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Heiko Voss has earned near mythical status as a torchbearer for the emotional, deeply felt and quietly radical style of electronic music. The blissed-out radiance of his Kompakt Pop single, “I Think About You” remains one of the label catalog highlights and a stellar run of collaborative singles as Schaeben & Voss; others might know him for his stewardship of the excellent, much-underrated Firm imprint. But with his new album, 3:30 Minutes To Live, released by Michael Mayer’s label Imara, Voss returns after a long silence with a beautiful collection of songs that hymn heartbreak with a lusciously melodic touch.

There is something definitive and newly confident in 3:30 Minutes To Live that has it feeling like a real statement of intent if compared to his earlier releases. “Although it’s not, 3:30 Minutes To Live feels like my debut album,” Voss reflects. “All releases before were more song sketches or electronic dance tracks.” Bunkering down in Teary Eyes Studio, Voss worked up somewhere between thirty and forty sketches of songs, which he whittled down to the twelve collected here, all of them situated in a unique space, but very much in accord with Voss’s defining aesthetic, which he describes as “indie pop music with a lot of guitar, electronic elements and a great love for melancholic ‘80s synth-lines.”

Voss is sensitive to both variety and consistency – 3:30 Minutes To Live sits together as an assured, vibrant collection of pop songs, but it’s marked by all kinds of surprising incident, like the guitar solo that erupts out of “This Is My Life”, or the acoustic guitar-led melancholy of the closing “This Summer”. It’s all borne of the alchemy of the studio process and the intimate romance of music-making. “If you constantly feel a little bit like you’re in love while writing and producing your music – simply because of the sound of the synth flowing warmly and gently through the room, or because the sequence of notes awakens something in you, or even a randomly arising groove in the loop of a guitar lick makes you shout, ‘Ha!!’ – then it usually becomes a beautiful song,” Voss nods. “Those moments make me happy.”

There’s also a delicious tension between the push of the music, its melodic lushness and gliding, ballerina-like movement, and the darker currents that pull through Voss’s lyrics, inspired by a “short, dramatic and toxic love affair.” This may read like familiar terrain for a pop album, but the way Voss weaves language through both the extra-linguistic joys of music and the inarticulate speech of the heart somehow allows for direct communication that is simultaneously plain-spoken and deeply profound. “Say It” is a simple, devastatingly effective plaint of alienation; “She Wasn’t Lonely” a simple portrait of everyday living set to chiming, clacking guitars, the music in the bridge taking astral flight as the titular character ‘lets herself go.’

A smart and sharp collection of songs that captures you with its gorgeous melodicism just as it blindsides you with its aching heart, 3:30 Minutes To Live is Heiko Voss at his most assured and open-hearted best.

Heiko Voss hat sich als Fackelträger einer emotionalen, von ganzem Herzen kommenden und nicht auf den ersten Blick radikalen Spielart von elektronischer Musik einen nahezu mythischen Status erarbeitet. Das schiere Glück, welches seine Kompakt Pop-Single "I Think About You" aus dem Jahr 2003 immer noch ausstrahlt, macht sie nach wie vor zu einem der Highlights des Label-Katalogs, wo sie neben einer ganzen Reihe hervorragender Singles als Schaeben & Voss steht; andere kennen Heiko vielleicht durch das tolle und vielfach unterschätzte Label Firm, für das er zusammen mit Thomas Schaeben verantwortlich war. Mit seinem neuen Album “3:30 Minutes To Live”, das am 4. März 2022 auf Michael Mayers Label Imara erscheint, kehrt Voss nun nach einer langen Pause mit einer wunderschönen Sammlung von Songs zurück, die den Herzschmerz – getragen auf den Schwingen unwiderstehlicher Melodien – ausgiebig besingen.

“3:30 Minutes To Live” kommt mit einer gehörigen Portion Überzeugung und Selbstbewusstsein daher, was im Vergleich zu seinen früheren Veröffentlichungen wie ein bewusstes Statement wirkt. "Obwohl es das nicht ist, fühlt sich ‘3:30 Minutes To Live’ wie mein Debütalbum an", meint Voss. "Alle meine vorherigen Veröffentlichungen waren eher Song-Skizzen oder elektronische Dance-Tracks."

Im Teary Eyes Studio arbeitete Voss zwischen dreißig und vierzig Songskizzen aus, die er auf die zwölf hier versammelten Songs reduzierte, die alle ihren eigenen Raum einnehmen, dabei aber sehr gut mit Voss' übergeordneter Ästhetik harmonieren, die er als "Indie-Pop-Musik mit viel Gitarre, elektronischen Elementen und einer großen Liebe für melancholische 80er-Jahre-Synthies" beschreibt.

Voss ist sowohl für Abwechslung als auch für Konsistenz empfänglich - “3:30 Minutes To Live“ ist eine selbstsichere, lebendige Sammlung von Popsongs, die aber auch von allerlei Überraschungen geprägt ist, wie dem Gitarrensolo, das aus “This Is My Life” herausbricht, oder die von einer Akustikgitarre getragene Melancholie des abschließenden “This Summer”.

Das alles ist entstanden aus der besonderen Alchemie des Studioprozesses und der intimen Romantik des Musikmachens. "Wenn du beim Schreiben und Produzieren deiner Musik ständig das Gefühl hast, ein bisschen verliebt zu sein – einfach weil der Klang des Synthesizers warm und sanft durch den Raum fließt, oder weil die Notenfolge etwas in dir weckt, oder sogar ein zufällig auftauchender Groove im Loop eines Gitarren-Licks dich ein 'Ha!' ausrufen lässt – dann wird daraus meist ein schöner Song", nickt Voss. "Diese Momente machen mich glücklich."

Es entsteht eine besondere Spannung zwischen dem positiven Elan der Musik, ihrer melodischen Verschwendungssucht, den gleitenden, Ballerina-artigen Bewegungen und den dunkleren Strömungen, die durch Voss' Texte ziehen, die von einer "kurzen, dramatischen und giftigen Liebesaffäre" inspiriert sind. Das mag sich wie ein vertrautes Terrain für ein Pop-Album anhören, aber die Art und Weise, wie Voss die Sprache sowohl durch die nonverbalen Elemente der Musik als auch durch den nicht artikulierten Ausdruck des Herzens verwebt, ermöglicht eine Art direkte Kommunikation, die gleichzeitig ausgesprochen klar und trotzdem tiefgründig ist. “Say It" ist eine erschütternd einprägsame Anklage von Entfremdung; "She Wasn't Lonely" ist ein einfaches Porträt des alltäglichen Lebens, untermalt von klappernden Gitarren, in dem die Musik einen astralen Flug unternimmt, während die Titelfigur sich "gehen lässt".

“3:30 Minutes To Live“ ist eine kluge und scharfsinnige Sammlung von Songs, die den Zuhörenden mit ihren wunderschönen Melodien fesseln, aber auch mit einer Menge schmerzenden Gefühlen konfrontiert. Ein Album, auf dem Heiko Voss ganz bei sich ist und Euch dabei mehr als nur sein Herz öffnet.

Der in Berlin lebende Rapper und Produzent hat für Künstler unterschiedlicher Genres wie Samy Deluxe, Wallis Bird und Hundreds produziert. Erste eigene Bekanntheit erlangte LLUCID mit dem Release zweier EP's zusammen mit MADANII, einer deutsch-iranischen Sängerin, die alternative Popmusik mit Elementen aus R&B & Hip-Hop kombiniert. Nach den ersten beiden Solo-Singles 'Fooled' und 'Habits'" erscheint nun seine erste 6-Track-Solo-EP 'Getting In Touch'.

Die im südlichen New Hampshire, USA beheimateten Blackened Melodic Death Metaller BEGAT THE NEPHILIMhaben ihr weltweites Signing bei Noble Demon bekannt gegeben und werden im Herbst 2021 ein neues Album veröffentlichen!
BEGAT THE NEPHILIM wurden 2012 gegründet und haben eine intensive und unverkennbare Laufbahn hingelegt, in der sie die Bühne mit bekannten Acts wie SOULFLY, SUICIDE SILENCE, NAPALM DEATH, SUFFOCATION, MORBID ANGEL oder vielen anderen teilten und an namhaften Touren/Festivals in den USA, wie Summer Slaughter und dem New England Metal and Hardcore Festival, teilnahmen. Mit ihrem drückenden und doch melodischen und technisch beeindruckenden Sound, sowie ihren frenetischen und chaotischen Live-Auftritten, hat die Band bereits vielerorts einen bleibenden Eindruck hinterlassen und sich einen renommierten Namen in der Szene erspielt.
Das mit Spannung erwartete zweite Album von BEGAT THE NEPHILIM, mit dem Titel "II: The Grand Procession", erscheint am 29. Oktober via Noble Demon. Einen ersten, imposanten Einblick in die neue Platte gibt es mit dem Lyric-Video zu "Paupers Grave".

Die im südlichen New Hampshire, USA beheimateten Blackened Melodic Death Metaller BEGAT THE NEPHILIMhaben ihr weltweites Signing bei Noble Demon bekannt gegeben und werden im Herbst 2021 ein neues Album veröffentlichen!
BEGAT THE NEPHILIM wurden 2012 gegründet und haben eine intensive und unverkennbare Laufbahn hingelegt, in der sie die Bühne mit bekannten Acts wie SOULFLY, SUICIDE SILENCE, NAPALM DEATH, SUFFOCATION, MORBID ANGEL oder vielen anderen teilten und an namhaften Touren/Festivals in den USA, wie Summer Slaughter und dem New England Metal and Hardcore Festival, teilnahmen. Mit ihrem drückenden und doch melodischen und technisch beeindruckenden Sound, sowie ihren frenetischen und chaotischen Live-Auftritten, hat die Band bereits vielerorts einen bleibenden Eindruck hinterlassen und sich einen renommierten Namen in der Szene erspielt.
Das mit Spannung erwartete zweite Album von BEGAT THE NEPHILIM, mit dem Titel "II: The Grand Procession", erscheint am 29. Oktober via Noble Demon. Einen ersten, imposanten Einblick in die neue Platte gibt es mit dem Lyric-Video zu "Paupers Grave".

Dutch symphonic metal band Delain released their third studio album We Are the Others in 2012 to positive reviews from music critics. The album title was inspired by the murder of 20-year-old Sophie Lancaster, whose murder was likely a hate crime due to her being part of the goth subculture. The album spawned two single releases: “Get The Devil Out of Me” and the title track, for which the band shot a music video that included many well-known people from the metal scene, including George Oosthoek, Sharon den Adel, Robert Westerholt and Rob van der Loo. The album features guest contributions by the likes of Burton C. Bell (Fear Factory) and Marko Hietala (Nightwish) and was produced by Jacob Hellner (aka Tripod), who is best known for producing most of Rammstein’s albums.

Nach ihrem von Fans & Kritikern gefeierten, 2019-er Meisterwerk Oscillation, stehen die schwedischen Post-Rock Meister von OH HIROSHIMA nun mit ihrem vierten Studioalbum Myriad in den Startlöchern, welches am 4. März 2022 über Napalm Records veröffentlicht wird. Die Zeit der anhaltenden Pandemie hat die Band mehr als kreativ genutzt um hier einen epischen Nachfolger abzuliefern, der zweifelsohne eine Schippe drauflegt und mit absoluter Post-Rock Bravour zu brillieren weiß!

Es ist die Mischung aus Emotionen – von unendlicher Traurigkeit bis hin zu Momenten der Klarheit und herzzerreißenden Melodien, die sich zu einem grollenden Vulkan aus ästhetischem Noise und einer wilden Urkraft zu vermischen scheinen, aber auch ihr einzigartiger Einsatz von Trompeten, Cello und Posaunen im Gegensatz zu den Synthesizern – lässt OH HIROSHIMA in Post-Rock Kreisen und darüber hinaus herausstechen.

Wie bereits der Album Vorgänger, wurde Myriad von niemand Geringerem als CULT OF LUNA‘s Magnus Lindberg gemixt und gemastert, wieder einmal mehr beweisen OH HIROSHIMA herausragendes Können – und liefern ein majestätisches Post-Rock Meisterwerk ab, welches sich ohne Zweifel an die Spitze der Alben
des Jahres 2022 einreihen wird!

Seit jeher ist die Natur für den Künstler Dominik Eulberg eine Quelle für Inspiration, ein Ort der Kraft und des Rückzugs. Nun veröffentlicht der studierte Naturschützer sein sechstes Album: Avichrom. Dieses Kunstwort bedeutet soviel wie "Vogelfarben". Denn Eulberg widmet sich diesmal den Farben im Gefieder von Vögeln, von deren über bordenden Vielfalt es elf in die deutschen Namen heimischer Vogelarten geschafft haben, von Grünfink, Goldregenpfeifer über Blaumeise bis hin zu Purpurreiher und Schwarzhalstaucher. Sie dienen ihm als Führer auf seiner musikalischen Expedition in die Ornithologie. Eulberg zeigt sich hier als ein hart arbeitender Handwerker, als jemand, der alle Schritte der Produktion von Grund auf beherrscht und versessen an kleinsten Details feilt. Avichrom ist in dieser Hinsicht konsequent für den im Westerwald lebenden DJ und Produzenten: ein Werk, das im besten Sinne des Wortes zeitlos ist. Es läuft nicht Trends der Gegenwart hinterher, sondern schreitet auf dem eigenen Weg voran, den Eulberg seit frühester Karriere eingeschlagen hat und der ihm zahlreiche Preise und Chartplatzierungen eingebracht hat. Entstanden ist mit Avichrom ein Album, das schon beim allerersten Hören berührt, das aber dennoch bei jedem weiteren Mal neue Details offenbart. Ähnlich wie bei einem Gang durch die Natur zeigen sich immer neue Strukturen, immer andere elaborierte Verästelungen denjenigen, die genau hinhören: erst mit der Zeit zeigt sich die wahre Schönheit, die sublime Komplexität.

One of Europe’s most popular queer parties launches its record label, showcasing the residents who made Adonis such a cult, must-attend event. The four-track ‘ADONIS 001’ EP is released on 25 February, featuring four tracks from residents Nyra and Wilson Phoenix, representing the different music styles experienced across both rooms at their infamous party which ended its four-year residency at The Cause with a bang on New Year’s Day this year.

Long-term resident Nyra delivers both A-Side tracks, presenting the uplifting, main-room house sound of Adonis. Opening with ‘Used To Love Me’ which evokes classic early New York house with its sultry “you used to love me, basic lover” vocal refrain alongside deep atmospheric beats and hypnotic saxophone sounds. ‘Visions’ sparkles with vibrant electro beats which bounce and shimmer throughout, combined with the Italo house inspired synth chords for an anthemic track perfect for peak-time dance-floors.

Resident Wilson Phoenix, known for delivering the faster paced, darker sound of Adonis, provides both B-Side tracks. As the BPM rises, the vibe gets harder. The thumping yet euphoric ‘Dash Und’ flexes its muscles from the out, with its punchy 909 matched by robotic synths and nostalgic acid and rave influences. ‘K-12’ ups the intensity; a sweat-soaked techno stomper with stabbing hi-hats which make for the ideal heads down cut.

Sam KDC presents the first Auxiliary 12" EP of 2022, entitled Shedding Skin, a varied four-track odyssey that goes far and beyond the conventions of techno and 170 bass music. The EP opens up with the ominous underworld tones of Silver Serpent. Menacing snarls of metallic synthesis set against the backdrop of frenetic hi-hats and slow pulsing heavyweight bass make this a surefire way to inject something unique into any DJ set.

False Idols then takes things a step further with its relentless percussive torrent, set against a sea of uneasy undertones that wash in and out of proceedings. Prophecy Unfurling introduces breakbeats to devastating effect, as the journey continues underground. Dystopian pulses of synths interacting with the breaks play off each other in a distinct fashion that has become a trademark of Sam's after 2019's Omen Rising LP on Horo.

Finally, Sam brings it all to a head with the uptempo frenzy of Bloodstone. It's been a while since Sam has toyed with this tempo, but Bloodstone shows just why he's revered as one of the true innovators of 170. An almost playful bouncing ring-modulated bass tone sets the scene for Sam's now trademark ominous dark palette to paint a truly captivating picture for the listener. Shedding Skin shows an artist at the top of his craft truly doing his own thing.

Curtis Godino’s first album producing for The Midnight Wishers. Mastered by Shimmy-Dic’s Kramer. “Golden Wish” Yellow Vinyl LP ltd edition of 500. RIYL: the Shangri-Las, the Chiffons, the Crystals, the GTOS, Ween. What if a cute girl group scored a hit song about a car crash, then actually died in a car crash, but decades later, David Lynch conjured their spirits for a beach-themed Halloween special? That’s a feeble attempt to describe the fun, spooky universe evoked by musician, songwriter and producer Curtis Godino with his latest project, Curtis Godino Presents the Midnight Wishers. “I’ve always been a fan of girl groups and old generic love songs,” says the Brooklyn-based artist, previously known around town for his psychedelic band Worthless and his ’60s-style light projection shows. “No matter how cheesy, they always get stuck in my head, so I decided I would try to make some of my own, with the help of my friends.” Chief among those friends are the Midnight Wishers: lead vocalist Jin Lee and backing singers Rachel Herman and Jessica McFarland, all of whom Godino recruited for the project. Lee also contributed lyrics, which she tends to recite as often as she sings in a dreamy, earnest voice. The trio are the perfect messengers for Godino’s tunes, visually as well as sonically. In photos, they pose before bubble-gummy backgrounds, playing with a ouija board by candlelight, elemental like a cartoon crime-fighting team with their respective black, red and blonde hair. But make no mistake: This project belongs to Godino, a musical ringmaster in the tradition of Phil Spector or more aptly Shadow Morton, whose noir sensibilities spawned such uncanny pop marvels as the Shangri-Las’ “Leader of the Pack” and “Remember (Walking in the Sand).” In this case, Godino built the wall of sound almost entirely by himself, recording on his eight-track tape machine during the pandemic shutdown. Starting with drum tracks from Andrew Max and Adam Amram, he would add picked bass guitar in the style of L.A. studio legend Carol Kaye, then go bonkers with fuzzy guitars, Farfisa organ, mellotron, analog synthe- sizers, glockenspiel, an arsenal of other percussion instruments and an array of mysterious electronic effects. To fully realize the vision, however, Godino knew he needed more firepower. The Wishers’ multilayered harmonies and other vocal tracks were recorded and engineered by his roommate, Paul Millar, at Millar’s Bug Sound East studio. “I'm sure all those incredible old records were recorded on a four-track or whatever, but I don’t have the same discipline,” says Godino, whose stated goal was to create “songs so sweet they’ll give you a cavity

Sieben pragmatisch durchnummerierte Tracks hat Wallner komponiert und produziert, obwohl man Pragmatismus hier vergeblich sucht, denn die niemals überladene Opulenz ist ein fester Bestandteil seiner Musik. "Voices" ist natürlich in erster Linie ein Gitarrenalbum, hält aber nicht stumpf aneinander gereihte Griffbrett-Kabinettstücke parat, sondern folgt einem Narrativ, einer Art undertow unter, zwischen und hinter den Tracks: sie sind ineinander verwoben und miteinander verwandt und erzählen fortlaufend eine zusammenhängende Geschichte. Arpeggierte Synthie-Kaskaden und verdichtetes Riffing liefern hier die Staffelei für episch singende Soli, an denen Wallner hörbar Spaß hat. Allerdings hier wird nicht kopflos gegniedelt, man hört die Arbeit eines erfahrenen Komponisten und mehrere Themen und Motive ziehen sich wie Ariadnefäden durch die Tracks.
"Voices" wird höchsten audiophilen Ansprüchen gerecht und ist wie jede Produktion Wallners demanding listening, reife Kompositionen, in denen sich Herz und Hirn vertragen und ergänzen. Das Album illustriert den Jetzt-Zustand eines Musikers, der sich eine luxuriöse Position erarbeiten konnte, kompromisslos sein zu dürfen. Vielleicht sogar zu müssen. Sieht man sich die rund 26 Jahre seiner Diskographie an, war er das eigentlich schon immer und es sieht nicht so aus, als würde sich das jemals ändern.

Als Gäste sind mit an Bord: Arno Menses (Subsignal), TANYC, Yogi Lang (RPWL) sowie der renommierte Drummer Marco Minnemann.
Neben dem formschönen CD-Digipak wird es eine 180 Gr. Vinyl (Clear Vinyl) mit bedruckten Inner Sleeves geben.

Classic Rock: "…exzellentes musikalisches Gespür für Spannungsbögen, faszinierende Sounds und gekonntes Songwriting. … Dies ist eine Scheibe für Freunde des guten Geschmacks."

Rock It 8.5/10: "Musikalisch bewegt sich auch der Rest der Truppe auf höchstem Niveau, die Produktion ist druckvoll und klar und passt sehr gut ins stimmige Gesamtbild. Eine gelungene Reise durch progressive Musikwelten."

eclipsed 7.5/10: "Mucke für Fans zwischen David Gilmour, Maxxess und Joe Satriani und gerade unterm Kopfhörer ein spannendes audiophiles Erlebnis."

Guitar 5/5: "…spielt der Liebhaber hochwertiger Gitarrensounds, unterstützt durch Marco Minnemann am Schlagzeug, feinsten Prog mit atmosphärischer Dichte, tighten Riffs und sagenhaften Gitarrensoli."

Slam 8/10: "Vielfältig, stimmungsvoll und mit jeder Menge Melodie gerät "Voices" zum überaus gelungenen Werk, das vor allem durch sein farbenprächtiges und intelligentes Songwriting überzeugt."

Rock Hard 7.5/10: "Abwechslungsreichen, angenehm rockigen und zeitlosen Instrumental-Progrock zockt RPWL-Gitarrist KALLE WALLNER auf seinem vierten Soloalbum "Voices" (Gentle Art Of Music/Soulfood)."

Rocks 7/10: "Kalle Wallner, Gitarrist bei RPWL und Blind Ego, hat mit diesem Album ein kraftvolles Statement fast ohne Gesang aufgenommen. Die titellosen, durchnummerierten Tracks basieren vor allem auf massiven Riffs, die die Basis schaffen für stimmungsvolle solistische Ausflüge des Gitarristen. …Voices ist keines dieser aufregenden Gitarrenhexer-Alben, sondern eher lautstarke Kontemplation."

Break Out: "Die Stücke sind sehr spannend aufgebaut und in sich schlüssig. Oder wie es im Presseinfo steht: "reife Kompositionen, in denen sich Herz und Hirn vertragen und ergänzen." Dem ist nichts hinzuzufügen, nur dieses: beide Daumen hoch für dieses starke Soloalbum!"

Myrevelations.de 13/15: "Verdammt starke Platte, Prog, Instrumental- und Gitarrenfans, sowie Post Rock Anhänger werden begeistert sein!"

Darkstars.de 9/10: "…ähnlich wie bei David Gilmour schafft es Kalle Wallner seine Gitarre sprechen zu lassen und den Hörer mit auf eine Reise zu nehmen. Ganz großes Gitarrenkino und mit Marco Minnemann sitzt zudem ein echtes Ass auf dem Schlagzeug Hocker. Ein Album zum Entdecken…"

Demon Records is proud to reissue this album as part of the Gary Crowley’s Lost 80s project. This Classic LP
reissue is presented on 140g translucent green vinyl.
The Kane Gang’s 1985 debut album was originally released on Kitchenware Records, where their label-mates
included Prefab Sprout, Hurrah! and The Daintees. ‘The Bad And Lowdown World Of The Kane Gang’
reached #21 in the UK albums chart, and features 4 singles, including #12 charting ‘Closest Thing To Heaven’
and ‘Respect Yourself’ (#21).
Hailing from the North East, The Kane Gang consisted of vocalists Martin Brammer and Paul Woods, plus
multi-instrumentalist Dave Brewis. They made their recording album debut in 1985 with this, their poised,
stylish collection 'The Bad And Lowdown World Of The Kane Gang'.
“I am absolutely cock-a-hoop that it's being given a vinyl re-release under our GC Lost 80s umbrella because
it's an album that I return to regularly. Signed to the uber-cool Kitchenware label, they were an under-rated
band in my opinion whose distinctive sound saw them taking their cue from a raft of Soul Funk greats, and
you can clearly hear that love right across the album. Produced and crafted lovingly by Pete Wingfield and
featuring the likes of P. P. Arnold and Sam Brown on backing vocals, the album is chock-a-block with singles
including the impressive ‘Small Town Creed’ (chart placing No. 60), the sublime ‘Closest Thing To Heaven’
(No. 21), the moody ‘Gun Law’ (No. 53), as well as a delicious cover of the Staple Singers’ ‘Respect Yourself’
(No. 21). I love the entire album but there are also other songs that also stand out for me. The Chic guitar
driven joy of 'How Much Longer' and the dreamy, shimmering 'Crease In His Hat' being two cases in point.
The band would later go on to enjoy success on the American Black R&B chart (which must have thrilled
them personally to bits) and release an equally grand second album in 1987 in 'Miracle’.”

Curtis Stigers veredelt seine großen Hits und Lieblingssongs mit neuen, unter die Haut gehenden Versionen.
Vom langhaarigen Frauenschwarm mit Nummer-Eins-Balladen zum gereiften R’n’B- und Jazz-Sänger -
in den 30 Jahren seiner Karriere hat Curtis Stigers nicht nur Millionen von Alben verkauft, sondern auch
internationale Hits hervorgebracht, die man heute noch im Ohr hat.
Jetzt schließt sich der Kreis: auf seinem neuesten Album ”This Life” blickt Stigers zurück auf Welterfolge wie “I Wonder Why” und “Never Saw A Miracle”, und Songs aus seinem Schaffen, die ihm besonders
am Herzen liegen. Er interpretiert die Pop-Klassiker neu in der jazzig-intimen Weise, für die er heutzutage
beliebt ist. Das ist mehr als ein nostalgischer Rückblick: ein zeitloses Album eines Sängers und Musikers,
der lässig Genre-Grenzen überschreitet.

4 Hands ist ein intimes Gespräch unter Freunden - geführt mit den Händen auf dem Klavier. Es ist eine surreal anmutende musikalische Konversation zwischen dem deutschen Klangpionier Hans-Joachim Roedelius und dem US-amerikanischen Komponisten Tim Story. Eindrucksvoll belegt dieses Gemeinschaftsprojekt, welch herzerwärmende und zugleich außerweltliche Schönheit entstehen kann, wenn sich zwei Menschen aus unterschiedlichen, sich überschneidenden Richtungen ihrem geliebten Instrument annähern. 4 Hands vereint minimalistische Klangfiguren, in deren Verlauf sich immer wieder ganz zart ein geisterhaftes Zusammenspiel offenbart und überraschende harmonische Wendungen aufblitzen: Roedelius' auf Instinkt, Intuition und Improvisation basierender Ansatz geht mit Storys gegenläufiger Herangehensweise Hand in Hand, wenn der US-Amerikaner Ideen über längere Zeiträume herausdestilliert. Es entstehen zwei Seiten, zwei Perspektiven einer fesselnden Konversation, die zum Nachdenken anregt und mit jedem Anhören neue Gestalt annimmt, neue Tiefen aufzeigt Seit drei Jahrzehnten für seine wegweisenden Auftritte und Aufnahmen gefeiert, ist der Grammy-nominierte US-Komponist Tim Story für seine einzigartige Mischung aus Komposition und innovativem Sounddesign bekannt. Der in Berlin geborene und heute in Österreich lebende Komponist Hans-Joachim Roedelius hat mit seiner gut fünf Jahrzehnte umspannenden Karriere, in deren Verlauf er solo und in verschiedenen Konstellationen mehr als 100 Alben veröffentlichen sollte, gleich mehrere Generationen von Musiker*innen geprägt. Angefangen beim bahnbrechenden Trioprojekt Kluster (von Conrad Schnitzler ins Leben gerufen), später Cluster (mit Dieter Moebius), bis hin zu genreübergreifenden Soloveröffentlichungen und Aufnahmen mit Größen wie Brian Eno, hat Roedelius die Entwicklungen in den Bereichen Ambient, elektronische und experimentelle Musik entscheidend geprägt - und ist zwischenzeitlich auch immer wieder in schwer definierbare, im Interferenzbereich des Klaviers liegende Klangregionen aufgebrochen.

Matthew Halsall unveils new band and announces 'Salute to the Sun'

his new album on Gondwana Records

Limited edition Double Clear vinyl, printed on reverse board with Gold foil artwork plus double printed reverse board inner sleeves including download code. Cover Artwork by Daniel Halsall with design and layout by Ian Anderson of The Designers Republic.

Comes packaged in a resealable, re-usable Polypropylene anti-static, acid-free, crystal clear sleeve for maximum protection.

Composer, trumpeter, producer, DJ and founder of Gondwana Records, Matthew Halsall has always worn many hats. But at the heart of everything that he does Halsall is first and foremost an artist and a musician. A trumpeter whose unflashy, soulful playing radiates a thoughtful beauty and a composer and band-leader who has created his own rich sound world. A sound that draws on the heritage of British jazz, the spiritual jazz of Alice Coltrane and Pharoah Sanders, as well as world music and electronica influences, and even modern art and architecture, to create something uniquely his own. A music that is rooted in Northern England but draws on global inspirations.

Salute to the Sun is his first album as a leader since Into Forever (2015) and marks the debut of his new band. A hand-picked ensemble featuring some of Manchester's finest young musicians: Matt Cliffe flute & saxophone, Maddie Herbert harp, Liviu Gheorghe piano, Alan Taylor drums and Jack McCarthy percussion as well as long-time Halsall collaborator, bassist, Gavin Barras who has been at the heart of Halsall's bands for over a decade. For Matthew it was important to have a band based locally and able, pre-Covid, to meet and play each week, and who also performed a sold-out monthly basement session at Yes in Manchester. The album draws energy from these sessions and inspiration from themes and ideas that have inspired Halsall through the years (on albums such as Oneness, Fletcher Moss Park and When the World Was One) ideas of ecology, the environment and harmony with nature.

"I feel Salute to the Sun is a positive earthy album. I wanted to create something playful but also quite primitive, earthy and organic that connected to the sounds in nature. I was listening to lush ambient field recordings of tropical environments such as jungles and rainforests and found myself drawn to percussive atmospheric sounds which replicated what I was hearing (bells / shakers / chimes / rain sticks) and I started to experiment with more wooden percussive instruments such as kalimba and marimba".

Salute to the Sun features lush wholly improvised tunes inspired by ambient rainforest and jungle field recordings, deeply soulful tunes built around hypnotic harp and kalimba patterns, deep Strata-East inspired spiritual jazz grooves and some of Halsall's most beautiful playing and inspiring healing melodies yet recorded.

The album was recorded at the band's weekly sessions, using Halsall's own recording set-up, giving the recordings a relaxed vibe and unforced energy that really lets the music breath. The album is also very much a family affair as Halsall's brother Daniel Halsall, artistic director of Gondwana Records, was an important presence at the sessions and co-produced the album. It is also his memorable artwork that adorns the cover of Salute to the Sun, an album beautifully designed by legendary designer Ian Anderson of The Designers Republic, who also created the covers for the recent archival releases Oneness, Sending My Love and Colour Yes and is one of Halsall's favourite designers. Together Daniel Halsall and Ian Anderson have designed all of Matthew's seven albums to date, so it felt extra-special to bring them together for, Salute to the Sun, an album that Halsall was determined to present in the very best way possible. The album was mixed with another long-time collaborator, George Atkins at 80 Hertz in Manchester, who works tirelessly with Halsall to perfect the sound and was mastered by noted engineer Peter Beckmann who brings an added depth to the sound specially around the bass notes as well as Halsall's trumpet. The magnificent double vinyl was cut as a Half Speed master by Barry Grint at Alchemy Mastering for the best possible analogue experience.

The result is arguably Halsall's most beautiful and complete recording to date, playful, charming and imbued with the warmth of the sun and the energy of life.

Regal drops the first remix package from his debut album featuring Slam, PTU and Boston 168.

Involve Records boss Regal presents "RWYS Remixes Pt.01" - the first installment of three immense remix packages from the Spanish techno giant's debut album, "Remember Why You Started". Recruiting international powerhouse duo's Slam, PTU & Boston 168 to rework the earth-shattering originals.

Scotland's luminary duo Slam kicks off with their edit of "She Dances Alone". The pair's distinctive tweak is the alchemization of the kick drum, pivoting into a thunderous force. The kick is paired with claps that ricochet above a determined synth line, while the low-slung baseline mists under twinkling keys and sprinklings of hoover noise, giving the rework an old school feel. Uplifting major notes inject brightness & contrast to the track, with the cunning acid line lingering 'til close.

Next, enigmatic Russian twosome PTU transform "Dealing With My Pain", a once low tempo mid-point track, into a primary dancefloor weapon. This heavily industrialised rendition utilises an incessantly deep bass drum while maintaining the commanding male vocal sample. Blistering hi-hats, and a wildly distorted synth breakdown build a brash and dubious mood. The thumping kick drum drives the track forward, looping electrical elements that ring out from ear to ear, surrounding you with wild noise and energy.

Italy's acid techno aficionado's Boston 168 step up to close with their interpretation of "Fearful Nights". In true style, the duo mould the very start of the track to blend with their signature sound. A bumping kick drum and quintessential 303 manipulate the melody, resulting in a far more venomous composition than the original. Sinister synth stabs slice through the chaos with a hi-hat and snare drum combination for extra effect.

High Roller Records, Red/Yellow w Orange Splatter vinyl, ltd 300, 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet printed on uncoated paper, A5 photo card, finally available on vinyl, Kanadas Thrash-Metal-Pioniere Razor waren einigermaßen überrascht, als nach der Veröffentlichung der selbstproduzierten Debüt-EP »Armed And Dangerous« aus dem Jahre 1984 auf einmal das Majorlabel Attic Records bei ihnen anklopfte. Die Band unterschrieb wenig später einen Vertrag bei Viper Records, einem neu gegründeten Sublabel von Attic. »Escape The Fire« sollte ursprünglich der Nachfolger von »Armed And Dangerous« werden, aber Attic hatten ihre eigenen Pläne für die Zukunft von Razor und setzten die unerfahrene Band unter Druck. Als Resultat erschien anstatt »Escape The Fire« letztendlich »Executioner?s Song«. Der originale Bassist Mike Campagnolo erklärt, warum dies der Fall war: ?Wenn man der Realität ins Auge blickt, dann zieht eine junge Band doch immer den Kürzeren, wenn sie den ersten Plattenvertrag unterzeichnet. Das war bei Razor nicht anders. Wir sind ins kalte Wasser gesprungen, aber das galt letztendlich für die Plattenfirma genauso, denn Viper Records war ein völlig neues Unterlabel. Am Ende gab es also auf beiden Seiten nur Verlierer. Das grundsätzliche Problem war, dass Attic einfach nur alles auszuschlachten suchten, was wir veröffentlichten. Sie haben schlicht und ergreifend nicht verstanden, dass die damalige Szene sich gerade neu erfand, schneller und härter wurde. Diese Welle hat das Label komplett verpasst. Attic hatten ein festgefahrenes Schema, wie sie Bands vermarkteten, sie konnten nicht verstehen, dass Thrash Metal kein kurzlebiger Trend war, sondern auf Nachhaltigkeit aufbaute. Diese Kurzsichtigkeit zeigte sich darin, dass sie darauf abzielten, ein paar Stücke von »Armed And Dangerous« noch einmal zu verwerten, um diese Songs mit Material von »Escape The Fire« zu kombinieren. Am Ende wurde daraus »Executioner?s Song«. Wir waren einfach noch zu jung und unerfahren, um dem Label in dieser Frage zu widersprechen.? Die jetzt vorliegende Originalversion von »Escape The Fire« wurde am 1. Dezember 1984 in Torontos Future Sound Studios aufgenommen und von Terry Morostega zusammen mit Dave Carlo produziert.

High Roller Records, Red/Yellow w Orange Splatter vinyl, ltd 300, 425gsm heavy cardboard cover, lyric sheet printed on uncoated paper, A5 photo card, finally available on vinyl, Kanadas Thrash-Metal-Pioniere Razor waren einigermaßen überrascht, als nach der Veröffentlichung der selbstproduzierten Debüt-EP »Armed And Dangerous« aus dem Jahre 1984 auf einmal das Majorlabel Attic Records bei ihnen anklopfte. Die Band unterschrieb wenig später einen Vertrag bei Viper Records, einem neu gegründeten Sublabel von Attic. »Escape The Fire« sollte ursprünglich der Nachfolger von »Armed And Dangerous« werden, aber Attic hatten ihre eigenen Pläne für die Zukunft von Razor und setzten die unerfahrene Band unter Druck. Als Resultat erschien anstatt »Escape The Fire« letztendlich »Executioner?s Song«. Der originale Bassist Mike Campagnolo erklärt, warum dies der Fall war: ?Wenn man der Realität ins Auge blickt, dann zieht eine junge Band doch immer den Kürzeren, wenn sie den ersten Plattenvertrag unterzeichnet. Das war bei Razor nicht anders. Wir sind ins kalte Wasser gesprungen, aber das galt letztendlich für die Plattenfirma genauso, denn Viper Records war ein völlig neues Unterlabel. Am Ende gab es also auf beiden Seiten nur Verlierer. Das grundsätzliche Problem war, dass Attic einfach nur alles auszuschlachten suchten, was wir veröffentlichten. Sie haben schlicht und ergreifend nicht verstanden, dass die damalige Szene sich gerade neu erfand, schneller und härter wurde. Diese Welle hat das Label komplett verpasst. Attic hatten ein festgefahrenes Schema, wie sie Bands vermarkteten, sie konnten nicht verstehen, dass Thrash Metal kein kurzlebiger Trend war, sondern auf Nachhaltigkeit aufbaute. Diese Kurzsichtigkeit zeigte sich darin, dass sie darauf abzielten, ein paar Stücke von »Armed And Dangerous« noch einmal zu verwerten, um diese Songs mit Material von »Escape The Fire« zu kombinieren. Am Ende wurde daraus »Executioner?s Song«. Wir waren einfach noch zu jung und unerfahren, um dem Label in dieser Frage zu widersprechen.? Die jetzt vorliegende Originalversion von »Escape The Fire« wurde am 1. Dezember 1984 in Torontos Future Sound Studios aufgenommen und von Terry Morostega zusammen mit Dave Carlo produziert.

Dead Head wurde 1989 in der Region Zwolle/Kampen in den Niederlanden gegründet. Von Anfang an zeigte die Band eine harte Arbeitsmoral
und veröffentlichte mehrere Demos und gab eine Menge Live-Shows. Die Band veröffentlichte außerdem drei Alben in voller Länge und eine EP,
bevor sie mit der Arbeit an ihrem vierten Album „Haatland“ begannen. Mit sechs Jahren zwischen „Kill Division“ und „Haatland“ perfektionierte
die Band ihren rohen, aggressiven Thrash Metal-Sound noch mehr. Die Produktion verbesserte sich erneut und die Band zeigte, dass ihr Potenzial
dem vieler etablierter Namen im Thrash Metal-Genre ebenbürtig war. Glücklicherweise wird „Haatland“ 2021 von Petrichor auf 2-CD und LP neu
aufgelegt, damit die Welt dieses Meisterwerk schierer Brutalität und raffinierter, eindringlicher Melodien wiedererkennen kann. Petrichor hat
der CD-Version dieser Neuauflage wieder eine Menge Bonusmaterial hinzugefügt. Dead Head ist keineswegs ein Knaller aus der Vergangenheit,
denn 2022 wird die Band ein neues Album veröffentlichen. Ein rasendes Stück Thrash vom Feinsten. Großartige Produktion, wahnsinnige Riffs
und wahnsinnige Vocals kombiniert, um dir den Schädel zu zerschmettern.

Night Cobra aus Texas, USA sind die neue, geschmackssichere Entdeckung auf High Roller Records - hier vermischt sich Heavy Metal mit Punk, Darkwave, Thrash Metal und einer gehörigen Portion Science Fiction!

Night Cobra sind eine neue traditionelle Metal-Band aus Houston in Texas, bestehend aus Christian Larson (Vocals), Brandon Barger (Gitarre), Bill Fool (Gitarre), Trevi Biles (Bass) und Cheech (drums). Im Jahre 2020 legten sie ihre selbst finanzierte EP namens "Praise Of The Shadow" vor, die sich im Nu ausverkaufte und letztendlich zu einem Vertrag mit High Roller Records führte, wo jetzt das Debütalbum "Dawn Of The Serpent" in den Startlöchern steht. Ganz bewusst hat die Band darauf verzichtet, Tracks von der EP noch einmal neu aufzunehmen und präsentiert stattdessen neun brandneue Kompositionen.

"Im Kern spielen wir Heavy Metal", beschreibt Sänger Christian Larson den Stil von Night Cobra. "Aber es sind auch ein paar Einflüsse dabei, die nicht ganz so offensichtlich sind, eben auch aus den Bereichen Punk, Darkwave und Thrash Metal. Ich bin gespannt, was die Leute daraus machen ..." Laut Larson handelt es sich bei "Dawn Of The Serpent" nicht um ein Konzeptalbum: "Aber viele Stücke setzen sich mit einer dystopischen Zukunft auseinander, auf die sich unsere Welt hinzu zubewegen scheint. Das Stück 'Run The Blade' ist beispielsweise vom Film "Blade Runner" inspiriert, und auch ansonsten atmet die Platte eine Menge Science Fiction. Einige Songs, die ich herausheben würde, sind 'The Serpent's Kiss', 'In Mortal Danger' und das bereits erwähnte 'Run The Blade'. Ansonsten denke ich allerdings, dass "Dawn Of The Serpent" seine volle Wirkung erst als Ganzes entfaltet."

Wenn man sich "Dawn Of The Serpent" aufmerksam anhört, wird schnell deutlich, dass das Material von seiner Struktur her doch einigermaßen europäisch klingt und zudem deutliche Einflüsse aus der NWOBHM erkennen lässt. "Da haben dich deine Ohren nicht getäuscht", lacht Sänger Christian Larson. "Ich würde sagen, dass ein Großteil unserer Einflüsse europäisch ist, ganz oben auf der Liste stehen Angel Witch, zusammen mit Mercyful Fate und den frühen Iron Maiden."

So auch am 2. Weihnachtstag 2019 im „Gruenspan“ in St. Pauli anlässlich des 25jährigen Bandjubiläums.

Sobald OHRENFEINDT die Bühne entern, wird aus allen Rohren gefeuert. Der Kiez-Dreier macht keine Gefangenen. Wer bisher lediglich ihre Studioalben kennt, wird sich wundern, was für eine Schippe die Jungs live nochmal obendrauf packen.

Zwei Stunden volle Pulle Riff-Rock-Hits aus einem Vierteljahrhundert. Drei bis in die Haar- bzw. Bartspitzen motivierte Roggenrohl-Vollblüter ohne Netz und doppelten Boden. Da ist nix gedoppelt, da kommt kein Ton aus der Dose, selbst der Schweiß ist echt.

Zwei Stunden pures Adrenalin, ungeschönt und rau.

BIOHAZARD formed in Brooklyn in 1988 and soon after released their first demo. The band consisted of founding members Billy Graziadei (vocals, guitar), Bobby Hambel (lead guitar) and Evan Seinfeld (vocals, bass). After the release of their second demo in 1989, drummer Anthony Meo left the band and drummer Danny Schuler replaced him. BIOHAZARD released their combined the urban sounds of hard-core, metal and rap with scorching lyrics describing the forces at work in our modern urban lives. With an impressive career spanning over 20 years with 10 albums (on both indie and major labels), the band sold over 5 million records. In 1990, Biohazard signed a recording contract with Maze Records. The band's self-titled debut album was poorly promoted by the label and sold approximately 40,000 copies. The album's subject matter revolved around Brooklyn, gang-wars, drugs, and violence.

In 1992, Biohazard signed with Roadrunner Records and released Urban Discipline, which gave the band national and worldwide attention in both the heavy metal and hardcore communities. The video for the song "Punishment" became the most played video in the history of MTV's Headbanger's Ball, and the album sold over one million copies. The band also began opening for larger acts such as Pantera, Suicidal Tendencies, House of Pain, Fishbone, and The Cro-Mags. In 1993, the hardcore rap group Onyx brought on Billy Graziadei for an alternate "Bionyx" version of their hit single "Slam" with Biohazard as their backup band. This led to a collaboration on the title track of the Judgment Night soundtrack. The soundtrack would go on to sell over two million copies in the United States. Months later, the band left Roadrunner Records and signed with Warner Bros. Records Inc. who released their third studio LP, State of the World Address. The album was produced by Ed Stasium in Los Angeles and contained the single "How It Is" featuring Sen Dog of Cypress Hill, for which a video was also shot. During their 1994 tour, the band made an appearance on the second stage at the Monsters of Rock festival held at Castle Donington. State of the World Address went on to sell over one million copies, and Rolling Stone magazine selected the Biohazard logo as the best logo of the year.

This was the last Biohazard album with Bobby Hambel, who left due to differences with the rest of the band. The band recorded their fourth studio album, Mata Leao, as a three piece in 1996. It was produced with the help of Dave Jerden. For the 1996-97 Mata Leao Tour, former Helmet guitarist Rob Echeverria joined the band. The band also played on the Ozzfest mainstage alongside Ozzy Osbourne, Slayer, Danzig, Fear Factory, and Sepultura. While touring Europe in support of the Mata Leao album, the band recorded their Hamburg, Germany, show for their first live album, No Holds Barred (Live in Europe), which was released in 1997 through their former label, Roadrunner Records. The band signed to Mercury Records and released their fifth studio album, New World Disorder, in 1999, once again with Ed Stasium as a producer.

The relationship with Mercury Records soured quickly as the band felt betrayed and misunderstood by the label. They severed their ties with the label amidst the merger of Mercury Records, Island Records, Def Jam Records, and Polygram into the Universal Music Group. The following year, Biohazard signed two new record deals with SPV/Steamhammer in Europe and Sanctuary Records for the remainder of the world. Despite the new record deals, the band took some personal time in order to work on other projects. Graziadei and Schuler also collaborated in transforming the band's rehearsal Brooklyn studio into a digital recording studio, known as Rat Piss Studios and soon after changed the name to Underground Sound Studios. Re-investing into the band, Graziadei and Schuler honed their engineering and productions skills while recording and producing local acts and new Biohazard demos. The band then undertook the process of writing, recording, and producing their own music. Their studio work led to the band's sixth studio album, Uncivilization, released in September 2001.
The album featured several guest appearances by members of bands such as Agnostic Front, Hatebreed, Pantera, Slipknot, Sepultura, Cypress Hill, Skarhead, and Type O Negative. Shortly after the release of Uncivilization, guitarist Leo Curley left the band and was replaced by former Nucleus member Carmine Vincent, who had previously toured with Biohazard as part of their road crew. The band had to cancel scheduled European festival dates when Carmine Vincent underwent major surgery. The band did manage to find a temporary guitarist, Scott Roberts, formerly of the Cro-Mags and the Spudmonsters, in time to join the Eastpak Resistance Tour with Agnostic Front, Hatebreed, Discipline, Death Threat, Born From Pain and All Boro Kings. Biohazard completed their seventh studio album in seventeen days; Kill Or Be Killed was released in 2003. While touring North America with Kittie, Brand New Sin and Eighteen Visions, Biohazard announced that Roberts would remain as their permanent lead guitarist. The tour was curtailed when it was announced that Seinfeld had fallen ill. With more downtime due to Seinfeld's illness, Graziadei and Schuler collaborated to mix Life of Agony's live comeback album, River Runs Again: Live 2003. Once Seinfeld was healthy again, the band toured Japan and North America, headlining over bands such as Hatebreed, Agnostic Front, Throwdown, and Full Blown Chaos.

By the end of 2003, the band had begun recording its eighth studio album, Means To An End. The completed album was lost in a studio disaster, forcing the band to completely re-record the album, which was finally released in August 2005. In October 2004, Graziadei announced that Means To An End had been the final Biohazard album and that he would continue playing with his new band Suicide City as his main focus. One month later, on the Biohazard website, it was announced that there would in fact be a 2005 Biohazard tour. On December 15, 2005, Seinfeld and Graziadei participated in the Roadrunner United conglomerate event at the Nokia Theater in New York for an all-star event. The show opened with Biohazard's "Punishment," performed by Seinfeld, Graziadei, Sepultura's Andreas Kisser, former Fear Factory member Dino Cazares, and Slipknot's Joey Jordison. Graziadei and Schuler relocated their recording studio to South Amboy, New Jersey and renamed it Underground Sound Studios. The studio was renovated to include a live room with 20-foot (6.1 m) ceilings and 4,000 square feet (370 m2) of studio space. After Schuler's departure from the studio business, Graziadei relocated the studio to Los Angeles and changed the name to Firewater Studios. In January 2008, the classic lineup of Evan Seinfeld, Billy Graziadei, Danny Schuler and Bobby Hambel made the announcement that rehearsals had begun for a 2008 summer tour to commemorate the band's 20th anniversary. They toured Australia and New Zealand in April with Chimaira, Throwdown, Bloodsimple and headliners Korn to celebrate their newly declared reunion. The band also took part in Persistence Tour 2009, and announced at one of their shows that they were working on a new record. Biohazard brought in producer Toby Wright to work on the album and after several months at Graziadei's Firewater Studios in Los Angeles, the band completed their recording sessions. In June 2011, Biohazard announced that Evan Seinfeld had quit the band and Scott Roberts returned to replace Seinfeld for two UK dates but no decision regarding a permanent replacement was made. In January 2012, the band decided that Scott Roberts would remain with the band as a permanent member. The new album, Reborn In Defiance, was released worldwide, with the exception of North America, on January 20, 2012 through the Nuclear Blast label. In support of the album, Biohazard embarked on a short co-headlining tour of Europe with Suicidal Tendencies in the latter half of January 2012. After touring the world in support of Reborn in Defiance, the band entered the studio to work on a new release and after a falling out, Roberts departed the band.

Biohazard remains as it’s core founding members of Graziadei, Shuler and Hambel. Graziadei has since ventured off onto a solo career as BillyBio and teamed up with Cypress Hill frontman Sendog to start Powerflo. Both groups are working on their second releases due out late 2021 and early 2022.

Logics siebtes Album “Bobby Tarantino III” ist nun endlich auch auf Vinyl erhältlich! Logic hat sich spätestens 2017 mit seiner erfolgreichen Single „1-800-273-8255“ einen festen Platz in der Hip-Hop-Welt gesichert. Für sein neues Album hat er sich nennenswerte Unterstützung rangeholt – wie den Producer 6ix, der auch schon für Dizzy Wright und Sylvan LaCue produziert hat. Oder auch Keanu Beats, der für seine Mitarbeit an Pop Smokes Album „Shoot For The Stars Aim For The Moon“ und Lil Babys „My Turn”
bekannt ist.

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Geboren aus den Herausforderungen einer weltweiten Pandemie, geboren unter höllisch-rot-orangen Himmeln, gezüchtet aus wütenden Waldbränden an der Westküste, und gebaut inmitten der jahrelangen politischen Unruhen und Kundgebungen in Portland, OR, Pikes Solodebüt „Pike
vs. Automaton“. ', ist sowohl eine musikalische als auch eine emotionale Erlösung. Die Platte wurde von Pike zusammen mit dem Schlagzeuger
Jon Reid geschrieben, enthält Beiträge von einer Reihe von Familienmitgliedern und Freunden und wurde mit dem langjährigen Verschwörer Billy
Anderson aufgenommen, dem Produzenten, der zuvor bei Prüfsteintiteln wie „Surrounded by Thieves“ das Beste aus Pike herausgeholt hat. und
'Der heilige Berg des Schlafes'

Established UK-talent Made By Pete lands on Damian Lazarus’ flagship Crosstown Rebels imprint this February. Collaborating with Savage & SHē on the two-track Walls of Zion, it acts as the debut release of 2022 for each artist and marks Made By Pete’s third release on the label.

The title track sets the tone, taking the form of a spacious, shamanic inspired cut. Rattling percussion reverberates around shimmering hats, as resonant vocals dive in and out. It feels atmospheric and soothing in one, opening neatly into the stripped-back sounds of Too Drunk To Dream. Lucid and dream-like, there’s a spiritual theme throughout, with whirring synths residing beneath tribal-like drum patterns to form an ethereal, club-ready cut.

Born and raised in London UK, Made By Pete is an artist who can count mavens of the electronic music scene like Damian Lazarus, Sasha and Kolsch as big fans of his sound. He has seen his work snapped up by taste-making labels such as Crosstown Rebels, Saved, Rebirth and Radiant to name a few, whilst performances across the world at clubs such as Space (Ibiza), Chinese Laundry (Sydney), Fabric (London) as well as Thailand’s famous Full Moon Party have highlighted him as a truly global artist.

Mexico-based duo Savage & SHē have garnered an international following thanks to a consistent schedule of quality releases. Imprints such as Abracadabra, Earthly Delights, TrueColors and Trndmsk are just a few examples of labels they’ve graced over the years, whilst sharing the stage with standout performers in the form of Adriatique, Be Svendsen, Matthias Meyer and many more besides.

2022 may bring much much uncertainty to the world but one thing we know for a fact is that we are introducing our most innovative and intriguing new act in years – the French duo Archil & Leon with their five track debut (appropriately called) “Blooming”.

Having both released in the past independently, Archil & Leon were originally brought together thanks to their teenage band His Majesty and from there, their passion to create music together never has faltered. Leon is a veteran session and live drummer who also produces music for his own dance project Ongaeshi and the dance collective moovance. Archil is an accomplished solo electronic musician and the force behind Archil Lab handmade musical devices. Using elements like springs (Springophone) and wheels (Roulettophone), his instruments are lovingly manufactured in wood and somehow carry the characteristics of modular gear but in the most unconventional way possible.

At a first listen, Archil & Leon’s music comes off as a well oiled live jam but as you dig deeper, it’s clear these tracks have a precision and style that separates them into a category of their own. Their EP “Blooming” is the result of two full years of being locked in their studio, writing and experimenting together. Indeed, an underlying flow of 70’s funk permeates throughout their music, however pigeonholing them into such a stereotype would be a travesty as they have impeccable song writing skills and their self made instruments conjure an experimentalism which is through and through rooted in electronic music. We can only hope that fans of now-classic Jamie Lidell / Super_Collider will appreciate where they are coming from, and you agree their “sound” is brilliantly individual. After all, they created their tracks literally from the ground up.

Watch more about Archil & Leon and their wonderfully outlandish instruments.Das Jahr 2022 mag viel Ungewissheit in die Welt bringen, aber eine Sache, die wir mit Sicherheit wissen, ist, dass wir euch mit dem französischen Duo Archil & Leon unseren innovativsten und faszinierendsten neuen Act seit Jahren vorstellen werden. Passenderweise trägt ihre ihre Debüt 5-Track EP den Titel "Blooming".

Archil & Leon haben beide in der Vergangenheit unabhängig voneinander Musik veröffentlicht haben und kamen ursprünglich durch die Teenager-Band His Majesty zusammen. Von da an hat ihre Leidenschaft, gemeinsam Musik zu machen, nie nachgelassen. Leon ist ein erfahrener Session-Musiker und Live-Schlagzeuger, der auch Musik für sein eigenes Tanzprojekt Ongaeshi Studio und das Tanzkollektiv moovance produziert. Archil ist ein versierter Solo-Elektro-Musiker und die treibende Kraft hinter den handgefertigten Musikinstrumenten des Archil Labs. Seine unter Verwendung von Elementen wie Federn (Springophone) und Rädern (Roulettophone) hergestellten Instrumente sind liebevoll aus Holz gefertigt und erinnern irgendwie an modulare Geräte, aber auf sehr unkonventionelle Art und Weise.

Auf den ersten Blick wirkt die Musik von Archil & Leon wie ein gut geölter Live-Jam, aber wenn man tiefer gräbt, wird klar, dass diese Tracks eine Präzision und einen Stil haben, die sie in eine eigene Kategorie einordnen. Ihre EP "Blooming" ist das Ergebnis von zwei Jahren, in denen sie sich im Studio eingeschlossen haben, um gemeinsam zu schreiben und zu experimentieren. Ein unterschwelliger Flow von 70er-Jahre-Funk durchdringt ihre Musik, aber sie in eine solche Schublade zu stecken, ginge gehörig am Thema vorbei, denn die beiden haben tadellose Fähigkeiten was das Songwriting angeht und ihre selbstgebauten Instrumente zaubern einen Experimentierfreude hervor, der durch und durch in der elektronischen Musik verwurzelt ist.

Wir sind uns sicher, dass Fans von dem jetzt schon klassischen Jamie Lidell / Super_Collider Material ahnen, woher der Wind hier weht und von welch individueller Brillanz Archil & Leon's Sound ist. Immerhin haben die Jungs ihre Musik wirklich von Grund auf neu kreiert. Schaut Euch ihre wundervollen, außerweltlichen Instrumente auf ihrer Website oder YouTube an

Mit nur zwei Demos seit Gründung im Jahr 2018 scheint es, dass MALIGNANT ALTAR nach modernen Maßstäben etwas zu ruhig gestartet waren. Doch dieses Monster hat nicht geschlafen oder sich auf seinen Lorbeeren ausgeruht, sondern das ranzigste, obszönste Album geschaffen, das man sich vorstellen kann. Aus dem tiefsten Schlund 80er-Horror-Einflüssen ergießt sich eine Flut von Innereien in Form von eitrig faulen Riffs und zermürbenden Drums in einem dicken teerigen Matsch instrumentalen Verfalls über den Hörer. Gesanglich wird purer Ekel ausgekotzt, der sich glorreich klebrig über die letzte Ritze bösartig hypnotisierender Rifflandschaft einfügt und wie verfaulte Leichenreste aus euren Lautsprechern tropfen. Wenn das alles nach einer Demo-Band mit begrenzten technischen Spielfähigkeiten klingt - Nichts wäre weiter von der Wahrheit entfernt, da MALIGNANT ALTAR mit gnadenlosem Drumming und technisch ausgefeilten Riffs aufwarten können.

Über fünf typische Tracks und einem spektralen Zwischeninstrumental ist die Platte zwar gnadenlos brutal, verzichtet aber dennoch nicht auf Dynamik. Diese Texaner haben Würze in ihrem Death Metal und wissen genau, wann unausweichliche Attacke oder zermürbender Groove bis hin zum Pulverisieren der Nackenwirbel gefragt ist!

Disposable Arts is a concept album by Masta Ace, originally released in 2001. It follows the Brooklyn MC as he is being released from prison and returns home, joining 'The Institute of Disposable Arts', a school in which Ace enrolls after realizing how bad the situation in Brooklyn has become. The songs and skits combine to complete one full story, and they feature guest contributions from Strick, Punchline & Wordsworth, Apocalypse, Greg Nice, Rah Digga, J-Ro, King Tee, Jean Grae and more, plus production by Ayatollah, Paul Nice, Domingo, and more, including tracks from Ace himself.

Hailing from Rio de Janeiro, Marcela Dias Sindaco is formerly a classical piano and cello player. With early musical influences drawing from experimental German groups like Popol Vuh, Tangerine Dream, and Cluster, her electro productions encapsulate more than one sound palette. In 2021, she released her first EP on DEEPTRAX, and here we have her second gift of huge, thoughtful, vocalized electro ready to be received by heady listeners across the world.

Each track brings together unique pieces that fit into her cohesive vision of electro. There are big bass drums, panned hi-hats, and crunchy bass lines. Stabby pads, punchy piano licks, tantalizing but direct Portuguese vocals, loopy Rhodes progressions, and a touch of acid...bonafide DJ rewind material right here!

The new album by B.Visible is a distinctive studio work, which captures the state of mind of searching for something, without actually knowing what. The only thing you can make sense of is that you aren't currently satisfied, and you want a change in your life, even though you aren't exactly sure of where you belong. This music is a quest, a search for a greater range of self-expression. B.Visible captured this very thought-provoking concept by focusing on what really matters, musically, and conceptually alike. He stayed true to his feelings, regardless of judge-ment or other people's thoughts and opinions. In the end, it's all about fulfilling creativity and exploring feelings without boundaries.

"In Between Places", demonstrates his remarkable talent for extending varied elements across the whole spectrum, allowing a wide range of influences to inspire, entertain and captivate the audience in a very spe-cial way. What makes "In Between Places" stand out is the fact that it shows the artist's chops, without seeming to try to hard to do so. It's or-ganic and dynamic; technically accomplished, but also incredibly spon-taneous and one-of-a-kind in its execution. The instrumental is perfectly balanced, allowing B.Visible's expertly interwoven patterns of melody and rhythm to soar through the mix and come alive with raw and thrilling performance.

Ultimately, "In Between Places" is a truly special album, which is rich in terms of sound design and textures, tipping the hat off to artists such as Four Tet, Flying Lotus or Apparat, only to mention a few. This record is a musical journey with a unique twist.


Viennese producer B.Visible is always pushing his craft forward with each concept being an evolution. His music is mutating organically as each project brings novelty but always while blending sharp electronic components with dusty acoustic layers. That duality exists in every aspect of his creative journey with DJ sets revolving around second-hand records and modern-day productions but also his live project offering a whole new dimension and generosity to the audience. B.Visible melts the barrier between analog and digital in a such distinctive and elegant way that it feels natural.

As a young kid I always wanted to be a musician especially with my brothers.
My Dad, Major Williams Sr started it all with my Brother Lil Major Williams and Garland Williams.
They would travel and play music at venues all over Texas and surroundings States.

I myself stared playing the snare drum in Junior High school and eventually started playing with the Majortones Band which was my dad and brothers group.

I remember the first time I ever sat behind a set of drums it was like a dream come true.
We were playing at this club in Houston, called the Green Parrot.
Garland which was the drummer at the time, I think he got sick or something happened, that's when my dad came to me and said this your time Ray.

I was so scared , keep in my I was only 11years old, anyway I played that night if it had not been for the Bass player (Fox was his name) telling me how to work the foot pedal and high hats snare we wouldn't have made he just kept telling me to stay on the one, at that time I was wondering what was the one Lol.

As time went by I started really getting the hang the thing call music.

Little Major was a big James Brown fan, so we played a lot of Brown's music and if I tell you we were tight and right.

Major wrote Girl Don't Leave in 1978 and I can't remember the real reason for the title of song but it did really good lot's of air play.

As time went on Lil Major, Garland and my Dad passed away.

That's when I started managing The Majortones Band and to this Day it's still going strong.

I re-wrote Girl Don't Leave Me and released it a few years ago which was the best thing I could have ever done.

I feel like it's my time in the music industry, I've been playing for over forty years and I'm still in love with it and still having lots of fun.

Auslandsländer neigen dazu, südamerikanische Länder als „exotisch“ zu betrachten. Aber wir können Ihnen versichern, dass es nichts Exotisches
ist, wenn 95 % der Bevölkerung um ihre Grundbedürfnisse kämpfen, hohe Kriminalitätsraten und Regierungen nacheinander nichts tun, um die
Situation zu ändern – tatsächlich folgen sie ihrer eigenen Agenda, um den Ball am Laufen zu halten.
Aus diesem Grund haben Bands wie die brasilianischen NERVOCHAOS eine solche Atmosphäre echter Brutalität und Authentizität. Sie machen
keinen „südamerikanischen Death Metal“. Sie nahmen einfach ihre harte Realität, nahmen den Einfluss von frühen Death Metal-Bands wie Morbid Angel, Vader und Sinister auf und spuckten sie so aggressiv wie möglich aus. Nervochaos, 25 Jahre alt und Teil der ältesten Generation der
brasilianischen Extremszene – zusammen mit Sepultura, Krisiun, Rebaelliun oder Abhorrence, um nur einige zu nennen – haben natürlich die
Erfahrung, die Abstammung und das technische Know-how, um tun Sie es in Pik.
Genau das ist „All Colours Of Darkness“, das zehnte (!) Studioalbum des São Paulo-Fünflings: Pechschwarzer Death Metal, so rauh gemacht, wie
es eine Band nur kann, mit der brutalen Atmosphäre, die wir von brasilianischen Extrem-Metal-Bands zu erwarten. Mit lyrischen Themen, die
sich um die dunkelsten Gefilde des Satanismus und der dunklen Magie drehen, beschwört Nervochaos den Metal über den Tod, wie es heute nur
noch wenige Bands können – mit einem brutalen Ansatz, einem technischen Rückgrat und einer effektiven Tiefe der Themen.
Nervochaos haben durch ihre harte Arbeit in den letzten 25 Jahren Kultstatus in der Musikszene erlangt und bieten auf ihre einzigartige Weise
eine klangliche Extravaganz. Die Gruppe hat neun Studioalben in voller Länge herausgebracht und tourt ständig weltweit, um ihre Veröffentlichungen zu unterstützen, und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr – von Clubs bis hin zu Festivals.

Auslandsländer neigen dazu, südamerikanische Länder als „exotisch“ zu betrachten. Aber wir können Ihnen versichern, dass es nichts Exotisches
ist, wenn 95 % der Bevölkerung um ihre Grundbedürfnisse kämpfen, hohe Kriminalitätsraten und Regierungen nacheinander nichts tun, um die
Situation zu ändern – tatsächlich folgen sie ihrer eigenen Agenda, um den Ball am Laufen zu halten.
Aus diesem Grund haben Bands wie die brasilianischen NERVOCHAOS eine solche Atmosphäre echter Brutalität und Authentizität. Sie machen
keinen „südamerikanischen Death Metal“. Sie nahmen einfach ihre harte Realität, nahmen den Einfluss von frühen Death Metal-Bands wie Morbid Angel, Vader und Sinister auf und spuckten sie so aggressiv wie möglich aus. Nervochaos, 25 Jahre alt und Teil der ältesten Generation der
brasilianischen Extremszene – zusammen mit Sepultura, Krisiun, Rebaelliun oder Abhorrence, um nur einige zu nennen – haben natürlich die
Erfahrung, die Abstammung und das technische Know-how, um tun Sie es in Pik.
Genau das ist „All Colours Of Darkness“, das zehnte (!) Studioalbum des São Paulo-Fünflings: Pechschwarzer Death Metal, so rauh gemacht, wie
es eine Band nur kann, mit der brutalen Atmosphäre, die wir von brasilianischen Extrem-Metal-Bands zu erwarten. Mit lyrischen Themen, die
sich um die dunkelsten Gefilde des Satanismus und der dunklen Magie drehen, beschwört Nervochaos den Metal über den Tod, wie es heute nur
noch wenige Bands können – mit einem brutalen Ansatz, einem technischen Rückgrat und einer effektiven Tiefe der Themen.
Nervochaos haben durch ihre harte Arbeit in den letzten 25 Jahren Kultstatus in der Musikszene erlangt und bieten auf ihre einzigartige Weise
eine klangliche Extravaganz. Die Gruppe hat neun Studioalben in voller Länge herausgebracht und tourt ständig weltweit, um ihre Veröffentlichungen zu unterstützen, und gibt rund 100 Konzerte pro Jahr – von Clubs bis hin zu Festivals.

Mit der Veröffentlichung von "Illmatic" etablierte sich Nas schnell als Hip-Hop-Ikone und hatte sich zu einem der angesagtesten Künstler in der Musikszene gemausert. Das legendäre Album wurde von den Kritikern als eine der beispielhaftesten Hip-Hop-Aufnahmen aller Zeiten gelobt. "Illmatic" trug auch viel zur Wiederbelebung der New York City Rap-Szene bei und ist heute eines der meistgefeierten und einflussreichsten Alben in der Geschichte. Nas stammt aus der Queensbridge Nachbarschaft von Long Island City, einer Hochburg der Rap-Künstler seit den 80er Jahren, und verkaufte weltweit über 20 Millionen Alben, ein Botschafter für die Hip-Hop-Kultur auf der ganzen Welt.

Pressed on pink marbled vinyl

Shall Not Fade's garage and breaks sublabel, Time is Now, has been a great success in its first year, and now starts 2021 with the first in a series of hand-stamped white label releases. London via Madrid up-and-comer Tower Block Dreams makes his debut for the label with five killer cuts, backed with a weighty remix from Manchester-based garage maestro and Time Is Now regular Interplanetary Criminal.

The A-side is all reliable garage bangers; the opener, "Wicked Ya No" is a rude wobbler for the early hours, with rave piano stabs and a dirty drop. Track two "Keep Coming" loses none of the pace, chopping up playful R'n'B diva vocals to a hard bassline; and the A-side ends with a sidewinding beast of a track in "Soundboy". Think retro synths paired with timestretched ragga vocals - it's unashamedly filthy.

Onto the B-side with gun fingers out for "Truss We", which plays again with ravey stabs and staccato female vocals for an instant dancefloor banger. Tower Block Dreams' last offering on the record is much darker; a forward stepper that cruises along at half-time, creating an ominous atmosphere on which to lead into Interplanetary Criminal's remix of "Wicked Ya Know". This one reimagines the record opener in the producer's trademark high-octane style, smattering hyper breakbeats across the track and turning up the wobble to end the record with a stinker