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Steig ein in die neueste Mega-Firma von Seattle, Telehealth. Sind sie Rebellen, die mit Synth-Punk/New Wave die Grundlagen unserer techno-kapitalistischen Hölle untergraben wollen? Oder sind sie Unternehmer, die Marken aufbauen, um die Märkte zu stören und die Massen auszunehmen? Der einzige Weg, das rauszufinden, ist, ihr Debütalbum für Seattles älteste Mega-Firma, Sub Pop Records, zu kaufen. Green World Image folgt auf eine ausgedehnte US-Tournee, ein selbst veröffentlichtes Album und eine knackige 7"-Single aus dem Sub Pop Singles Club aus dem Jahr 2023. Für Fans von B-52s, Water From Your Eyes, Devo und Snooper. Die Kalshi-App ist ein ,Prognosemarkt für den Handel mit der Zukunft", eine Plattform, auf der Leute auf das Ergebnis von fast jedem realen Ereignis wetten können - von der Genauigkeit der Wettervorhersage bis hin zur Frage, ob in Gaza offiziell eine Hungersnot ausgerufen wird oder nicht. Als der Mitbegründer der Plattform, Tarek Mansour, Ende 2025 als offizieller Wett-Partner zu CNN kam, meinte er nach dem Deal: ,Die langfristige Vision ist, alles zu finanzieren und aus jeder Meinungsverschiedenheit einen handelbaren Vermögenswert zu machen." Telehealth wurde in dem chancenreichen Umfeld des Post-COVID-Seattle als skalierbares Musik-Startup mit ähnlichen Zielen gegründet. Das Unternehmen wurde 2022 von dem Ehepaar und Glücksspielbegeisterten Alexander Attitude (Synthesizer/Gesang/Gitarre) und Kendra Cox (Synthesizer/Gesang) gegründet, zu denen sich die langjährigen Mitarbeiter Ian McCutcheon (Schlagzeug), John O'Connor (Bass) und Dillon Sturtevant (Gitarre) gegründet. Die Gruppe will alle Meinungsverschiedenheiten darüber, wie die chaotische lokale ,Musikszene" weitergehen soll, zu Geld machen. Kann man DIY sein und gleichzeitig eine gute Suchmaschinenoptimierung haben? Kann man progressives kulturelles Ansehen und bares Geld gleichzeitig verdienen? Ist Kunst, die durch ,Kulturförderungen" der Tech-Industrie finanziert wird, irgendwie langweilig, authentisch gorpcore (junge Männer leben laut der New York Times den ,Quarter-Zip-Lifestyle") oder ironischerweise punkig? Für Telehealth ist die Antwort auf diese Fragen nicht ja oder nein, sondern eher eine unerschlossene Lücke im Musikmarkt, die auf eine Band wartet, die visionär und verrückt genug ist, auf die Verbreitung zu setzen. Produziert von Trevor Spencer, Green World Image, ist das zweite Album von Telehealth (nach dem Debütalbum Content Oscillator und einer Veröffentlichung des Sub Pop Singles Club, beide aus dem Jahr 2023) und sein Börsengang mit den Angel-Investoren Sub Pop ein vertikal integriertes Kunstwerk für die Post-Grunge-, Post-Flanell-Seattleiter und Konsumenten auf der ganzen Welt, die ebenfalls bereit sind, ihre eigene Leidenschaft für Musik zu finanzieren. Das traumainformierte, ergebnisorientierte und äußerst tanzbare Weirdo-Punk-Album ist inspiriert von Attitudes Zeit als ehemaliger Architekt in einer Climate PledgedÖ-Stadt, die mit ihrem Netzwerk aus effizient zonierten 5-über-1-Gebäuden die Kunst der ,Green World"-Architektur perfektioniert hat. Der PNW-Post-Punk von Telehealth schafft ähnliche architektonische Räume, in denen sich die glänzenden, futuristischen, techno-industriellen Rhythmen und Synthesizer des Seattle der Bezos-Ära mit dem rohen, unabhängigen Underground-Sound vermischen, den die Stadt aus kulturellen und Marketinggründen liebevoll bewahrt. Das Ergebnis? Stell dir XTC, REM und YMO vor, mit einem stärkeren Fokus auf ROI. Stell dir The B-52s vor, aber B2B. Stell dir einen intelligenteren Brainiac, einen transhumanen Gary Numan oder einen terminalen Online-Pylon vor. Endlich eine Band mit so vielfältigen Talenten, dass sie sowohl in deinem Keller als auch in den Amazon Spheres spielen kann.

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REPRESS ALERT! Long out of press and with copies regularly changing hands for close to £100 on the second-hand market, Air Miles are proud to present a limited repress of their inaugural release, “An Ode To Midnight EP’ by Jeigo.

The tone is set from the off with the eponymously named first track of the release ‘an Ode to midnight’. The tracks mellow break beat feel is met by warm rushing pads, ebbing and flowing between textures of the night before last.

Floor focussed, zero fussing ‘Wing Systems’ carries the front side at an orbital trajectory. No time for an intro, the drums jolt you into alertness, the wobbly bass perfectly counterpointed by gated, washing keys.

‘Lime Hawk’, melancholic euphoria brings the release back to the conscious. It’s structure toy-fully crescendos and builds, all while the Balearic synth peaks with the sub line keeping you grounded throughout.

Rounding off the record is ‘By My Side’ meandering the record into slightly darker territories. The shifting keys wash over, the siren call vocals penetrate and the thudding kick punches through, anchoring the track as an emotionally driven, cerebral affair.

Schwarzes Vinyl! Doppel-LP im Klappcover. Ursprünglich 2017 rausgebracht und jetzt zum ersten Mal in Europa über Sub Pop erhältlich! Pure Comedy, das dritte Album von Father John Misty, ist eine komplexe, oft sarkastische und ebenso oft berührende Reflexion über die verwirrende Torheit der modernen Menschheit. Father John Misty ist das Projekt von Singer-Songwriter Josh Tillman. Wir könnten viel über Pure Comedy sagen, zum Beispiel, dass es ein mutiges, wichtiges Album in der Tradition amerikanischer Songwriting-Größen wie Harry Nilsson, Randy Newman und Leonard Cohen ist, aber wir denken, es ist am besten, wenn sein Schöpfer es selbst beschreibt. Los geht's, Mr. Tillman: Pure Comedy ist die Geschichte einer Spezies, die mit einem unvollständig entwickelten Gehirn geboren wurde. Die einzige Überlebenschance dieser Spezies, die sich auf einem grausamen, unberechenbaren Felsen wiederfindet, umgeben von anderen Spezies, die in dieser ganzen Sache viel geschickter zu sein scheinen (und für die sie eine Delikatesse sind), besteht darin, sich auf andere, etwas ältere, halb ausgebildete Gehirne zu verlassen. Diese Abhängigkeit bekommt im Laufe der Geschichte verschiedene Namen, wie ,Liebe", ,Kultur", ,Familie" usw. Mit der Zeit und da sich ihre Gehirne als bemerkenswert gut darin erweisen, Bedeutung zu erfinden, wo keine ist, wird die Spezies zum Lieferanten immer bizarrerer und raffinierterer Ironien. Diese Ironien sollen helfen, mit der abscheulichen Verletzlichkeit der Spezies fertig zu werden und zu versuchen, ihre Fantasie mit der Monotonie ihrer Existenz in Einklang zu bringen. So in etwa. Pure Comedy wurde 2016 in den legendären United Studios (Frank Sinatra, Ray Charles, Beck) in Hollywood, Kalifornien, aufgenommen. Produziert wurde es von Father John Misty und Jonathan Wilson, die Tonarbeit übernahm Mistys langjähriger Tontechniker Trevor Spencer und die Orchesterarrangements stammen vom bekannten Komponisten und Kontrabassisten Gavin Bryars (bekannt für seine umfangreichen Soloarbeiten und seine Zusammenarbeit mit Brian Eno, Tom Waits und Derek Bailey). Black Vinyl. Originally released in 2017 & now available for the first time in Europe via Sub Pop! Pure Comedy, Father John Misty's third album, is a complex, often-sardonic, and, equally often, touching meditation on the confounding folly of modern humanity. Father John Misty is the brainchild of singer-songwriter Josh Tillman. While we could say a lot about Pure Comedy including that it is a bold, important album in the tradition of American songwriting greats like Harry Nilsson, Randy Newman, and Leonard Cohen we think it's best to let its creator describe it himself. Take it away, Mr. Tillman: Pure Comedy is the story of a species born with a half-formed brain. The species' only hope for survival, nding itself on a cruel, unpredictable rock surrounded by other species who seem far more adept at this whole thing (and to whom they are delicious), is the reliance on other, slightly older, half-formed brains. This reliance takes on a few different names as their story unfolds, like "love," "culture," "family," etc. Over time, and as their brains prove to be remarkably good at inventing meaning where there is none, the species becomes the purveyor of increasingly bizarre and sophisticated ironies. These ironies are designed to help cope with the species' loathsome vulnerability and to try and reconcile how disproportionate their imagination is to the monotony of their existence. Something like that. Pure Comedy was recorded in 2016 at the legendary United Studios (Frank Sinatra, Ray Charles, Beck) in Hollywood, CA. It was produced by Father John Misty and Jonathan Wilson, with engineering by Misty's longtime sound-person Trevor Spencer and orchestral arrangements by renowned composer/double-bassist Gavin Bryars (known for extensive solo work, and work with Brian Eno, Tom Waits, Derek Bailey).

Nach ihrer gemeinsamen Interpretation von I See A Darkness mit Perfume Genius kündigt Anna Calvi die neue EP Is This All There Is? an, die am 20. März erscheint. Die vier Songs versammeln Kollaborationen mit Perfume Genius, Iggy Pop, Laurie Anderson und Matt Berninger.

Eröffnet wird die EP von God’s Lonely Man, in dem Calvi Iggy Pop die Stimme eines zerstörerischen inneren Monologs überlässt. Der Song ist von nervöser Energie getragen: kantige Gitarren, antreibende Drums, eine direkte Konfrontation mit emotionaler Stagnation. Pop verkörpert dabei genau jene rohe Präsenz, die Calvi für die Erzählung suchte.

Seht und hört "God´s Lonely Man" HIER.

Is This All There Is? bildet den ersten Teil einer geplanten Trilogie, die Identität als etwas Veränderliches begreift, geformt durch Nähe, Liebe und biografische Brüche. Ausgangspunkt ist Calvis eigene Erfahrung des Mutterwerdens, die ihren Blick auf Sicherheit, Verantwortung und Möglichkeiten verschoben hat. Die EP kreist um grundlegende Fragen moderner Existenz: Wie lässt sich Intimität neu denken? Was bedeutet es, sich wirklich verbunden zu fühlen? Und wann fühlt man sich wach?

Neben dem bereits veröffentlichten I See A Darkness interpretiert Calvi gemeinsam mit Laurie Anderson Kraftwerks Computer Love neu. Mit Andersons Stimme im Zentrum und choralen Arrangements entsteht ein Stück über digitale Nähe und emotionale Distanz. In ihrer Gesamtheit wirkt die EP wie ein zusammenhängender filmischer Bogen – vier Songs, vier Perspektiven, eine fortlaufende Erzählung.
Is This All There Is? versteht Kollaboration nicht als Zusatz, sondern als Strukturprinzip: Die Stimmen der Beteiligten werden zu Figuren innerhalb eines gemeinsamen Klangraums, in dem Fragen offen bleiben dürfen.

“Released on Joe Boyd’s Hannibal label here was a band rooted in Thompson/Swarbrick Fairport but also a snatch of the Velvet Underground and a sprig of The Byrds. The Eighteenth Day Of May evoked a legendary era, and now they are a justifiably legendary band too.” – KLOF Mag

Beginning life as a trio in London, 2003, the original line-up consisted of Allison Brice (vocals, flute), Richard Olson (acoustic guitar) and Ben Phillipson (guitar, mandolin) before expanding the following year to include the rhythm section of Mark Nicholas (bass) and Karl Sabino (drums, autoharp) and finally Alison Cotton (viola).
This being the mid zeros, the independent music scene in the UK was reluctant to embrace a sun-dazed folk band but this, their sole album, has gradually feathered a bed of affection amongst international folk fans. Twenty years on, the album is now rightfully seen as a trailblazer for the myriad alternative/psych folk bands that emerged in its wake.
Andy Childs who signed the band originally takes up the story. “I first heard their music on a cover mounted CD with the much missed Comes With A Smile magazine and as far as I could tell no-one was making music like this anymore, certainly not with such panache and confidence. To my jaded ears it all sounded so uninhibited - old weird folk songs, Americana, original psych-folk, minimalist drones. Great melodies and all six of them could sing! A joyous, unfettered sound that could in one moment conjure up flashes of The Byrds and then effortlessly the spirit of Velvet Underground would drift through. They even covered a Spacemen 3 song. I loved the fact that they had the aplomb to tackle traditional folk songs like Lady Margaret and Flowers In The Forest and not be afraid to stamp their own identity on them.
Signing them to the Hannibal label was straightforward. If anything the album somehow sounds fresh and undated, even better than it did in the day when perhaps eclecticism was out of synch with the times; its subtleties have become more apparent.”
“Their rendition of Lady Margaret builds to a headswirling crescendo that challenges anyone who claims Shirley Collins, Buffy Sainte-Marie or Trees have recorded the definitive version and the hallucinatory The Waterman’s Song To His Daughter raises an already brilliant album to an unholy level” - IT’S PSYCHEDELIC, BABY Magazine

MASK Records founder ZentaSkai joins forces with Berlin-based creative Laura Merino Allue under the name Cuddling Monsters, a project centered on analog processes and tactile sound design. Debuting in March 2024, the project explores Detroit-infused House, dub Techno, and minimal soundscapes shaped by raw texture and spatial depth. Working exclusively with analogue instruments, the duo prioritise warmth, imperfection, and presence over polish. Alongside her music work, Laura Merino Allue is also a graphic designer, bringing a strong visual identity to the project’s wider aesthetic.
‘Cuddling Monsters' is inspired by real-life experiences — the raw, imperfect, beautiful moments we move through. We believe in staying present, feeling everything deeply, and embracing the analog flow of the now. It’s about living the moment fully — and like a cuddle on the dancefloor, creating a space where sound holds you, warmth surrounds you, and even the wildest monsters feel safe enough to soften.’ -
Cuddling Monsters
The Cuddling Monsters ‘Vol. 3’ EP opens with ‘Bubble Bloom’, a melodic house track featuring warped, filtered synth tones that set a hazy foundation before a dub-leaning beat settles in. It’s layered with aquatic, bubbly textures and fragmented samples, adding warmth and movement. ‘Warm Waves’ shifts into a lighter, more atmospheric space, increasing the tempo slightly while maintaining a restrained, ethereal character. The B-side closes with ‘Secret Signal’, a long-form techno piece stretching over ten minutes, where evolving synth lines gradually merge with soft, dubby drums and analogue percussion, building steadily without excess before easing out.

Mit der Oxblood Vinyl Edition kehren die frühen Klassiker von 16 Horsepower in besonders eindrucksvoller Form zurück. Secret South zeigt die Band auf ihrem dunkelsten, weitläufigsten Terrain: eine fiebrige Mischung aus Gothic Americana, Folk, Country-Anklängen und okkult schimmernder Schwermut. Bandoneon, Banjo, Hurdy-Gurdy und entrückter Gesang formen einen Sound, der fernab jeder Moderne wirkt und dennoch zeitlos bleibt - archaisch, intensiv und voller Sogkraft. Während die Stücke zwischen asketischer Kargheit und opulenter Weite pendeln, entfaltet sich die volle emotionale Wucht eines Albums, das bis heute Kultstatus besitzt. Parallel zu dieser Wiederveröffentlichung feiern 16 Horsepower ihre Reunion-Tour 2026 in Originalbesetzung, ein Ereignis, das europaweit für ausverkaufte Häuser sorgt. Eine essenzielle Edition für Gothic-Americana-, Folk- und Alternative-Sammler.

Mit "Hoarse" zeigen sich 16 Horsepower in ihrer radikalsten und unmittelbarsten Form. Das Live-Album fängt die Intensität der Konzerte in Denver und Paris ein und präsentiert Songs aus Low Estate und Sackcloth "n" Ashes in Versionen, die härter, wilder und präziser wirken als ihre Studio-Originale. Schon das von David Eugene Edwards" Akkordeon getriebene Intro von "American Wheeze" baut eine Spannung auf, die sich in eruptiver Kraft entlädt. Die Band agiert wie eine perfekt eingespielte Maschine: schwer, aber niemals stumpf; filigran, aber stets von innerem Druck durchzogen. Coverversionen wie "Bad Moon Risin"", "Fire Spirit" oder Joy Divisions "Day of the Lords" werden in eine düster glühende, beinahe rituelle Energie verwandelt. Die Oxblood Vinyl Edition bringt diesen Live-Klassiker zurück - rechtzeitig zur Reunion-Tour 2026 und als essenzielles Dokument der außergewöhnlichen Bühnenmagie der Band.

Nach einer dreijährigen Pause kehrt der schwedische Singer-Songwriter Thomas Jonsson mit ,Give Up Together" zurück, seinem sechsten Album als I'm Kingfisher. Nach dem 2023 erschienenen, hochgelobten Album ,Glue", das größtenteils gemeinsam mit Jazzmusikern arrangiert wurde, hat sich Jonsson dieses Mal für einen etwas anderen, härteren Sound entschieden - mit einer brillanten Sammlung von Americana-Songs, die von ruhigen Drums, markanten E-Gitarren und satten Streichern umhüllt sind, während sie gelegentlich zu reduzierten Folksongs dekonstruiert werden. Als eines der bestgehüteten Geheimnisse Schwedens und als einer der besten Songwriter der nordischen Folk-Welle hat Jonsson still und leise ein mehr als beeindruckendes Repertoire aufgebaut, während er die Bühne mit Kevin Morby, Courtney Marie Andrews, The Weather Station und Damien Jurado teilte, und ist nun endlich bereit, neben seinen berühmteren Zeitgenossen ins Rampenlicht zu treten.

Uncle Slam, featuring former members of Suicidal Tendencies and Warrior, was a politically-minded thrash act from the 90's. Their list of influences shouldn’t surprise anyone with a passing familiarity of the genre: early Corrosion of Conformity, Dark Angel, Testament, Megadeth and of course Suicidal Tendencies.

Will Work for Food, originally released in 1993 by Roadrunner Records in Europe, with cover art by the legendary Ed Repka, will now be a available on vinyl for the first time ever.

This album features an iconoclastic take on Led Zeppelin’s “Dazed and Confused” which is one of the record’s highlights, These guys are turning that song’s proto-punk into actual punk. The rest of the album is a blast of antigovernment aggression, and is ready to be rediscovered 30-odd years later!

Will Work For Food is for the first time available on vinyl as a limited edition of 750 individually numbered copies on purple vinyl and includes an insert.

Carlo Karacho schwingt durch die deutsche Dub Diskothek wie ein Profi. Leichte Töne für harte Zeiten. So fängt er dich ein, bis er dich mit spielerisch durchdachten Texten durch einen krautigen New-Wave Dschungel in einen Trip-hop Himmel verschleppt und verzaubert. Tie me up, tie me down!

Udo Lindenberg - Alles unter einen Hut - Eure Favoriten
41 Tracks / 40 Songs aus 40 Studio-Alben plus „Komet“
Auf dieser Compilation befinden sich die Original-Versionen - remastert
Künstler, Udo Lindenberg / Udo Lindenberg und das Panikorchester, diverse fest. Artists



Das besondere Birthday Package.
Zu seinem runden Geburtstag veröffentlicht Udo Lindenberg eine ganz besondere Panik-Compilation. Kein klassisches Best Of-Album, sondern ein Geschenk der Fans an Udo Lindenberg - denn über die Songauswahl haben die Fans abgestimmt


Im Januar startete dafür eine beispiellose Mitmach-Aktion, die die Fans begeisterte und zu einem großartigen Voting-Ergebnis führte: Alle Songs aus 40 Studioalben standen zur Wahl. - vom ersten Album „Lindenberg“ (1971) bis zum letzten Studioalbum „Stärker als die Zeit“. Das Ergebnis ist diese brandneue, von den Fans kuratierte Compilation mit den 40 meistgewählten Tracks - gekrönt von „Komet“ als 41. Song, den Udo höchstpersönlich außer Konkurrenz gesetzt hat.


Die Mischung der Songs ist eine wilde Zeitreise durch mehr als fünf Jahrzehnte Musikgeschichte: von den frühen Panik-Hymnen bis zu den jüngsten Meisterwerken - auf Deutsch, Englisch und sogar Niederländisch. Begleitet von vielen Weggefährten und natürlich dem legendären Panikorchester, erzählt diese Platte am Ende nicht nur Udos Geschichte - sie erzählt die Geschichte der Fans


Dass diese Compilation ein echtes Unikat ist, zeigt sich auch an den hauchdünnen, internen Duellen auf den jeweiligen Alben. Oftmals stießen Fan-Lieblinge die großen Titel-Tracks vom Thron. Einige Songs befinden sich auch zum ersten Mal auf einer Compilation.


Mit jeweils einem Song aus 40 Studioalben und dem Riesenhit „Komet“ ist diese Werkschau (in den remasterten Originalversionen) somit das einmalige Dokument einer deutschen Jahrhundertkarriere.

Electro as its best! SS001 marks the first transmission from Serpiente Sounds, a debut 12" split that keeps it lean, direct, and floor-focused. Viewtiful Joe handles the A-side with two cuts that balance Electro snap and Detroit discipline: clean drum architecture, crisp low-end, and synth lines that feel both futuristic and functional. On the flip, Subversive brings two late-night weapons with a colder edge and a deeper swing. SS001 is a debut statement with zero filler, a compact toolkit of Electro/Detroit tools for the booth.

Mit Robot feiert Caravan Palace den zehnten Geburtstag eines Albums, das den Electro-Swing neu definiert hat. Der Pariser Ausnahmeact vereint auf beeindruckende Weise energiegeladene Club-Beats, cineastische Retro-Ästhetik und eine unwiderstehliche Jazz-Sensibilität. Zum Jubiläum erscheint das Werk nun als exklusive Doppel-LP mit vier bislang unveröffentlichten Remixen - ein Geschenk für alle Fans, Sammlerinnen und Vinyl-Liebhaberinnen. Die Edition umfasst die ikonischen Singles "Lone Digger", "Aftermath", "Wonderland" und "Comics", die den Sound von Caravan Palace weltweit geprägt haben. Mit ihrem Mix aus Future Swing, Electro, Funk und pulsierenden Streicher-Hooks schaffen sie eine Klangwelt, die gleichermaßen nostalgisch wie futuristisch wirkt. Robot bleibt ein Meilenstein der modernen elektronischen Musik und zeigt auch zehn Jahre später, wie innovativ und zeitlos diese Band klingt. Die Jubiläums-Edition ist die definitive Art, das Album neu zu erleben - kraftvoll, tanzbar und voller musikalischer Liebe zum Detail.

Richard Norris aka Dr No hooks up with Orange Juice/The The legend Zeke Manyika for a storming rendition of the Marshall Jefferson all time house classic 'Open Our Eyes'. Raise your hands if you understand...

The low holds depth. Elements come closer. Crossing the zero point all echoes become structure.

Future Islands feiern ihr 20-jähriges Bestehen mit From a Hole in the Floor to a Fountain of Youth, einer besonderen Sammlung aus Raritäten, alternativen Versionen und Fanlieblingen, von denen viele erstmals digital verfügbar sind. Statt eines klassischen Best-of-Albums zeigt die Band damit ihre Entwicklung und künstlerische Tiefe jenseits ihrer bekanntesten Momente. Die 20 Songs spiegeln 20 Jahre Bandgeschichte wider - von frühen Auftritten in kleinen Clubs bis hin zu einer gefestigten, zeitlosen Klangidentität. Der Titel steht sinnbildlich für diesen Weg: vom Alltag ("Hole in the Floor") hin zur Verwirklichung von Träumen ("Fountain of Youth"). Musikalisch bleibt die Band ihrem Stil treu: treibende Basslinien, atmosphärische Synthesizer und der eindringliche Gesang von Samuel T. Herring sorgen für einen roten Faden. Themen wie Sehnsucht, Liebe, Vergänglichkeit und emotionale Erinnerung durchziehen das Album. Die Veröffentlichung ist keine nostalgische Rückschau, sondern eine bewusste Neupositionierung. Sie macht verborgene Facetten sichtbar und zeigt eine Band, die in ihrer Zurückhaltung, Reife und Beständigkeit überzeugt. Gleichzeitig wird deutlich, dass ihr Erfolg nicht nur auf Musik, sondern auch auf langjähriger Freundschaft und echter Verbundenheit beruht. So entsteht ein vielschichtiges Porträt, das die Geschichte von Future Islands vervollständigt und ihre besondere künstlerische Identität unterstreicht.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.

,Paradessence", das dritte Album von Visible Cloaks, ist ein Werk der Entstehung und Illusion. Die vierzehn Songs des Albums verschieben, heben und schimmern vor einem schwach leuchtenden Hintergrund der Nacht, einem höhlenartigen Raum, der durch spärliche hyperreale Darstellungen der natürlichen Welt geformt wird. Die Arrangements sind gleichzeitig grandios und zerbrechlich, sowohl eine Umkehrung als auch eine Kulmination dessen, was zuvor kam, und so abenteuerlich wie alles, was sie bisher produziert haben. Seit ihrer Umwandlung von Cloaks zu Visible Cloaks im Jahr 2014 haben Spencer Doran und Ryan Carlile eine komplexe Matrix gegensätzlicher Konzepte entworfen: organisch und künstlich, zufällig und bewusst, authentisch und repliziert. Der Albumtitel, der aus dem satirischen Portmanteau des Autors Alex Shakar aus ,paradox" und ,essence" stammt, spiegelt diese Spannungen direkt wider: Die Paradessence von Konsumgütern ist der ,schismatische Kern", der ihre Attraktivität ausmacht (in Shakars Beispiel ist Kaffee begehrt, weil er gleichzeitig entspannend und anregend wirkt). Der Balanceakt von Paradessence verleiht diesen Spannungen eine größere Dringlichkeit, da das Leben im 21. Jahrhundert durch eben diese Spannungen neu geordnet wird. Stille ist ein wichtiger Charakter in Paradessence, der nicht nur in der Gestaltung des Klangs zu spüren ist, sondern auch in dem Druck, den er auf alles und alles, was entsteht, ausübt. Die Gruppe ließ sich vom Konzept des ,positiven Raums" des Architekturtheoretikers Christopher Alexander beeinflussen, einer Idee, dass der Form der Leere um ein Objekt herum die gleiche Aufmerksamkeit geschenkt werden kann wie der Konstruktion des Objekts selbst. Wir hören, wie Klänge ihre eigene Stille in sich tragen, zwischen Existenz und Nicht-Existenz oszillieren und wie Mikroorganismen Lebenszyklen durchlaufen. Die Instrumente, die Paradessence untermauern, haben etwas Kollektives an sich. Sie bewegen sich wie eine Herde, so wie wenn der Wind über ein Feld voller Blätter weht und die Luft in der Abwesenheit von Bewegung sichtbar wird; mehrere Arten leben in derselben Melodie zusammen, treten hervor, ziehen sich zurück und verwandeln sich im Laufe von mehreren Minuten. ,Anstatt Stücke zu schaffen, die horizontal als Umgebungen funktionieren", sagt Doran, ,wollten wir sie als lebendes Material konzipieren, das sich im Raum verändert und ständig im Fluss ist." Die Songformen entfernen sich von der Atmosphäre und tendieren zur reinen Abstraktion. Utopismus schwebt am Rande; eine Beziehung zu imaginären Zukünften, die weder naiv, zynisch noch nostalgisch ist. Die Welt, die Visible Cloaks im Laufe der Zeit aufgebaut haben, wird oft von Mitwirkenden physisch umgesetzt, von denen eine vertraute Besetzung für Paradessence zurückkehrt. Motion Graphics (Joe Williams) ist auf ,synthetic woodwinds" zu hören und hat das Album mitgemischt, wobei er ihm mit seinem charakteristischen Glanz Kontur verliehen hat. Die miteinander verbundenen Stücke ,Shapes" und ,Thinking" wurden zusammen mit den Innovatoren der Umweltmusik Yoshio Ojima und Satsuki Shibano entwickelt, die auch mit dem Duo an der generationsübergreifenden FRKWYS-Kollaboration serenitatem gearbeitet haben. Das letztere Stück enthält einen von Ojima verfassten gesprochenen Text, der von Shibano auf Japanisch und von der Komponistin und langjährigen Freundin Félicia Atkinson auf Französisch gelesen wird. Das Componium Ensemble, Dorans Projekt für ,unbestimmte Kammermusik" mit selbstspielenden Software-Instrumenten, bildet die Grundlage für ,System" in einem Moment von Pessoa-scher Heteronymie. Auf dem Album ist auch Ioana Selaru zu hören, eine rumänische Komponistin und Violinistin, die ,Intarsia" mit ihrer Stimme und ihrem Streicherspiel bereichert. Doran beschreibt ihre Zusammenarbeit als ,eine Übung in illusorischer Präsenz", die sie gemeinsam aus ,der Idee entwickelt haben, ihr reales Instrumentenspiel virtuellen Instrumenten gegenüberzustellen, um die Grenzen zwischen synthetischen Streichinstrumenten und denen, die in der Realität existieren, zu verwischen". Selarus energiegeladene Darbietung in ,Intarsia" ist ein deutlicher Beweis für den dramatischen Kern von Paradessence: ein dringliches skulpturales Unterfangen, ein Instrument und eine menschliche Stimme, moduliert von einem Meer synthetischen Wachstums. Doran beschreibt, wie für ihn ,dieses Verschieben zwischen dem Realen und dem Virtuellen etwas ganz anderes einfängt, etwas Seltsames und Unbeschreibliches, das ein fester Bestandteil des Lebens in der digitalen Moderne ist, sowohl online als auch im realen Leben". Es ist elektronische Musik, die nicht nur durch ihre wechselnden Formen eine abstrakte Darstellung unserer aktuellen Traumrealität heraufbeschwört, sondern auch imaginäre Räume schafft, die emotional nuanciert sind und zu Momenten der Anmut führen.