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On their third album, FANGS, London collective HMLTD have created an entirely new genre: Götherdammerüng (or ÜberGöth). Predictably unpredictable, it could not be further away from their last outing, 2023 rock opera The Worm. The sixteen-piece orchestra has been traded in for Ableton, the timpani and violins replaced with side-chained four-to-the-floor and rave synths, and the gospel choir swapped for guttural gothic howling and black metal screams. The result is both unique and terrifying: a total reinvention and rehabilitation of the goth genre, through the looking glass of modern electronic and doomscroll-era dance music.

This new beginning was accompanied by a change in personnel, with Theo Spark and Andrei Martynchyk joining the fray alongside original members Henry Spychalski and Duc Peterman. Decamping to a ruined château in the Loire Valley, the quartet became obsessed with vampire lore, and the EBM and goth sound that inspired their early work: Fad Gadget, DAF, Nitzer Ebb, Suicide and Bauhaus. FANGS also points to more contemporary influences like Crystal Castles, German hardcore, 2000s blog-house a la Justice, and 2020s sleazepop.



The world crafted in FANGS is full of cosmic pessimism, glowing horror, imperceptible evil and digital dismemberment, ancient curses and ruined castles, Vampires. But it is also a thoroughly fun, and funny, record, as danceable as it is deep. Born of the club, some tracks would not sound out of place on Brat. Like a Smiths song which sounds happy and carefree until your brain tunes in to the misery of the lyrics, it can be listened to - and enjoyed - on two levels. One can get lost in the throb of bass and ludic synths, or tune into the horror of the lyrics which overlay them.



FANGS attempts to offer up a reflection to a culture that - like a Vampire - has lost its own. The result is something not only thoroughly modern, original, and inventive - but that feels genuinely dangerous and potent. FANGS delights in this ambiguity: simultaneously indicting decadence, decay, and moral rot, while luxuriating in its intoxication by it. Cacophonous sub-bass becomes a chthonic call of the void; seraphic rave synths become the screech of Valkyries; four-to-the-floor becomes a deathly funeral march. Vampire apocalypse.

Mit der „TECHNO CLUB CLASSIX VOL. 1 - VINYL EDITION“ erscheint erstmals eine Vinyl-Ausgabe der beliebten Technoclub Classix-Reihe. Welche Tracks auf die farbige Doppel-LP kommen, haben die Technoclub-Fans selbst
entschieden: In einer Umfrage konnten sie für ihre Favoriten abstimmen. Das Ergebnis sind 13 Trance-Klassiker aus einer Zeit, die den Sound des Technoclubs bis heute prägt.

Mit dabei sind Chicane mit „Saltwater“, Nikolai mit „Ready To Flow“, The Thrillseekers mit „Synaesthesia“ und Veracocha mit „Carte Blanche“. Dazu kommen weitere bekannte TranceTracks in ausgewählten Maxi-Versionen und Remixen, unter anderem von Talla 2XLC, DJ Quicksilver und Rank 1. „TECHNO CLUB CLASSIX VOL. 1 - VINYL EDITION“ bringt die von den Fans gewählten Technoclub-Favoriten gemeinsam auf Doppel-Vinyl - für alle, die diese Trance-Klassiker damals gefeiert haben und heute noch feiern

Der legendäre Dance-Klassiker „Bla Bla Bla“ von Gigi D‘Agostino erscheint jetzt als hochwertige 12“ Picture Vinyl – ein echtes Highlight für Sammler und Fans elektronischer Musik.

Diese exklusive Edition vereint insgesamt fünf verschiedene Versionen des weltbekannten Club-Hits, der mit seinem unverwechselbaren Sound und Kultstatus bis heute die Tanzflächen begeistert. Das aufwendig gestaltete
Picture Vinyl macht diese Veröffentlichung nicht nur zu einem musikalischen, sondern auch zu einem optischen Sammlerstück.

Ob als Erinnerung an die goldene Zeit der Dance-Musik oder als besondere Ergänzung jeder Vinyl-Sammlung – „Bla Bla Bla“ auf 12“ Picture Vinyl ist ein Muss für alle Fans von Gigi D‘Agostino und zeitlosen Club-Klassikern

Mit Selbstbewusstsein und Präzision kehrt der sich ständig weiterentwickelnde Musiker, Produzent und Rapper Ishmael Butler als Shabazz Palaces mit It's a Style Sport zurück. It's a Style Sport bleibt dem Stil von Shabazz Palaces treu - mit seiner gewagten Mischung aus experimentellem Hip-Hop und freier Poesie - und offenbart gleichzeitig eine nachdenklichere und direktere Seite des Musikers aus Seattle. ,It's a Style Sport" zeigt, wie Butler das, was er in seiner legendären Karriere gelernt hat, zu einem verspielten, schillernden Portal zusammenfügt und sich damit erneut als Künstler mit chamäleonartigem Ehrgeiz beweist, angetrieben von Neugier, Mut und grenzenloser Fantasie. Das Album ist das Ergebnis einer gemeinschaftlichen Zusammenarbeit mit vielen Mitgliedern von Butlers Tourband: Evan Flory-Barnes am Kontrabass und E-Bass; Thaddeus Turner an Gitarre, Keyboards und Gesang; Kassa Overall am Schlagzeug; Gerald Turner am Bass und Gesang; Marquetta Miller am Gesang; und Carlos Overall am Saxophon. Butlers langjähriger Freund und Mitstreiter Erik Blood übernahm Instrumentierung, Produktion und Abmischung. Auf It's a Style Sport wird ein Bild von Butlers früheren Leben als Rapper und Performer seiner heutigen Persönlichkeit gegenübergestellt - provokativ und aufschlussreich zugleich. Im Kern ist It's a Style Sport eine Ode an die Rap-Szene vergangener Jahre, als der spielerisch-wettbewerbsorientierte Ehrgeiz das Genre dazu trieb, seine Kollegen stets zu übertrumpfen, zu überholen und an Raffinesse zu übertreffen.

Muss sich alles ständig so schwer anfühlen? Claud Mintz ringt ständig mit dieser Frage. Und zwar nicht in Form von höflichen kleinen Wortgefechten, sondern in Form von großen, langwierigen, existenziellen Kämpfen - von der Art, die einen letztendlich dazu bringen könnte, den Kurs des gesamten Lebens zu ändern. Die 10 Songs auf seinem facettenreichen und glanzvollen dritten Album ,Me and the Music" zeigen den 27-jährigen Singer-Songwriter und Produzenten aus Brooklyn, wie er sich mit dieser Frage auseinandersetzt und schließlich triumphierend zu etwas gelangt, das einer Antwort nahekommt: Die Dinge können schwer sein, aber das bedeutet nicht, dass man keinen Spaß haben kann. Das Leben kann schwer sein, aber das Bier in Ihrer Hand ist es nicht - warum sollten Sie es nicht für einen Moment in die Höhe recken, mit den Freunden um Sie herum mitsingen und Ihre Sorgen für die Dauer eines perfekten Indie-Pop- Songs vergessen? ,Me and the Music" ist Clauds erstes Album seit drei Jahren, seit dem 2023 erschienenen, hochgelobten ,Supermodels". Sowohl ,Supermodels" als auch ,Super Monster" aus dem Jahr 2021 waren weitgehend inspiriert von ,dieser einen unklaren Beziehung", von der er irgendwann während des Schreibens von ,Me and the Music" erkannte, dass sie ,eigentlich nie wirklich etwas war". ,Supermodels" war ein so ernstes Album, und ,ich habe einfach so lange in meinen Gefühlen geschwelgt", sagt Claud. ,Es gibt einen Unterschied zwischen Aufrichtigkeit gegenüber dem Leben und dem Leben zu ernst zu nehmen." Diese Erkenntnis veränderte alles: Im Titelsong von ,Me and the Music" singen sie: ,Das ist der letzte Song, den ich von dir ruinieren lasse", und das meinten sie auch so. Nachdem Claud diesen Song geschrieben hatte - in den berühmten Electric Lady Studios zusammen mit ihren Freunden Hank Heaven und Annie DiRusso -, begannen sie, sich völlig befreit zu fühlen. ,Dadurch wurde viel Bedauern losgelassen, das ich mit mir herumgetragen hatte, und es ermöglichte mir, zu denken _ das macht so viel Spaß", sagen sie. ,Musik zu machen macht so viel Spaß." Das Markenzeichen von Me and the Music sind also Songs, die die Komplexität des Erwachsenwerdens und des Lebens in der Welt einfangen, ohne dabei den Sinn für Verspieltheit oder Spaß zu verlieren. Es ist ein typisches ,Slice-of-Life"-Album , das neue Romanzen, Insider-Witze, Gap-Werbespots, die Band ,America" und das Land Amerika thematisiert und all diese Dinge mit Sorgfalt und Rücksicht behandelt. Die Lead-Single ,She Doesn't Love Me" von ,Me and the Music" ist in vielerlei Hinsicht der Kern des Albums - ein leichtfühliges Lied darüber, wie es ist, in den 2020er Jahren in Amerika queer und trans zu sein. (Es ist eine kraftvolle, mitreißende Hymne, die vor Schmerz nicht zurückschreckt - und trotzdem Lust macht, wie Claud in dem Titel singt, die ,Biere in die Luft zu recken".) Als Claud den Song gemeinsam mit Heaven und DiRusso schrieb, waren sie fest davon überzeugt, dass es ein Yacht-Rock-Song werden sollte; das Demo klang letztendlich dennoch ,Lo-Fi und Indie". ,Me and the Music" wurde von Claud und John Congleton (Alvvays, St. Vincent) produziert und bedeutet für Claud, dass sich der Kreis schließt: Mit diesem Album hatte Claud endlich das Gefühl, als Produzent selbstbewusst genug zu sein, um die Rolle des Co-Produzenten zu übernehmen (und hat seitdem eine Reihe viraler Singles von Romy Mars produziert). Die Zusammenarbeit ist natürlich ein wesentlicher Bestandteil von Clauds Arbeit - wer wären wir ohne unsere Freunde? Neben Claud gehört er zu einem Viertel zu Shelly, einer Band, die er gemeinsam mit Clairo, Noa Getzug und Josh Mehling gegründet hat. Auf ,Me and the Music" arbeitet Claud bei dem Titel ,The Legend" erneut mit ihrem langjährigen Kollaborateur Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) zusammen. Der Song thematisiert das Gefühl, tief in jemanden verliebt zu sein, der nicht mit einem gesehen werden möchte, sagt Claud: ,Es geht gewissermaßen um eine beschissene Beziehung und den Wunsch, die Liebe zur Schau zu stellen, ohne jedoch dazu in der Lage zu sein ", erklären sie. Doch wenn es auf ,Me and the Music" ein echtes Liebeslied gibt, dann ist es ,I Owe You", ein Dream-Pop-Road-Song, der hingebungsvoll und facettenreich ist. Er fängt den Geist von ,Me and the Music" als Ganzes ein: die Dinge Tag für Tag zu nehmen, Bilanz über das zu ziehen, was einen umgibt, und die schönen Dinge anzunehmen, wenn sie sich bieten. Das fühlt sich gar nicht so schwer an.

The Garden, experimental punk duo made of twin brothers Wyatt and Fletcher Shears and their new album Bootleg is available on vinyl and CD via Epitaph Records. Recorded in Los Angeles and produced by Wyatt and Fletcher, the 14-track album is packed with The Garden"s eclectic instrumentation and visceral production work. Formed in 2011 by twin brothers Wyatt Shears and Fletcher Shears, The Garden built their signature "Vada Vada" style from the raw foundation of bass, drums, and eerie electronic textures. Their minimalist approach delivers an explosive, genre-defying sound that is equal parts chaotic, precise, and unmistakably original. Blending an uncanny, arthouse-inspired visual identity with fearless creativity, The Garden has become one of alternative music"s most influential cult acts, beloved by Tyler, the Creator and Mac DeMarco. Renowned for their explosive live performances, they"ve cultivated a fiercely dedicated global following while inspiring a new generation of artists and fans drawn to their singular creative vision.

“Negative Music / The Poorest! If they still know silence at all, then only as holes in the continuum of noise…” — Günther Anders, 1965

Editions Mego presents GETGETGET, a new release by Thomas Brinkmann which serves as an inquiry into silence, code, and the limits of perception.

The title GETGETGET references the trilogy of ‘Get’ lp’s made by Rehberg under his PITA moniker; Get Out, Get In and Get On. The music is based on material by Rehberg and Brinkmann morphing these two identities into a third colour, a disappearing color.

Emerging from a live performance at the label’s 30th anniversary in Berlin, the work unfolds as both sonic artifact and conceptual system: a study in what remains when sound is reduced, extracted, and reconstituted.

Taking inspiration from Günther Anders’ notion of “negative music”—composition through absence—Brinkmann’s approach aligns with Heinrich Böll’s idea of “collected silence”: silence not as void, but as a material framed against the constant pressure of noise. In GETGETGET, pauses are not gaps but structural elements, cut from a continuum and reinserted as signals.

The two side long tracks weave a dark abstract and ‘twisted’ presence where the ghosts of the machines and their operators fuse into a fantastical whole. One can hear traces of both Brinkmann and Rehberg logic which seems to fuse in a hallucinatory manner.

Brinkmann’s work reflects a broader condition: the translation of material processes into informational ones. As images detach from bodies and code separates from matter, sound too loses its fixed resonance. What remains is circulation—of signals, of data, of meaning—within systems that increasingly define perception itself.

GETGETGET is an album where absence is equal to presence, a metaphor with suggestive tones of the influence Rehberg had and continues to have in the world of the radical experimental electronic avant garde. The “zero” is not empty; it is what makes everything else work.

“The Hollowing of Godflesh is the most complete representation of Crown Magnetar we've ever put together. We pushed every aspect of our songwriting further without losing the intensity and rawness that defines the band. We wanted to take what people expect from us and push it further by adding more atmosphere, bigger moments, and even more aggression without sacrificing anything. You’ll hear it in the insane riffing of new guitarist Rob Maramonte, who has spent time as a member of Fallujah and The Zenith Passage, as well as performed live with Thy Art Is Murder and All Shall Perish.” “The Hollowing of Godflesh is a highly sharpened version of Crown Magnetar. It delivers unrelenting brutality and is sure to please old and new fans alike.”

,Reona" ist das Debütalbum von REONA bei Kou Records - Stepptänzerin, Metal- Percussionistin, Improvisatorin und eine der originellsten Klangkünstlerinnen der heutigen Zeit, weltweit. Das Album wurde im Januar 2026 an zwei Tagen im Studio Dede aufgenommen und von Randall Dunn produziert. Es fängt REONAs ganzkörperliche Performance in Echtzeit ein: Stepptanzschuhe und ein Holzbrett als rhythmische Grundlage, überlagert von Metallblechen, Ketten, Edelstahlschalen, Plastiktüten, Lautsprechern und einem ganzen Arsenal an gefundenen und handgefertigten Objekten, die im Laufe jahrelanger Auftritte gesammelt wurden. Die Instrumente tragen ihre eigene Geschichte in sich - ein Schild aus Okinawa, auf dem die Warnung vor nicht detonierten Bomben steht, ein Schild einer Transportfirma aus dem Jingisukan-Topf-Museum in Iwamizawa, eine Festglocke, die zu Beginn der COVID-Ära erworben wurde, südindische Essgeschirr, ein Ölkännchen aus Taiwan. Stampfen, kratzen, berühren, schlagen, blasen, stöhnen - REONA nutzt alles voll aus, von ihren Beinen bis zu ihrem Mund, und lässt dabei die Grenze zwischen Tanz und Percussion, Körper und Instrument verschwinden. Ihre Praxis befindet sich an einer selten besetzten Schnittstelle: die japanische Noise-Tradition von Merzbow und Otomo Yoshihide auf der einen Seite, die perkussive Körperlichkeit von Milford Graves und Han Bennink auf der anderen - ohne Präzedenzfall dafür, was passiert, wenn diese beiden Welten in einem einzigen Körper aufeinandertreffen. Track 7, M108, enthält einen Gastauftritt von Atsuo - dem Schlagzeuger der legendären japanischen Rockband Boris - in einer Kollision zweier unterschiedlicher, aber verwandter Ansätze zu Rhythmus und Noise.? Aufgenommen, gemischt und produziert von Randall Dunn. Gemastert von Ben Greenberg. Dolby-Atmos-Mischungen von Ben Greenberg. Lackschnitt von Paul Gold bei Salt Mastering. Cover-Artwork ,Legend of the Snow Spirit" von Kazuki Tomokawa; Porträt auf der Rückseite von Allison Brant.

My Chemical Romance's "The Black Parade (20th Anniversary Edition) vinyl" includes the original fourteen-track album. Released in October 2006, The Black Parade follows The Patient through his reflections on life and his passage into the afterlife, built on the concept that death visits people in the form of their earliest cherished memory.

Pressed as a single LP on Concrete Grey vinyl in a single-pocket jacket with a new art insert and printed inner sleeve.

My Chemical Romance's "The Black Parade (20th Anniversary Deluxe Edition) CD" includes the original album plus six bonus tracks: three live performances from The Black Parade World Tour (2007), never before released on physical music formats, and three rare B-sides. The live performances include "Someone Out There Loves You," long referred to by MCR fans as "Stay," performed on the tour but never officially recorded. Released in October 2006, The Black Parade follows The Patient through his reflections on life and his passage into the afterlife, built on the concept that death visits people in the form of their earliest cherished memory.

Packaged in an O-card and wallet with a 16-page lyric folder and new art insert

It’s rare for a hardcore punk band to make four full-length albums, and rarer still for the fourth album to be the band’s masterpiece. Yet Paratiisi, the fourth album from Helsinki punks Kohti Tuhoa, stands as the undeniable coup de grâce of a catalog overflowing with classic hardcore punk. If you’re already a fan, it’ll comfort you to know Paratiisi leans heavily on the strengths Kohti Tuhoa has possessed since their earliest releases: a timeless sound that combines UK82 drive and hooks with dramatic metal flourishes; a captivating vocalist with the perfect balance of grit and clarity, who can both howl like a banshee and carry a tune; and a particularly Finnish way with a driving, medium-fast tempo. But for all the continuities with Kohti Tuhoa’s excellent previous records, Paratiisi almost feels like the work of a new band. The riffs and choruses that anchor the album are impossibly catchy; Paratiisi bulges with huge moments that practically force you to air guitar and sing along (even if you don’t speak a word of Finnish), the band’s peerless chops and the rich and clear recording driving these climaxes to dizzying highs. But while the hooks are memorable, there isn’t a moment on Paratiisi that feels dumbed-down or overly familiar.

In fact, the album feels notably ambitious, pulling influences from across punk’s historical and aesthetic breadth and digesting them seamlessly into Kohti Tuhoa’s distinctive sound. The lyrics (don’t worry: English translations are included!) meet the same high bar as the music. They’re direct, assertive, and punk, but they’re also subtle and insightful, whether they’re tackling huge issues like microplastics or sharing a very personal account of a sexual assault and its aftermath. And then there’s Paratiisi’s most unexpected moment, “Eliitin Psykopatia,” a free punk freakout in the tradition of “Why (Reprise)” and “L.A. Blues.” If Kohti Tuhoa’s brief foray into free jazz tries your patience, though, don’t worry, because after three minutes of building tension, they reward you with what is bound to be the best riff of 2026, a clash of chords potent enough to blow holes through walls the world over. Paratiisi is the sound of one hardcore punk’s most exciting bands at the height of their powers.

Als Adebowale Osunnibu mit dem, was später ,Kilofese" werden sollte, auf uns zukam, wussten wir, dass er etwas Besonderes hatte. Abgesehen von Fela Kutis eigener Band ,Egypt 80" (die mittlerweile von seinem Sohn Seun Kuti geleitet wird) ist es erstaunlich selten, dass Afrobeat-Musik in ihrer Heimatstadt Lagos, Nigeria, gemacht wird. Tatsächlich spielte Adebowale viele Jahre lang bei Egypt 80 am Baritonsaxophon und vertiefte so sein Verständnis für die Musik, mit der er aufgewachsen war. Als er uns erzählte, dass er seine eigene Musik schuf, seine Stimme in den Vordergrund stellte und mit der nächsten Generation von Studenten in Lagos zusammenarbeitete, konnten wir es daher kaum erwarten, sie zu hören. Angesichts seiner Ausbildung in der traditionsreichsten Afrobeat-Band aller Zeiten hätte uns das, was er uns schickte, nicht überraschen dürfen: ein Album voller kraftvoller Gesangspassagen, kaskadenartiger Bläserlinien und unerbittlich treibender Grooves. Vom langsam aufbauenden ,AJO" bis zum rasanten ,Kilofese" wird jeder Song von einem rhythmischen Kraftpaket getragen, um Botschaften von Freiheit, Kultur und Freude zu vermitteln. ,Kilofese", was auf Yoruba ,Tu, was du tun willst" bedeutet, steht in direktem Gegensatz zur staatlichen Kontrolle. Der Grundpfeiler des Afrobeat, der sich von seinen Vorgängern Highlife und Funk unterscheidet, ist die Verachtung der Kolonialherrschaft, der staatlichen Korruption und der Unterdrückung des einfachen Volkes. Mit einem Fundament aus James-Brown-inspiriertem Funk, yorubanischer Sensibilität und Tony Allens genialem Schlagzeugspiel hat Fela Kuti diese Gefühle in Nigeria und dem Rest der Welt verbreitet - und sie hallen über Jahrzehnte hinweg bis in den heutigen Tag nach. ,Kilofese" ist ein Album, das diesen Sound mit Originalität an zukünftige Generationen weitergibt und dabei die Kraft des klassischen Afrobeat bewahrt. Für Fans von Fela Kuti, Ebo Taylor, Budos Band, Quantic

Like Roses aus Berkeley, Kalifornien, sind eine echte Macht. Offenherzige Texte über Liebeskummer, Verlust und Selbstreflexion treffen auf energiegeladene Hooks und rauen, melodischen Gesang, der geradezu dazu einlädt, lauthals mitzuschreien - eine Kombination, die der Band eine treue Fangemeinde sowie Nordamerika-Tourneen an der Seite von Acts wie Pierce the Veil, Neck Deep und Mayday Parade eingebracht hat. Seit 2018 ist die Band am Start, hat ein paar Singles und EPs veröffentlicht und präsentiert nun ihr erstes richtiges Album. "Gänzlich unprätentiös beschreiben Like Roses ihren Sound wie folgt: "Leute mit Instrumenten, die davon schreien, wie traurig sie sind - und zwar über den Lärm, den sie mit besagten Instrumenten machen." So weit, so emo. Aber eben mit Pop-Punk-Drive und einem Fünkchen Mathrock." - Visions 2023 "Emo is alive and well in the Bay Area band Like Roses, whose song "Wrist" captures the nostalgic sound of early-2000s melodic pop-punk through the lens of queer yearning" - "Wrist" (Like Roses), New York Times - Song of the Week Für Fans von Joyce Manor, Modern Baseball, Tiny Moving Parts

The Garden, experimental punk duo made of twin brothers Wyatt and Fletcher Shears and their new album Bootleg is available on vinyl and CD via Epitaph Records. Recorded in Los Angeles and produced by Wyatt and Fletcher, the 14-track album is packed with The Garden"s eclectic instrumentation and visceral production work. Formed in 2011 by twin brothers Wyatt Shears and Fletcher Shears, The Garden built their signature "Vada Vada" style from the raw foundation of bass, drums, and eerie electronic textures. Their minimalist approach delivers an explosive, genre-defying sound that is equal parts chaotic, precise, and unmistakably original. Blending an uncanny, arthouse-inspired visual identity with fearless creativity, The Garden has become one of alternative music"s most influential cult acts, beloved by Tyler, the Creator and Mac DeMarco. Renowned for their explosive live performances, they"ve cultivated a fiercely dedicated global following while inspiring a new generation of artists and fans drawn to their singular creative vision.

To celebrate the 25th Anniversary of their 7th album from 23 October, 2001 (their last with Brant Bjork), Fu Manchu is releasing California Crossing 25th Anniversary Edition. Recorded at the legendary Sound City Studios in Los Angeles, California by the band and Matt Hyde (DEFTONES, SLAYER, MONSTER MAGNET), California Crossing is the band’s most commercially successful release. The 11 song collection includes “Mongoose” (as seen in a Toyota Super Bowl commercial, Sons of Anarchy, The Hot Chick, Boondock Saints II and more), “Squash That Fly” (their most successful radio single), “Bultaco” (featuring vocals by The Circle Jerks’ Keith Morris) and fan favorites “Separate Kingdom,” “Hang On” and the title track. This limited edition 2,000 unit run is pressed on Custom Red, White and Blue 3 layer color vinyl in a gatefold package. The LP features newly remastered audio for maximum fidelity. "a strangely nihilistic celebration of all things Cali." - The Guardian “Fu Manchu are the stoned Ramones, a matey Motorhead: a band who can rewrite that album into the infinite future and rule perpetually.” – NME

Duality, the second studio album by American rock band RA, originally released in 2005, captures the group at a moment of creative expansion. Building on the heavy, melodic foundation of their debut From One, the band broadened its sound with richer arrangements, deeper emotional themes, and a more polished production approach.

With Duality, RA refined their blend of alternative rock, hard rock, and atmospheric textures. The album features several fan‑favorite tracks, including “Fallen Angels”, “Sky”, “Tell Me” and “Got Me Going”. One of the album’s standout moments is RA’s cover of “Every Little Thing She Does Is Magic”, originally by The Police and written by Sting.

Duality is available on vinyl for the first time and includes an insert with lyrics.

Der 20-jährige in Pretoria lebende Produzent Sam Austin Audebe alias DJ BLACK LOW schickt sich mit seinem Debütalbum "Uwami" an das beliebte Tanzmusikgenre Amapiano aufzumischen. Der Hybrid aus Deep House, Jazz und Kwaito-Musik eroberte sich in den letzten fünf Jahren zunehmend einen Platz in der westlichen Global-Pop-Fangemeinde, während er in Südafrika bereits an jeder Straßenecke allgegenwärtig ist. Der Sound von DJ BLACK LOW ist im Vergleich zu anderen Amapiano Produktionen etwas roher und direkter und basiert auf verzerrte Samples und Synthies. Mit dabei sind auch Gäste wie DJ La Bengwa und DJ Saxo Boy.

,Bands Like It When You Yell `YAR!' At Them" war ursprünglich eine Promo-EP von Minus the Bear, die 2002 als Vorgeschmack auf das Debütalbum ,Highly Refined Pirates" erschien. Was als einfache Werbe-CD begann, entwickelte sich schnell zu einem Fan-Favoriten und erscheint 2026 erstmals offiziell auf Vinyl. Die Veröffentlichung zeigt die Band in ihrer frühen Hochphase und vereint ihren charakteristischen Mix aus Indie-Rock, Math Rock, Funk, verspielten Gitarrenfiguren und elektronischen Elementen. Neben frühen Albumtiteln enthält die EP mit ,Drop It Like It's Hot" auch einen exklusiven Song, der die kreative Experimentierfreude der Band eindrucksvoll dokumentiert. Heute gilt ,YAR!" als wichtiges Zeitdokument der Anfangsjahre von Minus the Bear und als perfekte Ergänzung zu ,Highly Refined Pirates", einem der prägendsten Indie-Rock-Alben der frühen 2000er-Jahre. Von Bernie Grundman für Vinyl remastert und mit bei 45 U/min geschnittenen Lackplatten trägt diese limitierte Auflage von 1.000 Exemplaren auf "San Juan Sands" Vinyl dazu bei, die aufregenden Anfangsjahre einer der beliebtesten Bands des amerikanischen Indie-Rock zu dokumentieren und zu bewahren.

Die südafrikanische House-Variante Amapiano geht bei ATFA mit "Teenage Dreams" in die dritte Runde. Nach TENO AFRIKA und DJ BLACK LOW schnappte sich das in New York beheimatete Label das 2019 gegründete Produzenten-Duo NATIVE SOUL, die mit "Teenage Dreams" ihr Debüt geben. Der Titel ist passend gewählt, schließlich sind Kgothatso Tshabalala und Zakhele Mhlanga (DJ Zakes) mit 19 bzw. 18 Jahren sozusagen selbst gerade erst den Kinderschuhen entwachsen. Obwohl die beiden in Pretoria aufgewachsenen Jungproduzenten zur Generation 'Ma2000' gehören, also nach Beginn der Demokratie geboren wurden und die Apartheid nie erlebt haben, überzeugt "Teenage Dreams" mit einer künstlerische Reife, die das jeweilige Alter der beiden Soundtüftler weit übersteigt. Die zwölf Tracks auf dem Debüt sind überwiegend moody, instrumental und mit Drums "made from basslines which stick out like a pocket turned outside of pants" versehen. Für Fans von BURIAL und MR. FINGERS!

Put your hands together and please welcome Linda Lo to Shall Not Fade's Time is Now imprint. The LA producer/DJ's new 12" EP "Masa" drops 23rd Oct 2026 and f**k is it sick.

Linda Lo fuses* mambo, samba, and salsa with UK garage, dubstep, and club rhythms to make guaranteed rewind material that is gonna light up the dance…

* imma talk about this fuses sh*t in a minute.. First we need to get a bit philosophical. Cos rewinds and fusions aside, this EP is alive. It's part of something bigger and cyclical, without a start or an end. It is music. It was part of someone else's music before and it will be part of other people's music in the future. Right now though, it's Linda Lo's music.

Too esoteric? Let me elaborate and, let's talk about fusion. There is the fusion that is – steal a bit of genre X and culture Y, chuck it on the grid and strut about professing fusion – and then there's actual fusion: Music that is something "new" and real and genuine. Music that you end up describing excitedly as a "fusion of" things (even if it inevitably ends up doing it a disservice). Music that is simultaneously one thing and not that thing, and also something else and not that something else too. Music that is just "music" to the creator but is also part of the progression and evolution of music for others. Mala wasn't making "dubstep". Skream & Benga ended up not making Garage. Like many before and after they were making their music and Linda Lo is making her music so let's hear from her about it. Big up Linda. This is real.

Notes from Linda:

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“Like Croydon by way of Havana”

“Masa, or corn-based dough used to make tortillas and tamales, is a traditional staple food for many in Mexico and throughout LatAm. In the Maya worldview, people's flesh is made out of masa. In order to make masa, corn must be dried, nixtamalized, ground, and mixed (often by hand) to create the right textured dough. I find much of my music work is a collision and a mixing of many elements, all worked into one product. In this way, I've worked these songs, transforming raw rhythms and sub bass into hand-mixed tunes. ‘Masa - EP' presents four delicious heaters. The title track explodes with a fiery double-time dubstep groove. Mambo horn stabs bite through a bass inferno. ‘Cenote' looks down upon a subterranean pool of sound—still on the surface but impossibly deep. ‘Minifalda', pure flirt and gyration, calls in cuica and other voices from a samba bateria. Finally, claves stitch across ‘Mestiza', a fusion of blooming lush orchestration and jagged 2step rhythm.

Around 1960, my grandparents were regular dancers at the Palladium in Los Angeles: young, Mexican, and falling in love to dance music, specifically big band mambo. My mom, consequently, is a fantastic dancer, and her mambo collection along with my dad's exotica records formed the base of my own vinyl collection. When I first discovered garage and dubstep, there was something indescribably familiar to me, something mambo-like about the syncopated offbeat hits and drama. Later, as I began stitching together mambo claves and 2step drums, I assumed I was trying out something totally new. The farther I go, the more I see that I was wrong.

Dubstep, garage and jungle share a parental lineage back to dub reggae, originating from Jamaica. Mambo hails from Cuba, and sister genres of salsa to NYC & PR, and bachata and meringue to the Dominican Republic. Yet, these musical genres of the Caribbean have not developed in isolation. Reggae, mambo, dancehall, salsa, even son jarocho from Veracrúz, Mexico (where my family is from), all developed together, influencing each other fundamentally. Ultimately, all musics of the Caribbean have come from West African polyrhythmic musical heritages. Garage, mambo, dubstep, and salsa are points in time along one musical continuum.

I feel very honored to be a selector working in Los Angeles (and elsewhere!). I hope I can share some music for the next generation of young people to fall in love to. "

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I'm moved by what Linda writes here. #1 Doing what you love, and finding you are part of something bigger. Creating for yourself freely and hoping to inspire others with healthy amounts of care, humility, freedom, self awareness and enjoyment. (It is inspiring and I'm honoured we are now a part of sharing Linda's music). #2 There's something wonderful about finding connection and a sense of place. A place physical, spiritual and in time. Music can help us all find connection and be part of a place. Wheel it up wherever you are.