert waren. Es waren aufregende Zeiten, in denen die Menge an purem Talent, die in das Rough-Trade-Universum strömte, einfach überwältigend war. Niemand mehr als Green, der den intelligenten Angriff auf die Zitadelle der Popmusik-Perfektion verkörperte. Ich erinnere mich, dass ich sehr stolz auf "Songs To Remember" war, zu einer Zeit, als es für uns noch eine relativ neue Erfahrung war, ganze Alben zu veröffentlichen." - Geoff Travis

Nach zwei gemeinsamen Headliner-Tourneen in den letzten zehn Jahren setzen die Melvins ihre langjährige Tradition fort, mit einer anderen Band ein Album aufzunehmen. Als nächstes steht Napalm Death auf dem Programm. Es handelt sich hierbei nicht um eine Split-Veröffentlichung, bei der jede Band eine Seite für sich beansprucht. Savage Imperial Death March ist eine vollständige Zusammenarbeit, bei der Melvins und Napalm Death auf allen Tracks gemeinsam spielen. Diese Veröffentlichung erschien ursprünglich 2025 in streng limitierter Auflage auf CD und Vinyl über AmRep (nur auf Tour und im AmRep-Store). Es handelt sich um eine erweiterte Version mit zwei zusätzlichen Songs, brandneuem Artwork von Mackie Osborne, neuen Vinyl-Varianten und wird zum ersten Mal offiziell in Plattenläden, bei DSPs und anderen Händlern erhältlich sein. Napalm Death gelten als Pioniere des Grindcore-Genres, da sie Elemente des Crust Punk und Death Metal einfließen lassen. Selbst nachdem sie fast 40 Jahre lang einen unauslöschlichen Einfluss auf die gesamte Welt der Heavy-Musik ausgeübt haben, gibt es immer noch keine Band auf der Welt, die so klingt wie Napalm Death. Die Legenden aus Birmingham sind nicht nur Pioniere, sondern auch ein dauerhafter Maßstab für Erfindungsreichtum und Furchtlosigkeit in der Heavy- und Experimentalmusik aller Art und rasen immer noch mit voller Kraft voran. Die Melvins sind eine der einflussreichsten Bands der modernen Musik. Die 1983 gegründete Gruppe - bestehend aus Sänger/Gitarrist Buzz Osborne gegründet wurde und zu der ein Jahr später Schlagzeuger Dale Crover stieß, wird zugeschrieben, die Welten des Punkrock und der Heavy-Musik miteinander verschmolzen und ein ganz eigenes neues Subgenre geschaffen zu haben. Im Laufe ihrer über 40-jährigen Karriere haben sie mehr als 30 Originalalben, zahlreiche Live-Alben und unzählige Singles und Raritäten veröffentlicht.

Pariah’s cult debut re-issued! “The Kindred” brings you pure old school Thrash Metal fury! Satan changed their name to Pariah in 1988-1989. Satan’s evolution for the time being came to an end here with this band, Pariah, in 1988. What Satan were going for with “Suspended Sentence”, could definitely be seen as a hint to the direction they would take as Pariah. That raspy, ill-tempered, aggressive Michael Jackson (indeed) is still here on vocals and these guys really wanted to tear things apart with this album. The main lineup here is entirely the same from Satan and Blind Fury (vocalists aside).

Simply put, one could easily say they took “Suspended Sentence”’s interesting idea of “NWOBHM meets Thrash Metal” and basically focused on being even more aggressive this time. We might be throwing out the obvious here again, but if you are new to Pariah or perhaps Satan, familiarize yourself with the fact that guitarists Russ Tippins and Steve Ramsey are truly an insane duo. For the most part with “The Kindred” their guitar work is pretty thrashy and extremely melodic. Then out of nowhere those classic NWOBHM solo’s, dual harmonies, and majestic melodies come into play all over the place and they manage to make it work incredibly well in between the thrashy antics. The production and mix seems to be an improvement over “Suspended Sentence” and here the guitars tend to have more of a sharper edge, Jackson’s vocals are constantly in the clear and never overpowered by anything else, and overall there is a tougher vibe surrounding this.

Everything here is pretty damn heavy. While Tippins and Ramsey are really out there in a realm of their own, there’s great performances again by Graeme English on bass and Sean Taylor on drums. Overall you’ve got a whole package of virtuous musicians here that really mastered the beauty of balance. All in all “The Kindred” goes all the way with every track being fast and aggressive. Satan and Pariah are all typically made up of the same core members and definitely created some timeless and unique Heavy Metal.

Die größten Hits der 90er – jetzt auf hochwertigem Vinyl.

Mit der Compilation „BoomBox 90s“ holst du dir das unverwechselbare Lebensgefühl der 90er Jahre direkt auf deinen Plattenteller. Diese exklusive Vinyl-Sammlung vereint legendäre Chart-Hits und unvergessene Klassiker – perfekt für nostalgische Musikabende und echte Sammler.

Freue dich auf zeitlose Songs wie:

„What’s Up?“ – 4 Non Blondes
„Zombie“ – The Cranberries
„Old Pop in an Oak“ – Rednex

Von Alternative Rock über Grunge bis Eurodance – „BoomBox 90s“ bringt die musikalische Vielfalt eines ganzen Jahrzehnts authentisch zurück. Der warme, satte Klang der VinylPressung sorgt für ein intensives Hörerlebnis, das digitale Formate kaum erreichen

Two song mini-ep featuring blistering new song "Semi-detached Furnished Home" and a distinctly garage punk reworking of Roger Miller's "Lou's Got The Flu". Ultra limited edition 7 inch available in two colourways

Auf dem Kontrabass zu singen: für Marc André das höchste Ziel seiner Kunst. Mit seinem Album Mirage gibt der 23-jährige Kontrabassist aus Frankreich nun sein beeindruckendes Debüt bei Warner Classics. In einem abwechslungsreichen Programm – von bekannten klassischen Meisterwerken bis zur atmosphärischen Filmmusik – offenbart er das poetische Potenzial, aber auch die rebellischen Seiten seines Instruments. Dass Marc André andere Menschen für den schwergewichtigen Fünfsaiter begeistern kann, den er seit seiner Kindheit spielt, zeigt nicht zuletzt seine enorme Medienreichweite: Mehr als 327.000 Follower bei Instagram und 2,4 Millionen Likes bei TikTok sprechen eine eindeutige Sprache!

Squarepusher bricht wieder alle Regeln!

Tom Jenkinson, alias Squarepusher, präsentiert Kammerkonzert – ein Feuerwerk aus messerscharfen, rasend schnellen Riffs, teuflischen Orchesterklängen und rasanten Wendungen, das Progressive, Ambient, elektronische und experimentelle Musik vereint.

Der einzigartige Hardcore-Rave-/IDM-Produzent, experimentelle Musiker und Schöpfer futuristischer Fusion-Formen blickt auf ein 30-jähriges Schaffen mit einer Vielzahl herausragender Alben zurück. Von dem furiosen Breakbeat-Acid und dem brachialen Live-Bass-Angriff auf "Feed Me Weird Things" (1996) über das selbsterklärende "Music For Robots" (2014) bis hin zum virtuosen Live-Showcase "Solo Electric Bass 1" (2009) und dem entrückten Concrète-Jazz von "Ultravisitor" (2004) – nur wenige zeitgenössische Musiker haben ein so breites Spektrum an Musik so souverän abgedeckt. Doch trotz dieser Bandbreite zeichnet sich sein 30-jähriges Schaffen vor allem durch zwei Dinge aus: Unberechenbarkeit und Regelbruch. Da sein neues Album "Kammerkonzert" auf Warp im Grunde ein Kammerkonzert ist, bei dem er alle Parts selbst spielt, kann man getrost sagen, dass er seit seinem kristallklaren Drum-&-Bass-Debüt für das Label im Jahr 1996, der EP "Port Rhombus", einen langen Weg zurückgelegt hat.

Mit "Kammerkonzert" beginnt für Squarepusher nach 21 Alben eine neue Ära als Komponist.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Hard Texas Funk aus der renommierten Szene von San Antonio. Während Abe Epstein auf dem General McMullen Boulevard nach West Side Brown-Eyed Soul-Gruppen suchte, antworteten Mickey Foster und seine gemischtrassige Soul Generation Band auf Browns Aufruf, südlich des River Walk den richtigen Weg einzuschlagen. Hier sind ein Dutzend ihrer schwungvollsten und unkonventionellsten Instrumentalstücke versammelt, eine stimmungsvolle Übersicht über die Band von 1969 bis 1977, darunter der Hit ,Iron Leg". Entscheiden Sie sich hier für Ihr nächstes Sample.

Alex Zhang Hungtai steht auf ,Dras" still da, aber es ist eine Stille, die jede Menge Möglichkeiten hat. Diese neun Stücke wurden 2019 in der Saint Joseph Oratory in Montreal aufgenommen (kurz bevor ein Klavier kaputtgemacht wurde) und lagen während der Pandemiejahre auf seiner Festplatte, bis endlich der Funke übersprang. Was jetzt entsteht, fühlt sich an, als würde man jemandem dabei zusehen, wie er die Konturen seiner eigenen inneren Landschaft nachzeichnet, wobei jede Melodielinie eine sorgfältige Auseinandersetzung mit dem Unbewussten ist. Dies ist nur im weitesten Sinne ein Saxophon-Album. Das Terrain hier ist taktil und unerbittlich. Im Titeltrack werden schwierige Melodien auseinandergerissen und zu emotionalen Drones geformt, wobei Dissonanzen ineinandergreifen, während Töne mit metallischem Glanz ihren Weg durch die Sinne bahnen. ,El Khela" bricht sich in spektrale Schichten, die mit ewiger Schwerkraft ziehen, während ,Estado" Trost in seiner eigenen Dunstglocke findet, mit Rhythmen, die kaum hörbar sind, aber mit ihrer Kadenz, die sich an grauen Wänden abzeichnet, vorwärts führen. Es sind kleine Momente, die zu kathartischen Klangatmen werden und jeweils neue Passagen durch die psychische Geografie offenbaren. Es liegt Schönheit in den subtilen Wiederholungen des Openers ,Erg" und in den leuchtenden Progressionen von ,White Dwarf". Zhangs Saxophon wird zu einer Wünschelrute für das Unbekannte, während Elektrizität durch die Adern des Albums fließt und sein Atem alles an etwas wortlos Menschlichem verankert. Die digitale Bearbeitung dieser Kirchenaufnahmen verdeckt nicht das menschliche Element von ,Dras". Sie verwandelt das Rohmaterial in etwas, das zwischen äußerem Raum und innerer Landschaft navigiert. Als der Schlusssong ,Mazil" kommt, lässt Alex Zhang Hungtai sein Saxophon seine volle Resonanz entfalten. Tiefe, kehlige Klänge öffnen sich wie Abgründe unter melodischen Konstellationen, die in dichter Schwerkraft schweben. Hier herrscht Endgültigkeit, auch wenn sich etwas in diesen Passagen schwerelos anfühlt. Diese Musik ist durchdrungen von innerem Dialog, einem wortlosen Zauber, der über dem psychischen Abgrund tanzt. Tonale Sequenzen zerfallen in betäubende Klänge, eine scharfe, elegante Kante, die schneidet, ohne Blut zu vergießen. Dieses einsame Werk der Erforschung wird zu etwas Gemeinschaftlichem. ,Dras" ist eine Karte, um den Raum zwischen dem, wo wir sind, und dem, wo wir hingehen könnten, zu durchqueren.

Was ist Sweet Soul? Vielleicht die perfekte Mischung aus Lowrider und symphonischem Soul? Eine üppige und dennoch lebendige Produktion, die in hörbare Seide gehüllt zu sein scheint und jeden Zuhörer innehalten lässt. So oder so, wenn eines sicher ist, dann ist es, dass sein Zweck vollkommen klar bleibt. Vergnügen, langsam und gemächlich, bajito y suavecito. Jeder Kuss beginnt mit Soul oder Sweet Soul für Lowrider. Sweet Soul ist der Vorläufer dessen, was wir heute als Modern Soul bezeichnen. Er kam in den späten 60er und 70er Jahren auf, parallel zu - aber getrennt von - dem raueren, funkgetriebenen Soul, der die Radiowellen dominierte. Während diese Musik harte Rhythmen und rohe Emotionen förderte, milderte Sweet Soul die Kanten. Sie bevorzugte Melodie, Wärme und Raffinesse und verlieh ihr ein ruhiges, üppiges Gefühl, das es leicht machte, zu ihr zurückzukehren und sie auch Jahrzehnte später noch zu lieben.

Was ist Sweet Soul? Vielleicht die perfekte Mischung aus Lowrider und symphonischem Soul? Eine üppige und dennoch lebendige Produktion, die in hörbare Seide gehüllt zu sein scheint und jeden Zuhörer innehalten lässt. So oder so, wenn eines sicher ist, dann ist es, dass sein Zweck vollkommen klar bleibt. Vergnügen, langsam und gemächlich, bajito y suavecito. Jeder Kuss beginnt mit Soul oder Sweet Soul für Lowrider. Sweet Soul ist der Vorläufer dessen, was wir heute als Modern Soul bezeichnen. Er kam in den späten 60er und 70er Jahren auf, parallel zu - aber getrennt von - dem raueren, funkgetriebenen Soul, der die Radiowellen dominierte. Während diese Musik harte Rhythmen und rohe Emotionen förderte, milderte Sweet Soul die Kanten. Sie bevorzugte Melodie, Wärme und Raffinesse und verlieh ihr ein ruhiges, üppiges Gefühl, das es leicht machte, zu ihr zurückzukehren und sie auch Jahrzehnte später noch zu lieben.

Das Debütalbum von My New Band Believe entstand unter ungewöhnlichen Umständen: Während eines Aufenthalts in einem chinesischen Hotel fühlte sich Cameron Picton plötzlich krank. In seinem delirierenden Zustand entstanden Bilder und Textfragmente, aus denen später Songs wurden - darunter auch der Ausdruck "My New Band Believe", der zum Projekt- und Albumnamen wurde. Picton empfindet den Titel zugleich als kitschig und brillant: eine bewusste Wiedervorstellung, ein Neuanfang, der zwischen Ich-Bezug und kollektivem Anspruch oszilliert. Als Bassist und zweiter Frontmann von black midi war Picton Teil einer Band, die für komplexe Strukturen und kontrolliertes Chaos stand. Nach deren Auflösung 2023 begann er ohne festen Plan mit Studioarbeiten. Aus dieser offenen Phase heraus formierte sich My New Band Believe, unterstützt von Musiker:innen wie Kiran Leonard, Caius Williams, Steve Noble, Andrew Cheetham und Mitgliedern von caroline. Das Album bewegt sich assoziativ durch unterschiedliche emotionale Ebenen. Klanglich setzt es überwiegend auf akustische Arrangements statt auf elektronische Effekte, bleibt dabei jedoch dynamisch. Einflüsse wie Bert Jansch oder Judee Sill sind spürbar. Songs wie "Actress" oder "Opposite Teacher" verbinden Zurückhaltung mit plötzlichen Ausbrüchen. "Target Practice" verwandelt Vigilantismus in eine theatralische Mitsing-Hymne, während "One Night" und "Heart of Darkness" intime, suchende Figuren zeigen. Picton gelingt es, diffuse Ängste in eindringliche, mehrdeutige Popmusik zu übersetzen.

Über Jahre hinweg hat Cactus Lee still und leise ein einzigartiges Werk geschaffen, indem er in Honky-Tonks rund um Austin auftrat und gleichzeitig in einem gleichmäßigen, selbstbestimmten Tempo Alben veröffentlichte. Lee's Dream, sein zweites Album für Western Vinyl, wirkt wie die natürliche Essenz dieser Reise - unterwegs geschrieben, zu Hause verfeinert und geprägt vom Spannungsfeld zwischen der Hingabe zur Musik und der Hingabe zur Familie. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solotournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Die Songs entstanden während einer einmonatigen Solo-Tournee durch den Mittleren Westen und den Süden und begannen als Skizzen, die in Transportern und Motelzimmern geschrieben wurden, teilweise inspiriert durch einen Besuch in Guy Clarks rekonstruiertem Keller in der Country Music Hall of Fame. Als Kevin Dehan nach Hause zurückkehrte und dort persönliche Umbrüche erlebte, wandte er sich nach innen und schrieb Songs, die Unruhe mit Entschlossenheit, Sehnsucht mit Verantwortung in Einklang bringen. ,Lee's Dream" wurde in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton aufgenommen und lehnt sich an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Light Aufgenommen in den Fort Horton Studios mit Produzent Billy Horton, lehnt sich Lee's Dream an klassische Country-Formen und die Sensibilität der Sun-Ära an, geleitet von Vorbildern wie John D. Loudermilk, Glen Campbell und dem frühen Gordon Lightfoot. Das Album, das mit Beiträgen eines engen Kreises von Mitwirkenden fertiggestellt wurde, wirkt gemeinschaftlich und lebendig - gleichermaßen fröhlich und melancholisch. Verwurzelt in texanischen Bildern und Country-Folklore, wirkt Lee's Dream wie ein vertrauter Fiebertraum, der die Tradition ehrt und sie gleichzeitig leise an Dehans unverwechselbare Stimme anpasst.

Big Crown Records freut sich, das zweite Album von Les Imprimes, ,Fading Forward", zu präsentieren. Unter der Leitung des autodidaktischen Multi-Instrumentalisten und Produzenten Morten Martens beschäftigt sich dieses Album mit Sterblichkeit, Realitätsflucht und einer Vielzahl von Erfahrungen, die mit Liebe verbunden sind. Martens hinterließ mit seinem hochgelobten Debütalbum ,Rêverie" aus dem Jahr 2023 einen bleibenden Eindruck Rêverie einen enormen Eindruck und hat sich seitdem eine treue Fangemeinde aufgebaut, deren Demografie ebenso vielfältig ist wie die Einflüsse, die seine Musik prägen. Er mischt Klänge aus dem Soul der 60er und 70er Jahre mit Anspielungen auf Doo-Wop-Platten, übernimmt die Energie der Hip-Hop-Drums und überzieht das Ganze mit Gesangsstilen aus den 90ern und 2000ern . Aber es sind Martens' Texte, Emotionen und Darbietung, die wirklich alles zusammenbringen und ihm helfen, sich von seinen Kollegen abzuheben. Seine Texte sind ansteckend und poppig und werden mit höchster Klasse und Geschmack umgesetzt, was Les Imprimés die seltene Eigenschaft verleiht, sofort anzusprechen und mit jedem Hören noch besser zu werden. Der aus Kristiansand, Norwegen, stammende Martens spielt fast alle Instrumente auf Fading Forward, produziert und arrangiert das Album und singt natürlich auch. ,Es ist Soulmusik, aber ich habe nicht gerade eine Soulstimme", erklärt Morten bescheiden. ,Aber ich mache es auf meine eigene Art und Weise, auf eine Art, die mir eigen ist." Der Album-Opener ,You & I" ist Mortens Hommage an seine Partnerin, die ,durch das Chaos und die Fehler" mit ihm durchhält. Kraftvolle Drums und kaskadenartige Klaviere machen diesen Song zu einem richtigen Two-Stepper und einer Hymne für diejenigen, die das Glück haben, jemanden zu finden, der sie versteht und ihnen in den Bereichen des Lebens hilft, in denen sie es brauchen. ,Again & Again" verlangsamt das Tempo und beschäftigt sich mit der schwereren Seite der Liebe und des Lebens, während Martens seine Widerstandsfähigkeit angesichts der Missgeschicke, des Herzschmerzes und der Enttäuschungen gescheiterter Liebesbeziehungen bekundet. ,Untainted Love" rückt die süße Seite der neuen Liebe in den Mittelpunkt, mit einer Melodie, die auf den Titel des Klassikers von Gloria Jones anspielt. ,Get Lost" neigt zum Metaphysischen mit der Einladung, die Realität hinter sich zu lassen und Zeit mit Les Imprimés zu verbringen, wo es Raum zum Träumen gibt. ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz ,Only Love" baut auf einem kraftvollen Drum-Break auf, mit einem Refrain, der einfach, aber tiefgründig ist, und das Arrangement verleiht ihm die Energie eines Mantras. Sie wenden sich dem Tanz zu in ,With You", einem schnellen, beschwingten Song über eine zufällige Begegnung, die Lust auf mehr macht. Martens sehnt sich nach ihr, aber freudig, als ob allein die Erinnerung daran, dass eine solche Verbindung möglich ist, genau das ist, was er wirklich braucht. ,Fading Forward" endet mit einer völlig düsteren Note mit ,Miss The Days", einer langsam brennenden Ballade, die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch besser war. Martens wird von der Gastsängerin Ama Li in ,Miss The Days" begleitet, einer langsam brennenden Ballade , die an einfachere Zeiten erinnert, als die Liebe noch an einem besseren Ort war. Fading Forward endet mit einer ganz und gar düsteren Note mit ,Paradise", einem Lied, das einem verstorbenen Freund Freiheit und Frieden wünscht. In der kleinen Stadt Kristanland in Norwegen lebt ein großes Talent, das den größten Teil seines Lebens damit verbracht hat, sich zurückzuhalten und im Hintergrund zu bleiben. Der Vertrag mit dem New Yorker Label Big Crown Records inspirierte Morten Martens dazu, seine eigene Musik zu veröffentlichen. Die Reaktionen auf sein Debütalbum ,Rêverie" veranlassten ihn, das Studio zu verlassen und auf die Bühne zu gehen, und all dies diente ihm als Inspiration, um seine Kunstfertigkeit auf ein neues Niveau zu heben. Neue Höhen, die auf Fading Forward voll zur Geltung kommen.

On Psalm Funk, Bnnyhunna deepens the artistic language he first articulated on his celebrated debut Echoes of a Prayer. Rather than retracing familiar ground, the Amsterdam-based composer and producer expands his palette, allowing rhythm and space to carry as much narrative weight as harmony and lyricism.

While Echoes of a Prayer felt personal and devoted, Psalm Funk opens things up. Gospel harmonies stay central to his music, but now they are energized by smooth funk rhythms and heightened by the flexibility of jazz improvisation. Bnnyhunna moves between styles effortlessly, in a way that nothing seems borrowed, but everything feels lived in.

At the center of the record is an understanding of space. Silence acts not as an absence but as a structure. Breath, restraint, and patience shape the music just as much as basslines and backbeats. This awareness of dynamics allows the album to grow without losing its focus. It signifies a subtle but important change in Bnnyhunna as an artist, moving from inward reflection to forward momentum, from prayer as personal dialogue to prayer as a physical expression. The clarity, discipline, and emotional depth that marked his debut remain, now directed into something more rhythmically confident and spiritually uplifting.

Fusing gospel, funk, jazz, and African rhythmic traditions, Psalm Funk serves as both a meditation and an outpouring. It invites deep thought while demanding a physical response.

The album includes collaborations with American saxophonist Braxton Cook, trumpeter Sheila Maurice-Grey of Kokoroko, 3DDY, and Reggie Dartey, among others. The singles "Sorry Not Sorry" and "Waiting For You" have already hinted at the project's range, while the latest single, "The Heart Part 2," further expands on the album's dynamic and emotional scope.

To celebrate the release, Bnnyhunna will tour the Netherlands in April, with performances in Amsterdam, Rotterdam, and Nijmegen before heading to the UK for a show at The Great Escape.

Released in October 2024, Bnnyhunna's debut album Echoes of a Prayer was created as a dialogue with God, a personal call expressed through sound. The record resonated both with fans and media, gaining support from platforms like 3voor12, Rolling Stone Africa, and Afromixx. It reached the airwaves of BBC Radio 1 in the UK, KEXP in the US, J-Wave in Japan, and 3FM in the Netherlands, and landed in playlists such as BUTTER, Morning Rhythm, and Vanguard.

In 2025, Echoes of a Prayer earned the Edison Pop award for Soul/R&B/Funk and received Grammy consideration for Best Alternative Jazz Album. On stage, Bnnyhunna established his presence with performances at festivals such as Lowlands, Couleur Cafe, Brick Lane Jazz Festival, Dour, and Super Sonic Jazz, as well as his first tour in Japan.



Upcoming live shows:
10/04/26 - BIRD, Rotterdam (NL)
11/04/26 - Doornroosje, Nijmegen (NL)
12/04/26 - Tolhuistuin, Amsterdam (NL)
13/05/26 - The Great Escape, Brighton (UK)

Suncraft is an underground rock band from Oslo, Norway. After appearing on the scene with their debut in 2021, they"ve ratcheted up their sound a notch in every conceivable way with their furious and fun new album Welcome To The Coven. Formed in Oslo in 2017, Suncraft built their early identity on mid-tempo stoner rock, but Welcome to the Coven shows the band has broadened their foundation significantly. The album channels classic rock swagger, punk urgency, and flashes of blackened intensity without settling into pastiche or genre collage - think Turbonegro meets Venom with the odd helping of blast beats thrown in and you"re on your way. The album"s eight tracks move fluidly between heavy riffing, hook-forward choruses and sudden shifts in mood, giving the record a restless, forward thinking character that keeps its 40-minute runtime lean and engaging. Welcome To The Coven is a confident step forward for a promising band which emphasizes their sharpened songwriting and willingness to push beyond scene expectations. The album is available on red or black vinyl from Norwegian purveyors of heavy rock label All Good Clean Records.

Suncraft is an underground rock band from Oslo, Norway. After appearing on the scene with their debut in 2021, they"ve ratcheted up their sound a notch in every conceivable way with their furious and fun new album Welcome To The Coven. Formed in Oslo in 2017, Suncraft built their early identity on mid-tempo stoner rock, but Welcome to the Coven shows the band has broadened their foundation significantly. The album channels classic rock swagger, punk urgency, and flashes of blackened intensity without settling into pastiche or genre collage - think Turbonegro meets Venom with the odd helping of blast beats thrown in and you"re on your way. The album"s eight tracks move fluidly between heavy riffing, hook-forward choruses and sudden shifts in mood, giving the record a restless, forward thinking character that keeps its 40-minute runtime lean and engaging. Welcome To The Coven is a confident step forward for a promising band which emphasizes their sharpened songwriting and willingness to push beyond scene expectations. The album is available on red or black vinyl from Norwegian purveyors of heavy rock label All Good Clean Records.

Die legendären Accion Mutante kehren mit einem neuen Album zurück! Sie kamen 1994 aus der Crust-Szene und prägten schon früh den Begriff "Metal Punk". "The Time Machine" verspricht erneut eine brutale, menschenunfreundliche Reise durch drei Jahrzehnte der Geschichte von Accion Mutante, darunter zehn brandneue Tracks plus zehn neu aufgenommene Songs, die von den Anfängen der Band bis zur Gegenwart reichen. Ehrliche Punk-Wut, gemischt mit rauem Metal-Sound und kombiniert mit einem unerbittlichen D-Beat sowie der kehligen Wut zweier Shouter. Auf "The Time Machine" thematisieren Accion Mutante textlich nach wie vor ihre Themen wie religiöser Blödsinn, Verbrechen gegen die Menschlichkeit oder Umweltzerstörung mit ihrem eigenen sarkastischen Ton und einer 100 % antifaschistischen Haltung. Das ist verdammt wütend und verdammt roh. Auch nach mehr als 30 Jahren sind ACCION MUTANTE noch immer Crustasfuck-Vertreter einer großartigen Mischung aus kaputtem Metal, Punk-Gestus, unerbittlichem D-Beat und den lauten Attacken beider Sänger. ACCION MUTANTE in ihrer ganzen Pracht, direkt ins Gesicht, für Fans von Britcore und Bands wie Extreme Noise Terror oder Ripcord.