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Im Laufe der Jahre haben die legendären Helloween aus Hamburg einen unverwechselbaren Weg beschritten
und sich ihren Platz als frühe Pioniere des melodischen Power- und Speed-Metals verdient. Die Band
hinterließ mit den bahnbrechenden Alben Keeper of the Seven Keys Parts I und II einen bleibenden Eindruck
und kann heute eine genreprägende Diskografie vorweisen, die 16 Studioalben, vier Livealben, drei EPs und
30 Singles umfasst. Mit über 10 Millionen verkauften Platten und Bühnenauftritten mit Giganten wie
Iron Maiden, Scorpions und Ozzy Osbourne ist Helloweens Einfluss unbestreitbar und ihr bleibendes Erbe
gesichert. Um 40 Jahre dieser bemerkenswerten Reise zu feiern, hat die Band eine neue Kompilation
namens March of Time veröffentlicht, die ihren gesamten Backkatalog umfasst. Diese Sammlung mit
42 handverlesenen Titeln präsentiert die jahrzehntelange Arbeit der Band. Erhältlich als 5-LP-Boxset
mit farbigem Vinyl, Druck und Puzzle sowie als 3-CD-Set, wirft diese umfassende Veröffentlichung ein
bleibendes Licht auf die Karriere dieser einflussreichen Paten des Genres.

All Saints' iconic debut album All Saints is returning is now available on Black vinyl. This release brings forth the timeless allure of the British girl group's chart-topping hits, including the infectious rhythms of "Never Ever," the soulful harmonies of "Under the Bridge," and the irresistibly catchy "Bootie Call." Be prepared to be transported back to the late 1990s, where the signature blend of pop, R&B, and hip-hop captivated audiences worldwide.

In dem neuen Werk ''Shlimazl'' des Schweizer Komponisten Michael Wertmüller verschmelzen Sinfonieorchester und Big Band zu einem virtuosen, polymetrischen Organismus zusammen, der nicht nur Stile, sondern auch eine gefühlte Linearität der Zeit überwindet. Dabei knüpft er explizit an die reiche Tradition der Big Band an und belebt sie im sinfonischen Kontext unter neuen Vorzeichen wieder und lässt sie emporfahren. Alle Solisten agieren wie ein Bild im Bild der Big Band, die zwischen musikalischer Keimzelle, Ort der Konzentration und utopischem Freiraum oszilliert. Wertmüller beleuchtet die Doppeldeutigkeit des jiddischen Titels Shlimazl (dt.: Durcheinander) mit den strukturierenden Phrasen Mazely Shlimazl (dt.: Glück und Unordnung). Die stilistische Karombole und das Chaos der Polyphonie ohne Einheitlichkeit bergen nicht nur den überwältigenden Effekt der scheinbaren Unvereinbarkeit, sondern auch das Glück neuer Möglichkeiten des Miteinanders: aus der Kraft des Widerspruchs und der Reibung an irgendetwas, welches weder planbar noch vorstellbar ist. Ein Model, das in Zeiten zunehmender Unvereinbarkeit und Verhärtung die Vision eines konstruktiven Auswegs birgt. ''Shlimazl'' von Michael Wertmüller ist eine Auftragskomposition der Basel Sinfonietta und der Ruhrtriennale. Basel Sinfonietta & NDR Bigband Musical Director - Titus Engel Drums - Lucas Niggli E-guitar - Kalle Kalima

Midnight Vice ist eine NWOTHM-Band, die aus den Tiefen der Underground-Metal-Szene von Tampa, Florida, stammt. Ihr Sound ist eine Hommage an die Legenden der Metal-Ära der 1980er Jahre. Sie kombinieren krachende Riffs, hohen Gesang und feurige Gitarrensoli, um einen Sound zu kreieren, der sowohl vertraut als auch frisch ist. Die Band steht ganz im Zeichen von Denim und Leder, und ist stark von Bands wie Iron Maiden, Judas Priest, Savatage, Megadeth, Motörhead und vielen weiteren beeinfl usst. Midnight Vice kombinieren geschickt ein Gefühl von Traditions-Heavy Metal mit moderner Energie, die das Herz eines jeden eingefleischten Metal-Fans mit Sicherheit höher schlagen lassen wird

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

6 soulful house jams with hard hitting kicks, squelchy acid lines, lush keys and more soul than you can shake a stick at.

SUNAGA tatsuo (sunaga t'experience)
DJ and Music Producer. Basing his activities around his own club ‘Shibuya Organ Bar’, holds regular club nights throughout Japan. Apart from his own mix CDs such as the ‘Organ b. SUITE’ which many say is in a class of its own, has produced remixes for the ‘Soul Source 2: Jackson 5 Remix’ and Yasuharu Konishi’s ‘Punch the Monkey’. He began his own label ‘AFTERS OR’ in 1998,acting both as artist and producer. Releasing records under the alias of ‘Sunaga t experience’ on avex/cutting edge records, the ‘It’s you’ 12 inch made record sales of 7,000 records, an incredibly large number in the vinyl market. His name is known in Europe through such labels as IRMA and SCHEMA records, and has remained in the forefront of the industry since the beginning of the Tokyo club scene.

DJ Support: Erol Alkan, Kenneth Bager, Leo Mas, FFan, Sean Johnston (ALFOS), Max Essa, Coyote, Ban Ban Ton Ton, Chris Coco

Hell Yeah series File Under Balearic Gabba continues its mission to bring some vital, previously digital-only Balearic Gabba weaponry to vinyl for the first time. This second volume has artwork by Planet Luke and features Wallace next to new school stars SIRS and Pedro Bertho.

Tartan Records label head and British talent Wallace opens up with a remix of Sewell And The Gong's 'Better Words' that has been a real summer hit for label head Marco Gallerani.

The original came on Jason Boardman's fine Before I Die label and is one of those jams that transcends genre and wins over techno heads, Adriatic beach groovers and festival main stages alike. It is 'proper Balearic Gabba' says Marco with its tropical percussion, humid pads and watery droplets all adding lush atmosphere to the dubby drums. The chords and reedy leads are beautifully delicate but get floors in a blissed-out, loved-up trance.

SIRS is an artist on fire right now and already impressed on this label with his remix of Aura Safari which is one of the year's standout Balearic house jams. He has a new single on the way for Hell Yeah but first flips label mate My Friend Dario's 'Tellaro' into a wobbly, psyched-out dub disco and breakbeat chugger. The zippy synths and shimmering keys are underpinned with a taught bassline and playful vocals that bring great fun and irresistible party vibes to any set.

Hell Yeah mainstay Verdo then has his 'Boulevardier' remixed by Pedro Bertho, a rising talent from Brazil with a steamy South American style. This one is a modern beach classic that unites both young and old heads with its frayed analogue drums and snappy percussion joining the dots between 80s Chicago house, new age and Balearic with its big piano chords and phased bass all getting hands the air.

CELTIC THUNDER Greatest Hits showcases decades of wonderful Irish music! Irish favorites include “Heartland," “Galway Girl” and “Whiskey in the Jar." On the spiritual side, the globally touring group sings “Hallelujah” and “Amazing Grace." Garnering hundreds of millions of streams and tickets sold, Celtic Thunder has been hailed as BILLBOARD’s Top World Music Artist.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Nach einem Jahrzehnt, in dem die Band das Beste aus improvisierten Aufnahmeräumen in Lagerhäusern, Wohnwagen und Lofts gemacht hat, ist „For Melancholy Brunettes (& sad women)“, das vierte Album von Japanese Breakfast, die erste richtige Studioveröffentlichung der Band. Produziert von Grammy-Preisträger Blake Mills, zieht sich Frontfrau und Songschreiberin Michelle Zauner von der hellen Extrovertiertheit des Vorgängers „Jubilee“ zurück, um die dunkleren Wogen zu erforschen, die in ihrem Inneren aufgewühlt sind, das launische, fruchtbare Feld der Melancholie, das seit langem als der psychische Zustand von Dichtern am Rande der Inspiration gilt. Das Ergebnis ist eine künstlerische Absichtserklärung: ein reifes, komplexes, kontemplatives Werk, das den romantischen Nervenkitzel einer Gothic Novel heraufbeschwört. „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ folgt einer transformativen Periode in Zauners Leben, in der ihr zweifach GRAMMY-nominiertes Durchbruchsalbum ‚Jubilee‘ und ihre Bestseller-Memoiren ‚Crying In H Mart‘ sie in den kulturellen Mainstream katapultierten und ihre tiefsten künstlerischen Ambitionen erfüllten. Als sie über diesen Erfolg nachdachte, erkannte Zauner die Ironie der Sehnsucht, die so oft Glückseligkeit und Verderben miteinander verbindet. „Ich fühlte mich verführt, das zu bekommen, was ich immer wollte“, sagt sie. „Ich flog zu nah an die Sonne heran, und mir wurde klar, dass ich sterben würde, wenn ich weiterflöge“. Das Schicksal von Ikarus und anderen Verdammten verleiht „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ sein beständigstes Thema: die Gefahren des Begehrens. Wie zerstreutes Licht führen seine spektralen Teile die Charaktere des Albums durch Zyklen von Versuchung, Übertretung und Vergeltung. In „Orlando in Love“ - ein Riff auf John Cheevers Riff auf „Orlando Innamorato“, einem unvollendeten Epos, das aus 68 Cantos des Renaissance-Dichters Matteo Maria Boiardo besteht - ist der Held ein gutmütiger Dichter, der sein Winnebago am Meer parkt und dem Ruf einer Sirene zum Opfer fällt, seinem 69. Canto (selbst im erhabenen Reich des klassischen Mythos hat Zauner ein Faible für Anspielungen). „Honey Water“ lotet die stille Wut einer Frau aus, die mit einem untreuen Mann verheiratet ist und zusieht, wie er immer wieder der Lust nachgibt wie ein niederes Insekt, das seinen eigenen Untergang herbeiführt Traurigkeit ist in der Tat die dominierende emotionale Tonart dieser Platte, aber es ist eine Traurigkeit der besonderen Art: die nachdenkliche, vorausschauende Traurigkeit der Melancholie, in der die Erkenntnis des im Wesentlichen tragischen Charakters des Lebens mit Sensibilität für seine flüchtige Schönheit einhergeht. Zauner findet in ihr genügend Raum für Hoffnungsschimmer. Es sind die Tröstungen der Sterblichen, die Dichter vor ihr gerufen haben und die Dichter nach ihr immer wieder neu entdecken werden: Liebe und Arbeit, und obwohl sie sich wie stärkende Vorsätze durch die vielen Episoden des Albums ziehen, erklingen sie am deutlichsten im letzten Song, „Magic Mountain“, einer Auseinandersetzung mit Thomas Manns berühmtem gleichnamigen Roman. Für sie fühlt sich jede Arbeit wie das Erklimmen eines Berges an, aber von der Spitze von „For Melancholy Brunettes (& sad women)“ aus blickt sie in die Zukunft.

Who doesn’t remember their hit song Ann Wants To Dance ?

Soundtrack of the summer 2015 and which music video made by Soko got a few millions views. This cheerful and addictive tune laid the foundations for the four-handed songwriting style of Ulysse Cottin (brown hair) and Armand Penicaut (blond hair). Those two performers, who compose and sing effortlessly in English, posed with a cheerful attitude on the sleeve of their first album Green Juice (2016) recorded at the Cap Ferret and mixed by Ash Workman (Metronomy, Frànçois & The Atlas Mountains, Baxter Dury). Papooz have a talent for sway pop and irrefutable groove like very few of their compatriots, aside from Phoenix we cannot think of anyone else. Tropical pop here, wild bossa nova there, all of it deeply anchored in the American style of the Seventies, Ulysse and Armand are perfectly matched. Falsely dabbler and completely inspired, the duo fights the ambient gloom with their songs.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

Vier Stücke des estnischen Komponisten Arvo Pärt, eines Pioniers des ,heiligen Minimalismus". Im Mittelpunkt des Albums steht eine bisher unveröffentlichte Interpretation von ,Silentium", dem zweiten Satz von Pärts berühmtestem Concerto "Tabula Rasa", gespielt vom Kammerorchester A Far Cry aus Boston. Die Gruppe spielt ,Silentium" in fast der Hälfte der Geschwindigkeit der bekanntesten Version, die 1984 bei ECM veröffentlicht wurde. Das Stück, das für seine heilende Wirkung auf Sterbende bekannt ist und oft in Palliativeinrichtungen verwendet wird (ein Patient bezeichnete es als ,Engelsmusik"), ist bei halber Geschwindigkeit atemberaubend und scheint die Zeit selbst zum Stillstand zu bringen. Das Album enthält einige der beeindruckendsten Interpretationen von Pärts Musik, die je aufgenommen wurden. ,Vater Unser (Arr. für Posaune & Streicherensemble)" ist irgendwie warm und streng zugleich. Ein Miniatur-Epos. Pianist Marcel Worm's Soloversion von ,Variationen zur Gesundung von Arinuschka" ist so schön, das man kaum Worte dafür findet. ,Fratres for Strings and Percussion" ist eines der berühmtesten Werke von Arvo Pärt. Diese Version des Orchesters der Ungarischen Staatsoper ist ikonisch, voller Emotionen, an der Grenze zum Romantischen, aber nie kippend. Pärts Herangehensweise an die Musik und das Leben ist so spärlich wie die Kompositionen, die er schafft. Er sagte einmal: ,Ich habe nichts zu sagen... Die Musik sagt, was ich zu sagen habe. Und es ist gefährlich, irgendetwas zu sagen, denn wenn ich es bereits mit Worten gesagt habe, bleibt vielleicht nichts mehr für meine Musik übrig." Silentium setzt die Faszination von Mississippi Records für diesen großen zeitgenössischen Komponisten fort. Hochwertiges, schweres Vinyl, gepresst bei Smashed Plastic in Chicago, präsentiert in einem luxuriösen Reverse-Board-Jacket mit einem Artwork von Pärts heilig-minimalem Zeitgenossen Eduard Steinberg.

There's iconic. Then there's *iconic*.

A MASSIVE speaker-smashing release, decades overdue. It's been bootlegged - shamefully so, many times over the years - but finally we present the first ever officially licensed reissue of this truly special Afro-disco-not-disco LP from 1979. A favourite of Harvey, Antal, Young Marco and, er, every great DJ to ever play deep records ever, basically. It's not hard to see - or, indeed, *feel* why.

Gem after gem of relentless, irresistibly funky gold, it's an incredibly revelatory album with endlessly complex drum patterns and basslines to dive into, throughout. Truly, this is uniquely FIRE music, unlike anything else you've ever heard, based on Gwo ka music from the gorgeous islands of Guadeloupe and Martinique. A thrilling synthesis of primal, hypnotic drums - the most tribal of percussive elements high in the mix throughout - with the loping synth pyrotechnics of, amongst a whole host of other greats, Wally Badarou and bass power of disco funk don Sauveur Mallia (Arpadys, Spatial & Co.)

Originally released on the seminal French label Barclay, you'd be hard pressed to even find an original copy in nice condition anywhere, let alone for a reasonable price, so it's high time an officially licensed, remastered reissue came around. It's just the latest in a long line of Be With reissues where the music sounds like the - drop-dead dazzling - cover. This here is a true drum attack. BUY ON SIGHT!

Tumblack was a short-lived project, produced and arranged by electronic wizard Yves Hayat and it can certainly be regarded as one of the first examples of Zouk, mixing powerful disco-funk arrangements with Gwo ka, traditional music from Guadeloupe. Gwo ka is an Antillean Creole term for "big drum". You can say that again! It refers to both a family of hand drums and the music played with them, which is a major part of Guadeloupean folk music.Whilst the first side is credited to the exceptional Tumblack band, the flip is given over to "Tumblack & Friends". These weren't just any old friends. Oh no, they were the absolute cream of the French scene (think Arpadys, Voyage, Le Club, Giant, CCPP, Synthesis, Swing Family) such as Sauveur Mallia, Wally Badarou, Marc Chantereau on percussion, Slim Pezin on guitar and Jean-Paul Batailley and Pierre Alain-Dahan handling drum duties.

The urgent, frantic "Fracas" gets things moving straight away with a cavalcade of drums and percussive funk before giving way to the stratospheric "Invocation", one of the album's many, many highlights. It's effectively one long heavenly drum break, a really hard, raw, tribal drum workout without a whole lot else going on - and all the better for it! One to make you sweat, no question. Up next, "Jubilé" is announced with a bellowing accapella voice, chanting the titular name before the heaviest of kicks smashes out your system and lulls you into an absolute state of bliss for nearly 6 minutes. Whoooooosh! Rounding out the sensational A-Side, "Vaudou" is a scratchy, funky patterned drum workout which - yep, yet again - absolutely slays your neck muscles, making them snap and contract in extraordinary fashion. TURN IT UP!

Ushering in the B-Side, the brief, fidgety, African chant-funk of "Parlement" segues seamlessly, beautifully into "Waka", an overwhelmingly rich gem of percussive funk. You do not want this to end, once it hits its stride. For maximum heavenly drum pleasure, you'd need to go a long way than the moment "Waka" feels like it's fading out before it kick-drum-blend into the mighty "Caraïba (Intro)". It's just staggeringly good. It's a minute-long layered drum prelude to the gigantic track which follows. Indeed, "Caraïba" is arguably the best loved and most well-known cut off the LP. And with good reason...featuring that Mallia bass, warm Rhodes and clavs, synth magic, memorably alto sax lines and, of course, tribal chanting.

Another mighty super-ahead-of-its-time classic, the bouncing bass heavy synth funk of "Chunga Funk" deploys Mallia and Wally Badarou (on Mini Moog) exceptionally well. I mean, come on, that bassline is just ridiculous. Try not to move to this one. This extraordinary record closes out with the more traditional Gwo ka sounds of "Bateau La Passé", the tribal chorus making the hairs on the back of your neck stand up.

Tumblack really is a gorgeous late-70s disco-not-disco essential. It's an absolute MONSTER that will completely blow you away; and, yes, it's as compelling and trance-inducing as the cover. The audio for Tumblack has been carefully remastered by Be With regular Simon Francis, ensuring it sounds better than ever. Cicely Balston's expert skills have made sure nothing is lost in the cut whilst the records have been pressed to the highest possible standard at Record Industry in Holland. The cover of Tumblack is so iconic and we sought special permission from original artist Hélène Majera to recreate this at Be With HQ. It absolutely zings off the print and serves as the perfect finishing touch to this long overdue re-issue.

Based in Ottawa, Ontario, the capital city of Canada, The Riptides have been cranking out high-energy blasts of melodic, poppy punk rock for over 25 years. With their new LP Burn After Listening, the band makes the move to Pirates Press Records, and are ready to bring their sound to an all new worldwide audience! Originally formed in 1998, the band wasted no time assembling their own studio and label, putting out their own records as well as their fellow Ottawa bands. Word spread quickly, and the band's notoriety grew, particularly in the US, and soon the band found that they enjoyed rising to the challenge of leaving home and recording at noted US studios, with Burn After Listening being no exception. This album was recorded at the legendary Blasting Room in Fort Collins, CO, with Andrew Berlin at the helm for tracking and Jason Livermore in charge of the final master. These studio sessions included a cavalcade of friends & guest musicians, including members of Teenage Bottlerocket, All American Rejects, Screeching Weasel, and The Queers. A number of songs on the record also bear co-writing credits from fellow Pirates Press Records artist Matt DeeCRACK. Blending attitude-driven downstroke riffs with irresistible hooks and harmonies, combined with an aesthetic informed by everything from nerdy pop culture and surfing, they've already amassed quite the following across the decades, but this record stands poised to introduce them to many new fans.

Saxon are an English heavy metal band formed in Barnsley in 1975. As leaders of the new wave of British heavy metal (NWOBHM), they had eight UK Top 40 albums during the 1980s. They established themselves among Europe's most successful metal acts. The band tours regularly and have sold more than 23 million records worldwide The Eagle Has Landed - part II was recorded during their European tour in support of their Dogs of War album (MOVLP3570). It delves deeply into the band's latter-day catalog and offers excellent sound quality to boot. It's packed with fan favourites and features guitar legend Yngwie Malmsteen as a guest on the track "Denim and Leather". The Eagle Has Landed - part II is available a limited numbered edition of 1000 copies on translucent red vinyl and contains a 4 page booklet and additional cover print.

Playing with a Different Sex was the debut album by seminal post-punk band Au Pairs, released in 1981.

Described retrospectively by AllMusic as ‘one of the great post-punk records’, a review by Record Mirror on its release said the band’s ‘critique of all forms of possession and sexual stereotyping assumes a devastating power’. Themes include sexual politics and the torture of women imprisoned in Northern Ireland during The Troubles of the 1970s, as well as a stunning cover of David Bowie’s ‘Repetition’ about domestic violence. It peaked at No. 33 in the UK, and features the single ‘It's Obvious’, which reached No. 37 on the US Club Play Singles chart. Playing with a Different Sex is available as a numbered limited edition of 750 copies on turquoise coloured vinyl and contains an insert.

"Released in 2002, Head on Straight marks Tonic's third studio effort, a testament to the band's steadfast dedication to their sound amidst a rapidly evolving alternative music landscape. The album garnered significant recognition, earning a Grammy nomination for Best Rock Album at the 45th Grammy Awards, while the track ""Take Me As I Am"" received a nod for Best Rock Performance by a Duo or Group with Vocal.
Producer Bob Rock introduced a more polished sound to the album but still showcases Tonic's signature blend of driving rock rhythms and emotive ballads. Head On Straight is available on vinyl for the first time and includes an insert."

45 Pounds is a record of thrilling cacophony: whirring drums meet the sound of instruments which have been twisted and bent into new shapes, all of which are paired with the arresting growls of Zack Borzone. Across the record the four-piece re-imagine what is possible within the confines of a band set up, creating music that perfectly encapsulates the information overload of our times.

The band have become known for their stellar live performances and now with 45 Pounds they have set that electrifying feeling to record. With 45 Pounds YHWH Nailgun have created a statement that is short to cut through the modern day post-algorithmic sludge. Stay tuned for more news.

Die besten Live-Alben versetzen einen direkt in die erste Reihe des Konzertsaals, und genau das schafft Johanson mit "Live In Mississippi". Vor ausgelassenem Publikum spielte er vor allem Tracks aus seinem aktuellem Nr. 1-Blues Album, gemischt mit älteren Songs und einer sagenhaften Version von "I Walk On Guilded Splinters". Wer nach dem irrwitzigen Solo des treffend betitelten letzten Songs, "Don’t Hold Back", nicht restlos begeistert ist … dem ist vermutlich nicht mehr zu helfen!

Von mitreißenden Partyhymnen bis hin zu tiefgründigen Balladen und energiegeladen Punkrock-Tracks - 'Coming Home" ist ein Album, das Geschichten erzählt - von Heimat, von Zusammenhalt und von der Freiheit, seinen eigenen Weg zu gehen. Es ist eine Einladung und ein Versprechen: Kommt mit den Paddyhats auf eine Reise und ihr spürt den Rhythmus des Irish Folk Punk in jeder grünen Ader!"

After humble lo-fi beginnings in the Australian Art-Pop Underground, Donny Benet has expanded his cult-like following across the Globe with a resonant Array of danceable Repertoire dealing with Love- and Affection. New album "Mr Experience" marks a new chapter, informed by a wealth of musical- and personal development.

For Mr Experience, Donny envisioned a Soundtrack to a Dinner-Party- Set in the late 1980's. While his earlier Recordings drew Inspiration from DIY Pop Conspirators such as Ariel Pink & John Maus, Donny channelled the Stylings of Bryan Ferry & Hiroshi Yoshimura as the Impetus for new Material, evident on the Intimacy found on ‘Girl Of My Dreams’ and it's lush production- with a soothing whistle-along Chorus for good Measure!

Sincerity has been a key component of Donny Benet’s output since the beginning. His songs deal with genuine Emotion served on a kitsch Platter. An alter-ego manifested in the beginning of the 2010's, Donny has blurred the Lines of Artifice to create a back- Catalogue that can embrace- and challenge, often simultaneously, - the notion of Irony in Art.

"Mr Experience" moves further away from ironic Notions as Donny explores lyrical- and musical themes which embody Observations of Maturation in his audience, his tightknit musical Community- and himself. While ‘mature’ is a term that often rings hollow as an album descriptor, the term couldn’t be more apt for Mr Experience.

Previous album The Don was created with the luxury of time. The phenomenal Response to that Album across Europe- and the United States - fuelled by accompanying Music Videos clocking in Views in the Millions- meant that there were scant Windows of Opportunity to write- and record a follow-up.

With a legacy in Sydney’s music community, working with Sarah Blasko, and tightknik collaborators Jack Ladder & Kirin J Callinan, Donny Benet is accustomed to collaboration on the Stage- and in the Studio, mostnotably on the 2014 full-length release Weekend At Donny’s.



“There is such immense talent evident in every aspect of the Donny Bene experience - the vision of the character, the steadfast adherence his narrative and the musicality of Benet himself all combine to makesomething truly genius.” - Double J, Australin.

“Donny Benet makes feminine music for everybody” - Vice, Netherlands.

“The Don does not sound like amusical copying machine”. - 3voor12 National, Netherlands.

“The set was punctuated with virtuosic solos and exquisite harmonies, and added another layer of genius to the show.
We almost couldn’t handle it... Donny for president!" - Indie Berlin.

“Everyone loves Donny Benet” - Feature in Gonzai, France.

“Phenomenal Australian Showman... Offers Top-Class Dance Music with Virtuose-Bass Guitar- and Keyboard Parts & incredible Sound-Colour feel.” - Podujatie.sk, Slovakia.

Donny has toured Europe five times since the start of 2018 and has played in the UK, Austria, Germany, Slovakia, France, Netherlands, Spain, Portugal, Belgium, Denmark, Switzerland, Czech Republic, Greece and Sweden. The Don will revisit Europe twice in 2020, once for his own headline shows in May then back again in August for festivals!

"The great Nina Simone's style encompassed a broad range of musical genres including jazz, blues, folk, R&B, gospel, pop and classical music. This collection compiles some of her best performances, all of which were sounded hits. Included here are her perennial reading of George & Ira Gershwin's
""I Loves You Porgy"", which charted at #2 in the UK and #18 in the USA in 1959, along with ""Nobody Knows You When You're Down and Out"" (#23 in the UK; #93 in the USA in
1960), and ""Trouble in Mind"" (#11 in the UK; #92 in the USA in 1961). Also included is her perennial classic ""My Baby Just Cares for Me.""
16 TRACKS - 180-GRAM CRYSTAL CLEAR VINYL - LIMITED EDITION"

Es ist das Jahr 2012. No Future war gestern, Phon heißt jetzt dB und sogar das Internet hat sich halbwegs
durchgesetzt. Nun auch noch „auch“. Hast du nichts Besseres zu tun als die die ärzte zu hör’n?
Das Ende ist noch nicht vorbei. Die Beste Band der Welt ist jetzt eine Demokratie, ein Triumvirat
des guten Willens, eine GbR der Gerechtigkeit und sie haben viel zu viel Zeit, um sich nicht um den Rock
zu kümmern. Und natürlich um alle Phasen der engeren Beziehung zwischen Männern & Frauen & allen
anderen. Vom mehr oder weniger schüchternen Balzverhalten beim mehr oder weniger hoffnungsbeladenen ersten Fernblickkontakt bis zum passiv-aggressiven Psychoterror der Post-Partnerschaft. Philosophisch
wird’s obendrein.
„zeiDverschwÄndung“ fragt nach dem Sinn unseres Daseins und ob wir nicht einfach mal irgendwas anderes machen sollten, als Fan von BelaFarinRod zu sein. „Tamagotchi“ stellt den schwierigen ethischen
Problemen im beginnenden Zeitalter der Künstlichen Intelligenz eine wahre Hymne an Emotion entgegen.
„Waldspaziergang mit Folgen“ liefert einen ganz neuen Denkansatz der Theosophie. „M&F“ hingegen
wollen in aller Regel einfach nur in allen Konstellationen poppen.
die ärzte: Jetzt mit der absoluten Leere, ordentlich HeyHey!, einem Gott im Regal und der entscheidenden
Frage: Ist das noch Punkrock?

For his next Token EP, Kr!z delivers squelchy synth sequences over robust kicks, reinforcing his no-nonsense approach to club music. Classic in its conception yet psychotic in effect, Ipso Facto is a record built for powerful sound systems during thenight's most delirious moments.



First impressions are important; the Belgian producer has never been one to waste time, and this record is no exception. What you hear is what you get-an anxiously slithering synth line makes his intentions clear in Defeat the Purpose, driving people to the dancefloor. Dry drum machine work thunders throughout, locking in the Token style with precision. Moving into the next track, 'Chrome Dust' focuses more on the tonal side of things and its irresistible groovemakes it an instant ear catcher. Playful rides and snares shape the progression, with Kr!z swapping percussion elements to keep the movement lively.
The title track is a true hip swinger on the B1 as he reaches in the low end of the synth sequence to establish a very compelling rhythm. Everything in its right place, and not a hair more, the percussion transitions are reminiscent of his 4 channel DJ sets, the energy always being on the move. Equilibrium closes the EP with high energy, opening up filters over a reliably bouncy rhythm. Years of experience behind the decks can be very instructive for a perceptive producer, and Kr!z proves us just that in this track and in the whole EP.

Zoetrope Vinyl. Schrank zu klein, Arsch zu groß, blasse Waden, hellgrüne Luftballons in der Steckdosenfrisur - das ist Schwiegermutters Fiebertraum in Reinform, das ist der körperhafte Stinkefinger an die Selbstoptimierer*innen-Gesellschaft, das ist Punk in der Jetztzeit-Version, das ist der "EXTRA"Lifestyle. Paula Carolina zelebriert eben diesen Lifestyle Woche für Woche erfolgreich auf den Festivalbühnen der Bundesrepublik - und hat ihm mit "EXTRA" ein musikalisches Denkmal gesetzt. Paulas neue Single ist eine Musik-gewordene Ode auf die Weirdness und das Besonderssein, ein augenzwinkernd-romantischer Vorstoß gegen Normschönheit, Langweilertum und "Otto Normal"-Standards - "als wär' auf der Tanzfläche jedem scheißegal, was man anhätte". "EXTRA" ist nicht umsonst der Namensgeber des Ende September erscheinenden Paula Carolina-Debütalbums - dieser Song steht exemplarisch für die künstlerische Vision seiner Macherin, die ihren Platz zwischen den Stühlen unlängst gefunden hat: "Fühl' ich mich heute wie ein Punk oder doch nur wie die Göre von Nebenan? Egal!". Paula-Carolina-Musik ist "irgendwie anders" und jedes Mal ein bisschen neu. Zwischen rustikalem Gitarren-Geschrubbel, tanzbar-schiebenden Drums und kaum erwartbaren Airhorn Einschüben blüht die Weltenbummlerin in "EXTRA" erstmals überhaupt mit einer Rap-ähnlichen Stimmperformance auf. Paulas Vocal-Experimente münden zwischendurch in einer Vulkanausbruch-artigen Ohrwurm-Hook und im letzten Drittel des Songs in einer epochalen SingSang-Bridge. Zwischen Punk-Attitüde und Techno-Club-eske Hektik mischt sind also auch die nötige Portion Pop-Appeal. Wer "EXTRA" lieber in einem anderem Genre-Gewand hören will und sich in Jungle-, Dancehall- oder Happy-Hardcore-typischem Tanzstill zum Song bewegen möchte, kann dies übrigens auch tun. Ja, richtig gehört: Ab 3. August - also einen Tag nach Single-Release - wird täglich ein neuer Remix des Originalsongs veröffentlicht. Star-Produzent Marti Fischer, den Paula-Carolina-Fans spätestens seit seinem erfolgsgekrönten "Schreien! - Turbo Remix" kennen dürften, hat ein umfangreiches Begleitwerk zu "EXTRA" realisiert und mehrere, verschiedenartig elektronische Alternativ-Versionen der Außenseiter-Hymne zusammengeschustert. Als wäre das nicht genug "EXTRA" zu "EXTRA", haben auch Großstadtgeflüster eine stilechte Remix-Version der Single gefertigt und der Bonus-EP ihren Stempel aufgedrückt. "Es geht wieder los", im Kosmos Paula Carolina - und zwar so richtig.

This best-of album, curated from his vast catalog, features eight carefully selected songs that highlight his genius. With exclusive access to the master rights to all of his works, P-VINE presents this showcase, a truly special collection that reflects the depth and breadth of Irvine's musical contributions.

Weldon Irvine was a musician whose cutting-edge style and emotionally resonant melodies won him widespread admiration across generations and genres, from the jazz and soul scenes of the 1970s to the club and rare groove movements of the 1990s and beyond. Known for his diverse musicality, Irvine left behind a legacy of timeless tracks. This best-of album, curated from his vast catalog, features eight carefully selected songs that highlight his genius. With exclusive access to the master rights to all of his works, P-VINE presents this showcase, a truly special collection that reflects the depth and breadth of Irvine's musical contributions.

Barro Music Label sigue apostando por el techno más duro y oscuro y por eso, su lógico paso siguiente era publicar un EP de NX1. Necesitaríamos mucho espacio para describir todo lo que significa NX1, pero dejémoslo en que es el proyecto de los barceloneses Surit y Samot con el que llevan varios años reventando amplificadores y haciéndonos bailar hasta la extenuación. Con este AKA han publicado en sellos tan top como Bite, Semantica, Planete Rouge y Earwiggle, además de en Nexe Records, su propia casa (discográfica). Ahora podemos escuchar sus últimos temas en Barro, en un disco que reúne cuatro temas y una remezcla de Nöle. No será la última vez que los veamos juntos, ya que han unido fuerzas para crear un nuevo sello llamado Kätte que ya ha publicado su primera referencia.

En BR1 nos traen un contundente temazo de techno industrial post-apocalíptico dominado por un bombo atronador en el que destacamos el gran diseño de sonido. Los dos siguientes temas están más enfocados a la pista y son una gran muestra del lado más duro y oscuro de NX1. BR2 es una composición hipnótica con sonidos industriales y afilados con un bombo con una pegada tremenda y un bajo que se te queda marcado en la piel. Y aunque parezca imposible, el EP continúa con un tema incluso más duro: BR3. NX1 alcanzan una intensidad increíble en esta composición, marcada por unos sintetizadores saturados, un sonido duro y agresivo y un sample que te ordena obedecer. Para el siguiente tema, bajan los BPMs y se centran en crear una atmósfera industrial, que nos inspira imágenes de carreteras desiertas y ciudades abandonadas. Por su parte Nöle, pilla BR2 y le da protagonismo a los samples vocales mientras juega con el ritmo, creando otro irresistible rompepistas.


Support from: Dave Clarke, Phase Fatale, The Hacker, Lokier, NX1, Unhuman, Alienata, Reka, and many more.


Texto: El Garaje de Frank

An imperial phase Actress commits a lushly amorphous installation piece made for the Berliner Festspiele to vinyl, rendering a post-industrial symphony full of iridescent shifts in gyring, OOBE-like spatial coordinates landing somewhere between nutopian ambient, kankyō ongaku and sawn-off bass science.

‘Grey Interiors’ was made in collaboration with Actual Objects and is an absorbing animation and navigation of those post-human ideals that have prompted Darren J. Cunningham to his best work across the preceding two decades. In its hypnagogic symphony of the elements, he short-circuits distinctions of classical music’s metric freedoms and the hyperspatial sensuality of concrète/electro-acoustic and ambient musics with an artistic license that has come to distinguish his work in the contemporary field, and arguably identified him as this generation’s most vital electronic abstractionist.

The first half of the album is bewitchingly airless, materialised in a twinkling vacuum. Naturalistic environmental recordings and a half-heard piano swirl around nauseous airlock whooshes and eerie bass drones. It's all pulverised to a powdery, shimmering residue; if Actress's music is defined by its character and texture - that sweet spot between the bedroom and the soundsystem - then this one advances the narrative without losing its backbone. And like a lot of his best work, it comes into its own on the back of zonked eyelids, conjuring a play of shifting geometric patterns within its imaginary physics and nuanced narration of ephemeral melodic phrasing and vaporous textures.

At about the halfway point, that dissociated piano finds its groove, coalescing into a jerky drum machine rhythm popping like bubbles in the stifling atmosphere. We can draw some intersecting lines here thru electronic music lore - traces of vintage AE, Push Button Objects, UR - but Actress always leaves an indelible fingerprint on anything he touches. Even when he's rubbing against the gallery-industrial complex, he manages to fill a stagnant space with electricity and wit; look at the title itself: is it a reference to the "landscape beyond man" as the installation's press release might have us believe, or the institutions themselves?

One of the rarest and most sought after roots grails in existence from enigmatic Jamaican Canadian singer Prince Robinson aka R. Man Prince.

Funny Dream, an apocalyptic roots stepper from 1976 is a 45 so rare that it has developed its own mythology in the small circle of collectors who know of its existence.

One rumour suggests that so few copies exist because Robinson’s Russian wife took all the records from Canada back across the iron curtain in the late 70s when they split up. Some suggested he had died.

Shella Records eventually tracked down Prince Robinson not far from Toronto and learned the true story of why the original 45 is so impossibly rare- almost all copies were destroyed shortly after they were pressed, tragically reduced to ashes inside an incinerator.

Thankfully Prince has kept the original mastertapes stored safely in a briefcase for almost 50 years knowing that his music had value and biding his time.

Iron Curtis and Johannes Albert return to orbit with their highly anticipated Moon IV, the next chapter in their acclaimed lunar album series. Building on over a decade of collaboration and the cosmic groundwork in Moon I, II, and III, this fourth instalment is a testament to their ever-evolving artistry and expansive vision.

Released on their beloved Frank Music imprint, Moon IV sees the duo starring an 11-track journey that once again defies genres, challenges conventions, and charts a vivid course through the electronic cosmos.

From the warm opener "Void Gathering" and wistful melodies of "Silverclub" to the driving rhythms of "Sounds (The Feels)," which echoes the relentless pulse of NYC Post-Disco, Moon IV encapsulates the duo's signature blend of moods and eras.

"Club L'Avenir" & "Daso" serve up euphoric moments with a nod to the French Touch, while the ambient vignette "Into Somethin' (Interlude)" calms you down again. Electro cuts like "Pipeline" are reminiscent of earlier works in the Moon album series, and new paths are forged when the two are exploring Balearic Pop Music (BPM) territory in "Ohne Dich".

Returning from space with the elegant deepness of "Bliss (The Short Finale)", the duo gets you home safe and sound. Their unique studio alchemy shines brighter on this moonlit, flaring long-player than ever. So, buckle up and off we go.

WHO IS ULTAN O’BRIEN? Ultan O’Brien is a fiddle player and composer from the wilds of County Clare in the West of Ireland. Ultan is a performer as well as a regular at sessions all of Ireland and can be found by chance in any pub in Dublin, Cork or some remote village on the edge of nowhere, flying jigs and reels around the room. Ultan was reared in the rich tradition of Irish music which is so commonly found and heard in Co Clare, but he also delves deep into sound art and experimental music. He has often been heard in the back of a car after a few pints quoting lines from Alvin Lucier or speaking at length about improvisation and its place in modern Irish music. Ultan O’Brien is a fresh and vital player who has much to offer with his unique approach and technique to a tradition so old and ever ready for a subtle change every 100 years or so. Ultan has played and recorded with people and bands such as Skipper’s Alley, Eoghan Ó Ceannabháin, John Francis Flynn, Slow Moving Clouds, Cuar, Laura Jurd, Martin Green, Natalia Beylis, Paul Roe and Nic Gareiss. ‘in its Ultan’s fiddle playing sincerity of tone it reminds me somewhat of those great caoineadh which were played with such elusive grandeur by Denis Murphy and Pádraig O’Keefe’ Adrian Scahill ‘lets the heart brighten and the feet tap’ Richard Hollingum -KlofMag


ABOUT THIS WONDERFUL ALBUM: ‘This album, Dancing the Line, is my first solo album of music played on an alternatively-tune alto fiddle. I found that the resonance and growl of this lower tuned instrument sat me perfectly into the sound-world I wanted to be in, giving vibrancy to my own compositions and nestling into the traditional music I grew up with.’

A few weeks ago, Brigade Loco officially announced that they will release their third album in the coming months. The band from Gipuzkoa, with seven years of trajectory, will release their new full-length under the title"Bide baten esanahia" ("The meaning of a road"). This new album will finally be released in February 2025. As usual, the album has been recorded at the Sound of Sirens studio in Iruña under the supervision of technician Julen Urzaiz. This album is a firm step forward for a band that wants to evolve and write its own trajectory without repeating chapters previously made. In view of this, the band says they are very excited about the project. It has been more than a year of work and effort before this ambitious project sees the light of day, and they are looking forward to sharing their new tunes with their audience. Brigade Loco are about to start a very important episode in their career. An episode with interesting paragraphs, plotsand characters. Stay tuned.

A few weeks ago, Brigade Loco officially announced that they will release their third album in the coming months. The band from Gipuzkoa, with seven years of trajectory, will release their new full-length under the title"Bide baten esanahia" ("The meaning of a road"). This new album will finally be released in February 2025. As usual, the album has been recorded at the Sound of Sirens studio in Iruña under the supervision of technician Julen Urzaiz. This album is a firm step forward for a band that wants to evolve and write its own trajectory without repeating chapters previously made. In view of this, the band says they are very excited about the project. It has been more than a year of work and effort before this ambitious project sees the light of day, and they are looking forward to sharing their new tunes with their audience. Brigade Loco are about to start a very important episode in their career. An episode with interesting paragraphs, plotsand characters. Stay tuned.

We're excited to announce Discos Martos' second release: a 45-vinyl single from Rocksteady Romantics, celebrating the irresistible sounds of…you guessed it…rocksteady. True to the label's dedication to analog productions, this release offers what Jamaican music culture is known for: Dub music and classic soul covers in its own style.

The A-side features a fantastic dub track featuring Tibstar, designed for loud soundsystems and clubs. With its catchy and powerful horn section, this track is guaranteed to get the dance floor moving.

On the B-side, the band presents a lovely Spanish version of the classic soul tune "I'm Your Puppet," sung by Tito Ramírez. This fresh interpretation blends the original's charm with a rocksteady twist.

With this release, Discos Martos continues to honor timeless sounds while infusing them with contemporary energy.

The band is considered as a unique combination of the darkest sides of many
underground genres like grindcore, black/death metal, ambient, drone and of course
psychedelic music.

Tons formed in 2009 with members of hardcore bands from the 00's Turin scene (The
Redrum, Lama Tematica and NoInfo). Slow and heavy sounds take the place of
frenetic HC rhythms; the texts speak about weed in an ironic way, but also about a
certain tendency to esotericism that characterizes the city of Turin. In 2010 they
recorded a demo and in 2012 their first full length "Musinee Doom Session, Volume 1",
recorded by Danilo "Dano" Battocchio, was released for the Turin-based Escape From
Today (EFT050) and for the young Roman label, Heavy Psych Sounds (First non Black
Rainbows release, HPS005). In 2013 a split with Lento from Rome came out and Tons
began to plow the European venues, opening the stage for bands like Bongzilla,
Unsane, Church of Misery, Napalm Death, Pentagram etc ...

In 2015 the drummer Marco Dinocco left the band and was replaced by Andrea
Peracchia (Dogs for Breakfast/Slaiver). Paolo Paganelli (Woptime/Linea77) was also
added as lead guitarist. In 2018 the second full length of the band "Filthy Flowers of
Doom" was released for Heavy Psych Sounds Records, which would bring Tons again
around Europe in 2018 and in 2019. In 2021 they released a split record with the
mighty Bongzilla followed by a European tour together in 2022. On 7th October 2022
the band released a brand new album called "Hashension" and a repress for the 10th
anniversary of their debut album "Musinee Doom Session, Volume 1" with remastered
audio and a new cover artwork.

During these years Tons played in many important Festival, such as Desert Fest
London and Antwerp, Sonic Blast, Frantic Fest, Venezia Hardcore and HPS Fest.
QUOTE From the Band :"Three fun tracks for lovers of head banging who don't take
themselves too seriously like our friends Teo Segale (Rumore Mag.) and Ranch Sironi
(Nebula) to whom these songs are dedicated. "

This latest opus marks the band's studio comeback since 2018's "City Of Dope And
Violence", plus the opportunity to work with underground scene juggernauts like Tons
and Subsound Records and the consolidation of Alexander Lizzori as active producer
("Cyclops" / "2" era drummer and long time collaborator).

The band is considered as a unique combination of the darkest sides of many
underground genres like grindcore, black/death metal, ambient, drone and of course
psychedelic music.

Tons formed in 2009 with members of hardcore bands from the 00's Turin scene (The
Redrum, Lama Tematica and NoInfo). Slow and heavy sounds take the place of
frenetic HC rhythms; the texts speak about weed in an ironic way, but also about a
certain tendency to esotericism that characterizes the city of Turin. In 2010 they
recorded a demo and in 2012 their first full length "Musinee Doom Session, Volume 1",
recorded by Danilo "Dano" Battocchio, was released for the Turin-based Escape From
Today (EFT050) and for the young Roman label, Heavy Psych Sounds (First non Black
Rainbows release, HPS005). In 2013 a split with Lento from Rome came out and Tons
began to plow the European venues, opening the stage for bands like Bongzilla,
Unsane, Church of Misery, Napalm Death, Pentagram etc ...

In 2015 the drummer Marco Dinocco left the band and was replaced by Andrea
Peracchia (Dogs for Breakfast/Slaiver). Paolo Paganelli (Woptime/Linea77) was also
added as lead guitarist. In 2018 the second full length of the band "Filthy Flowers of
Doom" was released for Heavy Psych Sounds Records, which would bring Tons again
around Europe in 2018 and in 2019. In 2021 they released a split record with the
mighty Bongzilla followed by a European tour together in 2022. On 7th October 2022
the band released a brand new album called "Hashension" and a repress for the 10th
anniversary of their debut album "Musinee Doom Session, Volume 1" with remastered
audio and a new cover artwork.

During these years Tons played in many important Festival, such as Desert Fest
London and Antwerp, Sonic Blast, Frantic Fest, Venezia Hardcore and HPS Fest.
QUOTE From the Band :"Three fun tracks for lovers of head banging who don't take
themselves too seriously like our friends Teo Segale (Rumore Mag.) and Ranch Sironi
(Nebula) to whom these songs are dedicated. "

This latest opus marks the band's studio comeback since 2018's "City Of Dope And
Violence", plus the opportunity to work with underground scene juggernauts like Tons
and Subsound Records and the consolidation of Alexander Lizzori as active producer
("Cyclops" / "2" era drummer and long time collaborator).