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Das Album "Songs in A&E" erscheint in Neuauflage. Die britischen Space-Rocker Spiritualized, die aus der Band Spaceman 3 hervorgingen, veröffentlichten es ursprünglich 2008, woraufhin es auf Platz 15 der UK-Albumcharts einstieg.

Songs in A&E ist ein wunderschönes, beängstigendes Album, und es war beinahe das letzte, was J Spaceman jemals veröffentlichen würde. Im Jahr 2005, als die Schreib- und Aufnahmearbeiten bereits in vollem Gange waren, wurde Spaceman mit einer doppelten ungenentzündung ins Royal London Infirmary eingeliefert. Das Cover dieser
iederveröffentlichung zeigt ein Foto, das aufgenommen wurde, als er auf dem Sterbebett lag, wie seine engen Freunde und seine Familie zu diesem Zeitpunkt befürchteten. "Wir dachten, er sei tot", erinnerte sich sein Bandkollege John Coxon an diese Zeit.

Das Album ist eine Sammlung anmutiger, Country-beeinflusster Songs, die vertraute Themen wie Liebe, Tod, Hoffnung und Hoffnungslosigkeit aufgreifen. Das Country-Element wurde durch eine kleine schwarze 1928er Gibson Akustikgitarre geprägt, die er in Cincinnati gekauft hatte, als die Band auf Tournee für das Album Amazing Grace war. Spaceman nannte sie "The Devil".

Leicester punk sextet Jools have today released their new single ‘97%’, a provocative track spotlighting the ubiquity of sexual harassment in the lives of women. This comes alongside the band’s announcement of signing to UK indie label Hassle Records (Brutus, The Used, Casey), and the release of an upcoming double A-side 7” single in June.

‘97%’ draws on vocalist Kate Price’s own personal experiences and those of the women in her life. “The point of the song, however, is not to explore my experience as an isolated incident, but instead to force people to confront such commonplace experiences in a manner in which they can’t look away,” Price says. “Everybody knows a woman that has been harassed or assaulted, but nobody seems to know an abuser. That simply doesn’t add up. I want that song to feel uncomfortable because I want everyone who hears it to realise that just because they are not an abuser, that doesn’t mean they aren’t responsible for changing the culture and experiences of every woman. It’s a cry for justice in the world.”

To experience Jools in their most chaotic and unpredictable full flight is, the band were once told, to not know whether you are about to be kicked in the face or kissed on the cheek. Even that, however, feels like an understatement.

At any moment the Jools experience, on stage and on record, can turn on a sixpence from that of unbridled rage at the world to a celebration of the beauty that can still be found hidden in its murky corners. The punk rock of Jools is at once visceral and violent, cathartic and confrontational, and at the next exultant and exhilarating. Jools is duality by design, where contradiction is empowerment harnessed as a force for progress, sonically and societally.

A collective of musicians – Mitch Gordon and Kate Price on vocals, Chris Johnston and Callum Connachie on guitar, Joe Dodd on bass, and Chelsea Wrones on drums – spread between London and Leicester, Jools found each other as much by accident as design in the

earliest days of 2023. Together, they serve as a creative confluence for inspirations that move from the punk and post-punk of The Smiths, Fontaines DC, Iggy Pop, Amyl & The Sniffers and PJ Harvey, through the shoegaze of My Bloody Valentine and Slowdive, and into territories marked metal, rap and pop.

Auf ihrem neuen Album "The Light" folgt die isländische Pianistin und Komponistin Eydís Evensen ihrem inneren Licht und eröffnet verträumte musikalische Räume voller Hoffnung. Dabei verbindet sie ihre minimalistischen Piano-Melodien und emotionalen, teilweise um Bläser erweiterten Streicherarrangements erstmals mit subtilen Vokalpassagen. So ist nicht nur ein Chor zu hören, sondern auch meditativ übereinander geschichtete Gesangspassagen von Eydís Evensen selbst. Thematisch reflektiert die aus dem rauen Norden Islands stammende Musikerin auf "The Light" wie die kargen und zerklüfteten Landschaften ihres Heimatlandes ihre Persönlichkeit geformt haben. Für Eydís Evensen ist diese Erfahrung von dem Aufeinandertreffen zweier Pole gekennzeichnet: dem "inneren Licht", das uns leitet, und dem natürlichen Licht, das in den dunklen isländischen Wintern so selten zu sehen ist. Das "innere Licht" beschreibt für sie ein Gefühl von Hoffnung und Zuversicht. Einen persönlichen Safe-Space, den sie bereits als Kind mit der Musik nach Außen getragen und in der realen Welt eröffnet hat; in die Dunkelheit und Einsamkeit im Norden Islands. Mit "The Light" möchte Eydís Evensen diesen musikalischen Safe-Space mit ihren Zuhörer*innen teilen und eine Botschaft der persönlichen und kollektiven Hoffnung und Widerstandsfähigkeit an sie weiter geben. Mit den Titeln ihrer Kompositionen stellt Eydís Evensen immer wieder den Zusammenhang von der inneren Prägung mit der äußeren Erfahrung entlang der spektakulären Landschaftsbilder Islands her. So bezieht sich "Tephra Horizon" auf den Abdruck, den die Asche eines einzigen Vulkanausbruchs in der Landschaft hinterlassen kann. Die Inspiration für dieses kraftvolle Stück mit Klavier, Bläsern und Streichern liefert der Vulkanausbruch des Fagradalsfjall im Jahr 2021 mit seiner zerstörerischen Kraft und seinem dramatischen Ausgang. Im dazugehörigen Musikvideo von Einar Egilsson ist zu sehen, wie Eydís Evensen in der Nähe des ursprünglichen Ausbruchsorts auf der Tephra-Schicht - der erkalteten Lava - tanzt, als würde sie das Gebiet für sich beanspruchen. Darüber hinaus hat Eydís Evensen Einflüsse aus der isländischen Chor- und Erzähltradition mit ihren vielen Sagen, die bis auf die frühesten Tagen der Besiedlung zurückgehen, auf ihrem Album verarbeitet. Ihr Chorstück "The Light II" basiert auf einem ihrer eigenen Gedichte und wurde mit dem isländischen Chor Schola Cantorum Reykjavicensis aufgenommen. Ihre eigene Gesangsstimme ist im Lied "Dreaming of Light" zu hören, für das Evensen auch den Text geschrieben hat.

John Cale veröffentlicht sein neues Album POPtical Illusion am 14. Juni 2024 über Domino.

Trotz des verspielten Titels enthält Cales zweites Album innerhalb von etwas mehr als einem Jahr immer noch die gleichen Gefühle von heftiger, aber auch neugieriger Wut, die schon in Cales viel gelobtem Album MERCY von 2023 vorhanden waren, "eine tief atmosphärische Sammlung über den herannahenden Untergang und die lebensrettende Kraft von Kunst und Gemeinschaft" (Wall Street Journal). Er ist immer noch wütend, immer noch erzürnt über die mutwillige Zerstörung, die unkontrollierte Kapitalisten und reuelose Betrüger über die Wunder dieser Welt und die Güte der Menschen gebracht haben. Aber es handelt sich keineswegs um MERCY II oder um eine Sammlung von Ablegern, denn in seiner mehr als sechs Jahrzehnte währenden Karriere war Cale nie ein Freund von Wiederholungen. Seine avantgardistische Begeisterung wechselte mit stolzer Unruhe zwischen ekstatischer Klassik und ungebundenem Rock, klassischem Songhandwerk und elektronischer Neuinterpretation hin und her. Und so verzichtet er auf POPtical Illusion auf die illustre Besetzung, um sich größtenteils allein in die Labyrinthe von Synthesizern und Samples, Orgeln und Klavieren zu begeben, mit Worten, die für Cale eine Art wirbelnde Hoffnung darstellen, ein weises Beharren darauf, dass Veränderung noch möglich ist. Produziert von Cale und seiner langjährigen künstlerischen Partnerin Nita Scott in seinem Studio in Los Angeles, ist POPtical Illusion das Werk von jemandem, der versucht, sich der Zukunft zuzuwenden - genau wie Cale es immer getan hat.

John Cale veröffentlicht sein neues Album POPtical Illusion am 14. Juni 2024 über Domino.

Trotz des verspielten Titels enthält Cales zweites Album innerhalb von etwas mehr als einem Jahr immer noch die gleichen Gefühle von heftiger, aber auch neugieriger Wut, die schon in Cales viel gelobtem Album MERCY von 2023 vorhanden waren, "eine tief atmosphärische Sammlung über den herannahenden Untergang und die lebensrettende Kraft von Kunst und Gemeinschaft" (Wall Street Journal). Er ist immer noch wütend, immer noch erzürnt über die mutwillige Zerstörung, die unkontrollierte Kapitalisten und reuelose Betrüger über die Wunder dieser Welt und die Güte der Menschen gebracht haben. Aber es handelt sich keineswegs um MERCY II oder um eine Sammlung von Ablegern, denn in seiner mehr als sechs Jahrzehnte währenden Karriere war Cale nie ein Freund von Wiederholungen. Seine avantgardistische Begeisterung wechselte mit stolzer Unruhe zwischen ekstatischer Klassik und ungebundenem Rock, klassischem Songhandwerk und elektronischer Neuinterpretation hin und her. Und so verzichtet er auf POPtical Illusion auf die illustre Besetzung, um sich größtenteils allein in die Labyrinthe von Synthesizern und Samples, Orgeln und Klavieren zu begeben, mit Worten, die für Cale eine Art wirbelnde Hoffnung darstellen, ein weises Beharren darauf, dass Veränderung noch möglich ist. Produziert von Cale und seiner langjährigen künstlerischen Partnerin Nita Scott in seinem Studio in Los Angeles, ist POPtical Illusion das Werk von jemandem, der versucht, sich der Zukunft zuzuwenden - genau wie Cale es immer getan hat.

Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO

Die japanische Postrock-Band MONO meldet sich mit "OATH" zurück, ihrem zwölften Album, diesmal mit genreübergreifender klassischer Orchestrierung und den typischen transzendentalen Gitarren-Klängen einer Karriere, die sich seit vier Jahrzehnte erstreckt. "Was tun wir hier?" Das Jahr 2020 hat das, was einst die Quintessenz des nächtlichen Kiffer-Existenzialismus war, zu einem täglichen Mantra für fast alle Menschen auf diesem Planeten gemacht. Was machen wir mit unserer begrenzten Zeit in diesem Leben? Was ist unser Ziel? Was sollten wir tun? In den letzten 25 Jahren haben MONO Themen wie die Beziehung zwischen Dunkelheit und Licht, Hoffnung im Angesicht der Katastrophe und die Dualität von Geburt und Tod erforscht. Auf ihrem 12. Album, OATH, denken sie über die Zeit nach, die das Leben ausmacht, und darüber, wie man das Beste aus dieser Zeit macht. Aufgenommen und abgemischt mit ihrem langjährigen Freund und Produzenten Steve Albini, beginnt OATH wie ein Sonnenaufgang mit einem langsam aufsteigenden Orchester und Bläsern, wobei sich die gesamte Band Zeit nimmt, die Atmosphäre zu genießen, bevor sie sich dem Glanz anschließt. Während der gesamten 71-minütigen Laufzeit des Albums meditiert MONO auf vielfältige Weise über das Thema Zeit und Leben. Die gemächliche Entwicklung eines Songs, die ein Markenzeichen von MONOs Katalog ist, ist von einer Eleganz durchdrungen, die OATH zu neuen Höhen erhebt. MONO haben sich selbst mit einer universell nachvollziehbaren existenziellen Untersuchung herausgefordert und mit OATH geantwortet, einem Album, das eher wohlwollende Reflexion als flüchtige Erholung bietet. "We live with a vow that hasn't changed since we were children. Hear the wind sing. We are part of the universe. We already know what we should do and what the most important thing in life is." - Takaakira `Taka' Goto, MONO

Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!

Limitierte Cargo-exklusive Farbe, 100 Stück weltweit.


Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!

Drei Jahre nach "Symphonies of Horror" und der Split-EP "Greensleeves" mit "THE CRIMSON GHOSTS" im Jahr 2022, präsentieren sie ihr erstes Album im neuen Line-Up. Mehr düsterer, alternativer Rock'n'Horror! Bandgründer und Sänger Slaughter Lamb hat mit Bassist/Gitarrist Chris Cranium (ex-The Other / Sumerian Tombs), Drummer Fab McIan (ex-Schelmish) und Gitarrist Dr. Hoffmann eine stabile Band aufgebaut, die nun ihre Hymns Of The Dead präsentiert. Die vier liefern eine düstere Punk Rock Platte mit Einflüssen aus Gothic Rock und einer Prise Metal, die weit über die üblichen Genregrenzen des Horror Punk hinausgeht. Die zwölf neuen Songs sind schneller, härter und melodiöser als je zuvor. In Tracks wie "Take it all away", "The fiends in me" und "Seasons of my life" erweitern Synthies den Bandsound, während in der Wednesday Addams Verneigung "Her other side" ein Rock'n'Roll Piano zum Shuffle-Groove nicht fehlen darf und hier Szene-Größe NIM VIND Gast-Gesang und Gitarren beisteuert! Textlich ist die Band vielfältiger geworden, deckt neben Horror auch dunkle persönliche Themen und die Schrecken der aktuellen Realität ab. Aber auch die Party kommt wieder einmal nicht zu kurz und so feiern HELLGREASER in "Hymn of the Dead"- zusammen mit Hans von LEFT HAND BLACK - die Szene, die Musik, ihr Außenseiterdasein und sich selbst!

Bergen, Norway- Blood Command have announced their new studio album, "World Domination"(Produced by Yngve Andersen) to be released on the 29th September 2023 through Hassle and Loyal Blood Records. Alongside the announcement is the third and title track single, another self-proclaimed "loser anthem, that tells the sad story of never being good enough for the person of your dreams"

Whilst early singles have cradled audiences with their ethereal death pop sound, make no mistake, the album "World Domination" is 20 rapid bursts of every side the band has to offer. Infectious grooves, blast beats, singer Nikki Brumen’s powerful screams and riot grrrl chanting, techno interludes and that delicate side which lulls you into a false sense of security before ripping into the listener once more.

The record dives into unrequited love, the hatred of the unjust, the power of faith and the darkness of the abyss and never giving up on trying to climb out of it.

"Like various underground religious groups throughout history, Blood Command’s ever growing following, The Awaketeam, is rising around the globe, and we are not stopping until World Domination. So keep your eyes peeled for purple shrouds, three stripes and black and white sneakers."

This is Blood Command at its most interesting. Come and be a part of the movement.

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

"Kindred Spirits" versammelt elf Coverversionen, allesamt im Alleingang eingespielt, eingesungen und aufgenommen von Ronny Moorings. Und was für eine Auswahl uns hier erwartet: "Blue Monday" von NEW ORDER, "Question Of Time" von DEPECHE MODE, "Decades" von JOY DIVISION, "A Forest" von THE CURE oder "Alice" von THE SISTERS OF MERCY mögen Stücke sein, die man in der ewigen Playlist eines Ronny Moorings vielleicht schon immer vermutet hätte; die Art und Weise, wie er diese Songs zu neuem CLAN OF XYMOX-Leben erweckt, erstaunt und begeistert dennoch mehr als man das jemals erwartet hätte. Warm, organisch, irgendwo zwischen waviger Elektronik und nebelumwalltem Goth Rock geben sich diese Respektbekundungen, zeigen eine gänzlich neue Seite von CLAN OF XYMOX und lassen ganz nebenbei unsterbliche Klassiker wieder aufleben.

Dass "Kindred Spirits" kein herkömmliches Coveralbum ist, zeigt neben der Songauswahl auch der beinahe sakrale Charakter, mit dem Ronny Moorings an diesem Album gearbeitet hat. Es sind allesamt Songs, die ihm viel bedeuten, die ihn geprägt haben und ihm zweifellos über die eine oder andere besonders dunkle Stunde hinweggeholfen haben - genau, wie es die Musik von CLAN OF XYMOX bereits für unzählige Menschen getan hat. "Kindred Spirits" ist ein Album, so persönlich wie ein gemeinsamer Abend mit Ronny Moorings und seiner Plattensammlung. Eine Lehrstunde in Sachen seelenvoller Musik - gesehen durch die Augen eines hoffnungslosen Musikliebhabers.

Mehrfarbiges Vinyl, Blau, Schwarz und Weiß, Farben viskos ineinanderlaufend und gesprenkelt, Individuell von Hand gefertigt, Jede Schallplatte ist ein Unikat, Deutsche Pressung, 180 Gramm, Überarbeitetes Artwork, Stabile Kastentasche, Mehrfarbig bedruckte Innenhüllen, Mehrfarbig bedruckte Vinyletiketten, Limitiert auf 500 Exemplare weltweit

Drei Jahre nach ihrem morbiden Manifest "Limbo", einer bitteren Abrechnung mit der Pandemie und ihren bestialischen Folgen, kehrt Wave-Alchemist Ronny Moorings zurück. Im Gepäck hat er einen schwarzen Blumenstrauß aus Trauergesängen für eine kranke neue Welt, Elegien für einen neuen Status quo, mit dem wir alle leben müssen.

Auch 40 Jahre nach ihrer Gründung sind CLAN OF XYMOX ein Leuchtfeuer tragischer Eleganz und düsterer Tristesse. Sie sind die unbestrittene, unangefochtene Speerspitze einer Szene, die zuletzt überraschend die Aufmerksamkeit einer viel jüngeren Generation auf sich gezogen hat, die ihre Angst und ihren Schmerz durch Musik wie diese ausdrücken will. Gerne doch! "Exodus" zeugt von diesem Ausnahmestatus und führt das Feld der prosaischen Trauer mit zehn neuen Hymnen von erlesener Nachtschwere an. Das Besteck, welches Ronny Moorings benutzt, mag noch dasselbe sein; das Ergebnis ist ein weiteres Meisterwerk voller sehnsüchtiger Melodien, weltabgewandten Vocals aus den Tiefen der Erde, hallenden Gitarren und hypnotischen Drums, die die Phantome in uns allen zum Mitternachtsschmaus einladen.

Wir tanzen direkt in den Abgrund, will uns dieses Album sagen. Aber wenigstens tanzen wir noch. Denn wenn es nichts mehr gibt, an das man sich wenden kann, wenn alle Hoffnung verloren scheint und die Welt uns unter Fluten biblischen Ausmaßes begräbt, bleibt manchmal nur noch, sich der Musik hinzugeben. Diesem fesselnden Exodus in Richtung Katharsis. Vielleicht ist das der Grund, warum "Exodus" einige der düstersten und niedergeschlagensten Stücke enthält, die Ronny Moorings seit vielen Jahren geschrieben hat. Vielleicht ist das der Grund, warum diese Platte mit den besten Veröffentlichungen von THE CURE mithalten kann. Weil die Zeiten, in denen wir leben, ihn dazu gezwungen haben. Weil es einfach keinen anderen Weg gibt, als all seinen Kummer, seine Wut und seinen Weltschmerz in seine klagende Musik einfließen zu lassen. Nicht, weil die Welt danach eine bessere sein wird. Sondern weil es für ihn die einzige Möglichkeit ist, mit dem brutalen Wahnsinn, den wir Alltag nennen, fertig zu werden.

"Exodus" ist kein Album für Träumer. Es ist aber auch kein Albtraum - trotz der Schatten, die unter der Oberfläche brüten. Es ist ein Tor für all jene, die die Dunkelheit unserer Tage anerkennen und sich dennoch weigern, aufzugeben. Lasst uns also diese nächtlichen Wiegenlieder gemeinsam singen und tanzen, solange wir noch einen Boden dafür haben. Denn das ist alles, was wir im Moment tun können.

Der Guardian of HipHop, der König der Mongos, der Freak, das Ex-Deichkind, das Reimemonster, der Punk-Rock-Rapper und Schauspieler .. Sascha Reimann aka Ferris MC lässt sein Alter Ego wieder auferstehen und löst endlich sein Versprechen ein, das er der Generation gab, die er als Künstler wie kein anderer Rapper geprägt und versaut hat. Ferris MC hat seine bösen Dämonen besiegt, ist nun von allen bösen Geistern verlassen und nimmt seine Fans mit dem neuen Album „Mortal Comeback“ mit auf eine Zeitreise – positiv, überraschend und mit ein bisschen Nostalgie wird das „Früher-Gefühl“ ins Hier und Jetzt katapultiert. Er macht Musik wie und weil er es will, nicht weil er muss. Für Ferris MC ist es wichtiger wahrhaftig zu sein, als einem längst überholten Image treu zu bleiben. Die Texte schreibt sein Leben und so nimmt er seine Hörer:innen mit in seine Welt – so, wie er es schon vor 30 Jahren getan hat. Als Ausnahmekünstler ist und bleibt er auch mit „Mortal Comeback“ zeitlos. Zwar kommt er aus der alten Schule, schafft aber den Spagat in die Moderne, ohne irgendwelchen Trends hinterher zu jagen. Er hat keine Angst davor, sich weiterzuentwickeln und bleibt dabei authentisch – seine Authentizität ist sein USP, sein Entertainment-Faktor. Für Ferris MC gibt es keine Szene, der er angehört, er ist seine eigene Szene. Schließt euch dieser Szene an und heißt den Asi mit Niveau, der seine Schwächen in Stärken verwandelt hat, herzlich willkommen zurück! Ferris MC ist und bleibt ein Unikat, die Hoffnung der Hoffnungslosen mit der Stimme aus Eisen und voller Emotionen. Er ist zurück um zu teilen und wenn ihr es wollt, wird er auch bleiben.

Upchuck are experiencing a moment. The Atlanta punk collective just came off multiple tour runs with their good friend Faye Webster. Their Ty Segall-produced second album Bite The Hand That Feeds, with all its buzzsaw guitars and high-speed rippers and headbanging sludge, arrived in October. Later this year, they’ll make appearances at multiple festivals including Coachella. In the midst of relentlessly barreling ahead, the band and their label Famous Class are taking a beat to revisit how they got here. After working with Segall on Bite the Hand That Feeds, the band floated the notion that they wished they could hear what their collaborator could do with the songs on their 2022 debut album Sense Yourself. Holed up in his studio over Christmas with COVID and nothing else to do, Ty Segall began toying with Sense Yourself, sifting through folders of unlabeled stems to find the best guitar parts, emboldening the drum sound, and bringing greater clarity to KT’s vocals, all while bolstering the urgency of the band’s overall attack. With Segall’s new mix, Upchuck’s intense and righteous debut now impossibly overflows with even more fuzz and fury. In Segall, they found a kindred spirit whose studio approach made sense for just how hard they wanted this music to hit. “When we first went to record with Ty for Bite the Hand That Feeds, Mikey and I walked into the guitar room and Ty said, ‘Don’t touch the EQs.’ We looked at the amp and everything was on 10 except the master volume,” Hoff said. Previously, the band had been encouraged to capture the unvarnished sound of the studio. They’d toured with Segall’s band Fuzz, so everybody had the same goal while recording together: Capture the electricity of their intense live set. The band’s shows have a reputation for coming unglued, and there’s no greater document of that than Sense Yourself’s iconic album artwork. With no text, it’s a candid photo of a moment from a show shot on film without editing: blood streaked across KT’s face as they shout into the mic. In the middle of their EP release show, KT was in the pit as a fan started crowd surfing inside a shopping cart. A loose piece of metal near a wheel caught the singer right near the eyebrow and blood was everywhere, an instant piece of iconography snapped by probably every camera phone in the room. When Hoff revisits the message of this first album and Upchuck’s first songs, he thinks back to the year before the band even started when he and KT were hanging out. “We were sitting around talking for eight hours like ‘fuck, that's fucked up, that's fucked up.’” Upchuck became a vehicle for these five people to process how fucked up everything it is—to digest these formative hours-long conversations and put them to bludgeoning, intense rock music. The music is also fun as hell, and that’s part of the point. “There's a lot we need to do as people and a lot of things we need to fix in society but also like come on man like have your fun, wild out, have your drink,” KT says. “But be on your shit at the same time. Check your folk.”

Citadel of Stars" ist ein bahnbrechendes Album. Eine einzigartige Mischung aus epischem Pagan Metal und traditionellem Blackened Metal. "Citadel of Stars" ist sowohl ein wehmütiges Klagelied für ein sterbendes Zeitalter als auch ein hoffnungsvoller Blick auf eine Wiedergeburt zwischen den Sternen. Der kanadische Ein-Mann-Act SIG:AR:TYR ist mit "Citadel of Stars" zurück. Das erste neue Album seit dem 2016 erschienenen "Northen"

kehrt zu den dunklen Atmosphären früherer Werke zurück und verwebt Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu einer bahnbrechenden Veröffentlichung, die die epischen Themen von 20 Jahren SIG:AR:TYRs musikalischem Erbe widerspiegelt. Von den frühen Jahren mit Akustikgitarren und Ambient-Klängen bis hin zu einer Reihe von Alben, die epischen Pagan Metal mit introspektiven Instrumentalstücken nahtlos verbinden, ist "Citadel of Stars" der Höhepunkt von zwei Jahrzehnten musikalischer Entwicklung, die den Hörer auf eine spirituelle Reise zu den Sternen und wieder zurück mitnimmt - eine Erfahrung, die man so noch nie gehört hat und die man nicht so schnell vergessen wird. Es ist schwer, einzelne Songs herauszugreifen oder hervorzuheben, denn "Citadel of Stars" schwebt, nimmt einen mit auf eine Reise und bevor man sich versieht, merkt man, dass man wieder auf "Play" drücken muss: Das ist die Stärke dieses großartigen Albums.