Search:gem k

"Kunst zu kreieren ist für mich ein ständiger Kampf den Fokus zu behalten; denn wir leben in einer Zeit voller Unterbrechung und Zerrüttung, äußert sich die Tune-Yards Sängerin Merrill Garbus über ihr sechstes Album "Better Dreaming". Mit einer klaren Haltung zu Antifaschismus, Befreiung und Anderssein präsentiert das neue Album einige der eingängigsten und funkigsten Pop-Momente von Tune-Yards bisher - und ja, tanzen kann man dazu auch. Die Songs entstanden für Garbus und ihren Bandkollegen und Partner Nate Brenner mit ungewöhnlicher Leichtigkeit - sie ließen die Musik einfach fließen und folgten jeder kreativen Spur, die sich ergab. Nach der Isolation in der Pandemie und der langen Pause von Tourneen und Live-Shows war das Bedürfnis, sich von Musik bewegen zu lassen, stärker denn je. Auch die einzigartige Erfahrung, ein menschliches Wesen heranwachsen zu sehen, prägte den Entstehungsprozess. Ihr gemeinsames Kind, heute drei Jahre alt, ist auf dem Song "Limelight" zu hören - ein Song, der aus gemeinsamen Tanzmomenten zur Musik von George Clinton entstand. Die Songs wurden als Duo aufgenommen und basieren - mit einer Ausnahme - auf Merrills Drum-Loops und Rhythmusstrukturen, ähnlich wie auf ihren frühen Alben_Ç»"Bird-Brains"_Ç»und_Ç»"W H O K I L L". Der Opener_Ç»"Heartbreak"_Ç»baut riesige Vokalharmonien um einen druckvollen Beat aus Klicks, Pops, Samples und gedubbten Snares. Garbus besingt darin Herzschmerz als Antrieb, als Herausforderung - Zeilen wie "Watch me survive another heartbreak"_Ç»wirken wie ein Aufruf zum Weitermachen. Das treibende_Ç»"How Big is the Rainbow"_Ç»setzt auf Four-on-the-Floor-Rhythmus und versprüht Disco-House-Energie - mit der Atmosphäre eines queeren Club-Hits voller Strobo und Intensität. "Better Dreaming"_Ç»ist ein kraftvolles Manifest für Selbstliebe, kollektives Handeln, Befreiung auf der Tanzfläche sowie die Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Angesichts der Herausforderungen und Unsicherheiten der Gegenwart stellt sich Tune-Yards die Frage: Wie viel echte Energie und Freude lassen sich durch Musik überhaupt transportieren? Mit seinem mitreißenden, lebensbejahenden Art-Pop für eine Welt im Umbruch macht_Ç»"Better Dreaming"_Ç»genau das.

"Kunst zu kreieren ist für mich ein ständiger Kampf den Fokus zu behalten; denn wir leben in einer Zeit voller Unterbrechung und Zerrüttung, äußert sich die Tune-Yards Sängerin Merrill Garbus über ihr sechstes Album "Better Dreaming". Mit einer klaren Haltung zu Antifaschismus, Befreiung und Anderssein präsentiert das neue Album einige der eingängigsten und funkigsten Pop-Momente von Tune-Yards bisher - und ja, tanzen kann man dazu auch. Die Songs entstanden für Garbus und ihren Bandkollegen und Partner Nate Brenner mit ungewöhnlicher Leichtigkeit - sie ließen die Musik einfach fließen und folgten jeder kreativen Spur, die sich ergab. Nach der Isolation in der Pandemie und der langen Pause von Tourneen und Live-Shows war das Bedürfnis, sich von Musik bewegen zu lassen, stärker denn je. Auch die einzigartige Erfahrung, ein menschliches Wesen heranwachsen zu sehen, prägte den Entstehungsprozess. Ihr gemeinsames Kind, heute drei Jahre alt, ist auf dem Song "Limelight" zu hören - ein Song, der aus gemeinsamen Tanzmomenten zur Musik von George Clinton entstand. Die Songs wurden als Duo aufgenommen und basieren - mit einer Ausnahme - auf Merrills Drum-Loops und Rhythmusstrukturen, ähnlich wie auf ihren frühen Alben_Ç»"Bird-Brains"_Ç»und_Ç»"W H O K I L L". Der Opener_Ç»"Heartbreak"_Ç»baut riesige Vokalharmonien um einen druckvollen Beat aus Klicks, Pops, Samples und gedubbten Snares. Garbus besingt darin Herzschmerz als Antrieb, als Herausforderung - Zeilen wie "Watch me survive another heartbreak"_Ç»wirken wie ein Aufruf zum Weitermachen. Das treibende_Ç»"How Big is the Rainbow"_Ç»setzt auf Four-on-the-Floor-Rhythmus und versprüht Disco-House-Energie - mit der Atmosphäre eines queeren Club-Hits voller Strobo und Intensität. "Better Dreaming"_Ç»ist ein kraftvolles Manifest für Selbstliebe, kollektives Handeln, Befreiung auf der Tanzfläche sowie die Hoffnung auf eine bessere Zukunft. Angesichts der Herausforderungen und Unsicherheiten der Gegenwart stellt sich Tune-Yards die Frage: Wie viel echte Energie und Freude lassen sich durch Musik überhaupt transportieren? Mit seinem mitreißenden, lebensbejahenden Art-Pop für eine Welt im Umbruch macht_Ç»"Better Dreaming"_Ç»genau das.

Die aus der estnischen Metalszene stammende Band PRIDIAN wird ihr Debütalbum "Venetian Dark" über Century Media Re-cords veröffentlichen. Ihr moderner, energiegeladener und atmosphärischer Metalcore mit futuristischem Einschlag erinnert an Genre-Größen wie Northlane, Spiritbox und Architects. Beim Songwriting legen PRIDIAN den Schwerpunkt auf cineastisches Storytelling und ein starkes narratives Konzept in ihren Texten, ihrer Musik und ihren visuellen Elementen. "Wir wollen Songs schreiben, nicht nur instrumentenbasierte Musik. Wir könnten technische Sachen schreiben, weil wir alle unsere Instrumente beherrschen, aber gute Songs, interessante Strukturen und gute Geschichten sind wichtiger."Der Albumtitel "Venetian Dark" wurde von einer Farbe inspiriert, die sich in Jörgs Kopf festsetzte und sich langsam zu ihrer end-gültigen Form mit den allgemeinen Themen des Albums entwickelte. Das Album wurde komplett von PRIDIAN geschrieben und produziert, die viel individuelle und gemeinschaftliche Arbeit in die Entwicklung der Tracks gesteckt haben. Tracks wie "Out For Blood", "DINY" und "Void Resonance" vereinen chaotische, energiegeladene Riffs mit EDM-artigen Synthies, krachenden Break-downs und atmosphärischen Elementen. PRIDIAN schöpft aus dem Metalcore der 2010er-Ära, dem Djent und dem von Deftones inspirierten Post-Hardcore und lässt sogar eine Korn-ähnliche Nu-Metal-Kante erkennen, vor allem beim schweren, aber ein-gängigen "Darker Tides". Das Zwischenspiel "Synthetic Salvation" unterstreicht den kühnen Ansatz der Band, wie Laur erklärt: "Einige Tracks sind mehr Produktion als Song... das ist kein Metal, aber das ist mir egal. Es ist uns egal, was andere sagen." Abgemischt von Matt Thomas (Kingdom Of Giants, Invent Animate), bietet "Venetian Dark" eine hochmoderne Produktion in Be-zug auf Ausgewogenheit und Modernität. Venetian Dark" ist als Standard CD Jewelcase, als limitierte transparent blau-schwarz marmorierte LP, sowie als digitales Album erhältlich.

Die kompromisslose Fusionen aus klassischem Death Metal und Melodie, sowie kraftvolle Riffs, die an die alte Göteburger Schule erinnern, treffen auf mitreißende Grooves, die direkt zum Head bangen einladen. Stellt euch vor, At the Gates, Dark Tranquillity, Morbid Angel, Obituary, Death und Carcass vereinen ihre Kräfte - schnell, melodiös, präzise und gleichzeitig tödlich! Dennoch be halten Helldrifter ein sehr gutes Maß zwischen Härte und Melodie, sowie Geschwindigkeit und Groove. Alle Lieder überzeugen mit Abwechslung und geschickt gewählte Kompositionen. Teilwei se erinnert "Helldrifter - Shell Of Inexsistence" an Klassiker wie Death's Symbolic oder The Sound of Perseverance - aber frisch und nicht als eingestaubte Kopie!

Lyrisch befasst sich "Shell Of Inex sistence" mit düsteren und existenzbedrohenden Themen: Vom atomaren Ende der Menschheit, über die Psychoanalyse der menschlichen Seele, bis hin zu sozialkritischen Themen, wie Kriegen und Suizid. "Shell of Inexistence" ist nicht nur ein kraftvolles musikalisches Statement, sondern auch ein intensives lyrisches Werk, das tief in die Abgründe der Psyche und Gesellschaft eintaucht.

"Shell Of Inexsistence" wurde unter der Leitung von Roland Böffgen und Helldrifter, in den Hard Drive Sound Studios in Stuttgart aufgenommen, produziert und gemixt. Die Gitarren- und Bassspu ren wurden unter der Leitung von Vasilis Monopoulos in dem bandeigenen Studios aufgenommen. Der finale Feinschliff und das Mastering wurde von Kai Stahlenberg, im Kohlekeller Studio in See heim-Jugenheim, durchgeführt. Für die visuelle Umsetzung wurde Giannis Nakos (Remedy Design) beauftragt, der unter anderem bereits die Artworks für Suffocation, Morbid Angel, Cryptopsy oder The Crown realisierte.

"Shell of Inexistence" ist ein kraftvolles Statement im Death Metal, das Fans des Genres genauso fesseln wird wie Neulinge!

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

Katagory V sind eine Progressive-Power-Metal-Band aus Salt Lake City in Utah. Anfang 1999 gegründet, sind bis dato fünf Studioalben erschienen: Auf "Present Day"(2001) folgten "A New Breed Of Rebellion" (2004), "The Rising Anger" (2006), "Hymns Of Dissension" (2007) und schließlich "Resurrect The Insurgence" (2015). Nun hat die Gruppe einen Vertrag mit High Roller Records unterschrieben, dessen erstes Resultat das brandneue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" ist. Die Platte wurde von Dustin Mitchell (Bass), Curtis Morrell (Gitarre) und Matt Suiter (Schlagzeug) eingespielt, allesamt Teil der Originalbesetzung, plus Sänger Albert Rybka sowie Neuzugang Dan Coxey an der zweiten Gitarre. Das Album ist im Streamline Studio in Salt Lake City aufgenommen und von der Band selbst produziert worden. Für das Mastering zeichnete Alan Douches (Fates Warning, Cannibal Corpse) verantwortlich. Mit Riffmonstern wie "Empire Of Ignorance" und "Blood Siphon" oder melodischen Stücken wie "Absolute Divide" oder "Through Fate's Eyes" entpuppt sich "Awaken A New Age Of Chaos" als Meisterwerk des modernen Progressive Power Metal. In der Vergangenheit wurden Katagory V gerne mit Fates Warning, Queensryche, Hades, Sanctuary und Lethal verglichen. Laut Bassist und Gründungsmitglied Dustin Mitchell durchaus zutreffend: "Die genannten Bands haben uns ganz ohne Zweifel beeinflusst. Aber auch eine Menge Speed-, Thrash- und Doom-Bands der späten Achtziger und frühen Neunziger. Dazu Thrash-Metal-Gruppen der alten Schule - Realm, Death Angel, Helstar, Flotsam & Jetsam sowie Atrophy - und ferner auch härtere Melodic-Hardrock-Formationen, speziell aus Deutschland, da denke ich an Bonfire oder Jaded Heart." Das sollte all denjenigen, die mit Katagory V noch nicht vertraut sind, einen guten Eindruck davon geben, wie die Band klingt. Alles in allem ist das neue Werk "Awaken A New Age Of Chaos" von einer überraschend dunklen Grundstimmung geprägt: "Oh ja, dem stimme ich ausdrücklich zu", bestätigt Dustin Mitchell. "Diese Platte ist viel düsterer und auch zorniger als alles, was wir in der Vergangenheit gemacht haben, vielleicht mit Ausnahme unseres zweiten Albums. Im Verlauf unserer Karriere haben wir einige Tiefschläge einstecken müssen, weswegen die Band die letzten zehn Jahre auf Eis gelegen hat. Es ist also nur natürlich, dass sich die Wut darüber auch in unser neuen Musik Ausdruck verschafft hat."

Ein großartiges Album des baskischen Musikpioniers Fermin Muguruza, ehemals Mitglied der großartigen Bands Negu Gorriak und Kortatu, das ursprünglich im Jahr 2001 erschien.Fermin Muguruza hat auf diesem Album einen Schritt in Richtung der Musik seines guten Freundes Manu Chao gemacht, und das zahlt sich aus mit einem Stil, der den Geschmack von Manus Musik teilt, aber dennoch eigenständig bleibt und Groove, Spannung und vor allem Intelligenz bietet. Reggae/Ragga/Dub und mehr, mit einem fast Ska-artigen Touch. Die Texte sind alle in der historischen baskischen Sprache Euskera, der ältesten in Europa, mit hilfreichen Übersetzungen in Französisch, Englisch und Spanisch. Die Feuilletonisten Tageszeitungen schwadronierten ausgesprochen gern vom "Soundtrack der Globalisierungsgegner", als Manu Chao mit seinem zweiten Solo-Album tourte. Eine bedauerliche Verkürzung der Tatsachen, wie nicht nur Manu Chao selbst immer wieder betonte, der den revolutionären Drive schon Mitte der 90er-Jahre für seine Band Mano Negra und sich erkannte, dass auch der dringlichste Aufruf zur Revolte seine Kraft verliert, wenn man ihn zu oft wiederholt. Eine ganz andere Schule vertritt da der Überzeugungs-Baske und tatsächliche Globalisierungsgegner Fermin Muguruza: Er wird nicht müde, gegen die imperiale Politik der weltweiten Konzerngiganten zu wettern, das Fernsehen als Instrument der Desinformation zu geißeln und an die gewalttätig-militaristischen Seiten der amerikanischen Außenpolitik zu erinnern. Dort wo Manu Chao seine Songs als Klangpostkarten von seinen musikalischen Weltumrundungen verschickt, schreibt Fermin Muguruza herbe Kampfprosa in politischen Pamphleten.

Über die letzten zwei Jahrzehnte hat sich Papa Roach als echter Trendsetter im Heavy-Genre etabliert: Sie wurden für zwei Grammys nominiert, tourten weltweit mit allen von Eminem bis Marilyn Manson und erschufen die Nu-Metal-Hymne »Last Resort«, die siebzehn Jahre nach Erscheinen noch immer auf Heavy Rotation in den Rock-Radios läuft.

Dennoch markiert das neunte Album der Band »Crooked Teeth« die Rückkehr zu ihren ursprünglichen – hungrigen – Wurzeln. Aufgenommen wurde das Album mit den aufstrebenden Produzenten Nicholas »RAS« Furlong und Colin Brittain in einem kleinen Studio in North Hollywood. Furlong und Brittain sind mit der Musik von Papa Roach aufgewachsen und haben die Band dazu inspiriert, sich auf einige der Tugenden zu besinnen, die sie an Papa Roach immer besonders gemocht hatten – allen voran die bemerkenswerte Rap-Technik von Frontmann Jacoby Shaddix.

Über die letzten zwei Jahrzehnte hat sich Papa Roach als echter Trendsetter im Heavy-Genre etabliert: Sie wurden für zwei Grammys nominiert, tourten weltweit mit allen von Eminem bis Marilyn Manson und erschufen die Nu-Metal-Hymne »Last Resort«, die siebzehn Jahre nach Erscheinen noch immer auf Heavy Rotation in den Rock-Radios läuft.

Dennoch markiert das neunte Album der Band »Crooked Teeth« die Rückkehr zu ihren ursprünglichen – hungrigen – Wurzeln. Aufgenommen wurde das Album mit den aufstrebenden Produzenten Nicholas »RAS« Furlong und Colin Brittain in einem kleinen Studio in North Hollywood. Furlong und Brittain sind mit der Musik von Papa Roach aufgewachsen und haben die Band dazu inspiriert, sich auf einige der Tugenden zu besinnen, die sie an Papa Roach immer besonders gemocht hatten – allen voran die bemerkenswerte Rap-Technik von Frontmann Jacoby Shaddix.

Italian jazz guitarist Andrea Rinciari's 'Soho Sessions', presents eight carefully
curated jazz standards and hidden gems with a stellar quartet featuring tenor
saxophonist Alex Garnett, bassist Lorenzo Morabito and drummer Mark
Taylor
"The album represents a great period of my life where I was playing in Soho every
week with this band and we were able to create a vast repertoire of tunes by various
different composers, from American songbook composers to the most obscure
bebop artists," explains Rinciari. "So, the tracks of this album are a good
representation of those tunes."
'Soho Sessions' features a mix of classic and lesser-known compositions, including a
Barry Harris arrangement of 'Bean And The Boys', a rare John Collins piece ('John's
Delight'), and a reharmonised 'I Can't Get Started' inspired by Teddy Wilson. Other
highlights include a fresh take on 'Tea For Two', Bud Powell's groove- driven 'John's
Abbey', and deep cuts by Freddie Redd and Elmo Hope/Sonny Rollins, 'Time to Smile'
and 'Carvin' the Rock' respectively. The album closes with Rinciari's signature
contrapuntal solo interpretation of 'Polka Dots And Moonbeams'.
Rinciari's dynamic quartet breathes new life into the music while exploring fresh
harmonic and melodic ideas. "This album is a reflection of the magic that happens
when musicians play together regularly. The tracks capture the spirit of our weekly
Soho sessions - improvised, refined, and always evolving," concludes Rinciari. "It's a
tribute to the jazz greats who have inspired me and the amazing musicians I'm lucky
to play with."

"Music collectors have the chance to rediscover a lost gem from the golden age of psychedelic rock. This Half-Speed Mastered Edition offers the ultimate listening experience of the Texan band"s legendary 1967 debut-and only-album. Originally pressed by the International Artists label, Power Plant has gained mythic status among fans of the genre, often fetching up to $2,000 for an original pressing. But this exclusive reissue surpasses even the most sought-after versions, delivering a superlative experience that uncovers astonishing stereo details never before heard. Recorded at the height of the Texas psych-rock explosion, Power Plant stands as the only album on the International Artists label to rival the cult-like fascination surrounding the 13th Floor Elevators. Fronted by George Kinney, The Golden Dawn crafted a sound both haunting and transcendental, blending poetic lyrics, distorted guitars, and dreamlike vocals. Fans old and new will be transported back to the heart of the 1967 psych revolution, reliving this masterpiece as it was meant to be heard.

Kalita is excited to present the third volume in their groundbreaking ‘Borga Revolution!’ compilation series, exploring the revolutionary phenomenon of ‘Burger Highlife.’ This unique style fused West African melodies with synthesizers, disco, and boogie, a sound that took Ghanaian airwaves by storm in the 1980s and beyond. With previous volumes receiving strong support by tastemakers such as Gilles Peterson, Antal, Tom Ravenscroft, and Hunee, Volume 3 takes a deeper dive than ever before into the world of Ghanaian digital dance music. This volume features rare, sought-after tracks from artists including Obibini Takyi, Osei Banahene, and Okyerema Asante, as well as Burger Highlife trailblazers George Darko and Lee Dodou. Borga Revolution! Volume 3 offers a curated mix of standout anthems and rediscovered gems, many of which are otherwise nearly impossible to find, making this collection a must-have for fans and collectors alike.

The 1970s and 80s saw Ghanaian musicians begin to incorporate Western sounds like funk and disco into their music, reflecting the changing global musical landscape. However, the country's political instability and economic hardships, marked by military regimes and curfews, forced many artists to leave Ghana in search of better opportunities abroad. In Europe and the U.S., these musicians fused their traditional highlife roots with emerging digital sounds, using cutting-edge technology like the DX7 synthesizer and drum machines to create the genre now known as Burger Highlife. With ‘Borga Revolution!’ Kalita offers a vivid exposition of this musical transformation, using rare interviews, archival photos, and detailed liner notes to bring to life the pioneering spirit of both well-known icons and unsung innovators of Burger Highlife, one of West Africa’s most exciting musical movements.

Die 1997 gegründeten Hard Oi!/Streetpunker Non Servium aus Madrid präsentieren eine komplett remasterte Best-Of in Form der neuen Vinyl-Compilation "Street Songs Since 1997", veröffentlicht auf Loikaemiess Fettfleck Records. Die aktuelle Besetzung der Band besteht aus Sänger Carlos und Gitarrist Snoker plus Ivi Bass, Gordo Gitarre und Niño Drums, wobei Carlos und Snoker während der gesamten Bandkarriere und auf allen Alben die Kernmitglieder waren. Der Sound von Non Servium ist Oi! oder "Brutal Oi!" mit Einflüssen aus Punk, Street Punk und deutlich Hardcore Punk. Ihre schnellen Schlagzeugrhythmen und starken Bass- und Gitarrenlinien sind ein charakteristisches Merkmal. Ihre Texte sind meist politisch verortet, obwohl auch Songs über Punk-, Skinhead- und Hooligan-Kultur dabei sind. Sie sind neben Bands wie Kaos Urbano und Núcleo Terco die größten Spanisch-singenden Vertreter von Oi! mit einem explizit antifaschistischen/antirassischtischen Haltung. Die Band hat bisher sieben richtige Studioalben veröffentlicht, wobei ein leichter Stilunterschied zwischen dem Debütalbum und den nachfolgenden Alben festzustellen ist, die sich durch einen kraftvolleren, dem Hardcore näheren Sound auszeichnen. Vor vier Jahren wurde eine ,Greatest Hits" auf CD veröffentlicht, aber diese neue Zusammenstellung ist nur auf Vinyl erhältlich, hat eine andere Tracklist und alle Titel wurden neu gemastert. LP klassisch schwarz!

Inner City’s sojourn at Network resulted in a series of classic recordings.

As well as perfectly crafted vocal tracks including “Your Love”, “Share My Life” and “Do Me RIght” it meant that Kevin Saunderson could also return to his Techno roots with underground Inner City tracks.

None more so than the wonderful “Ahnonghay” which perfectly joined the dots between electronica and the brutal urgency of Kevin’s Reese persona which helped shape the early Detroit Techno landscape.

This 12 contains the Saunderson original plus wonderfully contrasting remixes from Detroit’s Carl Craig and the UK’s Dave Clarke which were equally acclaimed when released on Network’s six6 label.

Another reissued gem from Network.

Soul Jazz Records’ new Secret Superstar Sounds brings together a wealth of incredibly catchy tunes from late-70s/early-80s British groups that you have probably never heard of! Powerpop mixed together a love of lyrical and melodically beautiful 60s pop and garage sounds, together with the energy and attitude of 70s punk. Almost completely out of kilter with the fashions of the day (punk, new wave and post-punk) these bands managed to fall between the musical cracks at almost every step of the way – leaving them practically unknown to all but a few.

Inspired by the D-I-Y messaging of bands like The Desperate Bicycles, Sniffing Glue fanzine and early UK punk labels like Stiff, Chiswick and Rough Trade, these bands chose mainly to go into a studio and make their own private press/D-I-Y records themselves – then try to work out everything else (promotion, marketing, etc) afterwards. As mainly outsiders to the mainstream music industry, and usually unable to make any inroads into it, save for sending their own record to John Peel, most of these bands fell at the first hurdle.

These records remain both beautifully crafted 3-minute musical gems, and long-lost micro-histories of an essentially hidden genre.
Featured bands here include The Squares, The Meanies, The Monitors, Plummet Airline, Tours, Gobblinz, Krypton Tunes and more. Most of these records were self-published D-I-Y releases made in very limited-editions and were often the only tracks ever released by these groups.

Following the success of his recent single "Just A Flute Thing," DJ Scientist returns with his latest release, "The Baku Files". This project delivers another stunning instrumental Hip-Hop gem, built on rare samples.

The first track features one of Scientist's most captivating and jazzy Boom Bap beats in years, sampling Azeri jazz from the Soviet era. With vocal cuts taken from old rap records he crafts a unique fusion of cultures and eras.
Side B of the single is entitled "To See You," a DJ-friendly rework of a track by the renowned Soviet composer Murat Kashlaev, originally re-issued a few years ago on Spasibo Records.

These two standout tracks are available on the vinyl, while the digital EP offers additional material.

"The Baku Files" is a beautiful Rare Groove Hip-Hop release, perfect for DJs and Soviet groove enthusiasts alike. It comes with beautifully designed artwork inspired by Soviet-era aesthetics.

Proudly presenting our reissue of the sought-after 1978 album 'Ritmo Y Sabor' from Cuban, master bongo player, Manteca. A deep, hypnotic, sonic excursion of Afro-Cuban/mambo rhythms to get lost within. Released in 1978, there are a number of different pressings of the album coming out on labels including GRC, Desca Records and Sound Triangle Records. Stripped-back and low-fi, this is a pulsating hit of instrumental Latin-jazz dance magic.

Predominantly made up of just percussion and bass, the album comes courtesy of Carlos "Rico" Ramirez on bass, Carlos Patato on congas, timbales by Nelson Padron and Lazaro Pla aka Manteca as band leader. A Cuban legend, Manteca rose to fame playing with Ernesto Lecuona and the Cuban Boys. Although he featured on numerous recordings in his home of Cuba, only a handful exist of his as featured soloist or band leader.

A whirlwind of percussive brilliance, ‘Ritmo Y Sabor’ is brimming with energy regardless of the tempo of the track. An instantaneous ability to make you move, the grooves come alive with each new rhythm introduced. Take for instance, the track 'Afro Funky' that more than lives up to its name. A breakbeat Latin-funk workout, with a mighty fine walking bass line that provides the basis for the drummers to vibe off. Elsewhere, 'Rumbon En Casa De Cando' is fast and furious perfect for the jazz dance specialist, whilst 'Sabor A Mantecado' keeps you on your toes with its trance-like repetitive bassline and percussive interplay. 'Cosa De Manteca' is another heavy-Latin funk gem with a rough and raw feeling of relentless yet groove-driven percussion.

A must-have Afro-Cuban, rhythmic funk triumph, that shows Manteca and his band in full flight

Ground-breaking afro-rock and jazz with Memphis soul roots on this lost 1972 gem. Lovingly restored and reissued by Matsuli Music


'Black Soul' from 1972 is the third and last known album by The Anchors, a soul group originally formed in Johannesburg's Alexandra township in 1968. Their first two albums, 'Soul Upstairs' from 1969 and 'Everything' from 1971, were issued on Teal's City Special label alongside other prominent South African soul groups of the era like The Beaters, The Movers and The Flaming Souls.

On 'Black Soul', The Anchors undergo a notable shift, moving away from their early Memphis soul influences towards a pioneering African-driven sound. These changes laid the foundations for an emerging afro-fusion scene in the years to come from groups like Batsumi, The Drive and Harari.

'Black Soul' features a who's who of intergenerational musicians from great South African bands over the decades. In addition to Zacks Nkosi, the renowned bandleader of the Jazz Maniacs and long-time member of the African Swingsters in the 1940s and 50s, this album includes kwela star Little Kid Lex Hendricks, known for his Columbia recordings of the late 1950s; as well as Zack's son Jabu Nkosi who would go on to play with The Drive, Roots and Sakhile; and Banza Kgasoane later a member of The Beaters, Harari and then Mango Groove.

Now remastered for its first release since the original 1972 pressing, this lost gem offers a revealing glimpse into the evolution of South African music during a transformative era.

Zacks Nkosi (Sax), Patrick Jabu Nkosi (Organ and Flute), Anderson Nkosi (Lead Guitar), Given Sabela (Bass Guitar), Kid Lex Hendrix (Sax), Banza Kgasoane (Trumpet), Peter Morake (Drums), Hamilton Nzimande (Musical Director).
Original LP issued in South Africa on GRC’s CBS label (LAB 4037) in 1972.
Produced for reissue by Chris Albertyn and Matt Temple at Matsuli Music, and Siemon Allen at Flatinternational.
Original vinyl sourced from the Flatinternational Archive.
Artwork restoration and design by Siemon Allen.
Audio restoration, mastering and lacquers by Frank Merritt at The Carvery.
Manufactured at Pallas, Germany.

LEPER COLONY kreuzen den deutschen und schwedischen Death Metal Stil mit klassischen Einflüssen aus der US-Szene. Die Band entstand aus der langjährigen Freundschaft und der gemeinsamen Liebe zum Death Metal der alten Schule, die den deutschen Sänger Marc Grewe und den schwedischen Gitarristen Rogga Johansson dazu brachten, im Jahr 2020 ein gemeinsames Album zu produzieren. Das Duo holte sich CONSUMPTION-Schlagzeuger Jon Skäre und Lead-Gitarrist Kjetil Lyngahug (PAGANIZER) ins Boot, um das selbstbetitelte Debütalbum aufzunehmen, welches im Jahr 2023 veröffentlicht wurde. Das Werk wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen positiv aufgenommen. Es wurde schnell klar, dass es sich bei LEPER COLONY keineswegs bloß um ein weiteres "Superprojekt" handelte, sondern dass eingefleischte Death Metal Fanatiker mit einer Vielzahl von frischen Ideen aufwarten. Marc Crewe hat sich als ehemaliger Frontmann von MORGOTH, und später mit INSIDIOUS DISEASE sowie ASINHELL einen klangvollen Namen in der Szene erworben. Gitarrist und Bassist Rogga Johansson prägte den schwedischen Death Metal in einer Reihe von Bands wie PAGANIZER, RIBSPREADER und REVOLTING entscheidend mit. WOMBBATH-Gitarrist Håkan Stuvemark übernahm mittlerweile die Leadgitarre und Jon Rudin wurde ebenfalls als neues Mitglied verpflichtet. Der britische Schlagzeuger ist unter anderem von MONSTROUS und DEAD SUN bekannt. Mit "Those of the Morbid" geben LEPER COLONOY allen Old School Death Metal Fans exakt das brutale und kompromisslose Album, auf das sie lange warten mussten!

Ist das noch Familie oder ist das schon ein Kult?

Mit ihrem dritten Studioalbum "FREAKS" erreicht die Karriere von DEINE COUSINE einen neuen Höhepunkt und zelebriert die Kraft der Gemeinschaft in einer Zeit, die uns immer wieder versucht auseinanderzureißen.

DEINE COUSINE alias Ina Bredehorn muss magnetisch sein, anders kann man es nicht erklären. Was vor einigen Jahren noch in schimmligen Clubs in den schlechten Ecken der Stadt stattfand, passiert heute in ein paar der größten Spielstätten des Landes. Und das alles aus eigener Kraft, ohne Majorlabel, Riesen Budgets oder mediale Überpräsenz. Mit unendlicher Power auf und abseits der Bühne zieht DEINE COUSINE immer mehr Familienmitglieder in ihren Bann, die mit "Freaks" ein Album randvoll mit neuen Hymnen geliefert bekommen.

Die neuen Songs behandeln kollektive Emotionen - mal im big picture, mal anhand von persönlichen Episoden erzählt - und vermitteln ohne Plattitüden ein Gefühl von Zusammengehörigkeit, das auf Geschlecht, Sexualität, Religion oder sonstige, verstaubte Rahmen scheisst. Laut Ina versammelt "Freaks" Songs über "mich, meine Leute und meine zehn Persönlichkeiten", und damit sind alle gemeint, die mit offenem Herzen und Toleranz durch die Welt gehen.

Das Album erscheint als farbige Vinyl (Re-Vinyl) im Gatefold

Liebe existiert nicht isoliert - sie verweilt, verändert sich und taucht auf eine Weise auf, die wir nicht immer erwarten. So auch der 27-jährige Sänger, Songwriter und Multiinstrumentalist Brandon, der all das und mehr auf seinem Debütalbum „Before You Go“ erforscht, das am 9. Mai bei Secretly Canadian erscheint. „Before You Go“ ist eine grenzenlose Sammlung von Soul- und R&B-beeinflussten Alternative-Pop-Gitarrensongs. Heute stellt Brandon auch die Leadsingle „Right Back“ vor, ein gitarrengetriebener Alt-R&B-Song mit warmem Gesang und synkopierten Beats.

Brandon Joseph - einfach Brandon genannt - ist aus der reichhaltigen kreativen Landschaft Südkaliforniens mit einem Sound hervorgegangen, der eine Mischung aus unaufdringlicher Verletzlichkeit und genreübergreifendem Ehrgeiz darstellt. Brandon hat seine Stimme durch Ausprobieren, Beharrlichkeit und Visionen gefunden, und seine Songs tragen die Spuren seines Einfallsreichtums: Brandon hat sich das Gitarrenspiel selbst beigebracht, er spielt jedes Instrument auf praktisch jedem Track, und er hat sein Debüt nicht nur selbst produziert, sondern auch jeden Song selbst gemischt und die Harmonie in ihren unzähligen Schichten gefunden. Nach dem Erfolg der zwei EPs „Coming Clean“ und „Blush“ ist Brandons Debütalbum bei Secretly Canadian sowohl sehr persönlich als auch klanglich anspruchsvoll. Einige der Songs auf „Before You Go“, die er komplett in seinem Heimstudio geschrieben und aufgenommen hat, brüteten jahrelang vor sich hin, während Brandons Talent und Ressourcen den Visionen in seinem Kopf entsprachen. Eine erste Reise in die Heimat seiner Familie in Trinidad erwies sich ebenfalls als prägend. Dort wurde Brandons Weltanschauung entspannter und friedlicher, und seine Musik folgte ihm. „Ich habe gelernt, mir Zeit zu nehmen“, erklärt er, „das Leben anders zu betrachten und die Menschen nicht mehr nur aus dem Blickwinkel der Transaktion zu sehen“. Das Ergebnis ist eine Sammlung von Songs, die sich nicht davor scheuen, selbstbewusst und zurückhaltend zu sein. Die Leadsingle „Right Back“ verkörpert dies mit einer hellen, minimalen Akustikgitarre unter Brandons warmem, romantischem Gesang. Der Song beginnt als Kreuzung aus Folk und R&B (man denke an den frühen Frank Ocean oder Steve Lacy), aber er öffnet sich zu etwas Größerem - ein nach unten gerichteter, in Dur-Tonarten gehaltener Floater mit wehmütigem Text, einem federleichten, synkopierten Beat und einem unwiderstehlichen, hymnischen Gefühl. Brandon ist bekannt für seine magnetischen Auftritte an der Seite von Omar Apollo und Mac Ayres und seine gefühlvolle Stimme zementiert seinen Platz als einer der fesselndsten neuen Singer-Songwriter, die in den letzten Jahren aufgetaucht sind.

Nach Kollaborationen mit den DIRTY PROJECTORS in der Vergangenheit oder zuletzt als DECISIVE PINK für ihr gefeiertes Gemeinschaftsalbum mit KATE NV im letzten Jahr, stehen die Zeichen für DERADOORIAN jetzt wieder auf solo. Es ist bemerkenswert, dass "Ready For Heaven" von einer einzigen Person gemacht wurde. Das wiederholte Überarbeiten der Songs bis zu ihrer Fertigstellung ist ein mühsamer Prozess, der eine Energie und einen Raum geschaffen hat, in dem DERADOORIAN voll eintauchen konnte. "I love the production more than the songwriting. ... In fact, I don't even feel like a songwriter at times, I feel like someone who is just inspired by so much music. And I want to try it all out! Like Lizzy MercierDescloux, Mingus, or ESG and Silver Apples, or making weird krautrock and industrial music. I love dub, and Sly and Robbie. I love the productions of those records and the collective energies released by their creators in the studio. It's just a weird thing to do it by yourself!" "Ready For Heaven" handelt von der Gegenwart und beschäftigt sich mit der schrecklichen Natur der Welt um uns herum. DERADOORIAN dazu: "This album is partly about watching humanity erode. It's about mental struggle, and it's avowedly anti-capitalist. I mean; would we have all these identity labels we have to live by, if we didn't live in a capitalist world?" "Ready For Heaven" ist DERADOORIANs kühne und offenherzige Antwort auf die Welt, in der wir uns befinden, und die Musikerin nutzt jedes Quäntchen ihrer Reserven an Witz und Wissen, um eine Quelle des Trostes und der Erleichterung für den Hörer zu schaffen. Verpackt wird dies in wissbegierige Popsongs, die mit einer Leichtigkeit und einem scharfen Fokus gesegnet sind, und den Zuhörer in ihren Bann ziehen.

Nach Kollaborationen mit den DIRTY PROJECTORS in der Vergangenheit oder zuletzt als DECISIVE PINK für ihr gefeiertes Gemeinschaftsalbum mit KATE NV im letzten Jahr, stehen die Zeichen für DERADOORIAN jetzt wieder auf solo. Es ist bemerkenswert, dass "Ready For Heaven" von einer einzigen Person gemacht wurde. Das wiederholte Überarbeiten der Songs bis zu ihrer Fertigstellung ist ein mühsamer Prozess, der eine Energie und einen Raum geschaffen hat, in dem DERADOORIAN voll eintauchen konnte. "I love the production more than the songwriting. ... In fact, I don't even feel like a songwriter at times, I feel like someone who is just inspired by so much music. And I want to try it all out! Like Lizzy MercierDescloux, Mingus, or ESG and Silver Apples, or making weird krautrock and industrial music. I love dub, and Sly and Robbie. I love the productions of those records and the collective energies released by their creators in the studio. It's just a weird thing to do it by yourself!" "Ready For Heaven" handelt von der Gegenwart und beschäftigt sich mit der schrecklichen Natur der Welt um uns herum. DERADOORIAN dazu: "This album is partly about watching humanity erode. It's about mental struggle, and it's avowedly anti-capitalist. I mean; would we have all these identity labels we have to live by, if we didn't live in a capitalist world?" "Ready For Heaven" ist DERADOORIANs kühne und offenherzige Antwort auf die Welt, in der wir uns befinden, und die Musikerin nutzt jedes Quäntchen ihrer Reserven an Witz und Wissen, um eine Quelle des Trostes und der Erleichterung für den Hörer zu schaffen. Verpackt wird dies in wissbegierige Popsongs, die mit einer Leichtigkeit und einem scharfen Fokus gesegnet sind, und den Zuhörer in ihren Bann ziehen.

Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

3xLP Boxset mit den remasterten 4AD-Alben Fetisch und Tocsin und den EPs Incubus Succubus II und Qual Es ist ein unwahrscheinlicher Eindruck, den Xmal Deutschland in den frühen Achtzigern nicht nur auf das hiesige, sondern auch auf ihr britisches Publikum gemacht haben. Es war wie gebannt von den unvermittelten Stakkato-Rhythmen, der mysteriösen (also: deutschen) Sprache und der Kraft und Vision der beteiligten Musikerinnen. 40 Jahre später, genauer am 9. Mai 2025, erscheint nun "Gift: The 4AD Years", mit dem das Londoner Label die Jahre 1983/1984 wieder aufleben lässt. Die 3xLP führt das fiebrige "Fetisch", das mächtige "Tocsin" und die korrespondierenden EP-Tracks zu einem Ganzen zusammen, das pulsiert vor Energie und Haltung. Enthalten sind auch die Bandklassiker "Incubus Succubus II" und "Qual". Das Coverartwork mit einer Fotoarbeit von Peter Schulte wurde auf Grundlage von 23 Envelope-Originalarbeiten von Timothy O"Donnell designt. Es kommt begleitend zu den originalen Sleeve-Fotografien von Nigel Grierson. Hinzu kommt ein Fotobuch mit Bildern von Kevin Cummins, Paul Slattery, Sheila Rock und weiteren sowie einem Text von Chris Roberts. "Gift: The 4AD Years" erscheint am 9 Mai digital, auf Doppel-CD sowie als 3xLP auf transparentem, rotem Vinyl sowie exklusiv in Deutschland als Crystal Clear Vinyl.

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Weißes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Rotes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Total Maniac ist von Herzen ein DIY-Projekt. Die ersten Songs entstanden im Laufe der Jahre von 2012 bis 2020, als die ersten Aufnahmen gemacht wurden. Alle Aufnahmen fanden im Beisein von Volker statt, der zwar den Prozess beendete, aber 2 Wochen nach der Aufnahme der letzten Phrasen verstarb.

Der Sound unterscheidet sich von den früheren WARHAMMER-Veröffentlichungen, indem er sich von den starken HELLHAMMER-Einflüssen zu einem eigenen, unverwechselbaren Sound entwickelt, aber dennoch seinen Ursprüngen treu bleibt.

Mit einer Coverversion von CRUDE SS und VELLOCET auf der Bonus-EP wird nicht nur die Sympathie, sondern auch der direkte Einfluss der Punk-Szene unterstrichen.

Total Maniac wurde 2022 ebenfalls in DIY-Manier von den verbliebenen WARHAMMER-Mitgliedern und Frederik Aderholz abgemischt und einem professionellen Mastering durch Obscured by Evil unterzogen.

- Rotes Vinyl, Inside out Druck mit Innenbedruckung, Einleger (offset Papier), schwarze polylined-innenhüllen, 180g vinyl

Kavrila sind zurück - kompromisslos und ungefiltert. "Heretics I", der erste Teil einer neuen EP-Trilogie, entstand spontan und ohne nachträgliche Bearbeitung. Vier Tracks, direkt auf Tascam aufgenommen, roh und ungeschönt, verleiht dieser direkte Sound der EP ihre ungezügelte Intensität. Zudem gibt es in der physischen Version - neben Intro und Outro - als Bonus einen weiteren Track aus den "Mor"-Sessions. Die Band setzt bewusst auf analoge Direktheit und eine rohe, ungeschönte Ästhetik. Während Drums und Bass live eingespielt wurden, fügte Gitarrist Andreas seine Parts später hinzu, ohne den Charakter des Albums zu verwässern. Gemischt und gemastert wurde "Heretics I" von Hauke Albrecht im Studio Altona in Hamburg - ein kompromissloses Statement echter, ungefilterter Intensität.

The Freedom Affair hat von Anfang an tiefe Wurzeln in der Soulmusik geschlagen, aber nach fast einem Jahrzehnt gemeinsamer Arbeit konzentriert sich der Sound der Gruppe auf ihrem selbstbetitelten zweiten Album genau dort, wo Muscle Shoals und Memphis Soul aufeinandertreffen. Es ist eine Meisterleistung an leidenschaftlicher Message-Musik, die zeitlose Themen wie Ungerechtigkeit, Liebe und Zusammengehörigkeit erforscht. Eine schicksalhafte Begegnung mit dem Grammy-prämierten Toningenieur Boo Mitchell (Mark Ronson, Bruno Mars, Al Green) in den Royal Studios im Februar 2023 löste einen Funken aus, der die Band mit neuer musikalischer Überzeugung zurück nach Kansas City schickte. Im November kehrte die Band zurück, um in dem legendären Studio in Memphis völlig neue, vom Southern Soul inspirierte Songs aufzunehmen. Das stets starke weibliche Trio an der Spitze der Band - Paula Saunders, Seyko Groves und Shon Ruffin - ist das Markenzeichen des Sounds und der Identität von The Freedom Affair, und ihr kollektives stimmliches Können ist in vollem Umfang zu hören - von hart bis zart, von Herzschmerz und Hoffnung. Die Erfahrung in den Royal Studios hat die Band davon überzeugt, dass es keinen besseren Raum gibt, um Bläser aufzunehmen. Die ,One-Take"-Bläser von Pete Carroll an der Trompete und Brett Jackson am Saxophon beweisen, dass sich ihre jahrelange Zusammenarbeit mit ihrer Präzision und den perfekt auf die Stimmung abgestimmten Linien ausgezahlt hat. Das Personal der Rhythmusgruppe ist das gleiche wie auf dem Debütalbum "Freedom is Love", aber Chris Hazelton wechselt vom Bass zu seinem Hauptinstrument, der Hammond B3-Orgel, sowie zu verschiedenen Keyboards. Branden Moser tauscht den Bass, der auch sein Hauptinstrument ist, mit seiner früheren Rhythmusgitarre aus. Cole Bales greift an der Leadgitarre weiterhin zu zeitlosen Riffs, und Dave Brick sorgt am Schlagzeug für das Rückgrat mit dem schweren Boom-Bap. Dieses Album hat den Sound von The Freedom Affair zementiert: beständige Melodien mit reichhaltigen Arrangements, unterstützt von einem düsteren Puls. Royal war der perfekte Ort für dieses Album, und die Band nutzte die Geschichte des Studios in vollem Umfang, indem sie Studiogeräte und Relikte während des gesamten Prozesses einbezog. Da die Band nur vier Tage Zeit hatte, um das zehn Songs umfassende Album aufzunehmen, bestand sie darauf, das gleiche Ampex 1"-Bandgerät zu verwenden, mit dem alle Hi-Record-Hits von 1974 und davor aufgenommen wurden, um die Authentizität zu wahren. Es war das erste Mal seit 1974, dass dieses Gerät für ein Album verwendet wurde. Die Einschränkungen und Macken, die sich aus der Verwendung alter, analoger Geräte ergeben, machten Platz für magische Momente, die den Charme des Albums ausmachen. Die Platte erweckt den klassischen Southern Soul zu neuem Leben, mit all der Gemütlichkeit und Wärme, die man erwarten würde, wenn man Al Green oder Ann Peebles Aufnahmen aus dem selben Raum hört. Abgemischt von Vince Chiarito (Hive Mind, Jalen Ngonda, Charles Bradley) und gemastert von JJ Golden (Sharon Jones & the Dap Kings, The James Hunter Six, Antibalas), ist dieses Album eine wahre Lektion in Sachen Soulmusik.

CADAVER, one of Norway's first and most influential death metal bands, has carved a distinctive path through the annals of extreme music. Formed in 1988 in Fredrikstad by Anders Odden (guitar/vocals) and Ole Bjerkebakke (drums/vocals), the band emerged from the ashes of their earlier black metal project, Baphomet. Their vision blended thrash and death metal with progressive influences from bands like Voivod and the chaotic insanity of Napalm Death, forging a sound that defied conventions. In 2024, Anders Odden delved deep into CADAVER 's history, unearthing unreleased material that offers a fascinating glimpse into the band's formative years. Before signing with Earache Records in 1992, CADAVER had worked on what would eventually become their second album, ...In Pains. During this period, they recorded raw and unpolished versions of many tracks in the same studio where Hallucinating Anxiety was born. These early recordings featured working titles that were later changed, and among them was a song titled "Maltreated Mind Makes Man Manic," which was never completed at the time. Anders revisited these hidden gems at Studio Tomb, located in Råde, Norway—the very place where CADAVER was first formed. With the old lineup reunited for this session, they finished the additional recordings necessary to bring their original vision to life. The result is Hymns of Misanthropy, a newly completed album from 1991 that will finally see the light of day through Listenable Records in April 2025. This release showcases CADAVER's unique approach to extreme music and highlights their previously underappreciated influence on the early Norwegian black metal scene. With Hymns of Misanthropy, listeners can experience a raw and powerful chapter of CADAVER's history, demonstrating once again that they were never just a typical death metal band. Instead, they remain an ever-evolving force that consistently pushes the envelope of what extreme music can achieve.

Seit 2011 und mit sieben Alben hat das explosive Trio immer größere Erfolge gefeiert und sich Aufmerksamkeit und Anerkennung bei Rock-Fans und Jazz-Anhänger:innen gleichermaßen erarbeitet. Der Bandname lässt eventuell auf Jazz schließen, nur dass in der Besetzung vom Hedvig Mollestad Trio Klavier, Saxophon oder Trompete nicht auftauchen. Stattdessen: Gitarre, Schlagzeug, (Kontra-) Bass und Songs, die gerne mal die Melvins beschwören (Blood Witch). Jazz ist hier also in erster Linie Rock und keine Kammermusik. Mollestad lässt ihre Gitarre dabei unablässig und vom Overdrive getrieben jaulen, tänzelt die Skalen auf und ab, rifft sich durch die halsbrecherischsten Soli und spielt dennoch geerdet mit dem satten Groove von Schlagzeug und Bass. Nach arbeitsreichenJahren (solo, mit Weejuns, Soundtracks und Auftragsarbeiten) verspürte Mollestad den starken Drang, zum Kern zurückzukehren, der immer das Trio war, mit dem alles 2011 und dem starken Debütalbum Shoot! begann. Die Aufregung war groß, als es ins Studio ging, und da ein Großteil der Musik recht kompliziert ist, mit vielen kleinen Variationen und langen Strukturen, waren die Studio-Sessions extrem fokussiert und konzentriert. Hedvig betont, dass das Hauptziel des Trios darin besteht, immer Spaß zu haben, ob im Studio oder auf der Bühne, und diese Freude mit den Zuhörern zu teilen. Beim Hören von Bees In The Bonnet wird deutlich, wie sehr das Trio es vermisst hat, gemeinsam neue Musik zu machen, und dass sie sowohl als Songschreiber als auch als Musiker sehr gut sind. Frontfrau Hedvig Mollestad präsentiert sich hier nicht nur als Riffmeisterin, sondern auch als Sologitarristin, die den bereits angestellten Vergleichen mit Tony Iommi und Jimmy Page mehr als gerecht wird.

Wie so viele Coming-of-Age-Geschichten mit nachhaltigem Eindruck spielt das neue Album der Brooklyner Band Momma in einem bezaubernden und turbulenten Sommer. "Welcome To My Blue Sky" wurde mit der gesamten Band live im Studio aufgenommen und von Bandkollege Aron Kobayashi Ritch produziert. Mit Hilfe des Drummers Preston Fulks gelangen Momma 12 kraftvolle Songs, die die rohe Dringlichkeit des Rock mit den eindringlichen Melodien und straffen Arrangements des Pop kombinieren – eine Dynamik, die aus ihrem Engagement entstand, das direkteste Ventil für ihren emotionalen Ausdruck zu finden. Jeder Track ist zugleich geteilte Erinnerung, gemeinschaftlicher Erguss und fesselnder Reisebericht voller Selbstbewusstsein und Sensibilität. Das Ergebnis ist ein mutiger Sprung nach vorne für eine der kreativsten, kompromisslosesten und einzigartigsten Stimmen im Indie-Rock.

In nearly a decade, songwriter Sonia Weber’s ability to pen precise lyrics and memorable riffs has become laser-focused. As a result, the songs feel like they’ve been assembled with all the intention and care of a mixtape to a high-stakes crush. Caleb Misclevitz, A.P. Fiedler, and Derek McNeil round out the band, bringing the giant loud guitar rock feeling these songs require. The Portland outfit crafts songs big enough to fill an arena while simultaneously conjuring the emotional intimacy of making out in the bathroom of your favorite karaoke bar. Alien Boy does this by harnessing the raw power of PDX’s Wipers’ but not being afraid to embrace the pop catchiness of rock titans like Oasis or Third Eye Blind, all while crafting a tone and power distinctly their own. Whether listened to in your headphones in bed or witnessed live in person, Alien Boy leaves an emotional crater that’ll keep you coming back for more (Gem Fair)

A forgotten tale, long buried beneath the snows of time, is about to be retold. “Midvintersagor” (‘Midwinter Sagas’) is the first music ever composed by Örnatorpet, a landmark in both personal and artistic discovery. Originally self-released in a small cassette run, this unaltered reissue allows listeners to experience the album exactly as it was conceived – pure, unrefined, and brimming with the wonder of creation.

At its core, “Midvintersagor” is a soundtrack to an unwritten legend. Each track weaves a narrative steeped in medieval fantasy, channelling the essence of forgotten folklore and the grandeur of winter’s stillness. Inspired by the interludes and atmospheric passages of 90s black metal, Örnatorpet sought to craft an instrumental world as evocative as the landscapes of his native Sweden.

Since its inception in 2018, Örnatorpet has become one of the foremost torchbearers of dungeon synth. With no formal musical training, he followed only instinct and inspiration, carving out a path that has since led him to the forefront of the genre. “Midvintersagor” is where that journey began – an unpolished gem gleaming with the spirit of discovery, now unearthed for a new audience to behold.

Die beliebte New Yorker Rockband Sunflower Bean meldet sich neu belebt mit ihrem vierten Album zurück. In Eigenregie produziert, von Caesar Edmunds (The Killers, Wet Leg) gemischt und von Sarah Tudzin (Illuminati Hotties, Boygenius) engineert, liess sich die Band von Alternative Rock, verträumter Psychedelia und Arena-Ehrgeiz inspirieren, um mit "Mortal Primetime" das härteste und verletzlichste Album ihrer Karriere zu liefern. Die Songs sind ungeschminkt und offen, Dissonanz und Unsicherheit werden akzeptiert. Sunflower Beans breite Palette von Einflüssen würden die meisten Bands nicht wagen, in einem Satz zusammenzufassen, und diese Kühnheit hat sie undefinierbar gemacht. Der Power-Pop-Opener "Champagne Taste" kanalisiert Iggy Pops "The Idiot"-Phase, "Look What You've Done To Me" beschwört den beunruhigenden Wahnsinn und die Launenhaftigkeit von Kate Bush, und die hochfliegenden Powercords auf "Nothing Romantic" erinnern an Arena-taugliche 70/80er Hits von Heart, Pat Benatar und Joan Jett. "Manchmal denke ich, diese Platte ist wie eine Mischung aus Belle And Sebastian und Alice In Chains", sagt Frontfrau Julia Cumming.

Die 1997 gegründeten Hard Oi!/Streetpunker Non Servium aus Madrid präsentieren eine komplett remasterte Best-Of in Form der neuen Vinyl-Compilation "Street Songs Since 1997", veröffentlicht auf Loikaemiess Fettfleck Records. Die aktuelle Besetzung der Band besteht aus Sänger Carlos und Gitarrist Snoker plus Ivi Bass, Gordo Gitarre und Niño Drums, wobei Carlos und Snoker während der gesamten Bandkarriere und auf allen Alben die Kernmitglieder waren. Der Sound von Non Servium ist Oi! oder "Brutal Oi!" mit Einflüssen aus Punk, Street Punk und deutlich Hardcore Punk. Ihre schnellen Schlagzeugrhythmen und starken Bass- und Gitarrenlinien sind ein charakteristisches Merkmal. Ihre Texte sind meist politisch verortet, obwohl auch Songs über Punk-, Skinhead- und Hooligan-Kultur dabei sind. Sie sind neben Bands wie Kaos Urbano und Núcleo Terco die größten Spanisch-singenden Vertreter von Oi! mit einem explizit antifaschistischen/antirassischtischen Haltung. Die Band hat bisher sieben richtige Studioalben veröffentlicht, wobei ein leichter Stilunterschied zwischen dem Debütalbum und den nachfolgenden Alben festzustellen ist, die sich durch einen kraftvolleren, dem Hardcore näheren Sound auszeichnen. Vor vier Jahren wurde eine ,Greatest Hits" auf CD veröffentlicht, aber diese neue Zusammenstellung ist nur auf Vinyl erhältlich, hat eine andere Tracklist und alle Titel wurden neu gemastert. LP klassisch schwarz!

Amerikan Kaos ist der Gitarrenvirtuose Jeff Waters (am besten bekannt von Annihilator). Jeff Waters hat insgesamt +1 Million Follower auf sozialen Medien. Amerikan Kaos ist einer der Hauptdarsteller im Handyspiel Rock Kommander. Das Album 'All That Jive' wurde bei Sterling Sound in Nashville von Ted Jensen gemastert.

Amerikan Kaos ist der Gitarrenvirtuose Jeff Waters (am besten bekannt von Annihilator). Jeff Waters hat insgesamt +1 Million Follower auf sozialen Medien. Amerikan Kaos ist einer der Hauptdarsteller im Handyspiel Rock Kommander. Das Album 'All That Jive' wurde bei Sterling Sound in Nashville von Ted Jensen gemastert.

VERVE ACOUSTIC SOUNDS SERIE: Stereo, komplett analog von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den Originalbändern gemastert, QPR-Pressung (180 g), stabiles Tip-On-Gatefold (Stoughton Printing), wattierte Innenhülle.

“Ben Webster & Associates” war 1959 das dritte und letzte Projekt, für das der Produzent Norman Granz die beiden Tenorsax-Ikonen Ben Webster und Coleman Hawkins im Studio zusammenbrachte. Als dritter Tenorist gesellte sich bei dem entspannt swingenden Austauch noch Budd Johnson hinzu, von dem Ben Webster in seiner Jugend in Kansas City seine ersten Saxofonstunden erhalten hatte.