Search:git

OLD FIRE - das Projekt des in Abilene, Texas, ansässigen Komponisten und Produzenten John Mark Lapham - kündigt sein zweites Album "Voids" für den Herbst an. Für das Album, das größtenteils aus Kollaborationen besteht, hat Lapham eine beeindruckende Liste von Sängern und Sängerinnen rekrutiert. Neben Gastauftritten von Julia Holter, Adam Torres und Emily Cross ist auch die lebende Songwriter-Legende Bill Callahan auf drei Songs zu hören. Einer davon ist die ergreifende, düstere Lead-Single "Don't You Go ft. Bill Callahan". Es handelt sich hierbei um eine Coverversion des britischen Singer/Songwriters John Martyn, bei der auch Thomas Bartlett alias Doveman am Klavier, Semay Wu am Cello und Robin Allender an den Tasten/Gitarren zu hören sind. Ein wunderbares Stück, über das Stereogum treffend schreibt: "If you've ever wondered what Bill Callahan singing a Radiohead dirge might sound like, it would probably sound a lot like this."

1961 schenkte Rolf Zuckowskis Vater ihm eine Gitarre. Als Mitglied der Schulband „The beAthovens“ des
Albrecht-Thaer-Gymnasiums in Hamburg, das er besuchte, war Rolf Sänger und Gitarrist; dort sammelte er
1964 erste Erfahrungen in der Musik. Das einzige Album der Band, „Happy to be happy“, mit ersten von
Rolf geschriebenen Songs im damals typischen Beat-Sound, bedeutete 1967 den Anfang seiner Musikerkarriere. Anlässlich Rolf Zuckowskis diesjährigem 75. Geburtstag wird diese Rarität nach 55 Jahren erstmals
wieder auf Vinyl veröffentlicht! Titel wie das von Rolf ganz im Stile der frühen Beatles geschriebene und
gesungene ”Little Darling” oder das seinerzeit besonders beim weiblichen Publikum beliebte „Paradise“
sind eine tolle Entdeckung nicht nur für Oldie-Fans!

Es sah aus wie beim ersten Mal und doch war nichts wie damals: 10 Jahre ist es bereits her, seit sich Die Fantastischen
Vier mit ihrem MTV Unpluƽed 2 (der Unpluƽed-Erstling ist
sage und schreibe 22 Jahre alt) mühelos selbst getoppt und
in der Balver Höhle einen Rebound hingelegt haben, der sich
gewaschen hatte. Die Fortsetzung, die ohne Umwege auf die
#1 der Album-Charts schoss, beeindruckte Kritiker, Fans und
Presse mit enormer musikalischer Bandbreite und erstaunlicher Instrumentenvielfalt. 24 Musiker ergänzten die ohnehin
schon gut eingespielte Kern-Band der Fantastischen Vier.
Der Jump-Around-Smasher „Populär“ zum Beispiel wird zur
kubanischen Salsa, die Bandhymne „Was wollen wir noch
mehr“ eröffnet mit furiosem Flamenco-Solo und das gitarrenlastige „Ernten was wir säen“ ersteht als Classic-RockKammermusik-Fusion wieder auf. Beim 140bpm-Rap „Smudo
in Zukunft“ wird der bandeigene Gospelchor vom gesamten
Höhlenpublikum in Robe unterstützt und das bei den Fantas
ohnehin schon extensive Unterhaltungsspektrum auch wieder humorvoll und kompetent ausgebaut. Das Meisterwerk
feiert im Oktober diesen Jahres sein 10-jähriges Jubiläum. Zu
diesem Anlass wird das MTV Unpluƽed 2 in einer neuen,
spektakulären 3D Dolby Atmos Sound-Mischung exklusiv bei
Apple Music und auf Blu-ray erscheinen. Vinyl-Liebhaber
kommen mit dem Jubiläums-Box-Set auf maximalen Hörgenuss, denn außer der Deluxe Doppel-CD mit 28-seitigem
Booklet und Blu-ray mit Dolby Atmos enthält die Box auch
eine ganz besondere, unveröffentlichte, analoge AAA-Aufnahme: eben der Digital-Produktion wurde das MTV Unpluƽed 2 damals separat live auf zwei Studer 2-Zoll AnalogBandmaschinen komplett analog aufgenommen. Dieser analoge Schatz wurde nun knapp 10 Jahre später aus den Archiven gehoben und schließlich analog gemischt und analog
gemastert. So wurde die analoge Kette nicht unterbrochen
und die aufwändigen Orchester-Arrangements in wunderbar
analoger Aufnahmequalität auf Platte gepresst. Die Jubilä-
ums-Neuaufl age übererfüllt also digital wie analog was die
legendäre MTV Unpluƽed-Reihe verspricht: Ein Sound-Erlebnis in allen Dimensionen.

"Soul Mining" wurde ursprünglich 1983 veröffentlicht und ist das erste Major-Label-Album der Post-Punk-Band The The, die von Matt Johnson angeführt wird. Dieses legendäre Album ist seit langem auf Vinyl vergriffen, mit Ausnahme eines limitierten Boxsets zum 30-jährigen Jubiläum, das 2014 veröffentlicht wurde. Mit einer Reihe von talentierten Musikern hatte Johnson bei der Produktion von "Soul Mining" eine klare Vision - er wollte ein Album produzieren, das sich wie ein Film anfühlt; ein Album mit Breite, Tiefe und Textur, das die alltägliche Besetzung mit zwei Gitarren, Bass und Schlagzeug vermeidet. Die neue Vinyl-Neuauflage wird am 28. Oktober 2022 international veröffentlicht, wobei das Remaster von 2014 verwendet wird und Singles wie "Uncertain Smile", "Perfect" und "This Is The Day" enthalten sind. Réédition vinyle du premeir album du groupe anglais (en fait un seul homme Matt Johnson) sorti en 1983. Avec le titre emblématique This is the Day.

Dieses ausgegrabene Matthew Dear Album wurde ursprünglich nach seinem gefeierten Album Asa Breed (2007) aufgenommen. Für Fans von Beck, Bill Callahan/Smog, Bibio. In erster Linie kennt man den gefragten texanischen DJ und Elektronikproduzenten Matthew Dear seit über zwanzig Jahren als Grenzgänger der Clubmusik, der nur im erweiterten Sinne als Popmusiker aktiv ist. Auf seinem 'neuen' Studioalbum überrascht der US-Musiker jetzt mit ungewöhnlichen Klängen. "Preacher's Sigh & Potion: Lost Album" wurde vor zehn Jahren aufgenommen, aber das Material nie veröffentlicht. Inspiriert vom Gitarrenspiel seines verstorbenen Vaters und klassischen Country-Folk-Favoriten wie Emmylou Harris, wendete Dear an, was er über Techno-Arrangements wusste, um einen organischen, loop-zentrierten Sound zu erforschen, der bluesig, persönlich und verspielt ist und die Geschichte von Pop und Rock, den Twang von Country, den Aufbau und das Loslassen von Techno durcheinander wirbelt.

LTD Edition!

Anna Calvi hat den kompletten Soundtrack für die 6 Staffeln von BBC One's Peaky Blinders geschrieben und eingespielt, einer der größten TV-Momente der letzten Jahre für das Königreich. Auch hierzulande hat die Serie viele Fans. Am 6.5.2022 kündigte Anna Calvi nun ihre neue EP ‚Tommy‘ an, auf der vier neue Songs sind, eine Coverversion von "Red Right Hand" - dem Peaky Blinders-Titelsong von Nick Cave & The Bad Seeds, eine Coverversion von Bob Dylans "All The Tired Horses" und zwei eigens für die Serie geschriebene Songs, "Ain't No Grave" und "Burning Down". "Ain't No Grave" wurde zum ersten Mal in der 5. Staffel von Peaky Blinders gespielt, ist aber der musikalische Dreh- und Angelpunkt der 6. Staffel, der in allen sechs Episoden auftaucht und mit seiner schwungvollen Präsenz das Drama auf dem Bildschirm unterstreicht. Kurz nachdem Calvi mit der Arbeit an der Musik zu Staffel 6 begonnen hatte, wurde sie mit ihrem ersten Kind schwanger. Aufgrund der anhaltenden Pandemie musste sie jedoch einen neuen Weg finden, um mit anderen Musikern unter strengen Auflagen in London aufzunehmen. Außerdem beschlß sie, ihren langjährigen Kollaborator Nick Launay, der ihr drittes Studioalbum ‚Hunter' sowie von Alben von Nick Cave and the Bad Seeds, Yeah Yeah Yeahs, Grinderman und IDLES produziert hatte, ins Boot zu holen. Anna arbeitete bis zur Nacht vor der Geburt ihres Sohnes Elio im November 2021 an die Komposition und machte sich auch danach schnell wieder an die Arbeit, um den Soundtrack fertigzustellen. Als die erste Folge der Staffel ausgestrahlt wurde, war sie noch in den ersten Zügen ihrer Mutterschaft und musste sich in ihr neues Leben erst hineinfinden. Die Fertigstellung der Filmmusik ist ein enormer Erfolg für Anna und zeigt, dass sie als Komponistin und Künstlerin immer noch dabei ist, ihr ganzes Können zu entfalten und zu zeigen.
Über den Prozess sagt Calvi: "Ich lebe nun schon seit Jahren in der Rolle des Tommy Shelby, nachdem ich die fünfte und letzte Staffel von Peaky Blinders vertont habe. Die einzige Möglichkeit, für diese Serie zu schreiben, besteht darin, sich in seinen Kopf hineinzuversetzen - ich habe monatelang jede Nacht von ihm geträumt, und wenn ich meine Gitarre in die Hand nehme, versuche ich, seine inneren Gedanken nachzuspielen. Meine Gitarre ist seine Wut und meine Stimme ist seine Hoffnung. Ich hatte immer das Gefühl, dass er einen Song haben sollte, der ihn auf den Punkt bringt - er ist der ultimative Antiheld - mörderisch, kalt, furchteinflößend, und doch hat er eine tiefe Liebe zu seiner Familie und eine naive, kindliche Hoffnung, dass er sich eines Tages über all das erheben wird. Ich wollte glauben, dass "Aint No Grave" der Song ist, der in seinem Kopf herumschwirrt, während er in Zeitlupe durch sein Leben geht. Ich glaube, Tommy wird für immer ein Teil von mir sein!"

Der Schöpfer von Peaky Blinders, Steven Knight, fügt hinzu: "Eine neue Anna Calvi-Single ist immer ein Grund zum Feiern, und ich möchte mich in die Liste derer einreihen, die sie loben. Ich möchte Anna auch für die ganze Arbeit danken, die sie für den Soundtrack der sechsten Staffel von Peaky Blinders geleistet hat.“

Blue Vinyl

Das GRAMMY-nominierte Trio PVA veröffentlicht ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum, „BLUSH“ Mitte Oktober auf Ninja Tune. Das Album der Südlondoner Band, das kurz nach ihrer 2020 beim Ninja Tune-Sublabel Big Dada (u.a. Yaya Bey, Young Fathers oder Diplo) veröffentlichten EP, „Toner“, erscheint, verbindet den Pulsschlag elektronischer Musik mit der rohen Energie eines lebensbejahenden Konzerts und offenbart mehr über das Trio, als sie bisher je preisgegeben haben. Die elf mitreißenden Tracks der Gruppe, bestehend aus Ella Harris und Josh Baxter (die sich Leadgesang sowie Synthesizer-, Gitarren- und Produktionsarbeit teilen) sowie Schlagzeuger und Perkussionist Louis Satchell, basieren auf einer Formel aus Acid, Disco, knallenden Synthesizern, der Befreiung des Dancefloors und kathartischem Spoken Word-Post-Punk.

PVA begann, als Harris und Baxter 2018 begannen, gemeinsam etwas zu machen, das sie als „Country-Friend-Techno“ bezeichneten. Ihre erste Show, eine Nacht namens „Narcissistic Exhibitionism“ im The Five Bells Pub in New Cross, fand nur zwei Wochen nach ihrem Kennenlernen statt. Der Abend wurde von Harris kuratiert und bot im Obergeschoss Malerei, Bildhauerei und Fotografie, während im Erdgeschoss Bands auftraten. Sie buchte PVA als Headliner. Einer ihrer ersten Songs, „Divine Intervention“, entstand, als Harris ihrer neuen Bandkollegin ihre Träume diktierte. Auf ihrem Debütalbum nehmen PVA die gleiche Energie aus der Live-Szene mit, während sie gleichzeitig eine ganzheitliche Welt voller Textur und Herz aufbauen. „BLUSH“ ist reich an schwergewichtigen Industrial-Beats, zerklüftetem Punk-Spirit und Momenten stiller Kontemplation durch Harris' poetische Lyrics. Das Album rennt unermüdlich vorwärts und verbindet Einflüsse wie Portishead, PC Music, Laurie Anderson und das kultige Rave-Pop-Duo The Pom-Poms mit Leichtigkeit. „BLUSH“ wurde während der verschiedenen Lockdowns geschrieben, eine Leidenszeit für eine Band, die es eigentlich gewohnt ist, die Grenzen ihres Sounds live auf der Bühne auszuloten. Diese Einschränkungen machten PVA aber nicht zu schaffen. Wenn überhaupt, fühlten sie sich durch die erzwungene Distanz in ihrem Songwriting gestärkt. Harris schrieb Gedichte und lernte, Musik zu produzieren, Baxter arbeitete mit anderen Künstler*innen als Produzent, und Satchell setzte sein Musikstudium an der City University fort und studierte unter anderem alte afrikanische Polyrhythmen.

Die ehemaligen ACCEPT-Mitglieder Herman Frank & David Reece feat. VICTORY-Mitglieder Malte Burkert, Mike Pesin und der ehemalige U.D.O.-Schlagzeuger Francesco Jovino präsentieren ihre neue Heavy Metal-Band IRON ALLIES. Vor allem Herman Frank und David Reece sind die klassische Kombination aus erstklassigen Gitarristen, Texter und Sänger. Eine Kombination, die schon mehr als einmal für Aufsehen in der Musikgeschichte gesorgt hat. Ihr Debütalbum 'Blood In Blood Out' wird am 21. Oktober veröffentlicht. Herman Frank kommentiert: "Diese Platte ist mit nichts zu vergleichen, was David oder ich in unserer Vergangenheit produziert haben. Es steht gleichzeitig für sich selbst und klingt, als käme es aus einem Guss. Man könnte sagen: Wir beide haben uns gesucht und gefunden!"

Die ehemaligen ACCEPT-Mitglieder Herman Frank & David Reece feat. VICTORY-Mitglieder Malte Burkert, Mike Pesin und der ehemalige U.D.O.-Schlagzeuger Francesco Jovino präsentieren ihre neue Heavy Metal-Band IRON ALLIES. Vor allem Herman Frank und David Reece sind die klassische Kombination aus erstklassigen Gitarristen, Texter und Sänger. Eine Kombination, die schon mehr als einmal für Aufsehen in der Musikgeschichte gesorgt hat. Ihr Debütalbum 'Blood In Blood Out' wird am 21. Oktober veröffentlicht. Herman Frank kommentiert: "Diese Platte ist mit nichts zu vergleichen, was David oder ich in unserer Vergangenheit produziert haben. Es steht gleichzeitig für sich selbst und klingt, als käme es aus einem Guss. Man könnte sagen: Wir beide haben uns gesucht und gefunden!"

GOSPELHEIM haben mit "Ritual & Repetition" eine ebenso wunderbare wie wunderliches Wesen erschaffen: Seine glitzernde Haut ist aus eingängigen Dark Rock Melodien gemacht, seine Knochen aus massivem Gothic Metal geschnitzt. Seine gespaltene Zunge singt sowohl mit weiblicher Schönheit als auch mit klarer männlicher Härte. In seinen feurigen Augen spiegelt sich eine tiefe Melancholie, doch seine scharfen Zähne beißen ohne jede Reue zu. Diese junge britische Band legt auf ihrem Debütalbum ein erstaunlich ausgereiftes Songwriting vor, das scheinbar mühelos eine Fülle diverser Einflüsse vereint und mit seiner stilistischen Spannweite beeindruckt. Neben dem offensichtlichen Dark Rock und Gothic Metal fügen GOSPELHEIM eine Vielzahl an Klangaromen hinzu, die sogar Blues Rock und eine gesangliche Prise Rush aufbieten. Diese und andere würzige Zutaten kitzeln den musikalischen Gaumen und schmeicheln den Ohren. Gitarrist und Sänger Ricardo hat GOSPELHEIM zusammen mit Bassistin und Sängerin Coco in Manchester während der dunklen Tage des Jahres 2020 gegründet, als die Welt zum Stillstand kam. Das Duo ließ sich von der Lage der Menschlichkeit, Moral und existenzieller Konzepte wie Gut und Böse inspirieren, sowie von Horrorfilmen der Stummfilmzeit. Anfang November 2020 nahmen GOSPELHEIM im No Studio in Manchester ihr Debütalbum "Ritual & Repetition" mit Joe "Doctor" Clayton auf. Das Line-up der Band wurde später durch den zweiten Gitarristen Jordan und Rob am Schlagzeug komplettiert. Mit einer so beeindruckenden Visitenkarte wie "Ritual & Repetition" hinterlassen GOSPELHEIM einen bleibenden Eindruck bei ihren Hörern. Für alle, die sehnsüchtig auf ein Dark Rock Debüt gehofft haben, das es mit dem glorreichen Erstling von BEASTMILK aufnehmen kann, ist dies ein Album, das sich mit Nachdruck für eine Hörprobe empfiehlt.

GOSPELHEIM haben mit "Ritual & Repetition" eine ebenso wunderbare wie wunderliches Wesen erschaffen: Seine glitzernde Haut ist aus eingängigen Dark Rock Melodien gemacht, seine Knochen aus massivem Gothic Metal geschnitzt. Seine gespaltene Zunge singt sowohl mit weiblicher Schönheit als auch mit klarer männlicher Härte. In seinen feurigen Augen spiegelt sich eine tiefe Melancholie, doch seine scharfen Zähne beißen ohne jede Reue zu. Diese junge britische Band legt auf ihrem Debütalbum ein erstaunlich ausgereiftes Songwriting vor, das scheinbar mühelos eine Fülle diverser Einflüsse vereint und mit seiner stilistischen Spannweite beeindruckt. Neben dem offensichtlichen Dark Rock und Gothic Metal fügen GOSPELHEIM eine Vielzahl an Klangaromen hinzu, die sogar Blues Rock und eine gesangliche Prise Rush aufbieten. Diese und andere würzige Zutaten kitzeln den musikalischen Gaumen und schmeicheln den Ohren. Gitarrist und Sänger Ricardo hat GOSPELHEIM zusammen mit Bassistin und Sängerin Coco in Manchester während der dunklen Tage des Jahres 2020 gegründet, als die Welt zum Stillstand kam. Das Duo ließ sich von der Lage der Menschlichkeit, Moral und existenzieller Konzepte wie Gut und Böse inspirieren, sowie von Horrorfilmen der Stummfilmzeit. Anfang November 2020 nahmen GOSPELHEIM im No Studio in Manchester ihr Debütalbum "Ritual & Repetition" mit Joe "Doctor" Clayton auf. Das Line-up der Band wurde später durch den zweiten Gitarristen Jordan und Rob am Schlagzeug komplettiert. Mit einer so beeindruckenden Visitenkarte wie "Ritual & Repetition" hinterlassen GOSPELHEIM einen bleibenden Eindruck bei ihren Hörern. Für alle, die sehnsüchtig auf ein Dark Rock Debüt gehofft haben, das es mit dem glorreichen Erstling von BEASTMILK aufnehmen kann, ist dies ein Album, das sich mit Nachdruck für eine Hörprobe empfiehlt.

RUBY THE HATCHET liefern mit "Fear Is a Cruel Master" genau das siedend heiße, eingängige und doch voller roher Energie steckende Killer-Album ab, das sein gefeierter Vorgänger "Planetary Space Child" (2017) versprochen hatte. Fünf lange Jahre hat sich die amerikanische Psych Rock Truppe aus New Jersey nach der Veröffentlichung ihrer letzten Scheibe Zeit gelassen, aber das sehnsüchtige Warten hat endlich ein Ende. RUBY THE HATCHET haben in ihrem kollektiven Songwriting einen neuen Gipfel erklommen. Dies hat sich die Ausnahmetruppe durch zahlreiche Opfer sowie einen eisernen Willen, sich erneut zu steigern, hart erkämpft. Der Albumtitel "Fear Is a Cruel Master" spiegelt die Stimmung der Zeit, in der die neuen Songs geschrieben wurden, perfekt wider. Sängerin Jill Taylor, Gitarrist Johnny Scarps, Schlagzeuger Owen Stewart, Bassist Lake Muir und Organist Sean Hur hatten sich längst daran gewöhnt, als Gruppe zusammenzuarbeiten. Doch während der Arbeit am neuen Album konnten sie nur wenig Zeit miteinander verbringen. "Ich habe während der Pandemie viel gelesen und bin dabei auf den Satz 'Angst ist ein grausamer Meister' "Fear Is a Cruel Master" gestoßen", erklärt Taylor. "In dieser Zeit wurde die Angst sichtbar und wie sie die Menschen zurückhielt. Der Titel hat einen Bezug zur Musikbranche, denn alle waren verunsichert - von den Bands über die Booking-Agenten bis hin zu den Clubs. Angst lag in der Luft". "Fear Is a Cruel Master" wurde zusammen mit Paul Ritchie (THE PARLOR MOB) im New Future in New Jersey aufgenommen und war nicht so akribisch durchgeplant wie RUBYs vorherige Alben. Die Band ließ bewusst mehr Spielraum für Spontaneität und magische Momente. Das Hauptthema von "Fear Is a Cruel Master" ist letztlich die Selbstreflexion. Obwohl die neuen Songs im Schmelztiegel einer weltumspannenden Pestilenz geschmiedet wurden, besitzen sie doch eine Zeitlosigkeit, die weit über den Moment ihrer Entstehung hinausreicht. Alles, was RUBY THE HATCHET zu einem so herausragenden und selbst bei ihren Kollegen äußersten beliebten Act macht, findet sich auf diesem Album - von Jills üppigem Gesang voll rauchigem Honig, über die psychedelischen, aber dennoch knackigen Gitarren, bis hin zum Spirit der Rock'n'Roll-Orgelhelden. "Fear Is a Cruel Master" ist definitiv ein Album, das von einer Band geschrieben wurde, die nach einem Jahrzehnt ohne Bedauern auf all die Momente zurückblickt, die sie gelebt oder nicht durchlebt hat. "Fear Is a Cruel Master" ist sowohl Ergebnis als auch Zeugnis dieser Reise. Es ist Zeit, sich auf den Weg zu machen, um RUBY THE HATCHET in ihrem ebenso beeindruckenden wie mächtigen klanglichen Kielwasser zu folgen.

Das siebte Studioalbum der ehrwürdigen Rock-Institution Titus Andronicus wurde produziert von Titus Andronicus Singer-Songwriter Patrick Stickles und dem preisgekrönten kanadischen Produzenten Howard Bilerman (ARCADE FIRE, LEONARD COHEN, THE WHOLE NINE YARDS) in dessen hotel2tango Aufnahmestudio in Montreal. Mit "The Will To Live" laden Titus Andronicus den Hörer auf eine Reise von der Angst zum Glauben, von der Wut zur Akzeptanz, von der Trauer zur Dankbarkeit ein, immer auf der Suche nach dem mythischen Ideal des ultimativen Rock. In Anlehnung an maximalistische Rock-Epen von "Who's Next" bis "Hysteria" hat die Band ihr bisher reichhaltigstes, dichtestes und härtestes Album geschaffen, das die Weite und den Umfang ihres meist gefeierten Werks erreicht und gleichzeitig ihren ehrgeizigen Angriff effektiver als je zuvor gestaltet. "It may strike some as ironic we had to go to Canada to record our equivalent to "Born In The USA," sagt Stickles, "but the pursuit of Ultimate Rock knows no borders." Titus Andronicus kehrten im November 2021 auf die Bühne zurück, um den Jahrestag ihres bahnbrechenden zweiten Albums "The Monitor" von 2010 zu feiern. Die Tatsache, dass sie dieses Material vor einem ekstatischen Publikum spielten, ließ Stickles entschlossen zurück, ein Album abzuliefern, das dieselben Höhen erreichen würde, wobei sie sich diesmal weniger auf das unbekümmerte Feuer der Jugend verließen, sondern mehr auf die Erfahrung und die Perspektive, zu der eine Band erst mit tausend Shows im Gepäck gelangt. Um diesen Grad an Konzentration und Klarheit zu erreichen, musste Stickles an der Schnittstelle zwischen Triumph und Tragödie stehen. Er schreibt seine neu gefundene häusliche Glückseligkeit und seine unerschütterliche mentale Gesundheit für seine persönliche Stabilität in letzter Zeit ebenso zu wie die Ausdauer der mittlerweile am längsten bestehenden Besetzung von Titus Andronicus - Liam Betson an der Gitarre, R.J. Gordon am Bass und Chris Wilson am Schlagzeug - die alle auf dem 2018er Album "A Productive Cough" und dem 2019er Album "An Obelisk" vertreten sind. Auf der grausameren Seite der Medaille entstand "The Will To Live" zum großen Teil als Versuch, den vorzeitigen Tod von Matt "Money" Miller, dem Gründungs-Keyboarder der Band und Stickles' engstem Cousin, im Jahr 2021 zu verarbeiten. Das Ergebnis erweist sich als Meilenstein für Titus Andronicus, ein ehrgeiziges, nach vorne gerichtetes Werk, das an der Schnittstelle von Triumph und Tragödie steht, angetrieben von neu gefundenem Fokus und Klarheit, und das eine einzigartig begabte Rock'n'Roll-Band auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kräfte zeigt.

Das siebte Studioalbum der ehrwürdigen Rock-Institution Titus Andronicus wurde produziert von Titus Andronicus Singer-Songwriter Patrick Stickles und dem preisgekrönten kanadischen Produzenten Howard Bilerman (ARCADE FIRE, LEONARD COHEN, THE WHOLE NINE YARDS) in dessen hotel2tango Aufnahmestudio in Montreal. Mit "The Will To Live" laden Titus Andronicus den Hörer auf eine Reise von der Angst zum Glauben, von der Wut zur Akzeptanz, von der Trauer zur Dankbarkeit ein, immer auf der Suche nach dem mythischen Ideal des ultimativen Rock. In Anlehnung an maximalistische Rock-Epen von "Who's Next" bis "Hysteria" hat die Band ihr bisher reichhaltigstes, dichtestes und härtestes Album geschaffen, das die Weite und den Umfang ihres meist gefeierten Werks erreicht und gleichzeitig ihren ehrgeizigen Angriff effektiver als je zuvor gestaltet. "It may strike some as ironic we had to go to Canada to record our equivalent to "Born In The USA," sagt Stickles, "but the pursuit of Ultimate Rock knows no borders." Titus Andronicus kehrten im November 2021 auf die Bühne zurück, um den Jahrestag ihres bahnbrechenden zweiten Albums "The Monitor" von 2010 zu feiern. Die Tatsache, dass sie dieses Material vor einem ekstatischen Publikum spielten, ließ Stickles entschlossen zurück, ein Album abzuliefern, das dieselben Höhen erreichen würde, wobei sie sich diesmal weniger auf das unbekümmerte Feuer der Jugend verließen, sondern mehr auf die Erfahrung und die Perspektive, zu der eine Band erst mit tausend Shows im Gepäck gelangt. Um diesen Grad an Konzentration und Klarheit zu erreichen, musste Stickles an der Schnittstelle zwischen Triumph und Tragödie stehen. Er schreibt seine neu gefundene häusliche Glückseligkeit und seine unerschütterliche mentale Gesundheit für seine persönliche Stabilität in letzter Zeit ebenso zu wie die Ausdauer der mittlerweile am längsten bestehenden Besetzung von Titus Andronicus - Liam Betson an der Gitarre, R.J. Gordon am Bass und Chris Wilson am Schlagzeug - die alle auf dem 2018er Album "A Productive Cough" und dem 2019er Album "An Obelisk" vertreten sind. Auf der grausameren Seite der Medaille entstand "The Will To Live" zum großen Teil als Versuch, den vorzeitigen Tod von Matt "Money" Miller, dem Gründungs-Keyboarder der Band und Stickles' engstem Cousin, im Jahr 2021 zu verarbeiten. Das Ergebnis erweist sich als Meilenstein für Titus Andronicus, ein ehrgeiziges, nach vorne gerichtetes Werk, das an der Schnittstelle von Triumph und Tragödie steht, angetrieben von neu gefundenem Fokus und Klarheit, und das eine einzigartig begabte Rock'n'Roll-Band auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kräfte zeigt.

Die Female Fronted Swedish Doom Metal Band AVATARIUM wurde 2013 gegründet und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem großen Namen in der Szene. Die Beweise liefern Charterfolge wie Platz 36 in Deutschland und Platz 29 in der Schweiz. Mit den talentierten Musikern von Edling (Bass), Marcus Jidell (Gitarre), Lars Sköld (Schlagzeug), Carl Westholm (Keyboard) und Jennie-Ann Smith (Gesang) sowie nach mehr als 3 Millionen Streams gesammelten Streams, veröffentlichen sie am 21. Oktober 2022 ihr schweres und düsteres Album "Death, Where Is Your Sting". Mit diesem Album beweisen AVATARIUM einmal mehr, dass sie Doom Metal mit klassischem und hartem Rock der 1970er Jahre so perfekt verbinden wie keine andere Band zuvor.
Ltd. 500 Einheiten, aufwändige UV-Spot-Lackierung, inkl. A2-Poster

Die Female Fronted Swedish Doom Metal Band AVATARIUM wurde 2013 gegründet und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem großen Namen in der Szene. Die Beweise liefern Charterfolge wie Platz 36 in Deutschland und Platz 29 in der Schweiz. Mit den talentierten Musikern von Edling (Bass), Marcus Jidell (Gitarre), Lars Sköld (Schlagzeug), Carl Westholm (Keyboard) und Jennie-Ann Smith (Gesang) sowie nach mehr als 3 Millionen Streams gesammelten Streams, veröffentlichen sie am 21. Oktober 2022 ihr schweres und düsteres Album "Death, Where Is Your Sting". Mit diesem Album beweisen AVATARIUM einmal mehr, dass sie Doom Metal mit klassischem und hartem Rock der 1970er Jahre so perfekt verbinden wie keine andere Band zuvor.
Ltd. Red/ Black marbl
Ltd. 500 Einheiten, aufwändige UV-Spot-Lackierung, inkl. A2-Poster

Die Female Fronted Swedish Doom Metal Band AVATARIUM wurde 2013 gegründet und entwickelte sich im Laufe der Zeit zu einem großen Namen in der Szene. Die Beweise liefern Charterfolge wie Platz 36 in Deutschland und Platz 29 in der Schweiz. Mit den talentierten Musikern von Edling (Bass), Marcus Jidell (Gitarre), Lars Sköld (Schlagzeug), Carl Westholm (Keyboard) und Jennie-Ann Smith (Gesang) sowie nach mehr als 3 Millionen Streams gesammelten Streams, veröffentlichen sie am 21. Oktober 2022 ihr schweres und düsteres Album "Death, Where Is Your Sting". Mit diesem Album beweisen AVATARIUM einmal mehr, dass sie Doom Metal mit klassischem und hartem Rock der 1970er Jahre so perfekt verbinden wie keine andere Band zuvor.
Ltd. Red/ Black marbl
Ltd. 500 Einheiten, aufwändige UV-Spot-Lackierung, inkl. A2-Poster

"Rad Wings of Destiny" ist das erste neue Album der kalifornischen Band Ugly Kid Joe seit dem 2015 erschienenen "Uglier Than They Used Ta Be". Für dieses Album haben sich Ugly Kid Joe mit dem Produzenten Mark Dodson zusammengetan, der bereits für das 1992 erschienene Multiplatin-Debütalbum "America's Least Wanted" verantwortlich zeichnete.

"Rad Wings of Destiny" ist das lang erwartete, brandneue Album der kalifornischen Band Ugly Kid Joe. Es wird ihr erstes neues Album seit dem 2015 erschienenen "Uglier Than They Used Ta Be" sein.
Für "Rad Wings of Destiny" arbeitet die Band mit dem Produzenten Mark Dodson zusammen, der bereits für Ugly Kid Joes Multiplatin-Debütalbum "Americas Least Wanted" aus dem Jahr 1992 verantwortlich zeichnete. Ein Album, das dieses Jahr sein 30-jähriges Bestehen feiert.
Das 10 Titel umfassende Album enthält die Singles "That Ain't Livin'", "Kill The Pain" und "Long Road".
Auf dem Album sind Whitfield Crane am Gesang, Klaus Eichstadt und Dave Fortman an der Gitarre, Cordell Crockett am Bass und Zac Morris und Shannon Larkin am Schlagzeug zu hören.
Ugly Kid Joe kehren im November für eine Albumtournee nach Großbritannien und Europa zurück.

Mit ihrem neuen Album "Eos" stellt die belgische Speed-Metal-Band den Sänger Mike Slembrouck und den Schlagzeuger Bert Guillemont vor, die dem Sound der Band eine beeindruckende Dosis an Melodie und Intensität verleihen. Mit "Eos" bestätigen die Gründer Dries Van Damme (Gitarre) und Christophe Depree (Gitarre) zusammen mit dem langjährigen Bassisten Frederik Vanmassenhove einmal mehr ihre Position als eine der besten belgischen Metal-Bands.

After All sind vor allem für ihr originelles Speed-Metal-Songwriting bekannt, bei dem Killer-Riffs die Grundlage für Songs mit Hooks und großen Refrains bilden, die üppig mit Gitarrenleads und Harmonien garniert sind. Nach mehr als 30 Jahren und 10 Alben in ihrer Karriere präsentieren After All ihr bisher bestes Line-Up.

Das neue Album Eos" stellt Sänger Mike Slembrouck und Schlagzeuger Bert Guillemont vor, die dem Sound der Band eine beeindruckende Dosis an Melodie und Intensität verleihen. Mit "Eos" bestätigen die Gründer Dries Van Damme (Gitarre) und Christophe Depree (Gitarre) zusammen mit dem langjährigen Bassisten Frederik Vanmassenhove einmal mehr ihre Position als eine der besten belgischen Metal-Bands.

Mit einer Nonchalance, die fast unheimlich selbstverständlich daherkommt, bringt jeder Song auf A Modern Act die menschliche Natur auf den Punkt. Oder eher gesagt die Naturen, Plural, da jeder Song einer bestimmten "modernen" Person, Situation oder Beziehung gewidmet ist. Ultra-spezifisch und zugleich universell, das ist die Schönheit dieses Flickenteppichs aus unverhohlenen Beobachtungen.
Die ehrlichen und schnörkellosen Klavierballaden des ersten und letzten Songs legen sich wie eine zurückhaltende Klammer um die schrilleren Geschichten, die dazwischen erzählt werden. Das heitere und dunkle Long Blonde Hair weckt offensichtlich Erinnerungen an Stars mit wasserstoffblonden Haaren, die wir alle kennen und liebevoll verachten. Indoor Miners lässt uns genüsslich langsam in unseren eigenen Abstieg taumeln. Die verführerische Kombination aus Indie-Folk und Bombast, verpackt in sich wiederholenden Arrangements, lässt Hollywood Diamonds genau nach dem klingen, was es ist: Die scharfe Kritik eines Außenseiters an einer ausbeuterischen Industrie. Typisch für Collberg überlässt er es der eigenen Fantasie, die Leerstellen zu füllen, aber das Gerüst steht.
A Modern Act ist eine Sammlung autobiografischer Vignetten und Kurzgeschichten, die verspielt in persönlichen Befangenheiten schwelgen. In einem Anflug von kreativen Bewusstsein hat Collberg seine eigene kleine Gesellschaft erschaffen. Nicht immer schmeichelhaft widmet er sich dem, was glitzert, und dem, was düster ist. Anders als bei seinen früheren Werken standen diesmal alle Texte, bevor er die Musik komponierte. A Modern Act entstand im Januar 2021 und wurde in den folgenden Monaten zusammen mit Miccel Mohr (History of Sugar, Soho Rezanejad) in Kopenhagen, Dänemark aufgenommen und produziert, wobei Daily Tolliver (Molly Burch) an der Gitarre für den Titelsong "A Modern Act" mitwirkte.

JADED HEART melden sich mit ihrem neuen Album "Heart Attack" zurück, das stark vom Metal der 80er Jahre inspiriert wurde. Die Band achtete darauf, dass der Sound bei den Aufnahmen so natürlich, wie nur möglich, klang und verzichtete komplett auf Drum Samples oder den Einsatz von Computern.
"Heart Attack" ist ein sehr melodisches Album mit modernem Sound geworden, dem es dennoch nicht an der nötigen Härte fehlt. Dieses Mal hat die Band einige Songs zusammen mit Freunden geschrieben, konkret den Song "Right Now" zusammen mit Sascha Gerstner (Helloween) sowie den Song "Heart Attack" mit Rupert Keplinger (Eisbrecher).
Niklas Dahlin, seines Zeichens Gitarrist der schwedischen Power Metal Band Insania, hat auch ein Gitarrensolo zum Song "Right Now" beigesteuert.
Neben dem Digipak gibt es zwei limitierte LP-Versionen in Rot und Schwarz!

JADED HEART melden sich mit ihrem neuen Album "Heart Attack" zurück, das stark vom Metal der 80er Jahre inspiriert wurde. Die Band achtete darauf, dass der Sound bei den Aufnahmen so natürlich, wie nur möglich, klang und verzichtete komplett auf Drum Samples oder den Einsatz von Computern.
"Heart Attack" ist ein sehr melodisches Album mit modernem Sound geworden, dem es dennoch nicht an der nötigen Härte fehlt. Dieses Mal hat die Band einige Songs zusammen mit Freunden geschrieben, konkret den Song "Right Now" zusammen mit Sascha Gerstner (Helloween) sowie den Song "Heart Attack" mit Rupert Keplinger (Eisbrecher).
Niklas Dahlin, seines Zeichens Gitarrist der schwedischen Power Metal Band Insania, hat auch ein Gitarrensolo zum Song "Right Now" beigesteuert.
Neben dem Digipak gibt es zwei limitierte LP-Versionen in Rot und Schwarz!

Fünf Jahre nach der von 20 Buck Spin veröffentlichten Debüt-EP "Pulsing Dark Absorptions" erheben sich Daeva aus Philadelphia wie lodernde Flammen aus den höllischen Tiefen mit dem lange schwelenden ersten Album "Through Sheer Will And Black Magic...".

Ein feuriger Strudel aus frühem dämonischem Black Metal und zackigem Thrash Metal bildet die Grundlage des Albums, auf dem Daeva ihre Kunst wie glänzend geschmiedeten Stahl perfektioniert haben. Innerhalb dieses Wahnsinns setzt Gitarrist Steve Jansson die mit Maden übersäte Leiche des Death Metal und eine kräftige, tödliche Dosis reinen 80er-Jahre-Metal-Geistes frei. Die Reise durch dieses verbrannte Ödland wird durch die giftig-säurespritzenden Vocals des Sängers Edward Gonet geleitet.

Song für Song, Riff für Riff ist das von Arthur Rizk produzierte "Through Sheer Will And Black Magic" ein unersättlicher und unaufhaltsamer Wirbelwind aus außerweltlichen Genüssen und infernalischem Gemetzel. Wie in einem unerbittlichen Rausch stürmen Daeva die Tore des Himmels und unterwerfen die schwachen Schafen des Lichts in einem ultimativen Triumph der Hölle!

Fünf Jahre nach der von 20 Buck Spin veröffentlichten Debüt-EP "Pulsing Dark Absorptions" erheben sich Daeva aus Philadelphia wie lodernde Flammen aus den höllischen Tiefen mit dem lange schwelenden ersten Album "Through Sheer Will And Black Magic...".

Ein feuriger Strudel aus frühem dämonischem Black Metal und zackigem Thrash Metal bildet die Grundlage des Albums, auf dem Daeva ihre Kunst wie glänzend geschmiedeten Stahl perfektioniert haben. Innerhalb dieses Wahnsinns setzt Gitarrist Steve Jansson die mit Maden übersäte Leiche des Death Metal und eine kräftige, tödliche Dosis reinen 80er-Jahre-Metal-Geistes frei. Die Reise durch dieses verbrannte Ödland wird durch die giftig-säurespritzenden Vocals des Sängers Edward Gonet geleitet.

Song für Song, Riff für Riff ist das von Arthur Rizk produzierte "Through Sheer Will And Black Magic" ein unersättlicher und unaufhaltsamer Wirbelwind aus außerweltlichen Genüssen und infernalischem Gemetzel. Wie in einem unerbittlichen Rausch stürmen Daeva die Tore des Himmels und unterwerfen die schwachen Schafen des Lichts in einem ultimativen Triumph der Hölle!

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Der Horror-Meister JOHN CARPENTER ist zurück und hat wieder seine Mitarbeiter DANIEL DAVIES und CODY CARPENTER für den fesselnden neuen Soundtrack zu der 2022er Verfilmung von Stephen Kings Romanklassiker "Firestarter" an Bord. Der Score ist der erste offizielle Soundtrack, den das Trio außerhalb der "Halloween"-Reihe gemeinsam komponiert hat, und ihre Inspiration und Entwicklung als kreatives Team ist deutlich zu hören. Der Film ist eine Neuauflage des Thrillers, in dem es um ein Mädchen mit außergewöhnlichen pyrokinetischen Kräften und ihren Kampf geht, ihre Familie und sich selbst vor finsteren Mächten zu schützen, die sie gefangen nehmen und kontrollieren wollen. Der Film kommt am 13. Mai 2022 in die Kinos. In den Hauptrollen spielen Zac Efron, Sydney Lemmon und Ryan Kiera, Regie führt Keith Thomas (The Vigil). Der "Firestarter"-Soundtrack bedient sich einiger der besten Elemente aus CARPENTERs berühmtem musikalischen Repertoire und betritt dabei aufregendes Neuland. Die Tracks reichen von pumpenden Sci-Fi-Hymnen bis hin zu langsamen, von Hall durchtränkten Piano-Balladen und nutzen jeweils eine Vielzahl von Klanganwendungen. Schleichende Beats, flirrende Synthesizer, krachende Gitarren und ein ständig lauerndes Echo kommen zusammen, um ein Album zu schaffen, das sowohl atmosphärisch als auch zutiefst melodisch, kohärent und vielseitig ist. Diese drei Musiker arbeiten alle auf dem Höhepunkt ihrer individuellen und kollaborativen Kreativität und dieser Soundtrack festigt sie als Meister ihres Fachs.

Als Kodaline Anfang März 2022 die Bühne des gemütlichen, ausverkauften Olympia Theaters in Dublin betraten, spürten Sänger/Multiinstrumentalist Steve Garrigan, Bassist/Sänger Jason Boland, Gitarrist/Sänger Mark Prendergast und Schlagzeuger/Sänger Vinny May ein tiefes Gefühl der Erneuerung, ihrer Freundschaft, ihrer Brüderlichkeit und ihrer musikalischen Gemeinschaft.

Das geliebte irische Quartett spürte auch ein Gefühl der Befreiung. Zwei Jahre der pandemiebedingten Trennung voneinander und von dem Publikum, das sie sich seit 2011 akribisch aufgebaut hatten, hatten deutlich gemacht, wie wichtig diese symbiotische Beziehung wirklich ist.

Dieses Gefühl der Befreiung durchdringt auch ”Our Roots Run Deep”, das brandneue Live-Album von Kodaline mit 17 Tracks, das am 14. Oktober 2022 bei Fantasy Records erscheint. Produziert von Phillip Magee, einem irischen Weggefährten, bietet ”Our Roots Run Deep” einen Querschnitt der beliebtesten Stücke der Gruppe und drei aufschlussreiche Coverversionen in über 80 Minuten Musik.

”Dieses Album ist etwas, das wir schon sehr lange machen wollten, aber es ist auch etwas völlig Neues für uns”, erklärt die Band. ”Es ist eine akustische Show ohne Klicks, was im Grunde bedeutet, dass es sehr roh und ungefiltert ist. Wir wollten versuchen, die Energie und Atmosphäre des Abends so gut wie möglich einzufangen. Es war eine intime Show, die wir in einem unserer Lieblingsorte auf der Welt aufgenommen haben, in Dublin City, zu Hause in Irland.”

Am besten immer schön zwischen alle Stühle setzen, das ergibt - nicht zwangsläufig, aber oft - die interessantere Musik. Und im Falle von Kuhn Fu definitiv die lustigere. Seit 2012 hat die Band um den Gitarristen Christian Kühn eine singuläre und sehr eigensinnige Form von Jazzrock (oder Rockjazz) entwickelt, zwischen Parodie und einer großen Ernsthaftigkeit, mit der sie gegen musikalische Scheuklappen anspielt. Kühns mit John Dikeman (Saxofon), Tobias Delius (Saxofon, Klarinette), Ziv Taubenfeld Bassklarinette), Sofia Salvo (Saxofon), Esat Ekincioglu (Bass) und George Hadow (Drums) international besetztes Ensemble spielt die vor Melodien und kompositorischen Ideen überbordenden Stücke, als ginge es ums Ganze. Die Komik, die in der Musik Kuhn Fus immer präsent ist, nimmt ihr nichts von ihrer Intensität. "Ich liebe tonale Musik", erzählt Christian Kühn. "Tonal gespielt und dann überspitzt, darum geht es, deswegen klingt es immer wieder mal parodistisch." Parodie - aber auch Klamauk. Auf Jazz Is Expensive erzählt Kühn das Märchen "Vom Fischer und seiner Frau" noch einmal neu und anders. Der Vortrag Kühns trägt sein Übriges bei: Mit forciertem deutschem Akzent wird auf Englisch die Geschichte zu einem modernen Märchen umgeformt. Hauptfigur ist der Fischer Marcel De Champignon, ein Hornspieler, der auf der Suche nach der perfekten Melodie ist - "the melody that makes millions". Diesen Wunsch soll ihm der Fisch erfüllen, "Bruno the Architect" der Name.

Die Musik von Surprise Chef basiert auf dem Hervorrufen von Stimmungen; ihre lebendigen Arrangements nutzen Zeit und Raum, um Klanglandschaften zu schaffen, die den Zuhörer in ihre Welt einladen. Der unverwechselbare Sound des Quintetts speist sich aus der Filmmusik der 70er Jahre, der funkigeren Seite des Jazz und den Samples, die die Grundlage des Hip-Hop bilden. Sie verschieben die Grenzen des instrumentalen Soul und Funk mit ihrem eigenen Ansatz, der durch unzählige Stunden im Studio, das Studium der Meister und - vielleicht am wichtigsten - durch die "Tyrannei der Distanz", die ihrer Musik eine einzigartige Perspektive diktiert, verfeinert wurde. Mit ihren ersten beiden Alben All News Is Good News und Daylight Savings haben sich die aus der Nähe von Melbourne, Australien, stammenden Musiker eine eingefleischte Fangemeinde erspielt und ihren Sound von ihrem Heimstudio aus in alle Ecken der Welt gebracht. Die Band ist nun bei Big Crown Records unter Vertrag und reiht sich damit in eine Reihe zeitgenössischer und klassischer Sounds ein, die die Musik von Surprise Chef seit ihrer Gründung im Jahr 2017 beeinflusst haben. Surprise Chef besteht aus Lachlan Stuckey (Gitarre), Jethro Curtin (Keyboards), Carl Lindeberg (Bass), Andrew Congues (Schlagzeug) und Hudson Whitlock - das jüngste Mitglied, das von der Percussion über das Komponieren bis zum Produzieren alles macht. Die selbsternannten "moody shades of instrumental jazz-funk" haben von allem etwas: druckvolle Drums, mitreißende Keys, eine Rhythmusgitarre, die man auf einer Studio One-Platte hören könnte, und Flötenlinien, die von einer Blue Note-Session stammen könnten. Aber wenn man einen Schritt zurücktritt und sich die Gesamtheit ihres Sounds und ihrer Herangehensweise anschaut, dann hört und sieht man eine Gruppe, die mehr ist als die Summe ihrer Teile. In vielerlei Hinsicht verkörpert Surprise Chef die Redewendung "the benefits of limits". Ihre Möglichkeiten waren insofern begrenzt, als es in Südost-Australien nicht viele Leute gab, die instrumentalen Jazz/Soul/Funk machten oder darüber sprachen, geschweige denn Platten herausbrachten. So mussten sie ihren Sound und ihre Herangehensweise in einer Art kreativer Isolation entwickeln, in der sich ein kleiner Kreis von Freunden und gleichgesinnten Musikern gegenseitig befruchtete. "Da wir in Australien so weit weg sind, bekommen wir nur flüchtige Einblicke in die Ursprünge dieser Musik", sagt Stuckey. "Aber als wir ein Label wie Big Crown hörten, wurde uns zum ersten Mal bewusst, dass man frische, neue Soulmusik machen kann, die nicht super retro oder einfach nur nostalgisch ist." Dieser Ansatz ist auf ihrem neuen Album Education & Recreation deutlich zu hören. Tracks wie "Velodrome" verbinden klobige Drums mit einer ohrwurmverdächtigen Synthie-Linie, die so klingt, als würde sie auf einer Ultimate Breaks & Beats-Compilation zu finden sein, während Nummern wie "Iconoclasts" zeigen, dass sie ein Händchen für die geschmackvolle Nutzung von Raum haben. Vom erdrückenden Intro von "Suburban Breeze" bis zum schwebenden, sanften Bop von "Spring's Theme" haben Surprise Chef ein Album zusammengestellt, das dich durch Höhen und Tiefen der Emotionen führt. Ein lebendiger, die Fantasie beflügelnder Sound! Dem weiten Spektrum dieser Instrumentalmusiksparte wird mit diesem neuen Album ein modernen Klassiker hinzugefügt.

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin Gesang, Gitarre, Macky Bowman Schlagzeug, Nick Casa [Gitarre] und Kendall Wind [Bass] machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich.

Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte.

Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs).

Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

Iggy Pop, Debbie Harry, Henry Rollins... nur einige der Punk-Ikonen, die sich tief beeindruckt gezeigt haben von The Bobby Lees aus Woodstock, N.Y. Sam Quartin Gesang, Gitarre, Macky Bowman Schlagzeug, Nick Casa Gitarre und Kendall Wind [Bass] machen Musik, die von Geist und Seele her Punk ist; ungezügelt und entschlossen ehrlich.

Ein selbst veröffentlichtes DIY-Album (Beauty Pageant) erschien 2018 und erregte die Aufmerksamkeit des Garage-Rock-Impresarios Jon Spencer, der daraufhin das 2020er Album Skin Suit produzierte.

Im Jahr 2022 machte sich die junge Band, nun road-erprobt und entschlossener denn je, nach Nashville auf in die Sputnik Sound Studios, um Bellevue aufzunehmen, ihr Debütalbum für Label Ipecac Recordings, live im Studio mit Produzent Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, The Raconteurs).

Mit ihrem intelligenten und durchdachten Songwriting folgen The Bobby Lees ihrem Instinkt als Musiker und Freunde und arbeiten gemeinsam an der Entstehung der Songs. Der Sound ist düster, minimalistisch und viszeral, jeder Song eine Ode ans Außenseitertum.

CAUSTIC CASANOVA, die psychedelischen Heavy-Riffonauten aus Washington, DC nutzen auf ihrem fünften, das Gehirn schmelzenden Album die starke Kernkraft ihres hyperkinetischen Zentrums, um diverse Soundpartikel in die musikalische Wechselwirkung einzubinden und in einer kaleidoskopischen Heavy-Rock-Extravaganz explodieren zu lassen. Im Jahr 2005 als Trio gegründet, schlagen Schlagzeugerin und Sängerin Stefanie Zaekner, Bassist und Sänger Francis Beringer sowie Gitarrist Andrew Yonki, mit CAUSTIC CASANOVA immer wieder neue Wege ein, um ihre ebenso packende wie unvorhersehbare Musik spannend zu verfeinern. In ihren Klangräumen verbindet sich sardonischer Noise-Rock und proggiger Sludge im Stile von BARONESS, RED FANG und TORCHE mit der gewaltigen Wucht der MELVINS, der Experimentierfreude von BORIS und flottem Gitarren-Heldentum sowie einem Hauch von verdunkeltem Post-Punk. Mit der Aufnahme eines zweiten Gitarristen in der Person von Jake Kimberley im Jahr 2019 machte sich das nunmehrige Quartett auf eine Abenteuerreise mit dem erklärten Ziel, das waghalsigste und rockigste CAUSTIC CASANOVA Album aller Zeiten zu erschaffen. Dabei nutzen die Amerikaner geschickt alle erweiterten Möglichkeiten, die sich aus ihrer Verstärkung mit einer zweiten Gitarre ergeben. Gleichzeitig unterstreichen die Vier auf "Glass Enclosed Nerve Center" auch all ihre bisherigen Stärken: Beringers straffer, melodischer Bass pumpt heftig die beiden heiß-bruzzelnden Gitarren auf, die den gesanglichen Dreiklang flankieren. Zaenkers flexibles Schlagzeugspiel treibt die fünf mäandrierenden Songs des Albums einfallsreich an und fühlt sich sowohl im swingenden Bill-Ward-Stomp als auch in der Hibbeligkeit des Math-Rock wohl. Langjährige Reisende in CAUSTIC CASANOVAs Fahrwasser dürfen "Glass Enclosed Nerve Center" als eine Art von berauschender Rückkehr empfinden, zu der auch das ehrgeizig ausufernde, 22-Minuten-Epos 'Bull Moose against the Sky' erheblich beiträgt, welches die gesamte B-Seite des Albums in Beschlag nimmt. Doch auch wer den massiven Sound dieser galoppierenden Psychedelic-Sludge-Büffel noch nicht kennt, bekommt hier herausragendes Songhandwerk und eine reiche lyrische Erzählkultur geschenkt, die jede Sekunde und unzählige Wiederholungen wert sind. Drei, zwei, eins... nun geht es rund!

CAUSTIC CASANOVA, die psychedelischen Heavy-Riffonauten aus Washington, DC nutzen auf ihrem fünften, das Gehirn schmelzenden Album die starke Kernkraft ihres hyperkinetischen Zentrums, um diverse Soundpartikel in die musikalische Wechselwirkung einzubinden und in einer kaleidoskopischen Heavy-Rock-Extravaganz explodieren zu lassen. Im Jahr 2005 als Trio gegründet, schlagen Schlagzeugerin und Sängerin Stefanie Zaekner, Bassist und Sänger Francis Beringer sowie Gitarrist Andrew Yonki, mit CAUSTIC CASANOVA immer wieder neue Wege ein, um ihre ebenso packende wie unvorhersehbare Musik spannend zu verfeinern. In ihren Klangräumen verbindet sich sardonischer Noise-Rock und proggiger Sludge im Stile von BARONESS, RED FANG und TORCHE mit der gewaltigen Wucht der MELVINS, der Experimentierfreude von BORIS und flottem Gitarren-Heldentum sowie einem Hauch von verdunkeltem Post-Punk. Mit der Aufnahme eines zweiten Gitarristen in der Person von Jake Kimberley im Jahr 2019 machte sich das nunmehrige Quartett auf eine Abenteuerreise mit dem erklärten Ziel, das waghalsigste und rockigste CAUSTIC CASANOVA Album aller Zeiten zu erschaffen. Dabei nutzen die Amerikaner geschickt alle erweiterten Möglichkeiten, die sich aus ihrer Verstärkung mit einer zweiten Gitarre ergeben. Gleichzeitig unterstreichen die Vier auf "Glass Enclosed Nerve Center" auch all ihre bisherigen Stärken: Beringers straffer, melodischer Bass pumpt heftig die beiden heiß-bruzzelnden Gitarren auf, die den gesanglichen Dreiklang flankieren. Zaenkers flexibles Schlagzeugspiel treibt die fünf mäandrierenden Songs des Albums einfallsreich an und fühlt sich sowohl im swingenden Bill-Ward-Stomp als auch in der Hibbeligkeit des Math-Rock wohl. Langjährige Reisende in CAUSTIC CASANOVAs Fahrwasser dürfen "Glass Enclosed Nerve Center" als eine Art von berauschender Rückkehr empfinden, zu der auch das ehrgeizig ausufernde, 22-Minuten-Epos 'Bull Moose against the Sky' erheblich beiträgt, welches die gesamte B-Seite des Albums in Beschlag nimmt. Doch auch wer den massiven Sound dieser galoppierenden Psychedelic-Sludge-Büffel noch nicht kennt, bekommt hier herausragendes Songhandwerk und eine reiche lyrische Erzählkultur geschenkt, die jede Sekunde und unzählige Wiederholungen wert sind. Drei, zwei, eins... nun geht es rund!

Terence Etc., besser bekannt unter seinem Vornamen Terence Nance veröffentlicht sein Debütalbum "V O R T E X", am 19. August auf Brainfeeder. Terence, der sich an der Schwelle zur künstlerischen Form bewegt, ist vielleicht am besten für seine mit dem Peabody Award ausgezeichnete experimentelle Comedy-Sketch-Serie auf HBO bekannt: "Random Acts of Flyness". Aber er ist wirklich multidisziplinär. Er zeichnet. Er schreibt. Er singt. Er spielt Gitarre. Er baut Dinge. Er beherbergt in sich eine Vielzahl von Möglichkeiten, eine Vielzahl von Realitäten, die umherschwirren und nach Ausdruck und Gleichgewicht suchen. Und es ist dieser Wunsch nach Gleichgewicht - Gleichgewicht des Lebens, Gleichgewicht der Emotionen, Gleichgewicht der inneren Energien -, der sein Debütalbum "V O R T E X" hervorgebracht hat.

Das Album entzieht sich einer einfachen Kategorisierung, ist aber vom gleichen Experimentier- und Abenteuergeist geprägt wie Terence' Helden und Zeitgenossen, Künstler wie André 3000, Solange, Serpentwithfeet, Nelson Bandela, Standing on the Corner, Earl Sweatshirt, Nick Hakim und Moses Sumney und sogar der illustre Gründer von Brainfeeder, Flying Lotus. V O R T E X bezieht sich auch auf die Literatur von Louise Erdrich und Toni Morrison sowie auf die Zeichnungen von Ruby Amanze, deren Stimme auf dem Album zu hören ist.

Acht neue Songs von Okkervil River Frontmann Will Sheff. Produziert von John Congleton (St. Vincent, The War On Drugs), Matt Linesch und Marshall Vore (Phoebe Bridgers). Ein bemerkenswertes Album und Sheff’s Solodebüt.

Inspiriert von den Texten von King Crimson, Joni Mitchell oder Bill Fay sowie den Bergen, Wüsten und Seen Südkaliforniens, seiner neuen Wahlheimat, jedoch überschattet vom Tod seines Freundes, Okkervil River-Drummer Travis Nelsen, besticht 'Nothing Special' mit teils verspulten Arrangements, die subtile Überraschungen enthalten und Verweise nahelegen auf barocken Pop, verschwommene Synthie-Balladen und Sci-Fi-Psychedelia der 70er und 80er Jahre. Eine emotionale Reise, die von Trauer und Verlust handelt und dem Versuch, sich einer transzendenteren Realität zu öffnen.

Unterstützt wird er dabei von alten und neuen Freunden, Gitarrist Will Graefe und Bassist Benjamin Lazar Davis, Singer/Songwriter Christian Lee Hutson, Dawes-Schlagzeuger Griffin Goldsmith und Death Cab For Cutie-Pianist Zac Rae sowie Cassandra Jenkins und Eric D. Johnson (Fruit Bats, Bonny Light Horseman).

Acht neue Songs von Okkervil River Frontmann Will Sheff. Produziert von John Congleton (St. Vincent, The War On Drugs), Matt Linesch und Marshall Vore (Phoebe Bridgers). Ein bemerkenswertes Album und Sheff’s Solodebüt.

Inspiriert von den Texten von King Crimson, Joni Mitchell oder Bill Fay sowie den Bergen, Wüsten und Seen Südkaliforniens, seiner neuen Wahlheimat, jedoch überschattet vom Tod seines Freundes, Okkervil River-Drummer Travis Nelsen, besticht 'Nothing Special' mit teils verspulten Arrangements, die subtile Überraschungen enthalten und Verweise nahelegen auf barocken Pop, verschwommene Synthie-Balladen und Sci-Fi-Psychedelia der 70er und 80er Jahre. Eine emotionale Reise, die von Trauer und Verlust handelt und dem Versuch, sich einer transzendenteren Realität zu öffnen.

Unterstützt wird er dabei von alten und neuen Freunden, Gitarrist Will Graefe und Bassist Benjamin Lazar Davis, Singer/Songwriter Christian Lee Hutson, Dawes-Schlagzeuger Griffin Goldsmith und Death Cab For Cutie-Pianist Zac Rae sowie Cassandra Jenkins und Eric D. Johnson (Fruit Bats, Bonny Light Horseman).

Novelists FR sind zurück! Aber „Déjà Vu“ setzt sie die Messlatte höher als je zuvor. Mit einem Vibe der an Bring Me The Horizon erinnert, kreieren viele Songs einen Pop-zentrierten Ansatz zeitgemäßer Rockmusik mit Akzenten des modernen Metalcore. Das Resultat sind große Riffs und eingängige Refrains, die in „Smoke Signals“ und „Made By Design“ perfekt vermischt sind.
Auf „Déjà Vu“ gibt es fünf atmosphärische Interludes, die als angenehme Zwischenspiele inmitten der explosiven Songs, wie „Terrorist“, „Do You Really Wanna Know“ und „Lost Cause“ zu finden sind. Diese Zwischenspiele reichen von elektronischen Soundscapes („Mae“) über liebevoll gespielte klassische Gitarre („Erre“) hin zu beflügelndem Post Rock („Colas“).
Novelists FR halten 2022 noch immer ihren groovigen und druckvollen Metalcore Sound („Heretic“). Die Band zeigt immer noch ihre Gitarrenskills, die in kurzen Solopassagen durchblitzen und sich mitsamt der Synthesizer-lastigen Klangwelten perfekt in Szene setzen. Darüber hinaus sind es die elektronischen Elemente, die die Produktion des Albums unglaublich reich klingen lassen.
Viele Dinge haben sich geändert, aber es ist auch aufgrund von Tisches eingängigen Vocals, das Novelists FR ihr Level auf „Déjà Vu“ erneut angehoben haben und am Ende mit einer gewissen Leichtigkeit ihr stärkstes, überzeugendstes, sowie authentischstes Material überhaupt abliefern.

Mark Knopfler, einer der größten Gitarristen aller Zeiten, veröffentlicht am 7. Oktober sein zweites Songbook „The Studio Albums 2009-2018“.

Die Sammlung enthält die Alben „Get Lucky“, „Privateering“ „Tracker“ und seine letzte Veröffentlichung „Down The Road Wherever“. Zusätzlich umfasst das Box-Set eine Sammlung von Studio-B-Seiten, Bonustracks und zwei bisher unveröffentlichte Songs „Back In The Day“ und „Precious Voice From Heaven“.
Das Box-Set ist als 6CD und 9LP auf 180g gepresst erhältlich.