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COMPUMA's new new album “horizons”now available on vinyl via his own label Something About!

The album “horizons” is a further development of COMPUMA's “horizons EP”, which was released in July 2023 as a digital-only EP on his Bandcamp. The songs are inspired by the scenery and environment of Lake Ezu, Kumamoto, where the artist's roots lie, and by his walks in various places around Japan.

Horizons 1”, in which the undulations of electronic sounds seem to represent a leisurely walk across a clear expanse of sky and lake scenery, and the vocoder voice somewhat reminds us of people's activities, and the piece changes to a more minimalistic play of rhythms and electronic sounds, as if focusing on introspection in the midst of walking. The album also includes “horizons 2,” which changes with exquisite salinity, “horizons 3,” which pays homage to early electronic music, and “horizons 4,” a more stoic minimal electro-dubwise piece that seems to be immersed in the act of walking, The last track on the album, “horizons 5,” is a non-beat ambient track with a hint of the waterfront, as if the artist is gazing at the vast sky, as if the steps of the first half of the album are expanding into a faint memory, and is accompanied by a field recording. The album includes “horizons 5”, a non-beating ambient taste that is covered by field recordings and depicts the atmosphere of a wandering waterfront, and five versions of “horizons” that remind us of the days of “walking”, sometimes immersed in the scenery and walking, sometimes lost in thought, with “horizons interlude” in between, which reminds us of the surface of a bobbing lake, and is a self-titled version of “View 2” from the previous album, “A View”. The album contains seven songs in total, including a self-remix of “View 2” and an electro version of “view 2 electro”, reminiscent of the shimmering surface of a lake.

Personally speaking, this work reminds me somewhat of Kraftwerk's “Autobahn,” which depicted the countryside of West Germany with minimal electronic sounds, and this work also seems to depict a scene of a “walk” with electronic sounds. However, what is different from “Autobahn” is that there is an element in the middle part of the album that seems to go into introspection in the midst of walking, and it is a work that shows various views (including feelings) throughout the album. From a macro perspective, this album is a new response to the recent environmental music revival and generalization of ambient music, which he has introduced as a DJ and record buyer for a long time.
The album was co-produced by hacchi, who also works with Deavid Soul, Urban Volcano Sound, and as a recording/mastering engineer, and mastered by Nakamura Soichiro of Peace Music, a studio that has produced many masterpieces, including Shintaro Sakamoto's solo work. The package artwork is by designer Seiichiro Suzuki. The package artwork is by designer Sei Suzuki. （The package artwork was designed by designer Sei Suzuki.)

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Compuma is a Tokyo-based log-serving DJ whose extensive knowledge of obscure and left-field music across so many genres and different regions of the world established himself as one of the most respected record buyers in Japan,
a country well known as record collectors’ paradise. While he built his career in record business over decades, he has also been sharing his expertise in music as a DJ just as long. Not only the breath and the depth of where his selection derives are hard to compete, the way he blends them all together is also a state of art. Often intricately layered and collaged, Compuma is capable of sculpting something entirely new with bits and pieces of existing tracks in various forms such as ambient soundscapes to dubbed out club sets. In 2017, his unique ability caught the attention of Berlin Atonal directors and he was invited to play at the festival in Berlin.

He extends his skills into remixing which can be heard on the released from EM Records - “Compuma meets Haku” (2015) and “Bangkok Nights” (2017.) In June 2022, he released his first solo album, A View.
He is also an active member of a DJ trio called Akuma No Numa (which translates to “devil’s swamp”) in which he explores darker and more psychedelic periphery of dance music.

Die Modern Folk-Künstlerin Jensen McRae hat das Veröffentlichungsdatum ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums „I Don't Know How But They Found Me!“ bekannt gegeben, das am 25. April über Dead Oceans erscheinen wird. Zusammen mit der Ankündigung hat sie auch ihre neueste Single und das Video „Praying For Your Downfall“ veröffentlicht, ein Meisterwerk der Offenheit, das Witz und Charme verbindet, während McRae darüber nachdenkt, wie sie den Drang nach Rache an jemandem, der ihr das Herz gebrochen hat, loslassen kann.



Jensen McRae - Praying For Your Downfall (Official Video)



Vor dem Hintergrund von Herzschmerz, Selbstfindung und der Komplexität der Liebe ist „I Don't Know How But They Found Me!“ eine mutige Entwicklung für die junge Künstlerin. Das elf Titel umfassende Album, das in North Carolina mit Brad Cook (Waxahatchee, Bon Iver) aufgenommen wurde und an dem Nathan Stocker (Hippo Campus), Matthew McCaughan (Bon Iver) und ihr Bruder Holden McRae mitgewirkt haben, ist eine lebendige Sammlung von Songs, die von messerscharfen Texten und zeitlosen Pop-Melodien getragen werden. McRaes Stimme ist so vielseitig wie ihr Songwriting - mal flüsternd und strukturiert, dann wieder klar und hell. Es ist eine Stimme, die sowohl den Herzschmerz des Verlassenwerdens als auch die Stärke des Verlassens verkörpert.



Von Anfang an haben sich die Fans in Jensen McRae verliebt, für ihre scharfsinnigen, aufrüttelnden und klarsichtigen Songs. Ihr Songwriting ist verletzlich, ja, aber es ist auch stark, weil es sich nicht zurückhält. „I Don't Know How But They Found Me!“ zeigt McRaes Entwicklung von einer vielversprechenden jungen Künstlerin zu einer echten Songwriterin und Star. „Die tiefgreifendsten Entscheidungen meines Lebens“, sagt McRae, “haben sich oft wie Dinge angefühlt, die ich getan habe, bevor ich dazu bereit war, und in die ich hineinwachsen musste.“ „I Don't Know How But They Found Me!“ handelt davon, was folgt, wenn man dem widerstanden hat, von dem man dachte, dass es einen vernichten würde. Es geht darum, seine Grenzen kennenzulernen und zu erfahren, wozu man fähig ist. „Ich verband mich mit dem Gedanken, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir widerfahren ist, hätte zusammenbrechen können, aber ich tat es nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt sie, ‚aber ich war die ganze Zeit kugelsicher“. Jensen McRae ist in L.A. geboren und aufgewachsen und hat fast ihr ganzes Leben lang Musik studiert und gemacht. In der High School nahm sie am Grammy Camp teil und schloss ihr Studium an der USC Thornton School of Music mit einem Abschluss in Popular Music ab. McRaes Debütalbum „Are You Happy Now?“ schrieb sie größtenteils im Alter von 21 Jahren und war der erste Schritt zum Aufbau einer treuen Fangemeinde. „Are You Happy Now?“ navigiert die Identität von ihren tiefsten Grundlagen - dem Leben als junge, gemischtrassige schwarze und jüdische Frau - bis hin zu ihren persönlichsten Überlegungen - vertraue ich dir, vertraue ich mir selbst. McRaes Vertrauen in sich selbst hat sich mehrfach bestätigt, zuletzt und vielleicht am bekanntesten in Form des Songs „Massachusetts“. McRae postete eine Solo-Strophe und einen Refrain, kaum mehr als ein Stück eines Demos, und es fing Feuer im Internet. Covers, Duette und eine Lawine neuer Fans folgten, und McRae krönte den Moment mit einer fertigen Version und einer sommerlangen Tournee als Support von Noah Kahan. „I Don't Know How But They Found Me!“ nimmt McRaes mittlerweile beachtliche Fähigkeiten auf und macht sie massentauglich. „Savannah“ ist ein Song für alle, die schon lange dabei sind. Der pulsierende, an Country angelehnte Song erinnert sofort an das Beste von Phoebe Bridgers, wobei McRae in einem akrobatischen Flüsterton über einer federleichten akustischen Gitarre singt. Wenn „Savannah“ sein Crescendo erreicht, wird klar, dass McRae eine Künstlerin mit einer ganz eigenen Kraft ist, wenn sich Klavier und Gitarre überlagern und McRae eine Reihe bissiger Anklagen mit Schärfe und Überzeugung vorträgt: "You swore you'd raise our kids to end up just like you / well you're a false prophet / and that's a goddamn promise." Währenddessen ist „Let Me Be Wrong“ eine echte Hymne, eine beschwingte Ode an die Ablehnung von Perfektionismus. Wiederum auf einem einfachen Gesang und einer Akustikgitarre aufbauend, steigert sich „Let Me Be Wrong“ Schritt für Schritt in seinem Trotz; die Gitarren schichten sich, das Schlagzeug nimmt das Tempo auf, und McRae macht Platz für die Fehler aller. Wenn McRae knurrt „fuck those girls got everything“, ist das ein Schlag voller Kraft und Verletzlichkeit, der darum bettelt, unisono so laut wie möglich gebrüllt zu werden. Der ungewöhnliche Titel ihres zweiten Albums? Er stammt aus einer Zeile in McRaes Lieblingsfilm „Zurück in die Zukunft“. Ein Hauptdarsteller überlebt einen Kugelhagel, und dieses Bild hat McRae sehr beeindruckt. „Ich habe mich mit dem Gedanken angefreundet, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir passiert ist, hätte zusammenbrechen können, aber das habe ich nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt McRae, “aber ich war die ganze Zeit über kugelsicher.“

The first in a proposed series of transmissions, Surface Detail's mystifying debut introduces an incorporeal body that exists only through sound and sensation, prompting listeners to discern a spiritual realm beyond the physical. Its surging electro-acoustic compositions push past the material world to plunge into deeper sonic dimensions, slowly revealing a philosophy borne of near-death and out-of-body experiences that challenges perception itself.

Overhauling vintage experimental techniques with their bespoke modern methodologies and processes, Surface Detail rearrange the musical timeline, merging vastly different concepts to hint at questions rather than provide solid answers. Their uniquely immersive soundscapes use texture, rhythm and tonality to help brush away the superficial and contemplate the unknown, approaching its delicate, controversial subject matter with sensitivity and sensuality. Not just an auditory experience, 'Surface Detail' tests the potential of sound itself, eliciting visceral physical reactions with its uncanny subtleties.

Those principles are divulged immediately on opening track 'Marée Noire', as breathy saxophone notes loops and swirl over cosmic oscillations and microtonally tuned drones. It's music that cracks open a passage that snakes through various genres, suggesting silhouettes rather than affirming banal musical preconceptions. Skeletal rhythms appear in the ether for only a moment, disappearing into the sonic landscape, and Surface Detail's bespoke instrumentation materializes just to bring out the cellular intricacy of the music, concentrating the gaze on microscopic textures and irregularities that discompose the senses. As the album drifts forward, it bends material reality even further: on 'Southern Breach', warm, lower-register organ tones intermingle with sinewy guitar twangs, evaporating into warped, hypnotic oscillations and eerie echoes; and by 'Superbook of the Dead', the conspicuous details have almost disappeared completely, replaced by subterranean clangs, industrial ambience and other-worldly electrical interference.

It's in this way that Surface Detail softly assert their convictions, insinuating a narrative that subliminally ushers listeners down an hypnagogic River Styx by removing all traces of the familiar. On closing track 'Broken Silicates', distant lullabies, dissociated stutters and ghostly woodwind sounds blot fractal patterns on the wide open space, reincarnating the album in a liminal zone that's not constrained by somatic logic. Whisper quiet and utterly beguiling, it transcends material existence, dissolving barriers between surface and depth.

A sum greater than its individual parts, 'Look What You Made Me Do' is Ashaine White's fourth EP A rockier edge than her previous releases, the EP is drenched in distorted guitars and Ashaine's distinctive vocals. Taking influence from a large gene pool of genres, the EP walks the line between early 90s guitar driven rock, the stunning vocal tones of soul music and all with a hint of infectious pop charm.

Twelve years on from the release of their debut album This Life, Dublin indierap trio The Original Rudeboys are back to play a sold-out show in the 3Olympia Theatre in April 2025, coupled with a limited edition run of first time vinyl pressings of debut album "This Life" One could say that indie- rap trio "The Original Rudeboys" were ahead of their time. Once sniffed upon, a strong Irish accent is prominent in most breakout Irish acts at the moment (Fontaines DC, Kneecap, Gurriers, LYRA, Curtisy). The Original Rudeboys were doing this 15 years ago, and their stand-out hit 'Stars In My Eyes' was met by thousands of fans across Europe when they supported The Script, or headlined their own arena tours. The Original Rudeboys: Reunion Show in the 3Olympia this April sold out straight away which is a testament to the staying power their music still has in Ireland.

Speaking on the incredible feat, the band said; "We never thought a show was ever going to happen for us again nevermind at somewhere as prestigious as the Olympia theatre. We have played 5 of our own headline shows there but to add 1 more to the history books over 10 years on is truly a blessing and we are very grateful to everyone who made it happen, we can't wait to do it again." With the reunion show being in such high demand that it was an instant sellout, the band also wanted to give back to the fans another way. They are releasing a limited vinyl pressing of their debut album "This Life". This album was never released on vinyl before and will contain one extra bonus track - a new release from the band, hinting at what's to come. "We started in the music industry on the backend of the physical media decline but to see it come full circle and the rise in fans buying vinyl records is very promising. The magic of having something tangible as fans ourselves is not lost on us and to be able to listen back to this album with the crackle of the needle gives it an extra bit of magic we didn't know it needed.

Für alle Krautrock Fans gibt es jetzt eine LP Box in streng limitierter Sammler Auflage, zweier einflussreicher Bands aus der deutschen Krautrock-Szene der 1970er Jahre. Guru Guru, bekannt für ihre improvisierten und experimentellen Klänge, sowie Floh de Cologne, berühmt für ihre satirischen und politisch-engagierten Texte, prägten beide das Genre auf ihre eigene Weise. Diese Box ist bestückt mit insgesamt 3 der bedeutendsten Alben, wie „Hinten“ & „UFO“ von Guru Guru und „Fließband Babys Beat Show“ von Floh de Cologne. Mit einer Mischung aus psychedelischen Klängen, avantgardistischer Musik und sozialkritischen Texten geben diese Aufnahmen einen faszinierenden Einblick in die kreative Vielfalt der deutschen Musikszene dieser Ära.

In 2022, Osàre! Editions founder Elena Colombi approached artists and musicians with a prompt: Every body, everyone needs love to flourish. In her book The Will to Change, the eminent author and social activist, Bell Hooks, invites men to excavate their innermost selves, challenging the way that patriarchal society limits their capacity for intimacy, tenderness, care and emotion. As hooks lays out, feminist thought and work requires the collective participation of all genders in order to realise a liberated world. How can we imagine cross-gender solidarity through music and art? And how can we tell sonic stories that facilitate our full potential as desiring beings? These are the questions that The Male Body Will Be Next starts out from.

The title of the record draws connections between hooks' writing, a film by Rebecca Salvadori and Peter de Potter's stunning photo series of the same name. In de Potter and Salvadori's depictions, men's bodies appear as vulnerable, naked and exposed.

Divided into two parts, the first instalment of The Male Body Will Be Next hinges on colliding energies – the melding of club dance floors and haunting ambient textures, agile techno and noisy experimentation.

'The sun on my skin… it’s so warm and gentle,’ speak-sings Olivia Salvadori on ‘Su Di Te M’Infrango’, visualising utopias. Laurel Halo crafts a dreamscape spun from golden threads of synth and strings. Pensive and reflective, Ben Bertrand’s bass clarinet roams searchingly, its piercing tonality full of longing. Yet, in between these lucid, cinematic passages and spoken word, The Male Body Will Be Next finds space to dance together. Moving in fervent, rhythmic patterns, Sepehr’s ‘Divooneh’ pivots between tension and release. Filmmaker unleashes a wave of energy and The Spy delivers a potent take on vintage electro, the track title hinting at the double-bind of gendered expectations. Propelled between these eclectic styles, the record encapsulates the full spectrum of sonic expression.

2025 Repress.
Originally released in limited formats in 2017 and having since been repressed several times, 2025 sees
a new pressing to acknowledge the enduring legacy of this recording. In 2024, the song Trees & Flowers
became an unexpected hit on Tik Tok and introduced a new generation to these timeless songs.

“1982 4-Piece Demo” is the first official, fully-licensed and unreleased material to be released under the name
Strawberry Switchblade in 30 years. Since disbanding amid major record label acrimony and personal differences
in 1986, the already-cult band have since grown in stature and legend. Trailblazers in many ways, the band’s
mythology justifiably centers around the charismatic duo of Jill Bryson and Rose McDowall, but that isn’t a
complete picture.

Bryson and McDowall’s growing friendship, having met some years earlier on the punk scene, became a creative
partnership: Bryson’s art school background and McDowall’s history in avant-punk group The Poets meant
Strawberry Switchblade was a band pitted against many established norms. The band’s very first incarnation,
an all-female 4 piece, recorded one demo at Glasgow’s Hellfire Club and played a handful of gigs. Friends
Janice Goodlett and Carole McGowan completed the line up on bass and drums respectively. Strawberry
Switchblade would eventually pair down to a duo and go on to chart success but it’s in these raw, passionate
recordings that the songwriting and vocal elements were being hammered out and explored in real time.
“Spanish Song” is a previously unreleased song. With Rose McDowall’s instantly recognizable lead vocal
dovetailing with Bryson’s harmonies and lead guitar, it’s the first glimpse at an alternative history of Strawberry
Switchblade. This incarnation could easily have been featured on a Nuggets compilation or a precursor to the indiepop revolution that would take over British bedrooms a couple of years later. Trees & Flowers is instantly
recognizable, a bona fide classic that would earn the band its first record deal. Here it’s given a more forceful rhythm
section: Goodlett and McGowan’s playing is in fact accomplished and doesn’t hint at the bands’ youth. Go Away
would also surface later on the band’s debut LP but here it is a moody-garage stomper with a psychedelic, haunting
refrain.

These 3 songs point to a tantalizing future of the band that was never realized.
Remastered and restored by Sean Pennycook from the original cassette, with artwork based on a single
photographic contact sheet (the only visual evidence of the band in this form) and with a booklet of photographs and
new text from contemporary Stephen Pastel.



Spanish Song' is a previously unreleased song. With Rose McDowall's instantly recognizable lead vocal dovetailing with Bryson's harmonies and lead guitar, it's the first glimpse at an alternative history of Strawberry Switchblade. This incarnation could easily have been featured on a Nuggets compilation or a precursor to the indie-pop revolution that would take over British bedrooms a couple of years later. "Trees & Flowers" is instantly recognizable, a bona fide classic that would earn the band its first record deal. Here it's given a more forceful rhythm section: Goodlett and McGowan's playing is in fact accomplished and doesn't hint at the bands' youth. "Go Away" would also surface later on the band's debut LP but here it is a moody-garage stomper with a psychedelic, haunting refrain. These 3 songs point to a tantalizing future of the band that was never realized.


Remastered and restored by Sean Pennycook from the original cassette, with artwork based on a single photographic contact sheet (the only visual evidence of the band in this form) and with a booklet of photographs and new text. Pa

1982 4-Piece Demo' is the first official, fully-licensed and unreleased material to be released under the name Strawberry Switchblade in 30 years. Since disbanding amid major record label acrimony and personal differences in 1986, the already-cult band have since grown in stature and legend. Trailblazers in many ways, the band's mythology justifiably centers around the charismatic duo of Jill Bryson and Rose McDowall, but that isn't a complete picture. Bryson and McDowall's growing friendship, having met some years earlier on the punk scene, became a creative partnership: Bryson's art school background and McDowall's history in avant-punk group The Poets meant Strawberry Switchblade was a band pitted against many established norms. The band's very first incarnation, an all-female 4 piece, recorded one demo at Glasgow's Hellfire Club and played a handful of gigs. Friends Janice Goodlett and Carole McGowan completed the line up on bass and drums respectively. Strawberry Switchblade would eventually pair down to a duo and go on to chart success but it's in these raw, passionate recordings that the songwriting and vocal elements were being hammered out and explored in real time.


Spanish Song' is a previously unreleased song. With Rose McDowall's instantly recognizable lead vocal dovetailing with Bryson's harmonies and lead guitar, it's the first glimpse at an alternative history of Strawberry Switchblade. This incarnation could easily have been featured on a Nuggets compilation or a precursor to the indie-pop revolution that would take over British bedrooms a couple of years later. "Trees & Flowers" is instantly recognizable, a bona fide classic that would earn the band its first record deal. Here it's given a more forceful rhythm section: Goodlett and McGowan's playing is in fact accomplished and doesn't hint at the bands' youth. "Go Away" would also surface later on the band's debut LP but here it is a moody-garage stomper with a psychedelic, haunting refrain. These 3 songs point to a tantalizing future of the band that was never realized.


Remastered and restored by Sean Pennycook from the original cassette, with artwork based on a single photographic contact sheet (the only visual evidence of the band in this form) and with a booklet of photographs and new text. Pa

Ein Album zum Schlafen und Wachen, zum Gehen und Fahren, zum Jagen und Fischen, zum Herumlungern vor einer Raststätte in der verwunschenen Tundra. In Fahrstühlen okay, zum Abendessen nicht so toll. Auf Caveman Wakes Up, dem neuen Album von Friendship und ihrem zweiten für Merge Records, wird die historisch weit gefasste Definition von Country-Musik noch weiter gefasst. Shambolische Gitarren werden durch Flötenpads ausgeglichen, trübe Poesie trifft auf eine Motown-Rhythmusgruppe, ein Song über Jerry Garcia und die First Lady Betty Ford wird mit einem Schlagzeugsolo ausgeblendet, als käme Talk Talk aus einem schmuddeligen Keller in Philadelphia und würde von James Tate gespielt. Der zerklüftete Bariton des Songwriters Dan Wriggins schneidet durch elf düstere, wirbelnde Country-Rock-Songs mit tiefgründiger lyrischer Substanz und Aufrichtigkeit. Wie ein Wecker, der am Rande eines Traums eingebaut ist, gehört "Caveman Wakes Up" gleichermaßen zum bewussten und zum unterbewussten Verstand, voller Hintergründe, durchdrungen von Referenzen und Experimenten, beiläufig und als düstere Warnung vorgetragen und vor allem der kreativen Seele der Musik gewidmet. Im Laufe der Jahre hat sich diese Hingabe ausgezahlt. Friendship ist zu einer Art umgekehrter Supergroup geworden, in der die Band selbst und jedes einzelne Mitglied im Zentrum einer zunehmend prominenten Szene junger Folk- und Country-Musiker und Songwriter steht. Der Schlagzeuger Michael Cormier O'Leary leitet das Instrumentalkollektiv Hour und betreibt zusammen mit dem Bassisten Jon Samuels das Label Dear Life Records, das Freunde und Kollegen beherbergt, die Friendship zu einem wichtigen Einfluss zählen, darunter MJ Lenderman, Florry, und Fust. (Samuels spielt auch die Leadgitarre bei MJ Lenderman and the Wind). Die Band 2nd Grade des Gitarristen Peter Gill ist ebenfalls aktiv und macht zahlreiche Aufnahmen. Wriggins begann mit dem Schreiben der Songs von "Caveman Wakes Up" auf einer verstimmten klassischen Gitarre von Lenderman und beendete es auf einem kaum gestimmten Klavier in einer Wohnung, die er mit G DeGroot von Sadurn teilte. Im Sommer 2023 hatte Wriggins gerade den Iowa Writers' Workshop verlassen, wo seine Liebe zur Poesie und sein Misstrauen gegenüber der akademischen Poesiewelt gleichzeitig wuchsen. Eine Beziehung ging in die Brüche, und Wriggins übernachtete mehrere Wochen in North Carolina im Haus von Lenderman und Karly Hartzman (von Wednesday ), wo er die ersten Demos von "Resident Evil", "All Over the World" und "Love Vape" aufnahm. Wriggins kehrte nach Philadelphia zurück, und die Band machte sich an die Arbeit, um neue Ideen zu entwickeln. Schließlich nahmen sie das Album in fünf Tagen mit Tontechniker Jeff Ziegler (Mary Lattimore, War On Drugs) auf, den Gesang mit Bradford Kreiger, dem Techniker von Love the Stranger. Orgel, Geige (Jason Calhoun) und Flöte (Adelyn Strei) wurden von Lucas Knapp in einer Kirche in West Philadelphia aufgenommen. Textlich bewegt sich "Caveman Wakes Up" auf vertrautem Friendship Terrain - das Heilige wird profaniert und das Profane geheiligt. "Caveman Wakes Up" zeigt Friendships besonderes Genie für visionäre Arrangements, die über Generationen hinweg dem Folk-Rock-Kanon von Neil Young, Joni Mitchell und Emmylou Harris ebenso verpflichtet sind wie Indie-Größen wie Yo La Tengo und den Merge-Labelkollegen Lambchop oder Zeitgenossen wie Lomelda und ML Buch. Mehrere der Songs verwenden Fade-Outs, die im Text von "Love Vape" scherzhaft erwähnt werden, und es gibt andere Elemente, die von Motown und 70er-Jahre-Balladen übernommen wurden: festgefahrene Schlagzeugmuster, Bassintervalle, gefühlvolle Streicherarrangements. Jede Referenz wird über das Genre hinausgeschoben, verwirbelt und wiederholt, zu etwas Neuem, das eindeutig zum Friendship-Sound gehört. Bei "Free Association", "Artex" und "Wildwood in January" ist der Groove so festgelegt, dass andere Klänge nahtlos kommen und gehen können: Mellotron-Flächen, Klavierwirbel und -stiche und klare Gitarrenmelodien, wimmelnde Texturen, die sich als Einheit tarnen. "Caveman Wakes Up" das bisher am weitesten fortgeschrittene Werk von Friendship, ein weiterer Beweis für die Hingabe und Sorgfalt der Band.

Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert von einem Zitat ihres Bassisten Simon 'Dragon' Bouteloup, „Ich will einfach nur ein Sound sein“, schaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich nahtlos zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt - immer voller Schwung und Veränderung.

Unterstützt von Produzent Max Rieger und begleitet von Gitarrist Jascha Kreft zelebrieren Kadavar die ewige Verwandlung des „Ewigen Jetzt“. Ein Soundtrack für die Widersprüche der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist - kraftvoll, verletzlich und immer bereit für einen Neuanfang. Es ist ein Liebesbrief an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst - voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Klang.

"Something Soft", das zweite Album der irischen Post-Punk-Brandstifter M(h)aol, ist alles andere als soft. Von der ersten Note des Eröffnungsstücks von "Something Soft" bis zu den verzerrten Schreien des letzten Stücks fühlt sich die Platte antagonistisch gegenüber dem Konzept der Sanftheit an, klanglich und thematisch. Es ist eine unapologetische Annäherung an intersektionellen Feminismus, Tierschutz, Konsum und den Kampf um einen Platz in einer Welt, der es an Empathie mangelt. Was M(h)aol bietet, ist Katharsis in zwei Formen: die Art, die man bekommt, wenn man anderen gegenüber offen ist, und die Art, die man bekommt, wenn man mit Recht etwas kaputt macht. Wut und Empathie effektiv zu kanalisieren ist ein Akt der Widerstandsfähigkeit, und um "Something Soft" zu machen, mussten M(h)aol besonders widerstandsfähig werden. Nach ihrem gefeierten Debüt "Attachment Styles" änderte sich das Line-up von M(h)aol und bestand nun aus dem Kerntrio Constance Keane (Schlagzeug/Gesang, sie/ihr), Jamie Hyland (Bass/Gesang, sie/ihr) und Sean Nolan (Gitarre, er/ihm). Dieser Prozess veränderte die Herangehensweise der Band an das Songwriting und die Auftritte und führte zu einem unerwarteten Durchbruch. "Something Soft" zeichnet sich durch einen dringlicheren Sound aus, der sich eng um den Rhythmus von Hyland und Keane legt. In Songs wie "Pursuit" und "Snare" verbindet sich Keanes Gesang mit dem Schlagzeug, als würden ihre Worte durch ihr Spiel zum Leben erweckt und direkt aus ihrem Körper kommen. Vor dem Hintergrund dieser ängstlichen und schwadronierenden Tracks nimmt ihre Stimme den Raum eines inneren Monologs ein, in dem sie von einem angespannten Heimweg und von der Misogynie im Green Room aus einer Position der drolligen Beobachtung heraus erzählt - eine universelle Erfahrung, die in spezifischen Details wiedergegeben wird. Wie seine Vorgänger "Attachment Styles" und die "Gender Studies" EP wurde auch "Something Soft" von Jamie Hyland aufgenommen. Es ist die technisch ausgefeilteste der bisherigen M(h)aol-Aufnahmen, denn die Band, zu der auch Sarah Deegan vom Pixie Cut Rhythm Orchestra am Bass gehört, zog in das Dubliner Ailfionn Studio, wo sie die räumlichen Gegebenheiten und das Studio-Equipment nutzten, um ihrem Sound mehr Nuancen zu verleihen. Die zusätzlichen Sessions und das Können hinter den Reglern waren ein Segen, aber für eine Band, die es gewohnt ist, unter extremem Zeitdruck zu arbeiten, war dies eine unerwartete Herausforderung: Konnten M(h)aol das Gefühl der Unmittelbarkeit beibehalten, das ihre Musik bis zu diesem Zeitpunkt geprägt hatte? Songs wie "DM:AM" zerstreuten diese Sorge schnell, indem sie innerhalb von 20 Minuten aus einem Drone entstanden, den Nolan spielte, während Hyland ihr Aufnahme-Equipment aufbaute und sich beeilte, den Song einzufangen, sobald Keane und Deegan dazukamen. Eine der geisterhaften Hymnen von "Something Soft", "1800-Call-Me-Back", begann als Scherz, dass die Band einen Fußballgesang schreiben sollte, wurde aber weitaus komplexer - die köstliche Balance aus Chaos und Klarheit, die sie gefunden haben, wäre ohne Zeit unmöglich gewesen. "I Miss My Dog" ist weniger spontan, aber seine Meditation über Trauer baut sich in einem halsbrecherischen Tempo auf, von Rückkopplungen über Keanes Schlagzeugspiel und Gesang bis hin zu einem spektakulären Schluss, der die Trauer in Bass und Gitarre erstickt, eine der größten technischen Leistungen von M(h)aol bis heute. Der Feinschliff unterstreicht den schelmischen Charme von M(h)aol und lässt das Intime hymnisch wirken, indem persönliche Erfahrungen genutzt werden, um die allgemeinen Systeme, unter denen wir leben, zu beschreiben. Für diejenigen, die sich in den Songs von M(h)aol wiedererkennen, ist das Hören von "Something Soft" wie ein Sprung in einen lang laufenden Chat-Thread, voller Wut und Humor.

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

Sometimes records reflect life with an unsettling precision, your own breath sticking to a mirror, confounding or transforming reality. J.H. Guraj, real name Dominique Vaccaro, is back with ‘The Flip Side’, an accomplished work of grace and sprawling elegance documenting struggle and a near-death experience that summons ghosts of Western primitive masters, rollicking free folk, minimalist orchestrations, weeping guitars and smooth psychedelics.

Time stopped for J.H. Guraj in 2021 following a brush with mortality, extensive forced recovery and subsequent hints of depression after an almost fatal bike crash, leaving our wandering soul, once again, at the edges. While his previous record ‘Introspection / Migration’ hinted at Middle-Eastern influences and merged the artists’ Arbëreshë upbringing with stoic ecstasis, free-form structures and guitar wizardry under sepia tone curtains, ‘The Flip Side’ twists, turns, falls down and rises to new heights, the widescreen breadth of Dominique Vaccaro’s cinematic vision projects new colours, a stark contrast of pastoral emerald green and pitch black asphalt, urban decay and mercurial mystery.

Like passages from some archaic songbook what astonishes is how detailed the new compositions are, a warm embrace like ‘Way To Long Goodbye’, counterpoint pianos leading the way down a Gershwin avenue; ‘You Got It All Wrong So Did I’ with its Van Dyke Parks arrangement; the 9 minute epic ‘Us As Ghosts’ a haunting ballad that resolves into kosmische landscapes; the muted symphony of ‘Fake Af’ and the spectral disorientation of ‘Nothing I Can Do But Flow’. Gentle drumming from collaborator Gianluca Panici augment the eeriness of ‘The Flip Side’, motions that create a sense of suspension and yearning.

Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert von einem Zitat ihres Bassisten Simon 'Dragon' Bouteloup, „Ich will einfach nur ein Sound sein“, schaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich nahtlos zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt - immer voller Schwung und Veränderung.

Unterstützt von Produzent Max Rieger und begleitet von Gitarrist Jascha Kreft zelebrieren Kadavar die ewige Verwandlung des „Ewigen Jetzt“. Ein Soundtrack für die Widersprüche der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist - kraftvoll, verletzlich und immer bereit für einen Neuanfang. Es ist ein Liebesbrief an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst - voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Klang.

Nachdem er im April 1960 als Sideman auf Jimmy Smiths Soul-Jazz-Zwillingsklassikern “Midnight Special” und “Back At The Chicken Shack” einen starken Eindruck hinterlassen hatte, gab Blue-Note-Chef Alfred Lion Stanley Turrentine im Juni die Chance, sein erstes Album als Leader für das Label aufzunehmen. “Look Out!” verkündete die Ankunft eines zutiefst gefühlvollen neuen Saxofonisten, der sein Herz und seine Seele in jede gespielte Note goss.

"Metalhorse" ist das dritte Studioalbum von Billy Nomates, nach dem von der Kritik hochgelobten "Cacti" von 2023 und ihrem selbstbetitelten Debüt von 2020. Ein Konzeptalbum, das sich um das Bild eines verfallenen Jahrmarkts dreht und für die Turbulenzen des Lebens steht - Risiko und Vergnügen, Gefahr und Rausch. Die 11 neuen Songs erkunden Blues, Folk und pianobetonte Arrangements, die Billy Nomates' starken Punk-Sound in eine pastoralere Richtung lenken. "Metalhorse" ist das erste Billy Nomates-Album, das in einem Studio und mit kompletter Band aufgenommen wurde. Zur Besetzung gehören die Bassistin Mandy Clarke (KT Tunstall, The Go! Team) und der Schlagzeuger Liam Chapman (Rozi Plain, BMX Bandits), dazu gab es einen speziellen Gastbeitrag von The Stranglers-Frontmann Hugh Cornwell zu dem Song "Dark Horse Friend". "Metalhorse" ist eine Balance der Extreme. Verlust, materielle Unsicherheit und der Versuch, sich selbst treu zu bleiben, vor dem Hintergrund eines zunehmend unvorhersehbaren globalen Chaos - die Waage hätte leicht in Richtung Dunkelheit kippen können, aber je mehr Tor Maries durchmachen musste, desto wertvoller wurden die kleinen Momente des Glücks. "Metalhorse" fordert den Hörer auf, seinen eigenen Rummelplatz zu finden; es wird immer Dinge geben, die sich gefährlich anfühlen. Gleichzeitig muss man die Lichter bestaunen, solange sie noch brennen. "Metalhorse" tanzt mit diesen Gefühlen von Ungewissheit und Freude und ist von Schmerz und Ausdauer durchdrungen.

'Better The Devil You Know' marks the long-awaited comeback of British band The Spitfires. Their first release with a refreshed line-up and also their debut on Bellevue Music, the track sees the band teaming up with producer Simon Dine (Paul Weller, Dexys Midnight Runners, Noonday Underground) to deliver a punchy, politically charged anthem.

On the B side, exclusive to the physical release only, is a remix of new track 'A Man Of Time' by french wizard and Paul Weller collaborator Le SuperHomard. Another new song to discover in its original form on the forthcoming album " MKII ". With musical hints of The Clash, The Specials and Hard-Fi at their most outspoken, 'Better The Devil You Know' is a sharp reflection on the ongoing turmoil in the Middle East. Frontman and songwriter Billy Sullivan explains "It relates to all war. A true protest song" The band is set to hit the road for a UK and European tour ( see below for details ), culminating in a headline show at London's KOKO on May 23rd.

"After a first appearance on the "Various 1" EP, Oshana now makes her full release debut on Altered Circuits. The "Origins EP" is, in the artist's words, a collection of old-meets-new four-to-the-floor club flavours. Originating from her live set practice, it's a proper representation of where she's currently at: making a push for the bigger and bolder. Her obvious talent for meticulously stacking textures doesn't stop her from shifting to the stripped-back and straightforward when needed. The constant throughout is a sensibility for the dancefloor, which never lets anything get in the way of groove and rhythm. "Above We Soar" drops right into the action with a menacing bassline and equally gloomy synthesizer layering. The cut's gothic-black palette works a charm merging palpable tension with restraint. It builds for 4 minutes towards a drop - and then a slamming acid line succeeds in cranking the energy even up another notch. "Space And Time Dimensions" is a loopy roller which, by the sound of its reverb levels and ambient noises, might have been recorded at a missile silo. The stretched vocal samples and ever-evolving drums propel it forward in a vintage, Chicago house type way. There's a moment of calm when those briefly fall away; one of its quirky basslines subsequently makes room for a slick little polyrhythm sine, and everything clicks even more. On the other side, "Girls In The Front" doesn't loosen the reins either, as hefty kicks and another sturdy bassline immediately set the tone. The air appears charged with static electricity, and Oshana's way of niftily adding and subtracting seamlessly draws the listener into a groovy trip. 5 minutes fly by, and then the lead still has to emerge. The one that eventually comes in is huge and hypnotic. Topped off with a selection of vocals that burst with impatience, the track hints at the anthemic. Closer "Origins" taps into a more progressive and trance side with its modulated formant bassline, jittery arpeggiator lead and heavily flanged flourishes. A gust of electronic flutes and sleek chords take a turn for the - almost - idyllic. Not for long: not uncharacteristically, it switches back to the main beat and back into more ambiguous yet familiar territory."

This latest Unxpozd release has taken a hot minute to arrive but it's been worth the wait, because once again DJ Aakmael shows off his deep house class. '6minutes' kicks off with the sort of whimsical late-night chords that soon get you dreaming as the loveably lazy grooves slouch on. 'Just A Track pt. 8' shows Aakmael's sample skills as he chops up the sounds with some nice jazzy keys. You won't find a groove more lush and smooth than the gently cosmic 'Track 123' while 'Autumn' is perfectly stripped back to chunky kicks, slowly ascending chords and a hint of Kerri Chandler soul with a gospel vocal hook.