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“Less than a month after one of the most violent fire events in the history of the continent, new shoots had burst through the scorched hardpan, nourished by the still-vital roots of those flayed and blackened trees.” John Vaillant, Fire Weather.

Loscil (aka Scott Morgan) returns to kranky with Lake Fire, a nine-track offering of ash-laden sonics that mine the tension within the cycle of destruction and rejuvenation.

Lake Fire is the result of a disjointed creative process. Originally conceived as a suite for electronics and ensemble, most of the original compositions were deserted, save for Ash Clouds, featuring James Meager on double bass. The remaining tracks were reshaped and remixed, built anew out of the remnants of the abandoned work. The result is a phoenix, an album burnt to the ground only to be reassembled out of its cinders. Fragments of the original lurk beneath a densely overpainted canvas of sound.

Infused into the resulting rearrangements are impressions from a road trip into the mountains marking a personal half-century milestone, surrounded by the ominous proximity of wildfires and dense smoke; celebrating life while the world burns. The album’s title comes from the striking irony that forest fires are often named after regional lakes - perhaps subconsciously referencing ancient lore. The cover photos were taken from this same trip, while sitting in a rowboat staring into the grey abyss of an opposing mountainside outside of Revelstoke, BC, obfuscated by smoke from a nearby lake fire.

Press quotes for previous solo release “Clara”:

"The sound sculptor Scott Morgan continues to astound.” Pop Matters

"A beautifully nuanced work, Clara is both revealing and mysterious -- and loscil fans wouldn't expect anything less.” Allmusic

press quotes for previous collaboration release with Lawrence English “Colours of Air”:

"As you might expect from the steady hands at the tiller, this is a cortex-hugging drone record of beauty and depth.” The Quietus

"One of the thrills of listening to this record is how its initially predictable veneer fades on subsequent listens to reveal layers of mischief underneath.” Resident Advisor

Deerhoof haben sich schon vor langer Zeit als eine der großartigsten Rockgruppen des Planeten etabliert - wer das für übertrieben hält, hat noch nicht genug Zeit damit verbracht, Deerhoof zu hören - das wahnsinnig erfinderische Quartett behandelt jedes seiner neuen Alben als eine Gelegenheit zur kreativen Wiedergeburt. Und doch sind sie irgendwie auch zutiefst zuverlässig, eine seltsame, aber wahre Beschreibung für eine Band, die so kreativ rastlos ist. Man weiß nie, wie ein neues Deerhoof-Album klingen wird, außer dass es immer nach Deerhoof klingen wird. Die Band wird durch solche Paradoxien definiert, wie "Noble and Godlike in Ruin" erneut bestätigt. Ihr neuestes Album ist entweder ein Porträt einer Welt, die in monströsen Hass, Entmenschlichung und Dollarzeichen abgleitet, oder ein eindringliches Selbstporträt der Band als Monster: ein intelligentes, sensibles, hybrides Wesen, das unermüdlich von Liebe singt, sich aber zunehmend von dieser Welt entfremdet. Die Musik ist fröhlich und ahnungsvoll, kybernetisch und zutiefst menschlich, alles zugleich. Streicher, die an avantgardistische Kammermusik und klassische Horrorfilm-Soundtracks erinnern, prallen auf Gitarren- und Basslinien. Das Schlagzeug ist manchmal gefiltert und klingt fast elektronisch, aber kein Computer könnte einen so funkigen und dynamischen Rhythmus erzeugen, bei dem jede winzige Variation von einem Snare-Schlag zum nächsten Welten der Möglichkeiten vermittelt. An der Spitze steht die unnachahmliche Altstimme von Satomi Matsuzaki. Eine Stimme der Einsamkeit, deren schlichte Ruhe seltsam außerhalb des Mahlstroms der Band zu stehen scheint, zu dem sie mit ihren zackig-präzisen Bassläufen selbst beiträgt. Als Einwanderin der ersten Generation in den USA hat sie nie versucht, ihren japanischen Akzent oder ihre Karaoke-esken Vortrag zu verbergen. Auf "Noble und Godlike in Ruin" wirkt dies abwechselnd als Ausdruck von Einsamkeit und als kühle Provokation gegenüber Systemen der Unterdrückung und Kontrolle. ,Kindness is all I needed from you", singt sie auf dem epischen Albumabschluss ,Immigrant Songs`. ,But you think we're in your house." Nicht lange danach explodiert der Song, sein eng gewickelter Art-Pop macht Platz für mehrere Minuten heulenden Lärm. Auch wenn das Thema düster sein mag - wie könnte es anders sein - tragen die Songs trotzigen Optimismus in ihrer Weigerung, sich den Konventionen oder überlieferten Weisheiten zu beugen. Da ist diese berühmte Zeile von Dylan Thomas über das Wüten gegen das Sterben des Lichts: "Noble and Godlike in Ruin" fühlt sich ein wenig so an. Die Welt mag untergehen, aber Deerhoof gehen schwungvoll unter.

GOLD DISC CLASSIC SERIES
Re-Issue of the 1st ever Vibronics 7" single, side A is the original mix, side B is a previously un-released dub version.
Originally released in 1998 as played by JAH SHAKA. It is now presented in a beautiful gold sleeve.
Part of the SCOOPS Gold Disc Classic Series !!

Vibronics is one of the most established names in UK Dub/Reggae music achieving millions of views on YouTube,
millions of Spotify streams and many tens of thousands of vinyl record sales.
Collaborators include Michael prophet, Macka B, Iration Steppas, Soom T, Aba-Shanti and more.

GOLD DISC CLASSIC SERIES

Classic track with the voice of our dear friend & legendaryJamaican vocalist Michael Prophet. For sure one of our most successful tunes ever released and a timeless roots anthem that we still play at every session. Here we re-issue it with a never before heard dubplate mix on the b-side. Part of the SCOOPS Gold Disc Classic Series !!


Vibronics is one of the most established names in UK Dub/Reggae music achieving millions of views on YouTube, millions of Spotify streams and many tens of thousands of vinyl record sales. Collaborators include Michael prophet, Macka B, Iration Steppas, Soom T, Aba-Shanti and more.

GOLD DISC CLASSIC SERIES


The biggest and baddest Vibronics anthem of all time featuring the original clarion call from Professa Natti. The Professa rose to fame
as mic chanter on the Jah Tubbys Sound System. This tune was first released back in 2012 and immediately sold out, the vinyl record has
now become a serious collectors item. Here we re-issue it with a never before heard dub mix on the b-side. Part of the SCOOPS Gold Disc Classic Series !!


Vibronics is one of the most established names in UK Dub/Reggae music achieving millions of views on YouTube, millions of Spotify
streams and many tens of thousands of vinyl record sales. Collaborators include Michael prophet, Macka B, Iration Steppas, Soom T,
Aba-Shanti and more.

The third vinyl EP from Vision Collective Recordings based in Cork City Ireland contains
four new tracks by four different artists/producers covering various styles within the deep
house, electronic music & house music spectrum

Rinse France branches out with a brand new label of its own and who better to inaugurate it than Paris-based Beatrice M. The producer makes a knowing nod to dubstep's golden era on this debut with the first version of 'Magic.' It is built on steppy rhythms with seriously wobbling basslines that are all-consuming. Glitchy effects and shimmering synths finish it in style and leave you dreaming of dubstep dances gone by. The B-side is a Techno Mix that reimagines the original with a driving four-on-the-floor rhythm and plenty of richly atmospheric pads.

"Something Soft", das zweite Album der irischen Post-Punk-Brandstifter M(h)aol, ist alles andere als soft. Von der ersten Note des Eröffnungsstücks von "Something Soft" bis zu den verzerrten Schreien des letzten Stücks fühlt sich die Platte antagonistisch gegenüber dem Konzept der Sanftheit an, klanglich und thematisch. Es ist eine unapologetische Annäherung an intersektionellen Feminismus, Tierschutz, Konsum und den Kampf um einen Platz in einer Welt, der es an Empathie mangelt. Was M(h)aol bietet, ist Katharsis in zwei Formen: die Art, die man bekommt, wenn man anderen gegenüber offen ist, und die Art, die man bekommt, wenn man mit Recht etwas kaputt macht. Wut und Empathie effektiv zu kanalisieren ist ein Akt der Widerstandsfähigkeit, und um "Something Soft" zu machen, mussten M(h)aol besonders widerstandsfähig werden. Nach ihrem gefeierten Debüt "Attachment Styles" änderte sich das Line-up von M(h)aol und bestand nun aus dem Kerntrio Constance Keane (Schlagzeug/Gesang, sie/ihr), Jamie Hyland (Bass/Gesang, sie/ihr) und Sean Nolan (Gitarre, er/ihm). Dieser Prozess veränderte die Herangehensweise der Band an das Songwriting und die Auftritte und führte zu einem unerwarteten Durchbruch. "Something Soft" zeichnet sich durch einen dringlicheren Sound aus, der sich eng um den Rhythmus von Hyland und Keane legt. In Songs wie "Pursuit" und "Snare" verbindet sich Keanes Gesang mit dem Schlagzeug, als würden ihre Worte durch ihr Spiel zum Leben erweckt und direkt aus ihrem Körper kommen. Vor dem Hintergrund dieser ängstlichen und schwadronierenden Tracks nimmt ihre Stimme den Raum eines inneren Monologs ein, in dem sie von einem angespannten Heimweg und von der Misogynie im Green Room aus einer Position der drolligen Beobachtung heraus erzählt - eine universelle Erfahrung, die in spezifischen Details wiedergegeben wird. Wie seine Vorgänger "Attachment Styles" und die "Gender Studies" EP wurde auch "Something Soft" von Jamie Hyland aufgenommen. Es ist die technisch ausgefeilteste der bisherigen M(h)aol-Aufnahmen, denn die Band, zu der auch Sarah Deegan vom Pixie Cut Rhythm Orchestra am Bass gehört, zog in das Dubliner Ailfionn Studio, wo sie die räumlichen Gegebenheiten und das Studio-Equipment nutzten, um ihrem Sound mehr Nuancen zu verleihen. Die zusätzlichen Sessions und das Können hinter den Reglern waren ein Segen, aber für eine Band, die es gewohnt ist, unter extremem Zeitdruck zu arbeiten, war dies eine unerwartete Herausforderung: Konnten M(h)aol das Gefühl der Unmittelbarkeit beibehalten, das ihre Musik bis zu diesem Zeitpunkt geprägt hatte? Songs wie "DM:AM" zerstreuten diese Sorge schnell, indem sie innerhalb von 20 Minuten aus einem Drone entstanden, den Nolan spielte, während Hyland ihr Aufnahme-Equipment aufbaute und sich beeilte, den Song einzufangen, sobald Keane und Deegan dazukamen. Eine der geisterhaften Hymnen von "Something Soft", "1800-Call-Me-Back", begann als Scherz, dass die Band einen Fußballgesang schreiben sollte, wurde aber weitaus komplexer - die köstliche Balance aus Chaos und Klarheit, die sie gefunden haben, wäre ohne Zeit unmöglich gewesen. "I Miss My Dog" ist weniger spontan, aber seine Meditation über Trauer baut sich in einem halsbrecherischen Tempo auf, von Rückkopplungen über Keanes Schlagzeugspiel und Gesang bis hin zu einem spektakulären Schluss, der die Trauer in Bass und Gitarre erstickt, eine der größten technischen Leistungen von M(h)aol bis heute. Der Feinschliff unterstreicht den schelmischen Charme von M(h)aol und lässt das Intime hymnisch wirken, indem persönliche Erfahrungen genutzt werden, um die allgemeinen Systeme, unter denen wir leben, zu beschreiben. Für diejenigen, die sich in den Songs von M(h)aol wiedererkennen, ist das Hören von "Something Soft" wie ein Sprung in einen lang laufenden Chat-Thread, voller Wut und Humor.

"Songs To Fan The Flames Of Discontent" was first released in 1996 and catapulted the band Refused from Umea in northern Sweden into the hardcore punk premier league. The Scandinavians, who were known for their hard, uncompromising sound, provocative performances and irreverent lyrics, followed the album with extensive tours all over the world, for example with Kristofer Aström"s Fireside, Madball and Entombed.

"Songs To Fan The Flames Of Discontent" was first released in 1996 and catapulted the band Refused from Umea in northern Sweden into the hardcore punk premier league. The Scandinavians, who were known for their hard, uncompromising sound, provocative performances and irreverent lyrics, followed the album with extensive tours all over the world, for example with Kristofer Aström"s Fireside, Madball and Entombed.

"PRECIOUS" was a massive stand out track on 2024's STIMULATOR TRACKS VOL 1 & here it gets a 7" edition with the irresistible instrumental on the flip. Supreme deep house, balearic R&B that just nails the modern interpretation of the 80's where house & R&B were still the same thing. Think LARRY HEARD.

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl is a stop-motion animated Netflix film released in 2024. It was directed by Nick Park, creator of Wallace & Gromit,

and met with critical acclaim. The movie received two BAFTA awards and was also nominated for an Academy Award.

The music was of the film was composed by Emmy nominated composer Lorne Balfe (known for his work on The Dark Knight, Iron Man, The Lego Batman Movie and

Sherlock Holmes) and by BAFTA-nominated composer Julian Nott (known for his previous work on Wallace & Gromit).

Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl is available as a limited edition of 750 numbered copies on orange

coloured vinyl and includes a 4-page booklet with an exclusive drawing by director and creator Nick Park.

Three LPs packed in a trifold jacket. Pressed on Deep Ocean Pearl, Gold & Dark Green Vinyl. Take up your sword, channel your magic or board your Mech. Chained Echoes is a 16-bit style RPG set in a fantasy world where dragons are as common as piloted mechanical suits. The game is set on the continent of Valandis during the time of a multi-generational war between three kingdoms, Taryn, Gravos and Escanya. After a great catastrophe caused by Grand Grimoire shakes the continent, the kingdoms agree to sign a peace treaty. One year later, an unknown force strives to begin a new war. A group of unlikely heroes joins forces and eventually becomes the clan of Crimson Wings in order to stop it. The outstanding soundtrack for Chained Echoes was passionately composed, arranged and recorded over four years by Eddie Marianukroh as well as many other musicians who worked under his direction. It includes 50 tracks at two hours in length. Even the game has been out for a while, Marianukroh's admiration and enthusiasm for the game and his addition to it remain undiminished: "It has been over two years now since the release of Chained Echoes, which is rather difficult for me to believe. Time really flies, and it's honestly a bit frightening when I think about it. But, despite that, when I listen to the music I've written for this game, I still very much remain proud of what I composed. I really did give my all for this soundtrack. I will forever be grateful to Matthias for trusting me with the music for his game. I can vividly remember how I felt when I first came across his project, and how I nervously reached out to him about the composer position. I truly, truly cannot thank him enough for giving me this memorable experience that I will always hold dear. Thank you, my friend."

Ein großartiges Album des baskischen Musikpioniers Fermin Muguruza, ehemals Mitglied der großartigen Bands Negu Gorriak und Kortatu, das ursprünglich im Jahr 2001 erschien.Fermin Muguruza hat auf diesem Album einen Schritt in Richtung der Musik seines guten Freundes Manu Chao gemacht, und das zahlt sich aus mit einem Stil, der den Geschmack von Manus Musik teilt, aber dennoch eigenständig bleibt und Groove, Spannung und vor allem Intelligenz bietet. Reggae/Ragga/Dub und mehr, mit einem fast Ska-artigen Touch. Die Texte sind alle in der historischen baskischen Sprache Euskera, der ältesten in Europa, mit hilfreichen Übersetzungen in Französisch, Englisch und Spanisch. Die Feuilletonisten Tageszeitungen schwadronierten ausgesprochen gern vom "Soundtrack der Globalisierungsgegner", als Manu Chao mit seinem zweiten Solo-Album tourte. Eine bedauerliche Verkürzung der Tatsachen, wie nicht nur Manu Chao selbst immer wieder betonte, der den revolutionären Drive schon Mitte der 90er-Jahre für seine Band Mano Negra und sich erkannte, dass auch der dringlichste Aufruf zur Revolte seine Kraft verliert, wenn man ihn zu oft wiederholt. Eine ganz andere Schule vertritt da der Überzeugungs-Baske und tatsächliche Globalisierungsgegner Fermin Muguruza: Er wird nicht müde, gegen die imperiale Politik der weltweiten Konzerngiganten zu wettern, das Fernsehen als Instrument der Desinformation zu geißeln und an die gewalttätig-militaristischen Seiten der amerikanischen Außenpolitik zu erinnern. Dort wo Manu Chao seine Songs als Klangpostkarten von seinen musikalischen Weltumrundungen verschickt, schreibt Fermin Muguruza herbe Kampfprosa in politischen Pamphleten.

NEKRODEUS wurde 2013 gegründet und begann mit einem Demo irgendwo zwischen Death Metal und Sludgecore. Die Band und ihre Musik haben sich über die Jahre ihrer Bandgeschichte immer weiter entwickelt. Die äußerst kreative Band befindet sich nun auf ihrem aktuellen künstlerischen Höhepunkt und verbindet gekonnt Musikgenres wie Black Metal, HC Punk, Death Metal und Grindcore. Sie blicken auf zwei Alben (,Moloch", ,Asbest"), eine EP (,Putrid Scent of Grave Perversion") und das Demo zurück, mit dem sie gestartet sind. In ihren gesellschaftskritischen Texten wird schnell klar, dass die vierköpfige Band etwas zu sagen hat. Die Band, bestehend aus Sebastian Lackner (Gitarre - auch Live-Mitglied von ELLENDE), Stefan Rindler (Gesang), Paul Färber (Schlagzeug - auch KARG & Live-Mitglied von ELLENDE und HARAKIRI FOR THE SKY) und Lukas Benedicic am Bass kann es kaum erwarten, euch musikalisch den Tag zu versüßen. ,Ruaß" ist ein sich wandelndes Fest des knusprigen Black Metal Punk, eine Kost aus roher Gewalt und stimmungsvoller Atmosphäre, die den Nerv zwischen deinem Reptilienhirn und deiner emotionalen Intelligenz kratzt, während sie mit ihren eigenen grobkantigen Zähnen zurückbeißt.

"Horrorísimo!!": Tanzbarer Albtraum mit Augenzwinkern von der Band Nasty Neighbours (Argentinien/Deutschland). Mit Surf-Vibes und spooky Melodien sowie einer gehörigen Portion ironischem Horror-Charme haben die Nasty Neighbours ein Album geschaffen, das zwischen B-MovieÄsthetik, Pop-Punk und Indie-Rock hin- und herflackert. "Horrorísimo!" umfasst ein Intro und zehn kraftvolle Tracks, die die raue Ungeschliffenheit des Punkrocks mit melodischen Hooks und eingängigen Refrains vereinen.

Who better than American producer Bosq to put his spin on Konkolo Orchestra's hit track 'Le Secret' from their debut album? Now based in Colombia, Bosq infuses the Afrobeat anthem with a fresh, club-ready energy, blending infectious Afro rhythms with pulsating dance beats. On the B-side, listeners will find the instrumental mix, which emphasizes the track's intricate percussion and irresistible grooves, perfect for DJs and vinyl enthusiasts. This release puts a contemporary spin on Afrobeat and is sure to set any dancefloor ablaze.

Das Jahr 2025 ist für das norwegisch-irische Duo Secret Garden von größter Bedeutung, denn es markiert den 30. Jahrestag ihrer Debütsingle, ihres Debütalbums und ihres Eurovisionssiegs im Jahr 1995. Songs From A Secret Garden (Remastered 30th Anniversary Edition)“ wird am 16. Mai 2025 digital und als limitierte physische Version veröffentlicht. Dazu gehören eine limitierte Auflage und erstmals eine schwarze Standard-Vinyl und eine spezielle Jewelcase-CD. Rolf Løvland und Fionnuala Sherry freuen sich darauf, alte und neue Fans einzuladen, die Magie ihrer zeitlosen Musik im Jahr 2025 erneut zu erleben, einem Jahr, das einen Meilenstein in der außergewöhnlichen Karriere des Duos markiert.

"Amazing! Like stumbling on a treasure-trove of unheard Charlie Patton and Blind Willie McTell 78s, but imbued with the spirit of Mahlathini and Ladysmith." Joe Boyd

'But for this compilation of rescued songs masterfully restored from rare 78 rpm shellacs, few could imagine the diversely beautiful roots of Zulu Guitar Music emerging during the period 1950 – 1965. Story-tellers and master musicians appropriate outlaw personae, re-purpose country and western, Hawaiian and other styles, to stretch and challenge our notion of “the Zulu guitar”.

Twenty-five songs (18 on vinyl) plunge us into the depths of the migrant experience. Translations in the liner notes offer us glimpses of pugnacity, melancholy and heartache, all coloured by the paternalism that circumscribed the singers’ apartheid-dominated lives.

The early *mbaqanga* undertow in many of the songs subverts the wanderlust of Country and Western music into a fugitivity burdened by nostalgia. Something irretrievable has been lost, prompting a blending of ideas and cultures to make sense through thankless acts of musical divination. Inadvertently they have been thrust into the role of the antihero, where outwitting competition for lovers is as important as evading the Black Jacks (apartheid’s municipal cops) and their informants.

Considering the politically repressive period that this music emerges from, we can surmise that the specificity in the storytelling went a long way towards evading censure. But even when words are absent, there is a narrative arc suggested by the musical expression.

With most of the master tapes wilfully destroyed or lost, modern transcription and restoration techniques from the original shellac discs present the original sound most likely more clearly than ever heard before.'

Produced for reissue by Chris Albertyn and Matt Temple at Matsuli Music and Siemon Allen at Flatinternational.
Artwork design by Siemon Allen.
Liner note and translations by Kwanele Sosibo.
Audio restoration and lacquers by Frank Merritt at The Carvery and pressed at Pallas, Germany.
Original 78rpm recordings sourced from the collections of Chris Albertyn at Matsuli Music, and Siemon Allen at the Flatinternational Archive.

60’s pop, 70’s junkshop glam and the best of catchy punk from Ramones to Jay Reatard come together in one irresistible power pop package. “Hangin’ Out” and “Sticker Song” both deal with some of the most basic aspects of the rockers' everyday life: standing around on corners, listening to Sheena on the radio, playing pinball and crate digging while avoiding local enemies. Hooks for days and absolutely relentless playing make sure this lands firmly in the thrilling-rather-than-tired camp for anyone who has ever loved catchy fast music.
In this light “Terry” is an obvious choice for a more DIY-oriented makeover that fully retains the originals sense of up-yours fun while upping the tempo and infusing it with vocal harmonies that are more New York Dolls than high gloss and giving the guitar solo a punked-up Thin Lizzy treatment.

Coming from Northern Ireland, Domhain is a new band brought by four
experienced musicians from the Irish metal scene
With their emotional mix of post black, blackgaze and atmospheric black metal,
featuring omnipresent vocal harmonies and cello (featuring guest Jo Quail),
Domhain's debut EP "Nimue" is a work of mythical and ethereal beauty.

In "Horror Vacui", Paris-based, Iran-born 9T Antiope use a sparse palette of octave mandolin, violin and octave violin, synthesizer and vocals, to build a dynamic world that seems to exist outside of the bounds of time and place. Cinematic, spare, heavy, gossamer, and informed by the band’s work as sound designers and composers for theatre, film and performance art, Horror Vacui is a concept album that explores what sounds have been, what they’ll become, and the nature of memory, dementia and decay. As 9T Antiope attempt to reconcile different worlds, they create the sound of arriving in a new world all your own.

Classic RootsReggae is the definitive influence on the music of Vibronics .. so it has been a true labour of love to bring together the powerful voice of Jospeh Lalibela, the intricate playing of the Mafia & Fluxy Band and the deep production skills of Vibronics to make this homage to classic Jamaican Roots Dub Reggae music.
The LP is a fine body of work with full production featuring live bass, drums, horns, guitars & flutes as well as up to the minute studio trickery to produce an album that is rooted in reggae history but sounds relevant right now.
5 vocals and 5 dubs - this album is original showcase style !
Vibronics is one of the most established names in UK Dub/Reggae music achieving millions of views on YouTube, millions of Spotify streams and many tens of thousands of vinyl record sales. Collaborators include Michael prophet, Macka B, Iration Steppas, Soom T, Aba-Shanti and more.
Joseph Lalibela is a Birmingham born UK vocalist who found fame through his work with OBF & King Earthquake
Mafia & Fluxy are the UK’s leading Reggae riddim section and recording artists working with Eek-A-Mouse, Jah Shaka, Luciano and the cream of worldwide Reggae artists.

Infinity Division is the alias of electronic producer Ash Luk. Best known for his innovative blend of euphoric melodies, scattered breakbeats and gabber infused rhythmic chaos drawn from his relentless live performances, Ash’s newest offering, debut album SATISFACTION (which also marks the launch of his label, SOFTCORE UNLTD.), explores his relationship with all things anthemic.

Featuring artwork from Spyros Rennt, the thirteen track album traverses a diverse array of sonic landscapes. Spanning doomy post-rave and trance-driven metal to breakbeat-infused industrial pop, the album is united by a genre-defying exploration of the elusive essence of anthemic sound.

Venturing beyond the safety of machines, Ash steps to the forefront with his vocals on Seven Demons and Like Heaven, while From Evil, Weather Prophets, and Satisfaction feature vocal contributions from Zastar of Violent Magic Orchestra, Coy Mistress, and Nova Bruise, enriching the album’s diverse soundscapes.

In addition to his work with Infinity Division, Ash is one half of the doom electronic live duo S.A.T.I.N. alongside Ireen Amnes and is possibly best known for his work in Minimal Violence, a project known for their raw, hardware, punk influenced live performances. Releasing on well known labels such as Tresor and Technicolour / Ninja Tune. Their work was characterized by a DIY ethos and an emphasis on analog equipment, allowing for a direct and visceral approach to production. Now, with Infinity Division, Ash continues to build on a body of work that explores the space between genres, combining an attention to detail through carefully constructed sound design with the spontaneity and raw energy of his live performances. SATISFACTION sets the stage for the next phase of Infinity Division, showcasing a collection of tracks that draw from the essence of the past while reaching out toward a mirage of the future.

'Trá Pháidín are an Irish nine piece collective from Conamara, Galway, a wild coastal region of West Ireland where Gaeilge remains the first language. The group are currently lighting up Ireland's underground with their joyful noise, a unique and unpredictable blend of traditional Irish folk, post-rock, jazz, and Dadaist absurdity. The glorious album An 424 takes us on a psychogeographical journey along the 424 bus route which follows this remote stretch of coastline, introducing us to the landscapes and the characters who depend on the buses. Expect wild improvisational flights filled with brass, woodwinds, harp and fiddles alongside relentless grooves.

Here's what the band themselves have to say about the album:

Psychogeography is a funny aul term......the effect geography and landscape of a certain area has on the psychology, identity and nature of the local people...........I suppose

Notoriously, Conamara is famous place for psychogeoraphy due to the work of the great Tom Robinson. He walked every coastline in every area contemplating the geography, culture, history, Gaelic language, English language and folklore of the area while he was drawing it's best map with great depth and detail.

Right, so I've given context, a few buzzwords and some interesting names, now it's time for the absurd stuff....

"Bóthar Chois Fharraige" (the R336 and whatever anglicized name they call it) is well known by everyone in the South Conamara Gaeltacht (Gaeltacht is an area where Irish/Gaeilge is the dominant language, there aren't many because we were colonized by the British and our government doesn't care about its own language). The people of Conamara travel this road almost every day by car, by bike, on Peadar Óg's buses or of course, through the medium of the 424 (the bus service provided by Bus Éireann, Ireland's public-private bus company). From Bearna to Carna (maybe sometimes a detour in Casla going as far back as an Cheathrú Rua and/or Leitir Mealláin)

Every passenger is well versed of gorgeous views of the landscape that is on offer on this journey. Included are Cuan na Gaillimhe/Galway Bay, An Bhoirinn/the Burren, na hOileáin Árann/the Arann Islands,Aillte an Mhothair/the Cliffs of Moher, Portach Mhaigh Cuilinn/the bogs of Maigh Cuilinn, Bóthar Loch an Iolra/Eagle lake road, Cuan Casla/Casla Harbour, Cuan an Fhir Mhóir/Greatman's Bay, Cnoc Mordáin/Mordáin hill, Sléibhte Mhám Toirc/the Maamturk Mountains and Na Beanna Beola/the twelve pins. Passengers would also be well used the unique character of the bus. Depending on the day, you will get a unique perspective of the "complicated identity" of the Gaels as the bus travels from the Gaeltacht into anglophone Ireland, or maybe going the other way.

This is a topic you could write a PhD about (and maybe someone already has). But, if you are someone who grew up or lives in this region, you have a particular understanding at this stage of how complicated Gaelic psyche is and the kind of spectrum of identity along bóthar Choise Fharraige. With the landscape in mind, this bus journey is a great meditation of the various topics of life.

‘Bhfuil tionchar ag an mbus ar nádúr na ndaoine?
Nó an bhfuil tionchar ag na daoine ar nádúr an bhus?'

'Does the bus effect the nature of the people?
Or do the people affect the nature of the bus?'

Le gach dea-ghuí,
TP.

(translated from Gaeilge by Peadar-Tom Mercier)'

Follow up to the debut 12" EP that was pressed, sold out, repressed, sold out, and pressed again.
They're currently mastering their debut album (recorded by Sam from Pigsx7), it's due in the Autumn on Wrong Speed.
To keep the merch table hasslers happy WSR have pressed this super limited 7", with two cover versions on the B-Side.
In the last 12 months the band have been named One's To Watch by BBC Introducing, had numerous Radio One plays, had a live 6Music Session for Riley + Coe, and have shared stages with Benefits, Big Joanie, Swami John Reis, House Of All, Uranium Club, and more.
The next 12 months for IRKED are gonna be big

Mit seinem ersten Full Length Album "Ruinenkampf" begibt sich Das Kinn auf einen musikalischen Parforceritt durch die Ruinen unserer Zeit. Mittels Kickbox Phonetik und Elektronik Armada führt es uns durch eindringliche Klanglandschaften irgendwo zwischen DAF, den Kosmischen Kurieren und Frankfurter Bahnhofsviertel. Beats auf Anschlag. Knochen klappern. Die Orgel leiert. Warme Synthlines, gespielt von kalten Händen. Ein Saxophon sinniert über das Danach. Hymnen für den Abriss. Musik zum feierlichen Untergang. Toben Piel geht gern auf Friedhöfe. Orte der Ruhe und Idylle. Abstand finden, Vergänglichkeit erahnen. Das Danach als konkreten Ort erkunden. Auch sein Debut-Album "Ruinenkampf" stammt aus diesem Mindset. Dort geht er in Distanz, um dann mit Anlauf auf den Punkt zu kommen. Nach Ruhe und Idylle klingt das nicht. Kassettenszene, 80er Jahre, Stakkatogesang, Synths zwischen DAF und den Kosmischen Kurieren. Ästhetik des Untergrunds. Reißende Melodieströme, Raffinesse, unentwegt pendelnd zwischen Hymne und Abriss. Dieser krasse, erhobene Kraftgesang. Acht Stücke Zuhören, ohne eine Sekunde des Abdriftens. Wie geht das? Wie erschafft man so etwas? Nun, der Mit-40er aus FFM, jung geblieben und hungrig, hat eben gut gelernt: Bei Antitainment (2005-2010), danach zusammen mit der großen Charlotte Simon bei les trucs, im Kontext seines Kassettenlabels MMODEMM, aber auch als Musiker für diverse Theaterbühnen. Zum ersten Mal hat er mit DAS KINN nun das Gefühl, Musik im Sinne einer Selbstbefreiung hervorgebracht zu haben. Vielleicht liegt das am Alter. Da, wo er zuvor oft verkopfte, die Kontrolle suchte, Dinge zerdachte, nicht aufhören konnte im Sinne eines Perfektionismus, hat er sich diesmal ein loses Konzept grundiert, um dieser Selbsterkenntnis entgegenzutreten: Schnelligkeit. Fokus. Abschluss, Absprung. Nicht in Abwertung seines bisherigen Werkes - sondern vielmehr im Sinne einer Geistesgegenwärtigkeit, diese Erfahrungen walten zu lassen, ohne sich ihrer bewusst zu sein. Es ist ihm äußerst gut gelungen!

Mit seinem Debütalbum „maybe it’s fine.“ setzt Moncrieff einen Höhepunkt seiner zehnjährigen musikalischen Reise. In den 12 Songs spiegelt der irische Künstler seine Entwicklung wider – vom Teenager, der den Verlust seiner Geschwister verarbeitete, bis hin zum gefeierten Musiker von heute.

„Es war schwer, diese Reise in nur zwölf Songs zu fassen“, sagt Moncrieff. „Aber dieses Album erzählt von meinem Wachstum: Woher ich komme, wo ich bin und wohin ich gehe.“

Wer die 2022 erschienene Single „Warm“ liebt, wird die Emotionen in „Somebody’s Baby“, „Float“ und „Drive“ wiederfinden. Doch auch neue Seiten zeigt Moncrieff in „Hard Feelings“, dem Popsong „Shangri-La“ und dem R&B-Track „High For Free“, der an Joni Mitchell erinnert. Ein Album, das persönliche Geschichten auf einzigartige Weise erzählt.

Goed nieuws voor punkfans en nostalgische herrieschoppers: BLPRecords brengt de eerste twee LP's van Belgian Asociality opnieuw uit! De legendarische albums 'Belgian Asociality' (1989) met nummers als Boederie, Miep Miep en Keerbergen en 'Astamblief' (1991, met klassiekers als Bompa Punk, Jupiler Reggae en Stagedive zijn opnieuw verkrijgbaar op vinyl, allebei in een beperkte oplage van 500 exemplaren op gekleurd vinyl.

Gewapend met snedige teksten, genadeloze riffs en een onmiskenbaar Belgisch gevoel voor absurdisme, groeide Belgian Asociality uit tot een van de meest iconische en eigenzinnige punkbands van het land. Met hun unieke mix van punk, hardcore en maatschappijkritische humor schopte de meest asociale punkband van Belgë vanaf eind jaren '80 keihard tegen de schenen van de muziekscene. De groep onstond in 1988 in Mechelen en Keerbergen en is tot op heden een band met een stevige live-reputatie. Belgian Asociality is nog steeds zien op de Belgische concert - en festivalpodia.

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen, vulgo DLDGG, 2012 aus den Ruinen der verblichenen Superpunk entstanden, bestechen auf ihren nun sieben regulären Alben (+einer Best Of) mit ihrer Version von Popmusik an der sie mit einer erfrischenden Sturheit festhalten. Beherzt setzen sie sich seitdem zwischen alle Stühle. Beseelt von der Idee des ursprünglichen Punk (Man muss kein Virtuose sein um tolle Musik zu machen), veröffentlichen sie seit Jahren großartige Popsongs, stark beeinflusst von den drei großen "M"s (Madness, Motown, Modern Lovers). Mit einer herzerfrischenden Kompromisslosigkeit Umarmen und Zementieren sie ihren Außenseiterstatus gleichermaßen. Auf Anbiederung an den Zeitgeist zwecks Erfolgsmaximierung haben sie entweder keine Lust oder, was auch sein kann, da haben sie einfach noch nicht drüber nachgedacht. Ziel der Liga war und ist es immer, dass jeder Albumtrack auch eine Single sein kann. Auf "Egg Benedict" haben sie es eigentlich geschafft. Erfrischend weit weg ist DLDGG vom zeitgenössischem Staatstheater- und Feuilletonrock welcher hierzulande so beliebt ist. Immer wenn ein neues Liga-Album erscheint ist es so, als würde in einer etwas vermufften Wohnung am ersten warmen Frühlingstag das Fenster geöffnet werden und eine herrlich leichte Brise weht herein. Toll, dass es sie gibt!

Die Liga der gewöhnlichen Gentlemen, vulgo DLDGG, 2012 aus den Ruinen der verblichenen Superpunk entstanden, bestechen auf ihren nun sieben regulären Alben (+einer Best Of) mit ihrer Version von Popmusik an der sie mit einer erfrischenden Sturheit festhalten. Beherzt setzen sie sich seitdem zwischen alle Stühle. Beseelt von der Idee des ursprünglichen Punk (Man muss kein Virtuose sein um tolle Musik zu machen), veröffentlichen sie seit Jahren großartige Popsongs, stark beeinflusst von den drei großen "M"s (Madness, Motown, Modern Lovers). Mit einer herzerfrischenden Kompromisslosigkeit Umarmen und Zementieren sie ihren Außenseiterstatus gleichermaßen. Auf Anbiederung an den Zeitgeist zwecks Erfolgsmaximierung haben sie entweder keine Lust oder, was auch sein kann, da haben sie einfach noch nicht drüber nachgedacht. Ziel der Liga war und ist es immer, dass jeder Albumtrack auch eine Single sein kann. Auf "Egg Benedict" haben sie es eigentlich geschafft. Erfrischend weit weg ist DLDGG vom zeitgenössischem Staatstheater- und Feuilletonrock welcher hierzulande so beliebt ist. Immer wenn ein neues Liga-Album erscheint ist es so, als würde in einer etwas vermufften Wohnung am ersten warmen Frühlingstag das Fenster geöffnet werden und eine herrlich leichte Brise weht herein. Toll, dass es sie gibt!

Kavrila sind zurück - kompromisslos und ungefiltert. "Heretics I", der erste Teil einer neuen EP-Trilogie, entstand spontan und ohne nachträgliche Bearbeitung. Vier Tracks, direkt auf Tascam aufgenommen, roh und ungeschönt, verleiht dieser direkte Sound der EP ihre ungezügelte Intensität. Zudem gibt es in der physischen Version - neben Intro und Outro - als Bonus einen weiteren Track aus den "Mor"-Sessions. Die Band setzt bewusst auf analoge Direktheit und eine rohe, ungeschönte Ästhetik. Während Drums und Bass live eingespielt wurden, fügte Gitarrist Andreas seine Parts später hinzu, ohne den Charakter des Albums zu verwässern. Gemischt und gemastert wurde "Heretics I" von Hauke Albrecht im Studio Altona in Hamburg - ein kompromissloses Statement echter, ungefilterter Intensität.

Berlin-based French-Irish multimedia artist Zoe Mc Pherson levels up on their third full-length "Pitch Blender", mangling years of experience DJing and performing live into a tight set of cybernetic soundsystem experiments that flicker between the rave and the art space.

Cast your mind back to February 2020 for a moment, when Mc Pherson released their last album "States of Fugue". The world seemed less tangled somehow, and yet Mc Pherson's precision-engineered fusion of exploratory sound design and visceral club pressure seemed to hint at a cataclysmic event none of us were really expecting. Only a few weeks after its release the world changed forever, and the majority of us were grounded - forced to consider our lives and the movement (or lack thereof) surrounding us. The philosophy of this extended time period is welded into the bones of "Pitch Blender", Mc Pherson's supple third album. They have learned plenty in the last two years, and infuse all of that anxiety and spiky emotionality into a spread of tracks that sound as powerful in headphones as they do over a well-tweaked soundsystem, soldering vocals, environmental recordings and instrumental flourishes to unpredictably pneumatic, cybernetic beats.

Anyone that's caught one of Mc Pherson's energetic live performances over the last few months will have an idea of what "Pitch Blender" is made of. They're an artist who's somehow able to match the raw energy of post-punk and no-wave music with the brain-altering potential of the best experimental club tracks, vocalizing an incongruous post-lockdown reality over beats that sound as if they're in a permanent state of flux. 'On Fire' splutters to life in a frenetic patter of drums that blur into oddly soothing hoover sounds, snaking lysergically towards a drop that's teased constantly, and never comes. We're forced to wait until 'The Spark' for that, fighting through choppy, pitch-mangled guitar and rolling beats until a gruesome kick drum forces its way through the psilocybin mists and heaving Bristol-inspired bass clonks. Backed up with just the inverted traces of recognizable breaks, this vigorous pulse lies at the heart of "Pitch Blender", the driving force that powers Mc Pherson's sound even when it's only hinted at.

'Blender' is the moment where Mc Pherson show their full hand, using crackling sound effects, ghost vocals and uneven rhythms to build a textural landscape that's so evocative you can almost taste it. Squealing modular synth effects sound like gameshow buzzers being triggered in another dimension and propel the track forward - it's club music, just about, but Mc Pherson's motivation is world-building, and their world is colorful, abstract, and dizzyingly surreal. "Obsolete user," their voice echoes over driving airlock kicks. But they take a swift left turn with 'Lamella', reducing the kinetic club rhythms to a longing simmer and letting loose with powerful vocals, intoning with robotic, gender-fluxed intensity. On 'Wait', New York City's clacking crosswalk signal - already an effective club track on its own - is transformed into a reminder to slow down, juxtaposed with booming sub-heavy kicks, acidic synths and effervescent percussion that rattles in time with the vibrations. It's foley rave, built for pure psychedelic intensity to blur the line between real life and sonic fiction.

One of the album's most galvanic tracks, 'Power Dynamics' curves a double-time rhythm around breathless HQ sound design squiggles until it hits a polyrhythmic crescendo, striking a queasy balance between rave hedonism and ritualistic hand drum energy. It all builds towards eerie closing track 'Outside' that acts as an important wind down, spotlighting Mc Pherson's ability to operate outside of the rhythmic spectrum, using cinematic scrapes and flickering neon synths to create music that's tense but never terrifying. The track feels like the end credits of a particularly bewildering movie - something between the cyberpunk dystopia of "Ghost in the Shell" and the vivid, sky-scraping beauty of "Koyaanisqatsi". Mc Pherson has managed something special with "Pitch Blender": mashing together genres with rare focus, and sharpening their engineering skills to a fine point, they've concocted an antidote to contemporary malaise - a wakeup call that's begging us to loosen our limbs and move.

En pakt med naturen is Tusmorke's first ever live album, recorded live at Oslo's biggest independent record store Big Dipper, as part of their 25th anniversary celebration last October. "We knew we had to do something special with Tusmorke. Benediktator and Krizla have since the early 2000s been building their record collections and releasing their own music simultaneously. We like to think the records we sold them in our store somewhat influenced their musical output, at least we know that the albums they released had a huge impact on us!" (Andreas Leine Jakobsen, Gerenal Manager, Big Dipper Musikk & Hi-Fi "Is this Folk Horror? Silly question, perhaps, but we need you to mutter certain phrases while listening: Bucoloc, acoustic, ancient, uncanny; acid, pagan, peasant, occult; wildness, wilderness, wildestness, Wicker Man. Ever since the start of Tusmorke, we've wanted to make an acoustic album. In Skien, Telemark in the 90s, we wanted to record in an ancient loghouse with an open hearth (årestue) in the local folk museum Brekkeparken. Years passed and line-ups changed. Then, when we supported Ved Buens Ende at Blå in the Autumn of 2021, we were joined by Åsa and Dauinghorn. They played some of the arrangements that we finally managed to record here, after several attempts to find a suitable time and place to make it happen. Again, time had passed and line-ups had changed, but the spirit of Folk Horror remained. We ask you to close your eyes and picture yourself in a windowless low dwelling, open to the sky through a hole in the roof. Acrid smoke curls upward and occasional sparks fly from the smoldering fire. Music wafts through the gloom in this serene scene of timeless primitivism. There is no electricity. There are no synthesizers. I won't even mention digital things, because they don't exist. There is only Folk Horror and you are in League with Nature." (Benediktator)

I’m Sad as Hell and I’m Not Going to Fake It Anymore is the best, sharpest, briefest, and fourth record from Paper Castles, the band fronted by Jericho, Vermont’s Paddy Reagan. In one way, it’s a simple and modest collection of nine fuzzy guitar-led pop songs. The title, a play on the iconic scene from Network (written by Paddy Chayefsky), can be clocked as nothing more than that at first glance, playful. But like the music behind it, Reagan thinks you can sit with the title if you want.

I'm Sad as Hell... was tracked by Benny Yurco (Michael Nau, Lily Seabird, Robber Robber) in a little over eight hours across two days, a testament to the quartet’s perfection of these songs on stage, and to Yurco’s comfortable Little Jamaica Recordings in Burlington.

Tompkins and Mangan lock into a wonderful foundation for Kitz’s lolling guitar lines on “Clean + Organized,” while on “Avalon,” the band sings harmony for the most ironic line in the waltz (“We don’t really want company”) before their instruments explode into technicolor. “Lying Here” showcases PC deftly navigating washed out verses and tight knit, twangy choruses, all in a tidy, under-three minute package.

Lyrically, Reagan is at his finest: playful and savage, biting and beautiful. Double entendres and clever wordplay abound—a line like “it's not the ideals but the high heels that’ll make you a man” from “Modern Myth” will make you wish John Prine was still around to hear it. On “Name Changer,” when Reagan sings “I’ll never change my name again / Got a real good handle and I don’t want to give it in,” what kind of “handle” is he referring to? I’d like to think Elvis Costello would smile at most lines in the Attractions rave-up “Content Creator.”

2CELLOS are back with their third album Celloverse, which returns to the sound and concept of their self-titled debut, building on Luka Sulic & Stjepan Hauser's unique ability to re-imagine current and classic rock and pop songs with their own extraordinary energy — blasting instrumental music off into a whole new Celloverse. The album includes audio recordings of their YouTube releases of "Thunderstruck" and "I Will Wait" as well as new takes on songs such as Avicii's "Wake Me Up," Iron Maiden's "The Trooper" and another Michael Jackson favourite "They Don't Care About Us." The title song is a 2CELLOS original, and to top it all off, there's an unforgettable guest collaboration with their good friend, Lang Lang on the Paul McCartney classic "Live and Let Die." Celloverse is available as a 10th anniversary edition of 1000 numbered copies on orange coloured vinyl and includes an insert.

Illusive Bristolian producer Claude Cooper returns with ‘Friendly Sounds Vol 1’; part psychedelic trip, part romping beat tape, part party. The album was inspired by the vinyl discoveries made from Cooper’s months of digging and cataloguing the bulging inventory of Bedminster’s Friendly Records record shop. Cooper fed these myriad captured sounds through the studio and then, blurring the lines between sampling and performance, arranged and embellished them with keyboards, drum machines, bass guitar and more, also co-opting BEAK> bassist Billy Fuller and esteemed composer Ben Salisbury to contribute.

With most of the tracks in and out within 90 seconds, the album is best enjoyed as a continuous course. Play side A, play the B, then flip it back and listen all over again. Stand out moments include tremulous cut ‘n’ paste jam ‘Jackie’, the moody string-laden ‘Rainbow Eternity’, funky sitar workout ‘Nerd Nork’, and atmospheric closer ‘Take Flight’. Sharing a similarly broad and experimental sound palette as the likes The Avalanches, Madlib, The Go Team, and Edan; ‘Friendly Sounds Vol 1’ is the soundtrack to a wild joyride down South Bristol’s North Street, foot on the gas, hand on the horn, LPs spilling from the boot.

Cooper’s irrepressible debut album ‘Myriad Sounds' (Jan ‘22) caught the attention of the UK's press and radio alike. Mojo's four star review described it as “Bristol’s beat scene backdrops late night jams”, Uncut enjoyed the "rugged psych-funk romp" and Louder than War declared "it’s vital and vibrant and exactly what we need to kick start the year”. Bonus round 'More Myriad Sounds' (Apr ‘23) added Brooklyn vocalist Brain Fog to the melange with a bounty of pyretic vocal performances. DJ Mag called it “A fierce, kaleidoscopic trip” while Bandcamp Daily said “This album of cross-genre influences is as likely to get it included in any number of best-of columns, with the theme of serious fun as their common element”. Called a "mysterious Bristol breaks scientist" by Lauren Laverne, BBC radio DJs including Cerys Matthews, Gideon Coe, Huw Stephens, Jamie Cullum, Stuart Maconie, and Tom Ravenscroft have rinsed Cooper’s tracks, with Huey Morgan inviting Cooper to contribute a Block Party Mix for his show.



‘Stay A While’, the first showing of Cooper’s new shop sampling stunners, was released on 7” in January ‘24. Lush string flourishes sliced with 6Ts girl-group vocals and rollicking piano chords resulted in a dreamy, end of night, lights up anthem in-the-making that The Arts Desk called “A horn-fired, beatsy, chop-around that recalls The Avalanches”. Releasing the album is Friendly Records, the best little record shop in Bristol and now a burgeoning record label. Opened by Tom Friend on North Street in 2016, it’s gone on to become a hub of the local musical community. As well as Claude Cooper, the label has released LPs by Alison Cotton, Floating World Pictures, Christian Madden & The Enemy Chorus, Nick Craft, as well as handling the War Child series of 7”s with BEAK>, Idles, J Dilla, PJ Harvey, Portishead, and Sleaford Mods + Hot Chip.



Claude Cooper will DJ at the one-day Friendly Festival on 10th May in aid of War Child, which will feature Sleaford Mods, Katy J Pearson, The 45s, Zalizo and DJ sets by Ishmael Ensemble, Heavenly Jukebox and Friendly Records DJs.

Die irische Musikerin Maria Somerville kündigt ihr zweites Album "Luster" für den 25. April an. Es ist zugleich ihr Debüt bei 4AD. Mit dem Announcement erscheint die Single "Garden". Der Track taucht ihre sirenenhaften Vocals in einen Sound aus schwirrendem Feedback, luftiger Percussion und nostalgischen Gitarren, der Erinnerungen an die klassische 4AD-Phase heraufbeschwört. Bereits im letzten Jahr war der hypnotische Shoegaze-Track "Projections" erschienen, mit dem Somerville eine erste Spur in Richtung des Sounds ihres kommenden Albums gelegt hatte. Somerville wuchs im ländlichen County Galway an der bergigen und rauen irischen Westküste auf. Sie zog später nach Dublin, wo sie an ihrem Signature-Sound arbeitete: atmosphärischem Dreampop, der von der Landschaft ihrer Jugend geprägt bleibt. Die ätherischen Gitarrenklänge, spärlichen Rhythmen und elektronischen Ambient-Sounds hielt sie erstmals auf dem 2019 selbst veröffentlichten Album "All My People" fest, einem Werk, das knietief in Nostalgie und Sehnsucht watet. Erst als sie nach Connemara zurückkehrte, in ein Haus nicht weit von dem, in dem sie aufwuchs - und von wo aus man einen der größten Seen des Landes, den Lough Corrib, überblicken konnte - begann Somerville mit der Arbeit an Musik, die schließlich zum neuen Album "Luster" werden sollte. Während ihr DIY-Debüt Erinnerungen und Melancholie in nebligen Slowcore hüllte, zeigen die zwölf neuen Tracks eine Künstlerin, die sich des Weges, den sie eingeschlagen hat, viel sicherer ist. "I can see more clearly than I could before. I know now what"s true for me", singt sie passend in "Trip". Gestärkt durch die neue, alte Umgebung und ermutigt durch ihre Community, entwickelte Somerville wieder kreative Energien. Der Boden erwies sich im wahrsten Sinne als fruchtbar, als sie in lockeren Wohnzimmer-Sessions erste Demos aufnahm, die später u. a. mit J. Colleran und Ian Lynch (Lankum) ausgearbeitet und schließlich vom New Yorker Engineer Gabriel Schuman (Oneohtrix Point Never, Princess Nokia, David Byrne) gemixt wurden. Eine gewisse Popularität erreichte Somerville auch durch ihre "Early Bird Show" auf NTS Radio, wo sie seit 2021 zwei Mal die Woche ein Morgenprogramm hostet, in dem sie Musik zwischen Shoegaze und traditionellem irischen Folk vorstellt. Im selben Jahr unterschrieb sie ihren Vertrag bei 4AD, wo sie bislang zwei Compilation-Beiträge veröffentlichte und mit ihren Labelmates Dry Cleaning auf Tour ging. 2025 wird sie mit Band Shows auf der ganzen Welt spielen, darunter auch Konzerte in Deutschland.