Suche:hunter

Repress!

A MAJOR EXPLORATION OF TOKYO'S CUTTING EDGE 80S SOUND THROUGH THE MUSIC OF CULT JAPANESE LABEL NIPPON COLUMBIA AND ITS BETTER DAYS IMPRINT, SELECTED BY BRITISH RADIO PRESENTER AND DJ NICK LUSCOMBE.

‘Tokyo Dreaming’ is a superb selection picked from the highly collectible Nippon Columbia label and its Better Days sub-label. For the occasion, we’ve teamed up with journalist and Japanese music expert Nick Luscombe who was granted rare access to the much-guarded Nippon Columbia's vaults for a masterful selection encapsulating the fascinating sound of Tokyo in the late 70s and 80s. The selection mixes electro, synth-pop, funk and ambient and features such artists as Ryuichi Sakamoto, Mariah, Shigeo Sekito, Juicy Fruits, Hitomi "Penny" Tohyama and Yumi Murata. The tracklist includes many sought-after rarities and hidden gems which have never been released outside of Japan and the set has been newly remastered by Nippon Columbia. The album has been designed by famed London-based designer Optigram and is annotated by Nick.

Nippon Columbia, one of Japan's oldest music labels is also one of its most collectible thanks to its sub-label Better Days which, in the late 70s, became a hotbed for Tokyo's new generation of pop artists eager to experiment with ambient, electro and funk. Armed with a string of new Japanese-made synthesizers and drum machines that would soon take the world by storm, they made cutting-edge music, which has since become highly sought-after by a new generation of Japanese music lovers. Nick Luscombe, who has long been a leading advocate of Japanese music from this era, has handpicked a selection of some of the sharpest music released on these labels at the time.
According to Nick, “Tokyo Dreaming is a look back to an incredible era of Japanese music, that still sounds and feels like the future. It was a moment when brand-new music tech from Japan helped forge new ideas and experiments that permeated pop, soul and jazz and helped create new forms of music including electro and techno. The perfect meeting point that would help create a new soundtrack for modern living.“
?The selection starts with "The End of Asia" by Ryuichi Sakamoto from his 1978 ground-breaking debut "Thousand Knives Of" (reissued last year by Wewantsounds). The track became a staple of Sakamoto's and YMO's live shows and was even re-recorded by the group for their 1980 album 'X Multiplies'. The track is followed by Mariah's cult Armenian folk flavoured synth pop classic "Shinzo No Tobira" (1983), which first spread outside of Japan when the Scottish DJ duo Optimo started playing the track regularly at their shows.
?Chika Asamoto's "Self Control" (1988) and Jun Fukamachi's "Treasure Hunter" (1985) are perfect songs in the synth-pop canon, while Yumi Murata's rendition of Akiko Yano's "Watashi No Bus" and Hitomi "Penny" Tohyama's "Rainy Driver" both from 1981, move closer towards the slicker, funkier sound of City Pop.
?'Tokyo Dreaming' superbly showcases the breadth of 80s Japanese music and the way electro pop was a playing ground for musicians to experiment with many styles, as showcased by Akira Sakata's dub-enfused "Room" from 1980, Kazumi Watanabe's discoid "Tokyo Joe" (1980) and Juicy Fruits' "kawai" robotic Techno pop song "Jenie Gets Angry".
?The selection flows effortlessly between many shades of synth and ends with two cult classics in the form of Yasuaki Shimizu's "Semi Tori No Hi" and Shigeo Sekito's ambient-jazz masterpiece "The Word II" from his highly sought-after album "Kareinaru Electone (The Word) Vol.2" which, although recorded in 1975, perfectly announces the synth revolution to come. Tokyo Dreaming showcases the groundbreaking sounds of a city turned giant sonic lab which was restlessly inventing the music of the future.
Nick Luscombe is a highly respected and in-demand music influencer who discovers great music from all over the world and shares it internationally through his many radio shows and DJ sets. He has been in charge of music selection for various radio programs since 1999, and from 2010 - 2019, was the DJ for the popular BBC Radio music program "Late Junction”. He has also curated and presented music shows for Monocle and British Airways radio stations. He has worked as both Chief Music Editor at iTunes and Director of Music at London’s Institute of Contemporary Art, and is the founder of MSCTY.

Veränderung, so sagt man, ist das Einzige, was im Leben immer gleich bleibt. Passenderweise fühlt sich die vielseitige Musikerin Avalon Emerson wohl dabei, den ständigen Wandel ihres Lebens in ,Written into Changes" zu verarbeiten, ihrem zweiten Album, das sie unter dem Namen Avalon Emerson & the Charm rausgebracht hat. Das Album ist das Ergebnis intensiver kreativer Arbeit und Überarbeitungen. Die Themen des Albums, persönliche Entwicklung und die Entwicklung von Beziehungen, ,wurden erst klar, als alles fertig war", so Emerson. Die Entstehung von ,Changes" war, wie es sich gehört, ganz anders als die von ,& the Charm". Während dieses Album, wie Emerson sagt, ,sanft und intim" war, ist es diesmal energiegeladener, weil Emerson genau überlegt hat, wie das Material live rüberkommen würde. Das Ergebnis ist ein bandorientiertes, aber grooviges und tanzbares Werk. Der von Breakbeats untermalte Titel ,Eden" hat einen ,baggy" Sound, der an Dance-Rock-Hybride der späten 80er und frühen 90er Jahre erinnert. Der witzige Titel ,How Dare This Beer" wurde als liebevolle Hommage an die Magnetic Fields geschrieben. ,Die Jahre 1987 bis 1994 sind für mich die beste Ära der Musik", sagt Emerson. ,Und mit Nathan überschneiden sich unsere musikalischen Vorlieben ziemlich stark." Nathan ist Nathan Jenkins, alias Bullion, der ,& the Charm" mitproduziert hat und nun zurückgekehrt ist, um den Großteil des Nachfolgealbums zu übernehmen. Ein Großteil der Aufnahmen fand im Winter und Frühjahr 2024 in Braintree, England, statt. Die beiden mit Rostam Batmanglij koproduzierten Tracks (,Jupiter & Mars" und ,Earth Alive") wurden in Los Angeles aufgenommen. Synth-Elemente wurden in der Synth Cabin bei Rosen Sound in Glendale, Kalifornien, hinzugefügt. Obwohl sich die gemeinsame Arbeit an ,Written into Changes" ziemlich von Emersons Solo-Produktionen für die Tanzfläche unterscheidet, ist der Einfluss von Dance-Musik überall zu spüren. Emerson hat sich bei der Arbeit an ihrer Musik besonders auf die tiefen Töne konzentriert. ,Der Bass hatte definitiv Priorität", sagt sie. Emerson schrieb die Melodien und Texte für ,Written into Changes", wobei letztere größtenteils aus ihrem persönlichen Leben stammen. ,Dieses Mal war es mein Ziel, mit meinen Texten etwas direkter zu sein", sagt sie. Der Titelsong, einer der Favoriten der Künstlerin, handelt von ihrem Umzug von Berlin nach Los Angeles im Jahr 2020. Das frenetische ,Happy Birthday" hat eine sonnige Stimmung, die durch sanft-verheerende Texte wie die des Refrains untermalt wird: ,Too young to die / Too old to break through" (Zu jung, um zu sterben / Zu alt, um durchzubrechen). Der Track wurde bereits in Clubs getestet - Emerson hat ihn schon in ihre Sets in Clubs wie der Panorama Bar im Berliner Berghain und im Nowadays in Brooklyn eingebaut. Sowohl ,Eden" als auch ,Country Mouse" sind Oden an Emersons Beziehung zu ihrer Frau Hunter, während ,I Don't Want to Fight" und ,Earth Alive" davon handeln, ,zu erkennen, dass man Menschen nicht ändern kann und versuchen muss, sie so zu akzeptieren, wie sie sind, und manchmal bedeutet das, sie aus der Ferne zu lieben", sagt sie. Written into Changes ist ein Album, das nicht nur davon handelt, Veränderungen zu akzeptieren, sondern sie mit offenen Armen zu empfangen. Fortschritt ist sowohl auf dem Album als auch hinter den Kulissen ein Thema, sodass ,written into changes" eine bewusste Herangehensweise an den Ausdruck und das Leben selbst beschreibt.

Brendan Eder follows up minimalist 70s-jazz concept with new ambient-classical album, THERAPY. Brendan Eder is a Los Angeles composer and drummer best-known for his eponymous genre-bending ensemble of woodwinds, drumset, and bass; as well as his film scoring work, most notably on four short films for director Ari Aster. On March 3, 2023 Eder released his third album, THERAPY, a collection of meditative woodwind arrangements recorded primarily at Church of the Good Shepherd in Arcadia, California.

The quest for THERAPY came during a period of deep spiritual curiosity. Eder was avidly watching testimonies of near death experience survivors (NDEs), pouring over books of Theosophical artwork and philosophy, and
processing experiences of grief, uncertainty and spirituality.

Eder wanted to explore the threshold between the spiritual and physical dimensions, and create music that could evoke its shape and texture — a theme further illustrated in the original album artwork and single covers by Adam Rabinowitz. Eder felt he must be on to something when, on a whim, he looked up the tempo of a piece he was calling “137 Riddle.” Turned out to be “the most important number in the world” in theoretical physics, as well as a provocative number in Jewish mysticism.

Since 2020, Eder's cover of Aphex Twin's “#20 (Lichen)” has garnered over two million streams. Appropriately, THERAPY delivers two new Aphex Twin arrangements alongside eight original pieces.

Maintaining his track record of recording the best musicians Eder can find, THERAPY features special guests Nailah Hunter (harp), Henry Solomon (saxophone), and Ethan Haman on The Newberry Memorial Organ at Yale University.

Since 2020, 12 Inch Lovers have been releasing new samplers every year, eagerly anticipated by collectors. These samplers have now become a staple and are easily added to vinyl collections across Europe. They offer timeless classics and rare tracks that are often hard to find elsewhere.

With Samplers 11 & 12, they surprise again with a mix of modern classics and tracks that have never been released on vinyl or are difficult to find. By adding unique and exclusive tracks, the 12 Inch Lovers samplers remain innovative and high-quality. They are a must-have for DJs, collectors, and fans of contemporary classics!

SAMPLER 11

A1) Paul Kalkbrenner - No Goodbye (2019)

Berlin techno producer Paul Kalkbrenner became world-famous with his 2008 hit Sky & Sand. Since then, he has released one record after another and performed all over the world in the biggest venues and at the most renowned festivals. No Goodbye is one of his more recent hits, released in the summer of 2019.

The track was created using an a cappella he received on a demo tape while on tour. He was immediately inspired by the vocal and built his own sound and production around it. Interestingly, Kalkbrenner rarely uses vocals, but for No Goodbye he collaborated with Australian singer Chiara Hunter, giving the track a unique and instantly recognisable character. The result is a stylish, dance-floor-friendly track with a rolling house groove that quickly became a modern classic on dance floors worldwide.

A2) Water World - Give Me Love (2000)

This trance classic by Water World appeared in 2000 on the French label Adequat Records and is the perfect tune for a sunny summer evening. Warm melodies and pulsing beats instantly create that beach feeling, as if you were dancing with your feet in the sand. The record recalls Beachball by Nalin & Kane, sharing the same dreamy, sun-drenched vibe.

Behind Water World were producers Laurent David and Frédéric De Backer-names well known to many trance fans. In the nineties De Backer was active with projects such as Global Trance Mission (Dream Mission) and Y-Traxx, the trio that released the 1997 classic Mystery Land.

Give Me Love clearly bears their combined signature: euphoric, warm and melodic, with a timeless build that perfectly balances emotion and energy. The track was released on vinyl as part of Trance E.P. Vol. 01 and remains a fixture in retro-trance sets to this day.

B1) Panoramic - Colors (1996)

Colors by Panoramic is a Belgian trance classic released in 1996 on the legendary label XTC Records, a sub-label of Bonzai Records. Panoramic was a collaboration between Belgian techno icon Marco Bailey and Mauro Mirisola. The duo, also known under playful aliases such as The Coke Man & Sniff, released an EP featuring two powerful trance tracks.

We chose Colors, a tune with pure Belgian trance DNA: driving rhythm, dreamy synths and a catchy female vocal. The combination of Bailey's production expertise and Mirisola's creative touch resulted in a timeless track that still appears in many classic playlists.

B2) Natasha Bedingfield - Pocketful Of Sunshine (StoneBridge Club Remix) (2008)

British singer-songwriter Natasha Bedingfield released the album Pocketful of Sunshine in 2008, featuring the title track as a single. The original pop version became a major hit in North America, reaching the Top 5 in the US. Swedish DJ and producer StoneBridge (Sten Hallström) reworked the song into a groovy house version, released in the summer of 2008.

StoneBridge gave the upbeat pop tune a club-ready beat and an infectious piano riff that made it shine on dance floors worldwide. It was not his first time transforming pop into house gold-he had already achieved global fame with his remix of Robin S - Show Me Love (1992), one of the greatest house anthems of all time. He also remixed Sia - The Girl You Lost to Cocaine in 2008, another club favourite.

The StoneBridge Club Remix of Pocketful of Sunshine appeared on a special remix EP in July 2008 and was played endlessly in clubs-by us too, in the venues where we performed. The result is a timeless, sun-soaked house classic thatmakes sitting still impossible.

C1) Y-Traxx - Mystery Land (Fred Baker vs Mr Sam's Magical Mystery Dub Mix) (original release 1995)

Y-Traxx was a nineties trance project by DJs Laurent David and Fred Baker. This trance classic first appeared in 1995 as a B-side but gained real attention when it featured on a Paul Oakenfold mix album. Thanks to that success it received an official re-release in 1998 on the respected French label FFRR (Full Frequency Range Recordings).

In 2003 an excellent remix by Mr. Sam & Fred Baker followed on the Nebula label. That version is highly sought after on vinyl by trance collectors, and we are proud to feature it on our new sampler.

C2) Weiss - Feel My Needs (2018)

Feel My Needs by British producer Weiss (alias Richard Dinsdale) is the tune with that unmistakable old-school piano and catchy vocal that instantly pulls you onto the dance floor. Released in May 2018on the UK label Toolroom Records, the track is pure feel-good house with a modern touch. From the very first piano riff, hands go up in the air.

Toolroom even called it a "future anthem" for the summer of 2018, and indeed Feel My Needs became a huge floor-filler. The record charted high on global dance lists and gained massive popularity at festivals and clubs that year. With its warm piano chords, tight beat and soulful vocal, this is a modern house classic that will stay in the collective club memory for a long time.

D1) The Killers - Mr. Brightside (Jacques Lu Cont's Thin White Duke Mix) (2005)

American band The Killers formed in 2001 and scored a massive hit a few years later with Mr Brightside. Taken from their debut album Hot Fuss (2004), it became their biggest and best-known track-a true rock-pop anthem.

In 2005 the song was given an electronic twist when renowned producer and remixer Jacques Lu Cont (the alias of Stuart Price) created an eight-minute dance version titled Mr Brightside (Jacques Lu Cont's Thin White Duke Mix). This remix replaced the raw rock energy with a more progressive and electronic vibe, driven by a steady beat and long build-up.

The track found a second life in club culture and quickly became a dance-floor favourite. For vinyl collectors it was an instant must-have, and to this day it stands as the perfect party closer. The Killers themselves loved it so much that they often used the remix live as an outro, followed by the original version. A remix that perfectly bridged rock and club culture-and has since become a genuine classic.

D2) Sia - Drink To Get Drunk (Different Gear Remix) (2001)

The legendary ice-cube sleeve says it all: Drink to Get Drunk was a huge club hit in the early 2000s. Released in 2001 on the UK label INCredible, a sub-label of Sony Music, it was a collaboration between British DJ duo DifferentGear (Gino Scaletti & Quinn Whalley) and singer Sia.

The producers took Sia's original song Drink to Get Drunk from her album Healing Is Difficult and gave it a complete transformation, keeping her distinctive vocal and placing it over a hypnotic progressive-house groove.

The combination of Sia's unmistakable voice and the deep, driving production hit hard: the track became hugely popular in Belgian clubs and turned into an anthem of its time. In Belgium it even reached number one in the dance chart in early 2001, and it also performed strongly in the UK and the Netherlands.

To this day it remains a nostalgic crowd-pleaser that perfectly captures the atmosphere of the early 2000s.

Repress!

180 gram coloured vinyl now at new price. Spacemen 3's debut album "Sound Of Confusion", released in 1986, was a blistering affair - establishing their love of the two-chord song and also expressing their admiration for the likes of MC5, The 13th Floor Elevators and The Stooges. Sound of Confusion was 7 tracks of overdriven assault, with a strange bleakness and despair creeping through the hypnotic sprawl. R Hunter Gibson would later say: "It boosts the value of unlit rooms, unpaid debts and unfeigned terror and it would rather tackle the gradients than settle for level best. New digipack. Tracks : 1 Loosing Touch With Your Mind  2 2.35, 3 Little Doll, 4 MaryAnne, 5 Roller coaster, 6 Hey Man, 7 OD Catastophe.

From out of nowhere comes a unique collaborative album from Edvard Graham Lewis (WIRE) & Mark Spybey (ZOVIET FRANCE). Mixing lush electronic rhythms, sonic collage, ambient soundscapes and manipulated field recordings, these six compositions form an album with a strong identity. That this is such a vital and fertile partnership should come as no surprise. After all, both men have made careers out of creating confidently questing musics. Lewis with Wire, He Said, Hox, Dome etc. and Spybey with Dead Voices on Air, Beehatch, Altered Statesmen, Zoviet France and so on. This new album however, is something different again: experimental, yet tightly focused, and not averse to the groove or the sly hook. The pair met via an appearance on a podcast in November 2022, hosted by cEvin Key of Skinny Puppy. They hit it off immediately. “We did a live chat with Graham - which I think, went on for about three days” jokes Spybey. It was Spybey who first broached the idea of collaboration. “It was a bit like shy bairns get nowt: I just said ‘maybe we should make something together.’” And so, with no plan other than to see what might develop, the duo began to assemble the compositions at long distance. Indeed, Lewis and Spybey only met in the real world after the album had been completed. “Mark sent half a dozen tracks in a stereo mix,” says Lewis. “And I looked at the ’topography’, to see where the spaces might be. So then I’d add to those areas. But then, when do you take it away? Sometimes you let it drop off a cliff, land in the shingle, and it gets washed out to sea again.” The process moved at a pace. “Almost everything each of us brought, ending up being incorporated in some way.” Says Spybey. “We didn’t really go down any cul-de-sacs.” As Lewis observes “We have such a sympathetic tone.” Full of inventive sonics that draw on both men’s previous work, ‘Lewis/Spybey’ offers up a richly detailed soundworld

A Consummate Fusion of Wit, Humor, Satire, Honesty, and Chaos: Warren Zevon’s Excitable Boy Captures Dark Elements of American Culture with Uncanny Insight

• Sourced from the Original Analog Tapes for Definitive Sound: Mobile Fidelity’s Numbered-Edition 180g 45RPM 2LP Set and Hybrid SACD Play with Explosive Dynamics and Airy Openness

• Jackson Browne-Produced Album Includes “Werewolves of London,” “Lawyers, Guns, and Money,” and “Roland the Headless Thompson Gunner”

Excitable Boy established Warren Zevon as rock’s gonzo figurehead — or, as Jackson Browne aptly called him, “the first and foremost proponent of song noir.” A supreme collision of over-caffeinated energy, acerbic wit, dark humor, irreverent reporting, bittersweet romance, swept-under-the-rug truth, and illicit desire sent up with booze, pills, and therapist confessions, the breakthrough album zeroes in on frightening aspects of American culture with an incisiveness that’s even sharper today than upon the effort’s release in 1978. Its hard-boiled narratives owe to a tradition established by Raymond Chandler, continued by Hunter S. Thompson, and carried into the 21st century by Breaking Bad and Better Call Saul creator Vince Gilligan. And the music has never sounded so excitable. Sourced from the original analog master tapes, Mobile Fidelity’s numbered-edition 180g 45RPM 2LP set and hybrid SACD elevate the best-selling album of Zevon’s career to audiophile status.

Co-produced by Browne and Waddy Wachtel — and featuring contributions by members of Fleetwood Mac plus Linda Rondstadt, J.D. Souther, and Browne — the platinum-certified record now plays with a verve and explosivity that match its subject matter. Listeners will experience wide separation between the instruments; full-range dynamics; sterling transparency that draws a through- line to the original sessions at the Sound Factory; and a presence that enhances the body and tenor of Zevon’s vocals. Like the hairy creatures in “Werewolves of London” and the ghosts wandering the corridors of Excitable Boy, Zevon’s legacy still runs amok via the grooves of his finest studio work. Draw blood, indeed.

Wewantsounds is delighted to announce the reissue of Music By Lee Mason, the cult classic from the Chappell Recorded Music Library, originally released in the UK in 1971. Credited to Lee Mason & His Orchestra, the album is in fact the work of renowned British composer and arranger Pete Moore - best known for producing the iconic "Asteroid" theme in 1968 for the Pearl & Dean cinema advertising company. One of the funkiest library albums of its era, blending cinematic tension, funky grooves, and jazzy undertones, Music By Lee Mason features the track "Shady Blues," famously sampled by Madlib. Newly remastered and featuring liner notes by Kevin Le Gendre, this long-overdue reissue brings a lost classic back to vinyl for the first time since 1971.

Searows—aka Pacific Northwest singer-songwriter and guitarist Alec Duckart—is pleased to announce his new album Death in the Business of Whaling, set for release on Friday 23rd January 2026 via Last Recordings On Earth. Though Death in the Business of Whaling arrives as Searows’ second album, it’s the product of many firsts, including his first time recording outside the creative cocoon of his bedroom. His 2022 debut Guard Dog was written, recorded and self-produced in Duckart’s Portland home and independently released with little expectation as to how it would be received. The music soon found a passionate audience that were already sharing snippets of Duckart’s music via communities on TikTok and received co-signs from prominent artists such as Ethel Cain and Gracie Abrams, both of whom he went on to support on tour.

Rochelle Jordan is proudly stepping into her diva era. To those in the know, the Los Angeles-based British-Canadian singer and songwriter has long been an underground force coaxing together the mutually flirtatious scenes of daring alt-R&B and heart-pumping electronic music. With her longtime creative director/producer KLSH, she’s cultivated a singular marriage of sound — mixing soulful sensuality, house bump, DnB wildness, hip-hop swagger, and pure experimentalism — that’s spread not only through certain circles, but also to the mainstream. At the same time that her gauzy 2014 single “Lowkey” was going viral in 2023 — racking up 21 million streams on Spotify alone — she was in the studio cooking with tastemaking beatsmiths like KAYTRANADA and Sango, quietly preparing to melt dance floors and headphones alike.

Now, as the timelines merge, Jordan is approaching success with the sparkle of a brand new star and the stance of someone who’s earned everything she has. Her new musical chapter aims to carry forward the magic that fans feel in her coquettish vocals and bold soundscapes even as she reaches deeper into her pop bag. The fact that her first single of 2025, the darkly dazzling “Crave,” was produced by Chicago house legend Terry Hunter (Janet Jackson, Mariah Carey, Beyoncé) speaks volumes to this exact moment in Jordan’s ascendent trajectory.

“My goal when I first started making music was to bring back something that I felt had started to fade away for me,” says Jordan. “That certain essence or sound that would give me butterflies in my stomach when I’d listen to music — it would unleash some kind of chemical that would make me feel happy and excitable and curious, something that would make my soul shine. My number one goal is always: How do I give people that feeling when they listen to my music?”

Jordan grew up in Toronto raised by British-Jamaican parents. She remembers hearing one of her older brothers cycling through a variety of music at maximum volume in the room next to hers. “Reggae to soul to drum and bass to garage music to gospel,” Jordan recalls. “It was all intertwining for me at such a young age.” She developed her own sound quietly, and soon met KLSH through MySpace. They traded multiple songs back and forth daily until he flew her out to L.A. to record what would become her debut project, 2011’s R O J O. That collaboration hasn’t faltered since, resulting in sonically surprising, subtly infectious sets like Jordan’s breakthrough 2014 album 1021 (with “Lowkey”) and 2021’s dance-steeped revelation, Play with the Changes.

“If you’re talking about Rochelle Jordan, you’re talking about KLSH,” she says. “It’s one and the same. We come from the same inspiration source.” With him at her side to this day, Jordan is crafting new listening experiences as radiant as refracted light glimmering through a prism — an incredible space from within which to explore love in all its iterations — from romantic infatuation to self-affirmation, and strength in womanhood to pride for what she’s accomplished thus far.

More than a decade into her career, Jordan has arrived at a new stage of life and creativity — she’s a seasoned professional, a fully realized woman, and she’s excited to continue growing. “I know my story isn’t necessarily a new one,” she says. “I look at 2 Chainz, who became 2 Chainz way later on in his life. I look at Tina Turner, who became Tina Turner at 40. I want to be another story of resilience for people.” As she prepares to unveil more of her vision, and fans clamber for a long-awaited fourth album, Rochelle Jordan is casting aside self-doubt, and appreciating and underlining her status as a verifiably influential reigning diva in her one-of-one sonic space.

This expansive journey blends atmospheric and post- black metal with progressive rock, folk, and ambient textures. Unlike the previous album's medium- length tracks, this work unfolds in three sprawling suites, each flowing organically across genres, anchored by Bruno Augusto Ribeiro's lyrics and Caio Lemos's evocative vocals and instrumentation. The opening track, Legado, sets a primordial, threatened landscape, combining aggressive black metal riffs, driving percussion, and melodic interludes of flute and acoustic guitar, shifting between fury and melancholy. Os Cacadores ("The Hunters") balances dreamlike atmospheres and confrontational energy, contrasting Ribeiro's harsh vocals with Lemos's melodic delivery, weaving climactic guitar passages with contemplative ambient moments.

25 Years Edition

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

Es ist Zeit sich mit den Teen-Punks von Quick Romance bekannt zu machen. Ja, Quick Romance ist die Band, die im Vorprogramm von Jon Spencer, The Briefs, Deaf Devils und anderen in verschiedenen kleinen Trollhöhlen im Westen Englands für Stimmung sorgt. Hayden James an der Leadgitarre und Gabe Bonner am Bass sind die Rock'n'Roll-Größen Wayne Kramer und Fred ,Sonic" Smith, neu interpretiert für die Gegenwart. Die Jungs sehen sich selbst als ,zwei Strohhalme in derselben Cola" (andere magenverderbende, durstlöschende, scheißfarbene Getränke sind ebenfalls erhältlich). Die Sängerin von Quick Romance, Matilda Scotland, hat Ian Hunter in der ersten Runde niedergeschlagen, um ihm seine Sonnenbrille abzunehmen, die sie nun stolz trägt, während sie uns vor den Gefahren des Erwachsenwerdens in einer großen, bösen Welt warnt. Sie mag Kleidung, Musik und Brian Jones' Haare. Schlagzeuger Oliver Bull-Lifely bewegt sich wie ein Windspiel in einem tropischen Sturm, er ist der Zeitnehmer der Zeitnehmer. Anders als beim Weißen Kaninchen kann man seine Uhr nicht nach ihm stellen, aber wer trägt heutzutage schon eine Uhr? Wenn du wissen willst, was dich erwartet, stell dir doch einfach vor, wie Poly Styrene sich mit The Sick Things für den Refrain von ,Bondage Boy" vereint. Wenn du es nicht wissen willst, warum probierst du es nicht einfach aus ...

The song titles on Van Halen's aptly titled Fair Warning don't lie. The likes of "Unchained," "Mean Street," "Push Comes to Shove," "One Foot Out the Door," and more indicate the mood the band channels on its double-platinum 1981 record — the nastiest, darkest, and fiercest album of the group's storied career. For the fourth time in four years, Van Halen throws down the gauntlet to all challengers and emerges victorious.


Sourced from the original analog tapes, pressed on MoFi SuperVinyl at Fidelity Record Pressing, and strictly limited to 5,000 numbered copies, Mobile Fidelity's UltraDisc One-Step 180g 45RPM 2LP set plays with unfettered clarity, dynamics, and immediacy. Benefitting from superb groove definition, an ultra-low noise floor, and dead-quiet surfaces, this vinyl edition captures what went down in the studio with tremendous realism and involving presence.

Taking a more controlled approach in the studio and still completing everything in less than two weeks, Van Halen and producer Ted Templeman relied on studio amplifiers to direct the sound. Further diverging from the live-on-the-floor approach of its earlier albums, the ensemble also employed overdubs to great effect. The result: Dense, stacked architecture that underlines the hard-hitting tenor of the songs — and which comes alive like never before on this reference edition that looks as good as it sounds.

The premium packaging and gorgeous presentation befit the reissue's select status. Housed in a deluxe slipcase, it features special foil-stamped jackets and faithful-to-the-original graphics that illuminate the splendor of the recording. Aurally and visually, it is made for listeners who want to immerse themselves in everything involved with the album, including the iconic cover art adopted from William Kurelek's haunting painting, "The Maze."

Isolated frames from Kurelek's childhood-inspired work — including a man bashing his head into a brick wall, a guy pinning down an adversary as he delivers bare-fist blows to his face and others watch with apparent glee, a boy tied down on a conveyer belt and being sent through the equivalent of a meat saw — adorn the front and back covers. The sunnier visual disposition of Van Halen's prior efforts gives way to something sinister and tortured, traits reflective of the music within. The band members, too, are visually depicted not in glamorous shots but in a serious black-and-white portrait in which the quartet is clad in black leather jackets.

Tough, aggressive, stark: Fair Warning comes on like a series of bare-knuckled punches to the solar plexus and boasts lyrical narratives to match. Though not a concept record, the concise album revolves around themes of roughing it on the streets and struggling to survive amid dim prospects. Singer David Lee Roth reportedly penned many of the initial lyrics after traveling to Haiti and observing extreme poverty. The characters and situations populating Fair Warning reflect hardscrabble existence, last-chance desperation, and underlying danger.

Witness the crazies, poor folks, and hunters of “Mean Street”; the former prom queen turned pornographic actress on “Dirty Movies”; the menace and vice of “Sinners Swing!”; the streetwise hustle of “Unchained”; the isolation and alienation of “Push Comes to Shove”; the desire for escape on “One Foot Out the Door”: A carefree California beach party Fair Warning is not.

Having said he felt angry and frustrated during the sessions, guitarist Eddie Van Halen uses the forceful arrangements as a playground for his seemingly unlimited arsenal. Supported by a crack rhythm section and a hyped-up Roth, he performs with an almost impossible combination of punk-like intensity, technical finesse, lyrical fluidity, and unbridled emotion. The virtuoso was increasingly butting heads with Templeton and seeking a freedom in the studio he believed denied him.

No wonder he plays like a bat out of hell. Listen to the rapid-fire manner in which he slaps the high and low E strings on the 12th fret of his instrument on “Mean Street,” instilling the tune with funk flair and metal-spiked sharpness. For the pouty strut of “Dirty Movies,” Eddie Van Halen contributes slide guitar magic made possible after he sawed off the lower portion of a Gibson SG so he could reach further down the fretboard.

Related intensity, urgency, and daredevil momentum punctuate the surging “Sinner’s Swing!” A heavily flanged, delicately melodic introduction frames the attitudinal “Hear About It Later,” among the most creative arrangements of Van Halen’s career. And do riffs come any bigger or magnetic than those on the high-wire kick of “Unchained”? As for the out-of-left-field “Sunday in the Park,” an instrumental composed on an Electro-Harmonix micro-synthesizer: Who but Eddie Van Halen to supply creep factor in such an ingenious way?

Despite selling fewer quantities than Van Halen’s prior efforts, Fair Warning remains for many diehards the record that epitomizes all of the band’s immense strengths —Roth’s manic energy and tongue-wagging humor, Alex Van Halen’s rhythmic heartbeat-in-your-chest bombast, and Michael Anthony’s lucid bass lines included. Arriving when the New Wave of British Heavy Metal and new-wave movements were taking flight, it signaled a shot across the bow from a band determined to stay a step ahead and provide proof nobody could touch what it delivered.

More than four decades later, Fair Warning still sounds that alarm.

Assembled by Pedro Alves Sousa, Má Estrela is a conjuration of ideas and obsessions around dub, leftfield dance phenomena and the hypnotic potential of urban somnambulance.

In a levitating state, not exactly detached from the unease of these end times, Sousa surrounds himself by a number of accomplices from past and present endeavours to project a scrying mirror reflection of distinct languages of trance and liberation - dub's space and infinity, jungle and footwork's broken shards, DJ Screws legacy perpetually reanimated via numerous slowed down anonymous versions on Youtube and the lyricism and fire of jazz.

Temporarily a quartet, comprised of Sousa on saxophone and its electronic processing, Bruno Silva and Simão Simões on electronics and Gabriel Ferrandini on acoustic and electronic drums, after the departure of Miguel Abras, Má Estrela had in their 2022 debut album their first document of this ongoing process that’s now continued with ‘Tornada". Miguel Abras has since been replaced with Bruna de Moura and Má Estrela came back to being a five piece.

Coming out in November through Discrepant, with Miguel Abras' bass still present, 'Tornada' deepens the symbiotic connection between those rhythmic, melodic and textural particles in a mutating flux of continuities and disruptions throughout seven tracks. Featuring the invocations of Elvin Brandhi in 'All You Did', 'Tornada' makes its way amidst harmonic spectres, rhythmic debris that breathe for life and a certain, implicit idea of ritual that sustains itself liminally between the ethereal dissolution of time and the physical projection of space.

Celebrating its 10th anniversary in 2025, Emi Okamoto's debut mini-album "Strike!" is being released on vinyl LP with a newly remastered "10th Anniversary
Edition"!

Singer-songwriter Emi Okamoto is a multifaceted artist, active not only as the lead vocalist of the band Friends, but also in dramas, writing songs, and supporting
and guesting at RIP SLYME's live shows. Her fourth album, "Ten City," commemorating the band Friends' 10th anniversary, will be released in September 2025
and is generating rave reviews. Also celebrating its 10th anniversary in 2025, her debut solo album will be released on vinyl LP with a newly remastered"
10th Anniversary Edition"! Written and composed by herself, this album showcases her unique style, spanning everything from cheesy electro-pop to
Idol-esque tracks, '90s R&B, exotic pop, and emotional rock ballads. Also included as a bonus track is the remix "Hit Number - Evisbeats and Punch Rmx"
by Evisbeats and Michel☆Punch. The single-LP release of "Strike!" sold out immediately, skyrocketing in price even on the used market and making it
difficult to find, so this vinyl release is a welcome surprise! Guest appearances include Kouki Okamoto (Gt./Okamoto's) and Keisuke Okamoto (Dr./Kuroneko
Chelsea).

E-style single jacket / Japan pressing / 33 RPM / Lyrics included

Steve Gunn ist seit über einem Jahrzehnt einer der Vorreiter der amerikanischen experimentellen / gitarrenorientierten Rockmusik. Nach drei gefeierten Alben, die er für Matador aufgenommen hat, erscheint sein siebtes Studioalbum - und erstes seit vier Jahren - bei No Quarter. Mit "Daylight Daylight" wollte Gunn etwas von der Intimität des Solospiels einfangen, das Gefühl der Möglichkeiten und Entdeckungen, das entsteht, wenn er sich hinsetzt, um zu schreiben, und gleichzeitig eine reichhaltige Klangwelt schaffen, in die der Hörer eintauchen kann. Anstatt wie bei früheren Alben eine Band zusammenzustellen, um die Songs auszuarbeiten, holte er sich einen einzigen Hauptmitarbeiter an Bord: den Produzenten James Elkington, einen alten Freund und langjährigen Mitarbeiter, der auch Gunns Album "The Unseen In Between" aus dem Jahr 2019 produziert hat. Elkington ist als Gitarrist bekannt, aber Gunn bat ihn, Arrangements für Streicher und Holzblasinstrumente beizusteuern, inspiriert zum Teil von der Musik, über die sie im Laufe der Jahre gesprochen hatten (z. B. Mark Hollis, Ennio Morricone, The Fall, Basil Kirchin), und von der Entwicklung ihrer eigenen Beziehung beim Aufnehmen von Platten - sowohl zusammen als auch mit anderen. Sie fanden schnell einen fruchtbaren Arbeitsprozess für "Daylight Daylight": Gunn nahm Solo-Demos auf und schickte sie an Elkington, der freie Hand hatte, die Arrangements selbst zu entwickeln. Sie arbeiteten hauptsächlich in Elkingtons Nada Studios in Chicago und fügten von dort aus weitere Elemente hinzu - einen Hauch von Synthesizer, eine Gitarren-Overdub, eine gedämpfte Percussion-Linie -, blieben aber ihrem ursprünglichen Ansatz der relativen Sparsamkeit treu. Macie Stewart (Violinen und Viola), Ben Whiteley (Celli), Nick Macri (Kontrabass) und Hunter Diamond (Holzblasinstrumente) leisteten ebenfalls Beiträge.

Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Unfassbar! Cosmic Psychos kehren mit erstaunlichem Geständnis zurück: "I Really Like Beer"! Über 40 Jahre albern-schlauer Punkrock werden mit einem brandneuen "Konzeptalbum" über Bier fortgeführt, obwohl jedes frühere Album der Jungs auch irgendwie ein Konzeptalbum darüber war. Die Bierväter des australischen Punks klingen wie die Ramones mit Crocodile Hunter als Frontmann und schreiben Songs in einem unverkennbaren Down-Under-Stil über's Saufen, Raufen, Roadkill und die beste Zeit des Lebens. Die knallharte Herangehensweise der Jungs an den Punk hat sich als nachhaltig erwiesen und viele andere beeinflusst, von L7 und The Meanies bis hin zu The Chats und Amyl & The Sniffers. Das lärmende Punk-Trio wurde ursprünglich um 1985 von Bill Walsh, Peter Jones und Ross Knight in Melbourne gegründet. Robbie Watts ersetzte Jones 1990/91 an der Gitarre, und nach einer zwischenzeitlichen Pause gingen die Psychos 2005 zurück ins Studio, um ein neues Album aufzunehmen, wobei der neue Schlagzeuger Dean Muller (ex-Voodoo Lust) Bill Walsh ersetzte. Nach dem Schock über den tragischen Verlust von Robbie Watts im Jahr 2006 stand die Option im Raum, "Cosmic Psychos" zu begraben. Aber Knight war überwältigt von der Trauer und der Unterstützung der Fans, sodass er mit voller Unterstützung von Robbies Kindern beschloss, dass doch noch mehr Bier getrunken werden muss. John McKeering (von The Onyas) war bereits seit geraumer Zeit mit der Band befreundet und wurde Ende 2006 ausgewählt, von diesem Zeitpunkt an mit Knight & Muller Gitarre zu spielen. Mit einer legendären Debüt-EP, fast einem Dutzend Studioalben, einer Handvoll Live-Alben und einer von Fans finanzierten Dokumentation mit einer ziemlich prominenten Besetzung aus der Alternativ-Szene, liefern the blokes you can trust, wieder 12 neue Tracks mit geradlinigem, bierdurchnässtem Punkrock für Fans von Celibate Rifles, Radio Birdman, den frühen Saints, den Ramones aus ihrer mittleren Schaffensphase, Hard-Ons, C.O.F.F.I.N. und Stiff Richards. Das neue Album ist Classic Psychos, australischer Punkrock, so roh, laut und herrlich dumm wie eh und je - mit gelegentlichen Lebensweisheiten, die unter einem Haufen Riffs versteckt sind. Als CD (mit Bierschutzhülle aka Jewelcase) oder auf klassisch schwarzem Vinyl oder in farbigen LP-Versionen.

Blondies „No Exit“ war ihr erstes Studioalbum seit 17 Jahren und erschien im Februar 1999 nach „The
Hunter“ (1982). Das Album enthält den britischen Nummer-eins-Hit „Maria“ sowie „Nothing Is Real
But The Girl“ und „No Exit“. Die Originalveröffentlichung wurde in den Electric Lady Studios, bei Red
Night Recording und im Chung King House of Metal in New York aufgenommen und enthielt 14 Titel.
Spätere CD- und Kassettenversionen enthielten Bonusmaterial von Blondies Lyceum-Auftritt 1998 sowie
den zusätzlichen Titel „Hot Shot“.
Die Neuauflage von 2025 enthält alle Originaltitel in remasterter Form sowie eine Auswahl seltener und
bisher unveröffentlichter Bonus-Mixe. Es handelt sich um die erste offzielle Vinyl-Veröffentlichung des
Albums mit seltenen und unveröffentlichten Fotos sowie ausführlichen Linernotes.
• Blondies klassisches Album von 1999 mit der Hitsingle „Maria“ wurde erstmals offziell auf kristallklarem
Doppelvinyl (140G)und 180G Black Doppelvinyl veröffentlicht und enthält neue Remixe

Der Netflix-Erfolgsfilm „K-Pop Demon Hunters“ begleitet Rumi, Mira und Zoey durch das Leben als
K-Pop-Superstars. Wenn sie nicht gerade Stadien ausverkaufen, nutzen sie ihre geheimen Identitäten als
knallharte Dämonenjäger, um ihre Fans vor einer allgegenwärtigen übernatürlichen Bedrohung zu schützen.
Gemeinsam müssen sie sich ihrem bisher größten Feind stellen – einer unwiderstehlichen, rivalisierenden
Boygroup von verkleideten Dämonen.
Der K-Pop Demon Hunters Soundtrack enthält unter anderem den neuen Song ”TAKEDOWN” mit
Jeongyeon, Jihyo und Chaeyoung von der K-Pop-Girlgroup TWICE. Dieses Album hat es sogar auf die
#1 der deutschen Album Charts geschafft!
Das Album ist als LP erhältlich und beinhaltet ein faltbares Poster und eine Fotokarte (1 von 4). Außerdem
ist das Album als CD erhältlich und beinhaltet ein Poster und eine Fotokarte (1 von 3).

Spidergawd sind klassischer Heavy Rock mit gigantischem Melodieverständnis, das teils poppige Züge annimmt. Twin-Gitarren zelebrieren dieses Melodieverständnis exzessiv, duellieren sich und feuern es an und alles steht auf einem solide klassischen NWOBHM Fundament. Für ihr achtes Album in elf Jahren Band-Geschichte haben SPIDERGAWD einen überraschenden Titel gewählt: "From Eight to Infinity" oder "From 8 to _êP". Damit beendet die Band die Verwendung römischer Titel, die sie für ihre vorherigen sieben Alben verwendet hatte. Ansonsten scheint vieles vertraut, wenn sie mit ihrem unverkennbaren SPIDERGAWD-Sound, doppelten Gitarren, dreifachen Gesang und Bariton Saxophon in gewohnt aufwändigem Album Artwork stets wiedererkennbar bleiben. Natürlich bleiben die wichtigsten Referenzen wie Thin Lizzy und Motorhead offensichtlich. Aber während "VII" sich ein wenig an 80er-Jahre-Bands wie Rush, Adrian Smith und Boston anlehnen konnte, ist "From Eight to Infinity" in seinen Referenzen eher bei AC/DC und Cheap Trick auf der einen Seite und Metallica und Black Sabbath auf der anderen. Es gibt scheinbar immer noch keine Anzeichen dafür, dass Spidergawd einen Gang zurückschalten und die Band verspricht nicht nur im Titel eine große Zukunft. All das scheint vielversprechend für die anstehende Tour. Man konnte dies aber auch schon deutlich spüren bei den Support Shows für Judas Priest, ein Band-Traum, der in Erfüllung ging.

Das zehnjährige Jubiläum von FOALS' viertem Studioalbum „What Went Down“ wird mit einer neuen Pressung des Album gefeiert! Sie erscheint auf klarem, rauchigem Vinyl in der Farbe von Colaflaschen (Clear Coke Bottle Green & Smoke Vinyl). Das Cover ist mit dem Bandlogo und dem Albumtitel geprägt. TRACKLISTING Side A 01 What Went Down 02 Mountain At My Gates 03 Birch Tree 04 Give It All 05 Albatross Side B 01 Snake Oil 02 Night Swimmers 03 London Thunder 04 Lonely Hunter 05 A Knife In The Ocean

Yellow Vinyl. Playing it cool like it's 1974 - but sounding like 2025. Prepare to step into a parallel universe of groove-soaked funk and cinematic flair: Seoi Nage will release their debut album No Retreat, No Surrender on October 10th. Named after a classic judo throw and shaped by their shared martial arts background, the four-piece outfit from Münster- Jakob Hersch, Anton Zimmermann, Pascal Schaumburg, and Pogo McCartney - deliver an eleven-track tour-de-force that feels like the soundtrack to a cult film that never existed. Imagine Eastern martial arts cinema colliding with Italian giallo, sleazy car chases, and psychedelic noir-an instrumental crime thriller steeped in color, swagger, and funk. Mixed by McCartney, mastered by Alexander von Hörsten, and wrapped in the cinematic artwork of Benni Demmer, No Retreat, No Surrender is more than just retro-it's retro-futurism with a punch. Think MF Doom's crate-digging spirit meets the analog grit of 1970s detective flicks. This is Fan Art Music at its most vivid.

'HEAVY DJ' Split 7" ON Splatter Vinyl. Orang-Utan were in fact a London based band called Hunter, featuring vocalist Terry "Nobby" Clarke (of psych-pop legends Jason Crest), guitar players Mick Clarke and Sid Fairman, drummer and songwriter Jeff Seopardi and bass player Paul Roberts. They recorded their sole album in 1971 at DeLane Lea studios. In a bizarre twist of events, their producers / managers ran with the tapes to the US, where they placed the album on Bell Records under a new band name: Orang-Utan, without telling any of the band members. A lost classic of blazing, early hard rock with minor psychedelic hangover vibes, a twin-guitar attack, and waves of fuzz/wah, along with powerful vocals. Formed in 1971, Bulldozer was a London-based heavy rock band. The roots of the band are those of a jam session on Blandford Street. That's where Isaacs, formerly of The Land of Green Ginger and Asylum, and Derek Carter, ex-Shades of Time, decided they wanted to have themselves a band. Following intense rehearsals, Bulldozer recorded a demo at TW Studios, which led to management under Ric Lee and IMA, a company co-owned by Tony Iommi and Norman Hood. Bulldozer disbanded in 1973 leaving behind a brief but notable legacy in the early '70s heavy rock scene.

On its original release, Dido’s breakout debut album ‘No Angel’ spent seven weeks at #1 in the UK before being certified a staggering 10 x Platinum and earning Dido BRIT Awards for Best British Album and Best British Female Artist. Worldwide, the album has sold over 15 million copies, amassing a total over 1.2 billion streams. This special anniversary edition of the album features new artwork housing the vinyl, and includes the hit singles ‘Thank You’, ‘Here With Me’, and ‘Hunter.’

On its original release, Dido’s breakout debut album ‘No Angel’ spent seven weeks at #1 in the UK before being certified a staggering 10 x Platinum and earning Dido BRIT Awards for Best British Album and Best British Female Artist. Worldwide, the album has sold over 15 million copies, amassing a total over 1.2 billion streams. This special anniversary edition of the album features new artwork housing the vinyl, and includes the hit singles ‘Thank You’, ‘Here With Me’, and ‘Hunter.’