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Die wohl kalifornischste aller deutschen Streetpunkbands kommt aus Stuttgart. Obwohl die Schwaben nicht mit Anleihen bei den Dead Kennedys geizen haben sie ihren eigenen, schnörkellosen Stil entwickelt. Nach nur 3 Tagen hatten die 4 Jungs das Album "Waterfront" im Kasten, so erfrischend rough und dreckig wie der Fluss der durch ihre Heimatstadt fließt. Das düstere Cover ist Programm: ein kloakiger Fluss vor nächtlicher Stadt voller Qualm und Rotz. "Fuck The World" ist ein bissig-ironischer Text über den Raubbau an unserer Mutter Erde, die sich verzweifelt wehrt. Wenn der texanische Sänger "Mother gets angry" raushaut erinnert er an die bitterbösen Zeilen etlicher Jello Biafra Songs. Bei "American Devolution" gehts weiter mit einem 100% DK-Intro. Desillusioniert stellt sich die Frage wieso Werte wie Toleranz und Freiheitsliebe verschwunden sind. Die Hommage an Cock Sparrer "Where Are They Now" haut in dieselbe Kerbe. Wo sind die geblieben, die mal von Anarchie, Kampf und Zusammenhalt geredet haben? Mit "Here We Go" wird bei hämmernden Drumsticks und toughen Gitarren der hauseigene Stil der Band blankgelegt. Das biestige "Crazy Axe Wife" erzählt von einem Typen der seinen Kopf verliert weil seine liebende Ex-Frau ihn davon per Beil befreit. Viel schaffen für nix ist Thema von "Ghost Lights", nochmal mit Anklängen an die toten Kennedys. Kurz und knüppelig darf der Leckt-mich-am-Arsch Saufsong nicht fehlen bevor am Ende nochmal abgehottet werden darf. Also Daumen raus und ab auf den Roadtrip nach Necka(r)lifornien.

Mit mehreren erfolgreichen Singles in den deutschen Radiocharts, einer fast ausverkauften Debüttour und Auftritten im deutschen Fernsehen vor einem Millionenpublikum hat sich der sympathische Finne als Solokünstler etabliert. Musikalisch hat Fliku Rajamaa ebenfalls Quantensprünge gemacht und bewiesen. dass er welt mehr als nur der ehemalige Lead-Gitarrist von Sunrise Avenue ist. Im September 2024 erscheint nun seine EP »Blood Sweat Tears« als 12" Vinyl. Dieser ist zudem auch ein exklusives Gitarren Plektrum beigelegt.

Mit der gleichnamigen Single lässt Riku die Musikwelt wieder einmal an seinem Ausnahmetalent teilhaben, einen Ohrwurm nach dem nächsten kreieren zu können, den man direkt mitsingen möchte. Die weiteren Singles auf der EP spiegeln seine Vielseitigkeit wider: mal melancholisch und tiefgründig. mal positiv und charmant. Seine Musik ist ehrlich und emotional. Man darf also gespannt bleiben, was der sympathische, finnische »Guitar Nerd« noch alles für uns bereithält und was er noch erreichen wird. wenn er sich nach so kurzer Zeit schon erfolgreich einen Namen als Solokünstler gemacht hat.

-the groundbreaking third album from 1991

-first remastered re-release & also on vinyl for the first time

-Booklet/inlay with liner notes by guitarist Markus Steffen

-produced by Charlie Bauerfeind at AHA Studio, Munich

When four young musicians from Munich founded the thrash
band Sodom in the early eighties, nobody could have guessed
that they would deliver a milestone for European progressive
metal with their debut album „Life Cycle“ in 1988. Changes
could already be heard on „Steps“ (1990) and on „A Sense
Of Change“ in 1991 they managed to get fans of prog and art
rock on board for the first time. With the much more melodic
singer Jogi Kaiser, who is still active in musicals today, and a
reduced metal component, this balancing act was achieved
in an impressive way. It was the first Sieges Even album
that was no longer released as an LP by the label at the time
(Steamhammer/SPV), but only on CD. „A Sense Of Change“
was very successful in certain circles, but the band parted
ways with guitarist Markus Steffen. The following two albums
deviated from the previous style, but the reunion took place
in 2005, producing „The Art Of Navigating By The Stars“ and
„Paramount“. The chapter was closed in 2007 with the live
album „Playgrounds“. Markus Steffen and singer Arno Menses
founded Subsignal, who are still successfully active today.
„A Sense Of Change“ is finally being re-released in 2024,
with the argument „for the first time on vinyl“ standing out in
particular. The material was first remastered, then mastered
separately for CD and LP. The booklet and LP insert contain
images from the original release as well as liner notes by
guitarist Markus Steffen. The album was produced by Charlie
Bauerfeind in 1991.

-das wegweisende dritte Album von 1991
-erste remasterte Wiederveröffentlichung & erstmals auch auf
Vinyl
-Booklet/Inlay mit Liner Notes von Gitarrist Markus Steffen
-produziert von Charlie Bauerfeind im AHA-Studio, München

Als vier junge Musiker aus München Anfang der Achtziger
die Thrash-Band Sodom gründeten konnte niemand ahnen,
dass sie 1988 mit ihrem Debütalbum „Life Cycle“ bereits
einen Meilenstein für den Europäischen Progressive
Metal ablieferten. Schon auf „Steps“ (1990) konnte man
Veränderungen hören und auf „A Sense Of Change“ schaffte
man es 1991 erstmals, auch Fans des Prog- und Artrock
ins Boot zu holen. Mit dem wesentlich melodischeren
Sänger Jogi Kaiser, der heute noch in Musicals aktiv ist,
und einem reduzierten Metal-Anteil gelang dieser Spagat
auf beeindruckende Weise. Es war das erste Sieges Even
Album, welches vom damaligen Label (Steamhammer/SPV)
nicht mehr als LP, sondern nur noch auf CD veröffentlicht
wurde. „A Sense Of Change“ war in bestimmten Kreisen sehr
erfolgreich, dennoch trennte man sich von Gitarrist Markus
Steffen. Die folgenden zwei Alben wichen vom bisherigen
Stil ab, doch 2005 erfolgte die Reunion, die „The Art Of
Navigating By The Stars“ und „Paramount“ hervorbrachte.
Mit der Livescheibe „Playgrounds“ wurde das Kapitel 2007
geschlossen. Markus Steffen und Sänger Arno Menses
gründeten Subsignal, die bis heute erfolgreich aktiv sind.
„A Sense Of Change“ erfährt 2024 endlich die überfällige
Wiederveröffentlichung, wobei das Argument „erstmals auch
auf Vinyl“ besonders hervorsticht. Das Material wurde erst
remastert, dann für CD und LP separat gemastert. Das Booklet
und der LP-Einleger enthält neben Abbildungen vom OriginalRelease auch Liner Notes von Gitarrist Markus Steffen. Das
Album wurde 1991 von Charlie Bauerfeind produziert.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Acid, 1980 im belgischen Brügge gegründet, gelten als einer der ersten Vorläufer des Speed Metal auf dem europäischen Kontinent. Sängerin Kate de Lombaerd, die Gitarristen Dirk Simoens (Dizzy Lizzy) und Donald Devers (Demon), Bassist Peter (T-Bone) sowie Drummer Geert (Anvill) nahmen in Form von "Acid" (1983), "Maniac" (1983) und "Engine Beast" (1985) drei hoch geschätzte Alben für Giant Records auf, ehe sich Mitte der achtziger Jahre ihre Wege trennten. Um 2019 herum reifte in Kate de Lombaerd der Plan, es noch einmal zu versuchen. Unter der Mitwirkung von Mathieu Trobec (Bass), Gilles Reuse (Gitarre), Andreas Stieglitz (Gitarre) und Bastiaan Andriessen (Schlagzeug) fand man sich wenig später unter dem Namen Kate's Acid zusammen. Es folgten umjubelte Live-Auftritte u.a. beim Keep It True Rising (2021) und noch einmal beim Keep It True im Jahre 2023, wo auch das jetzt vorliegende Album "Blowing Your Ears Off" mitgeschnitten wurde.

Repress!

Die 12" Version des Jazz-Funk-Disco-Klassikers "To Prove My Love" (1978) des Sängers, Songschreibers und Gitarristen Ned Doheny aus Los Angeles erscheint hier erstmals auf 7" Vinyl, produziert von Steve Cropper von der Stax Records-Hausband Booker T & The MGs.

Das sechste Studioalbum von Shellac "To All Trains" besteht aus 10 Songs und hat eine Gesamtspiellänge von 28 Minuten. Die Band ist immer noch: Steve Albini (Gitarre), Todd Trainier (Schlagzeug) und Bob Weston (Bass). Aufgenommen und gemischt wurde "To All Trains" bei Electrical Audio in Chicago an einigen langen Wochenenden im November 2017, im Oktober 2019, im September 2021 und im März 2022. Das Album wurde von Bob & Steve bei Chicago Mastering Service gemastert. Artwork und Aufmachung von LP und CD sind identisch (die CD ist kleiner). Bob hat alle Fotos gemacht, einige mit einer schicken Kamera und andere mit einem Telefon. Wie immer hat die Tonqualität bei Shellac höchste Priorität. Die LPs werden von Green Vinyl Records in einem Spritzgussverfahren hergestellt. Dieses neue Verfahren verwendet zu 100 % recycelbares PET (wie Limonadenflaschen) und ist umweltfreundlich, da es kein PVC oder Phthalate enthält. Außerdem verbraucht das Verfahren 79 % weniger CO2 als herkömmliche hydraulische PVC-Vinylpressen. Die Platten wiegen 180 Gramm. Wie zuletzt bei Shellac, wird es für dieses Album keine Werbung, keine Presse- oder Radiopromotion, keine E-Promotion, keine Werbe- oder Rezensionsexemplare, keine Werbegimmicks und auch sonst kein kostenloses Mittagessen geben. Die Band wird weiterhin sporadisch und entspannt Shows spielen oder auf Tour gehen, so wie immer. Es gibt bei Shellac keine Korrelation zwischen Shows und Plattenveröffentlichungen. Shellac haben keine Website. Vielleicht sollten sie sich eine zulegen.

Die US Death Metal-Ikonen NILE kehren mit ihrem mit lang ersehnten, zehnten Studioalbum The Underworld Awaits Us All zurück, das via Napalm Records erscheint.

Wieder einmal verbinden sie technische Präzision mit unbarmherziger Brutalität zu einer markerschütternden Death Metal-Attacke. Dabei beweisen ausnahmslos alle Bandmitglieder – von Gründungsmitglied und Gitarrist Karl Sanders, Schlagzeuger George Kollias, bis hin zu Sänger und Gitarristen Brian Kingsland Zach Jeter, sowie Bassist Dan Vadim Von – enormes musikalisches Können an ihren Instrumenten.
Das neue Album wurde erneut in Sanders' eigenem Serpent Headed Studios in Greenville, South Carolina produziert und aufgenommen. Für das Mixing und Mastering arbeitete die Band mit dem Produzenten Mark Lewis (Dying Fetus, Whitechapel, The Black Dahlia Murder) zusammen, der auch schon am Vorgängeralbum Vile Nilotic Rites beteiligt war und die gewaltige Bildwelt des Covers wurde von Micha "Xaay" Loranc gestaltet, der sich vom Jüngsten Gericht inspirieren ließ.

Wer sich in den letzten Jahren mit deutschsprachiger Metal- & Rockmusik beschäftigt hat, der kam an HERBST nicht vorbei. Nachdem die 4 Berliner mit ihrer ersten EP und dem Debütalbum „Ein letzter Abend“ ein ersten Achtungserfolg landen konnten, ging es auch direkt in den Tourbus mit ENGST quer durch die Republik.
Mit „Spiegel“ (VÖ: 20.09.24) folgt nun der neue, mitreißende Longplayer der Band. Treibend, mit krachenden Gitarren und Mörder-Hooklines, entfesseln die 10 neuen Tracks auf "Spiegel" eine unbändige Energie, die dich von der ersten Sekunde an packt und nicht mehr loslässt. Das Feature mit Ex-Annisokay Shouter Dave Grunewald und Alles Mit Stil zeigt eine der vielen Facetten des neuen Albums! So geht moderner, deutschsprachiger Metal im Jahr 2024!

"The Paradox" ist das sechste und ohne Zweifel vielseitigste Album der Thrasher ERADICATOR. Es erscheint im Jahr des 20. Jubiläums der Band. Zehn neue Songs befassen sich textlich mit der widersprüchlichen Natur des Menschseins und präsentieren viele musikalische Facetten, nicht nur des Thrash Metals.

"The Paradox" trägt die Handschrift von ERADICATOR und zeigt ihre ungebrochene Spielfreude. Damit hat sich die Band inzwischen auch live einen Namen gemacht. Die vier Sauerländer scheuen aber nicht davor, ihre neuen Kompositionen stilistisch zu verfeinern und weiterzuentwickeln.

ERADICATOR beginnen auf The Paradox atmosphärisch mit "Beyond The Shadow's Void": Der Track entwickelt sich zu einem stampfenden Headbanger, um sich zuletzt in einem Thrash-Gewitter zu ergießen. Neben Death Metal Growls, unter anderem im Titeltrack, findet mit "The Eleventh Hour (Ramble On)" erstmals eine Halbballade Einzug in das Band-Repertoire. ERADICATOR haben aber keineswegs verlernt die Thrash-Keule zu schwingen, was sie unter anderem mit "Drown In Chaos", "Hell Smiles Back" oder "Fake Dealer" und auch sonst unermüdlich unter Beweis stellen.
Die lyrischen Themen auf "The Paradox" spiegeln die Zwiespältigkeit und Ambivalenz des menschlichen Handelns und Denkens wider. In "Perpetual Sacrifice" geht es darum Schwächere zu verunglimpfen, um sich selbst größer zu fühlen sowie um die Umkehr zwischen Opfer und Täter. "When The Shooting Begins" handelt von der Paradoxität durch Krieg Frieden schaffen zu wollen - wobei im Regelfall die Wahrheit nach dem Aufschrei der Waffen eine der ersten Opfer ist. Das abschließende "Debris Of Demise" ist eine fiktive Erzählung davon, dass die Menschheit aufgrund von Umweltzerstörung den Planeten evakuieren muss, die rettende Arche wegen der großen Menge an Weltraumschrott den Orbit jedoch nicht verlassen kann. Sänger und Gitarrist Seba Stöber sagt dazu, "Dabei wollen wir uns nicht als Moralapostel profilieren, sondern viel mehr die Themen und Probleme unserer Zeit reflektieren. Als Künstler besteht die Aufgabe auch darin, einen Diskurs anzuregen!"

Gemixt und gemastert wurde das Album, wie schon sein Vorgänger, von Sebastian "Seeb" Levermann (Orden Ogan, Asphyx, Brainstorm), der es wieder geschafft hat, ERADICATOR mit einem authentischen Sound auszustatten. Nach 20 Jahren wissen die vier Musiker wie sie klingen möchten und genau so klingt "The Paradox".

Sam Grant, Gitarrist von Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, Pigs, macht mit dem zweiten Album seines verrückten Psych-Projekts Rubber Oh dort weiter, wo er mit dem Debüt "Strange Craft" 2021 aufhörte. Kaleidoskopische Melodien schweben über dichte Rhythmen und dunklen, schweren Riffs, die in eine weite cineastische Landschaft ausbrechen. Ein faszinierender Klangraum zwischen Leichtigkeit und Härte mit für Chor und Streicher komponierten Arrangements. Feat. Rozi Plain, Voka Gentle und Me Lost Me & Ceitidh Mac. Limitierte Auflage auf rotem Splatter-Vinyl.

KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlassen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entreißen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise, der im Studio alle Instrumente einspielt und für das Konzept von KANONENFIEBER verantwortlich ist. Wie sein Vorgänger basiert KANONENFIEBERs zweites Album auf Tatsachenberichten, persönlichen Briefen und Originaldokumenten der überlebenden und verstorbenen Soldaten des Ersten Weltkriegs. Es geht nicht darum, zu glorifizieren, denn im Krieg gibt es keinen Ruhm. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KANONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persönlichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg. Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. "Die Urkatastrophe" wurde mit Kristian Kohle (Powerwolf, Aborted, Benighted u.v.a.) im Kohlekeller Studio aufgenommen. Zum Song "Waffenbrüder" steuerte Maik Weichert von HEAVEN SHALL BURN ein Gitarrengastsolo hinzu. Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. Deluxe transp. sand-dark red colored splattered 2LP Artbook, Ltd. CD Mediabook & Patch, Standard CD Jewelcase, Ltd. Gatefold standard LP & LP-Booklet, LP and Digital Album.

KANONENFIEBER über das Konzept von "Die Urkatastrophe": "Der Erste Weltkrieg beschleunigte den Weg in die Moderne und gilt als die "Urkatastrophe" des 20. Jahrhunderts, das von Kriegen, Gewalt und Vertreibungen geprägt war. Etwa 17 Millionen Menschen, Soldaten und Zivilisten, verloren ihr Leben, große Teile Europas wurden zerstört und ungelöste Probleme hinterlassen, die zu weiteren gewaltsamen Konflikten führten. Dieses Album soll die Opfer des Ersten Weltkrieges dem Vergessen entreißen. Mögen ihre Schicksale auch nach über 100 Jahren Mahnung sein für die nachfolgenden Generationen," erklärt Noise, der im Studio alle Instrumente einspielt und für das Konzept von KANONENFIEBER verantwortlich ist. Wie sein Vorgänger basiert KANONENFIEBERs zweites Album auf Tatsachenberichten, persönlichen Briefen und Originaldokumenten der überlebenden und verstorbenen Soldaten des Ersten Weltkriegs. Es geht nicht darum, zu glorifizieren, denn im Krieg gibt es keinen Ruhm. Alle verlieren - ihr Leben, ihre Seelen, ihre Menschlichkeit. Der Krieg wird oft abstrakt und anhand von trockenen Zahlen und Statistiken dargestellt. KANONENFIEBER wollen die Geschichten der Namenlosen und Gesichtslosen erzählen, um einen kleinen Einblick in ihre persönlichen Schrecken und damit in das größte Grauen für die Menschheit als Ganzes zu gewähren. Krieg. Der Black und Death Metal von KANONENFIEBER soll nicht nur unterhalten, sondern anregen, sich weiterzubilden und das Bewusstsein gegen die Verherrlichung des Krieges schärfen. "Die Urkatastrophe" wurde mit Kristian Kohle (Powerwolf, Aborted, Benighted u.v.a.) im Kohlekeller Studio aufgenommen. Zum Song "Waffenbrüder" steuerte Maik Weichert von HEAVEN SHALL BURN ein Gitarrengastsolo hinzu. Das Album erscheint in den folgenden Formaten: Ltd. Deluxe transp. sand-dark red colored splattered 2LP Artbook, Ltd. CD Mediabook & Patch, Standard CD Jewelcase, Ltd. Gatefold standard LP & LP-Booklet, LP and Digital Album.

Eclipse kehren zurück mit ihrem neunten Album "Megalomanium". Nach ihrem bisher erfolgreichsten Album "Paradigm" (das die massive Single "Viva La Victoria" enthält, die allein bisher über 26 Millionen Streams auf Spotify hat)) veröffentlichten die schwedischen Hard Rocker ihr letztes Album "Wired" Ende 2020 (Platz 23 der deutschen Charts). Trotz der fehlenden Tourneen gelang es ihnen, weiter zu wachsen. Das neue Album bietet den fröhlichen, hooklastigen und gitarrenorientierten Sound von Eclipse in seiner reinsten Form, 80er beeinflusster Melodic Hard Rock. Die Band ruht sich jedoch nicht auf Lorbeeren aus und bietet einige neue Elemente für einen Sound, der vor allem in Europa bereits Massen von Fans gewonnen hat. Während die erste Single "The Hardest Part is Losing You" einfach zeigt, dass die Inspiration intakt ist - eine der besten Hymnen von Eclipse überhaupt! - Songs wie "Got It!" oder das von Victor Crusner gesungene "High Road" zeigen, dass die Band sich nicht scheut, neue Wege zu gehen. Trotzdem können sie im hymnischen "Children of the Night" mit einem Riff, das die Erinnerungen an den besten Dio/Sabbath-Sound weckt, sehr hart rocken. Weitere Highlights sind das sofort erkennbare "Hearts Collide" und das treffend betitelte "Anthem", das die Fans, die die Shows der Band genießen, in Brand setzen wird. Megalomanium hat absolut alles, was man von den Jungs aus Stockholm erwarten würde, und noch mehr. Erik Martensson (auch W.E.T.) zeigt einmal mehr, warum er einer der gefragtesten Autoren und Produzenten der Szene ist. Sein Geschmack für Melodien, Songwriting und Harmonien ist absolut herausragend und wenn er sich mit Magnus Henrikssons Gitarren duelliert, ist absolute Magie da. Große Europa Tournee von Juni bis November.

GER Ayo ist zurück mit "Mami Wata", ihrem 7. Album. Benannt nach der nigerianischen Göttin des Meeres. Im Mittelpunkt dieses neuen Albums steht das Wasser, die Hauptinspiration der Sängerin, die vor 3 Jahren nach Tahiti zog. Ayo hat aus ihrer Umgebung inmitten des Pazifiks neue Kompositionen geschöpft, die von intimen Balladen bis zu rhythmischen Litaneien reichen. "Mami Wata" ist ein Logbuch, ein Zeugnis für die Neugeburt einer starken Künstlerin. Nichts wird dem Zufall überlassen, weder in ihren Texten in freien Versen, noch in ihren Melodien, Harmonien und Arrangements, die mit Präzision zwischen den Genres oszillieren. Produziert von Gitarrist Freddy Koella (Bob Dylan, Lhasa...), erwärmen ihre akustischen Texturen das Herz ebenso wie ihre Texte, die von Spiritualität, Freiheit und der Kraft handeln, endlich man selbst zu sein.

Die neue EP, „blush“, ist eine Hommage an den eklektischen Sound der frühen 2000er Jahre, die nahtlos Elemente aus Club-, Rock- und Garagenmusik miteinander verbindet. Sie wurde von Girl Ultra in enger Zusammenarbeit mit ihren engen Freunden, Sam Katz und Kiddie, produziert. Die Songs mischen nahtlos Elemente von trockenem, klarem Gesang, resonanten akustischen Gitarren und pulsierenden Drums mit einem ansteckenden, von Clubmusik inspirierten Flair. Im Herzen der „blush“-EP liegt eine zutiefst emotionale Geschichte, die von der turbulenten Überschneidung von Anziehung, Verlangen und Melancholie erzählt. Girl Ultra teilt eine ehrliche Erkundung der modernen Weiblichkeit, die sich mit der komplexen Dynamik von Selbstbild und Sexualität auseinandersetzt, mit einem ergreifenden Hauch von Bitterkeit. Die neue Musik von Girl Ultra folgt auf ihre bahnbrechende, in Deutschland jedoch gänzlich übersehene EP, „EL SUR“, aus dem Jahr 2022, die in der New York Times, Pitchfork und Harper's Bazaar besprochen wurde. Der internationale Rolling Stone beschrieb die herausragende Single, „Punk“, mit Little Jesus, als „aufregende klangliche Wendung... ruhig, intensiv und unendlich eingängig“ - der Song hat mittlerweile mehr als sieben Millionen Streams. Nach der Veröffentlichung der EP nahm sie Sessions bei NPRs Tiny Desk Concert und KEXP in Seattle auf. Weitere Presseunterstützung erhielt sie von COLORS, DAZED und gal-dem.

"Flood" ist eine Platte und eine Wiedergeburt, für die die Band aus Minnesota fünf Jahre Arbeit aufgegeben hat, um schließlich 13 Tracks in nur 10 Tagen an der texanischen Grenze aufzunehmen. Während die aufschlussreichen Sessions im letzten Jahr auf der Sonic Ranch mit den langjährigen Produzenten Caleb Wright (Charly Bliss, Samia) und Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) stattfanden, begann der Entstehungsprozess des Albums vor gefühlt einer Ewigkeit. In derselben Nacht, in der Hippo Campus ihre letzte Platte "LP3" feierten, erfuhren sie, dass jemand, den sie liebten, unerwartet verstorben war. Die Peitschenhiebe des Erwachsenwerdens wurden durch die Auswirkungen von Tod, Niedergeschlagenheit, Sucht und Angst noch verstärkt, so dass sie sich dem überwältigenden Ziel verschrieben, etwas Tiefgreifendes und Lebensveränderndes zu schaffen. Sie wurden gemeinsam nüchtern, nahmen regelmäßig an Gruppentherapien teil, schrieben mehr als 100 Songs, traten einen Schritt zurück und stellten plötzlich fest, dass ihnen das, was sie machten, eigentlich keinen Spaß brachte. Für eine Band, die eine Milliarde Streams überschritten hat, historische Veranstaltungsorte wie Red Rocks ausverkauft hat, auf Festivalbühnen auf der ganzen Welt aufgetreten ist - und das alles dank des unwiderstehlichen, frühlingshaften Songwritings, das ihre Reihe von experimentellen Pop- und emphatischen Rockalben füllt - wussten sie, dass das, was sie dieses Mal machten, einfach nicht gut genug war. Gemeinsam mit Wright und Cook räumten sie auf und warfen alle Vorurteile darüber über Bord, wie sie zu klingen gedachten. Sie versuchten nicht mehr, ein sogenanntes Meisterwerk zu erzwingen, und verpflichteten sich gegenseitig, das zu schneiden, was ihnen am besten gefiel: kein Hinterfragen oder Zurückhören, nur ein Mantra des Vorwärtsdrangs. Weniger als zwei Wochen später hatten Sänger Jake Luppen, Gitarrist Nathan Stocker, Schlagzeuger Whistler Allen und Bassist Zach Sutton "Flood" fertig. Auf "Flood" liefern Hippo Campus dicht gedrängte Thesen über Selbstkritik und Selbstvergebung, Ermächtigung und das Zurückbleiben hinter den Erwartungen, gescheiterte Beziehungen und das Finden eines Weges nach vorne. Die Gefühle sind roh, echt und ungeschützt, unterstützt von subtilen Tonartwechseln und Tempowechseln und der angeborenen Raffinesse, die sie so mühelos präsentieren können.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast und nur kurze Zeit erhältlich, zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik. Lange vergriffen, hoch gehandelt und nun endlich wieder erhältlich als Digipak und Ltd. Edition Orange Vinyl.

Das Album "Walk With Me" von Dog Eat Dog, veröffentlicht 2006 von Nuclear Blast, ist ein beeindruckendes Zeugnis der kreativen Kraft und musikalischen Vielseitigkeit der Band. Obwohl es nur für kurze Zeit verfügbar war, hat es dennoch einen bleibenden Eindruck hinterlassen und zählt zu den versteckten Juwelen der Rockmusik.

Dog Eat Dog, bekannt für ihre innovative Mischung aus Rock, Punk und Funk, erlebte in den frühen 2000er Jahren eine Phase intensiver Kreativität. Nach mehreren erfolgreichen Alben und Touren entschied sich die Band, ein Album zu schaffen, das ihre musikalische Entwicklung und ihre Erfahrungen der letzten Jahre widerspiegeln sollte. Die Arbeit an "Walk With Me" begann, und die Bandmitglieder verbrachten unzählige Stunden im Studio, um ihre musikalischen Ideen zu perfektionieren.

2003 fanden sie mit Vibra ein neues Management und kamen so in Kontakt mit Claus Grabke. Mit ihm arbeiteten sie an Songs wie "M.I.L.F.", "Hell Yeah", "Cannonball" und "Undivided" für ihr neues Album. Bei letzterem singt Marta Jandová von Die Happy als Gastsängerin.

Das Album wurde mit viel Leidenschaft und Hingabe aufgenommen. Jeder Song auf "Walk With Me" erzählt seine eigene Geschichte und spiegelt die persönlichen und kollektiven Erlebnisse der Band wider. Die kraftvollen Rhythmen, eingängigen Melodien und tiefgründigen Texte zeigen Dog Eat Dog auf dem Höhepunkt ihrer Kreativität.

"Walk With Me" ist vollgepackt mit energiegeladenen Tracks, die die einzigartige Mischung aus Rock, Punk und Funk der Band perfekt zur Geltung bringen. Songs wie "Undivided" und "Walk With Me" strotzen vor Dynamik und zeigen die musikalische Vielfalt der Band. Besonders hervorzuheben sind die kraftvollen Gitarrenriffs und die markante Stimme des Leadsängers, die jedem Song eine besondere Note verleihen.
Die Produktion des Albums ist erstklassig, mit einem klaren und dynamischen Sound, der die Energie und Leidenschaft der Band perfekt einfängt. Die sorgfältige Abmischung und die durchdachte Songstruktur machen "Walk With Me" zu einem Hörgenuss, der sowohl bei hoher Lautstärke als auch in ruhigen Momenten überzeugt.

Trotz der hohen Qualität des Albums war "Walk With Me" nur für eine kurze Zeit verfügbar. Dies lag an internen Problemen bei Nuclear Blast und unerwarteten rechtlichen Komplikationen, die dazu führten, dass das Album nach kurzer Zeit vom Markt genommen werden musste. Diese unglücklichen Umstände bedeuteten, dass viele Fans das Album nicht erwerben konnten, was es zu einem begehrten Sammlerstück machte.

"Walk With Me" ist ein herausragendes Album, das die kreative Essenz von Dog Eat Dog in ihrer besten Form einfängt. Die Kombination aus eingängigen Melodien, kraftvollen Rhythmen und einer faszinierenden Entstehungsgeschichte macht es zu einem unverzichtbaren Bestandteil jeder Musiksammlung. Nun haben Fans endlich die Möglichkeit, dieses Meisterwerk wieder als CD Digipack und Ltd. Edition Orange Vinyl zu kaufen - und auch digital ist es zum ersten Mal seit langer Zeit wieder verfügbar.

Nigerian electronic musician and violist Ibukun Sunday debuts on Phantom Limb with Harmony / Balance, a brooding, introspective take on Afro-ambient music that follows two acclaimed digital-only albums for Phantom Limb imprint Spirituals.


Based in Lagos, Ibukun Sunday has expertly positioned himself between the rarely-married cultures of ambient and West African musics. He entwines his compositions with field recordings from his native Nigeria and deeply considered philosophies of existence, humanity, and society. The themes of Harmony / Balance derive from Swami and Hare Krishna founder A. C. Bhaktivedanta and his work Bhagavad-Gita Eng: “As It Is”, a script on the duality of human nature. In Bhaktivedanta’s text, two cousins - warriors from the sacred Hindu text the Mahābhārata - and their armies are pitted against each other. The humility, self control, and devotion of one cousin against the arrogance, envy, and pursuit of power of the other. Bhaktivedanta writes that from this battle we see the necessity to cultivate and nurture our love and faith, but to simultaneously understand our selfishness and hubris. Appropriately, in Ibukun Sunday’s music, a heavy, apocalyptic dread contrasts fascinatingly with passages of light. The static-spiked, corrosive sound design of Harmony / Balance conjures darkness, but its skipping rhythmic patterns and melodic contours are made of beautifully vibrant colours.



Though Sunday excels in the kind of drawn-out elegance also found in the work of Kali Malone, William Basinski or Fennesz, and also in a magisterial repetition akin to Terry Riley or Manuel Göttsching, his unique practice, classical training, and core culture shine through in a pure and singular way. Scattered throughout Harmony / Balance are unexpected melodic antiphonies closely aligned with African music, interspersed between huge, spacious drones and field recordings.



Lead track “Arrayed On The Battlefield” evokes mythical and deific wars with hissing, buzzing synthesis that could be dystopian if not for a levitational, sunlit harmonic structure. It rolls and shimmers, transcendent frequencies alive with rhythm. Later, “Enemy Of My Enemy” employs shimmering, meditative chord pads and blissful negative space, while towards the end of the record, “To Fight With” could have been taken from a Denis Villeneuve sci-fi - the fizzing, fiery distortion at its peak gradually, carefully yields a rumbling, distant thunder as it closes. Throughout the record, Sunday’s education as a classical viola player is also evident. A honed musicality and developed ear for harmonic resonances lend the work a measured eloquence, even amidst deep, spiritual intuitiveness. This intensely personal and powerfully expressive creativity is key to the grace with which he crosses divides.


Ibukun Sunday is a solo electronic musician and violist based in Lagos, Nigeria. He has released two albums with Phantom Limb’s digital-only imprint Spirituals, which enjoyed rightful acclaim as unique and powerful works of experimental ambient music. He also performed at Phantom Limb’s 5th anniversary celebrations in 2023, playing alongside Richard Skelton at St. John’s on Bethnal Green in London, UK.

Eternal champions! (power metal)
Ewige Meister!
(Power Metal)
Nach dem Erfolg des fulminanten Debütalbums "Emperor Rising" liefert "Return Of The Heralds" noch mehr schnelle, melodische Melodien, die im
Bereich des traditionellen Power-Speed-Metal leben und gedeihen.
Das neue Krilloan-Album ist einmal mehr eine herzliche Hommage an die "guten alten Zeiten" des klassischen Heavy Metal und der Sword &
Sorcery-Unterhaltung, die sie geprägt haben. Epische und grimmige Schlachthymnen über Conan den Barbaren, Elric von Melniboné, "Warhammer
40.000" und die nicht enden wollenden Tage in einer Welt jenseits unserer eigenen: das ist die konzeptionelle Grundlage der schwedischen Band um
Gitarrist Klas Holmgren, mit einem klaren Fokus auf ein ausgefeiltes und stets ausgewogenes Songwriting. Eines ist sicher: Langweilig wird es einem
beim Hören eines Krilloan-Albums nie!