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CIRCLE OF SILENCE melden sich mit ihrem neuen Album "Walk Through Hell" zurück, das düsterer als seine Vorgänger ausgefallen ist und ein wahres Schmankerl für jeden Power Metal Fan ist, der heftig, düster und melodisch mag.
"Walk Through Hell" ist das vierte Studio-Album von CIRCLE OF SILENCE.
Zum ersten Mal wurden alle Songs komplett in Drop-C Stimmung geschrieben, was dem Album ein schwereres und insgesamt düstereres Gefühl verleiht, viel düsterer als bei den vorherigen Alben.
CIRCLE OF SILENCE sind davon überzeugt, dass dies ihr bisher bestes Album ist, und dass es von allen Fans von härterem und dunklerem melodischen Power Metal geliebt werden wird.
Krachende Doublebass-getriebene Tracks, stampfende Groover sowie epische Hymnen - alles, was das Headbanger-Herz begehrt, findet sich zusammen mit vielen tiefgründigen und persönlichen Texten auf diesem Album.
Durch die Pandemie konnte die Band, im Vergleich zu früheren Alben, viel Zeit in die Arbeit an ihren Songs investieren. Epische Soli und Leadgitarren sowie ein bis zu 5-stimmiger Gesang verleihen dem neuen Album eine gewisse Epik.

Die dänische Metalband URKRAFT präsentiert ihr fünftes und bisher brutalstes Album und servieren eine intensivere und brutalere Version ihres melodischen, düsteren und schnellen Death Metal-Stils.
In jedem Ton und Takt ist eine schwere Melancholie zu spüren, die von der dunklen Seite des Lebens zeugt, aus der wir alle hervorgehen. Auch die Texte drehen sich um die Schattenseiten des Lebens, um sinnlosen Fanatismus und bösartige Handlungen dominanter Patriarchen.
"The True Protagonist" ist das neueste Werk in URKRAFTs brutalem und knallhartem Backkatalog, angefangen bei den frühen Schreien von "Eternal Cosmic Slaughter", dem melodischen Durchbruch von "The Inhuman Aberration" über das erdrückende "A Scornful Death" bis hin zur Wiederauferstehung der Band mit "Our Treacherous Fathers".

Die Band kommentiert: "Dieses Album ist uns nicht leichtgefallen, aber es fühlt sich in jeder Hinsicht richtig an. Wir sind unserem Sound und Stil treu geblieben, haben aber eine Menge Wut und Aggression, die wir im Laufe der Jahre gesammelt haben, in alle 11 Tracks des Albums einfließen lassen. Wir bleiben wütend, sind aber auch sehr zufrieden mit dem Ergebnis!"

Die dänische Metalband URKRAFT präsentiert ihr fünftes und bisher brutalstes Album und servieren eine intensivere und brutalere Version ihres melodischen, düsteren und schnellen Death Metal-Stils.
In jedem Ton und Takt ist eine schwere Melancholie zu spüren, die von der dunklen Seite des Lebens zeugt, aus der wir alle hervorgehen. Auch die Texte drehen sich um die Schattenseiten des Lebens, um sinnlosen Fanatismus und bösartige Handlungen dominanter Patriarchen.
"The True Protagonist" ist das neueste Werk in URKRAFTs brutalem und knallhartem Backkatalog, angefangen bei den frühen Schreien von "Eternal Cosmic Slaughter", dem melodischen Durchbruch von "The Inhuman Aberration" über das erdrückende "A Scornful Death" bis hin zur Wiederauferstehung der Band mit "Our Treacherous Fathers".

Die Band kommentiert: "Dieses Album ist uns nicht leichtgefallen, aber es fühlt sich in jeder Hinsicht richtig an. Wir sind unserem Sound und Stil treu geblieben, haben aber eine Menge Wut und Aggression, die wir im Laufe der Jahre gesammelt haben, in alle 11 Tracks des Albums einfließen lassen. Wir bleiben wütend, sind aber auch sehr zufrieden mit dem Ergebnis!"

Für LORNA SHORE ist das Dreigestirn von Songs im Herzen von '...And I Return to Nothingness' nichts weniger als ein Exorzismus - und ein Eintauchen in etwas Dunkleres. Von der orchestralen Passage, die den Titeltrack der EP eröffnet, geradewegs in einen Bombast aus geschwärzter Intensität und wütender Erhabenheit, sind diese aus New Jersey stammenden Extremisten zurück und erheben sich wie ein Phönix aus der Asche. Wiedergeboren und auf die Dunkelheit eingeschworen. Ein kommendes Feuer, das selbst die LORNA SHORE-Gläubigen fassungslos machen wird.Als die Welt im Jahr 2020 stillstand, tauchten LORNA SHORE tiefer in die kreativen Instinkte ein, die sie ursprünglich mit bahnbrechenden Alben zu einer festen Größe in der extremen Metal-Szene machten: 2015's 'Psalms' und 2017's 'Flesh Coffin'. Seitdem haben sie Einflüsse und Ideen miteinander verwoben, die von der symphonischen Grimmigkeit des europäischen Black Metals bis hin zu den komplexen, tödlichen Klangformeln des Death Metals und der auralen Intensität des Hardcore reichen. Was LORNA SHORE erreicht haben, ist ein neues Level an geschwärzter Technizität und der nächste Schritt auf ihrer Darkside-Reise. Verschönert mit dem Artwork des bekannten polnischen Malers Mariusz Lewnadowski (Bell Witch, Fuming Mouth) bekräftigt '...And I Return to Nothingness' den kreativen Fokus und die Intensität von LORNA SHORE. Die drei Tracks der EP: 'To the Hellfire', 'Of the Abyss' und der Titeltrack sind der Beweis, dass LORNA SHORE nicht nur ihr feuriges Vermächtnis fortsetzen. Sie entfachen es und setzen ihr eigenes Vermächtnis spektakulär in Brand.'...And I Return to Nothingness' ist nun als schwarze LP+CD mit Ätzung auf Seite B erhältlich.

Die 26-jährige Ravensburgerin lässt uns mit ihrem mittlerweile dritten Studioalbum hören und spüren: Nicht nur die Welt hat sich drastisch verändert. Auch LOTTE hat künstlerisch sowie persönlich eine grundlegend-extreme Metamorphose durchlaufen.Auf "WORAN HÄLTST DU DICH FEST, WENN ALLES ZERBRICHT?" macht LOTTE ihre Gefühlswelt so greifbar wie nie - und damit auch angreifbar. Es ist eine akustische Reise zu sich selbst, zurück zum Ursprung, zu dem, was bleibt. Eine Geschichte übers Friedenschließen mit dem, was ist. Eine Einladung, sich selbst anzunehmen, mit all seinen Schwächen und sich selbst ein:e gute:r Freund:in zu sein, weil man sich selbst am Ende doch immer mitnimmt, egal wohin man geht.Es ist ein Album, in dem die Geschichte ganz vorne steht. Mit den bereits veröffentlichten Singles "SO WIE ICH", "ANGST (IRGENDWANN WIRD ES BESSER)" und "LASS DIE MUSIK AN", beweist LOTTE bereits, wie mutig Musik sein kann. Sehr stimmlastig produziert, hört man die Interpretin den Text fühlen, atmen und merkt: Hier haben Worte noch Gewicht.

Was tun, wenn man Desert Rock und Doom aus der Wüste mag, die Umgebung aber alles andere als besonders trocken ist? BESVÄRJELSEN haben auf beeindruckende Weise eine Antwort in den dunklen Wäldern ihrer schwedischen Heimat Dalarna gefunden. Aufgewachsen am Schnittpunkt altnordischer und finnischer Kulturen im hohen Norden, umgeben von Runen und alten Göttern, Schamanen und Geistern, hat das fesselnde Quintett seinen Namen aus dem schwedischen Wort für "Beschwörung" abgeleitet. Außerdem lassen sich die Nordschweden nur zu gern von lokalen Überlieferungen, der Mystik und den dunklen, alten Musiktraditionen ihrer Heimat inspirieren. Doch BESVÄRJELSEN sind alles andere als eine weitere "Pagan Folk"-Band, die sich nach einer Zeit zurücksehnt, die niemals war. Mit wehmütigen Melodien und gleichzeitig mächtiger Riff-Power macht ihr zweites Album "Atlas" einen großen Schritt auf dem Pfad, den BESVÄRJELSEN von Anfang an eingeschlagen haben. Die Gitarristen und Sänger Andreas Baier und Staffan Stensland Vinrot haben die Band im Jahr 2014 mit der klaren Vision gegründet, den Geist und die Traditionen der weiten Wälder Dalarnas, einer Region, die sonst eher für ihre bemalten Holzpferde bekannt ist, in zeitgenössische Heavy-Musik zu transformieren. Als die Sängerin Lea Amling Alazam mit ihrer Leidenschaft für Punk- und Stoner-Rock, die im örtlichen Skatepark im zarten Alter von 13 Jahren begann, zur Besetzung stieß, reduzierten Andreas und Staffan ihren Gesang gerne auf eine Nebenrolle. Die Entscheidung fiel leicht, da Leas unverwechselbare Stimme die Intimität und das Charisma von Sängerinnen wie NINA SIMONE oder AMY WINEHOUSE heraufbeschwört. BESVÄRJELSEN veröffentlichten im Jahr 2015 ihre Debüt-EP "Villfarelser" und kurz darauf folge die "Exil" EP (2016). Das Debütalbum "Vallmo" der Schweden detonierte im Jahr 2018 in Stockholm und schaffte es bis in den staatlichen Rundfunk, kam aber auch anderen Orts hervorragend an. Das Album verband krachende Riffs und stürmische Drums mit ausgefeilten Melodien und nachdenklichen Themen. Mit ihrer Mini-Album "Frost" wollten BESVÄRJELSEN im Jahr 2019 die Bühnen in ganz Europa erobern, bevor auch die Schweden in den nächsten zwei Jahren eine Zwangspause einlegen mussten. Obwohl die Band gezwungen war, getrennt zu komponieren, nutzte BESVÄRJELSEN die freie Zeit, um eine Fülle von Ideen zu sammeln. Diese teilten die Musiker über die Meilen und Monate ihrer relativen Einsamkeit hinweg miteinander, bis sie schließlich im Jahr 2021 die Aufnahmen zu "Atlas" mit dem Produzenten Karl Daniel Lidén begannen. Mit melancholischen Harmonien, die aus dem Skizzenbuch von ALICE IN CHAINS stammen könnten und einer Heaviness, die Windhand zur Ehre gereichen würde, haben BESVÄRJELSEN einen massiven musikalischen Monolithen aus dem lokalen Granit gemeißelt und dann in den magischen Wäldern ihrer Heimat aufgestellt, um dessen Kraftlinien über die gesamte vom Titanen "Atlas" geschulterte Erdkugel zu schicken.

”Hands” ist das neue Album der in Irland geborenen und in Berlin lebenden Künstlerin Wallis Bird. Nicht ohne Grund ziert das Cover ein Schwarz-Weiß-Foto der Hand der Künstlerin, so wie Wallis Bird erklärt: ”Mit 18 Monaten bin ich unter einen Rasenmäher gefallen und habe mir alle Finger abgeschnitten”. In ”Hands” - auch bekannt als ’Nine and a Half Songs For Nine and a Half Fingers’ - stellt die Künstlerin sich selbst ins Rampenlicht und spricht Themen an, die manchmal viel schwieriger zu bewältigen sind, nur um dann optimistisch und heil daraus hervorzugehen. Dazu gehören Fragen des Vertrauens, des Alkoholmissbrauchs, der Stagnation, der Selbstzensur und der Selbstverbesserung, von denen einige durch
persönliche Erinnerungen an entscheidende Momente, die sich in den letzten zwei Jahren angesammelt haben, angesprochen werden. Jedes dieser Themen wird jedoch von einer Stimme vorgetragen, die mit Freude, Einfallsreichtum und Einfühlungsvermögen gesegnet ist.

Am 27.05. veröffentlichen Taking Back Sunday „Tell All Your Friends (20th Anniversary Edition)! “Tell All Your Friends” ist das bahnbrechende Debütalbum von Taking Back Sunday aus Long Island. Mit den Hit-Singles ”Cute Without The ’E’ (Cut From The Team)”, ”Great Romances of the 20th Century” und ”You’re So Last Summer” ist das Album hochgelobt und hat in den letzten 20 Jahren Künstler aller Größen und Genres beeinflusst.

Diese 20th Anniversary Edition mit 2 Discs enthält als Bonus eine 10” mit vier bisher unveröffentlichten Demos.

XFLR-7 - ein geheimes Forschungsprojekt - ist in Gefahr! Unbekannte Gangster scheinen den Diebstahl der geheimen Unterlagen zu planen, doch der einzige Zeuge, den Justus, Peter und Bob befragen können, ist ein Halsbandsittich namens Huxley. Damit die Konstruktionspläne von XFLR-7 nicht in die falschen Hände geraten, müssen die drei ??? ihr Können unter Beweis stellen. Werden die Detektive das Geheimprojekt retten?Mitwirkende: Erzähler: Axel Milberg/ Justus Jonas, Erster Detektiv: Oliver Rohrbeck/ Peter Shaw, Zweiter Detektiv: Jens Wawrczeck/Bob Andrews, Recherchen und Archiv: Andreas Fröhlich/ Kendra Bowman: Sandra Schwittau/ Huxley, der Sittich: Achim Buch/ Matt: Manfred Liptow/ Carol: Gerlinde Dillge/ Trevor: Peter Kaempfe/ Officer: Torsten Münchow/ Reginald: Malte Janßen/ Blacky: Heikedine KörtingBuch und Effekte: André Minninger/ Geräusche: Helge Halvé/ Redaktion: Maike Müller/ Regie und Produktion: Heikedine Körting/ Titelmusik: Simon Bertling & Christian Hagitte (STIL)/ Musik: Jan Friedrich Conrad, Peter Morgenstern, Constantin Stahlberg/ Coverillustration: Silvia Christoph/ Design: Atelier SchoedsackBased on characters created by Robert Arthur. Basierend auf dem gleichnamigen Buch von Hendrik Buchna, erschienen im Kosmos Verlag, Stuttgart © 2021 (P) & © EUROPA, a division of 2022 Sony Music Entertainment Germany GmbH

Neues Album des Liverpooler Singer-Songwriters Michael Heads (The Pale Fountains, Shack), vom NME als 'einer der begabtesten britischen Songschreiber seiner Generation' bezeichnet und von zahlreichen Songwriter-Kollegen verehrt. 'Dear Scott' wurde von den besten Musikern aus Merseyside, darunter dem Produzenten Bill Ryder-Jones (The Coral), geformt und ist dem Romanautor F. Scott Fitzgerald gewidmet. Die 12 Songs vereinen Ryder-Jones' Kunstfertigkeit mit der ausserordentlichen Musikalität der Red Elastic Band zu einem schimmernden Juwel.

Cabin Boy Jumped Ship läuten mit ihrem Album "Sentiments" eine neue Ära ein! Sie zeigen auf ihrem Labeldebüt bei AFM womit die Metalszene zu rechnen hat: Diese Band mischt Elektro und Metal und nennt dies Electronicore, der die Tanzflächen der Clubs weltweit in pulsierende Moshpits verwandelt.

Cabin Boy Jumped Ship aus Leicestershire, UK explodierte Ende 2013 in die Szene und tourte seitdem durch die ganze Welt und teilte die Bühnen mit einigen der größten Acts der Metalszene. Die Band hat zwei EPs und ein Album veröffentlicht, die auf verschiedenen Plattformen millionenfach angehört wurden, mit Beiträgen von Künstlern wie Fronz (Atilla) und James Harrsion (Oceans Ate Alaska), um nur einige zu nennen. Das neue Album "Sentiments" gehört zu den bisher besten Arbeiten der Band. Aufgenommen und gemastert wurde es von den renommierten Produzenten des Innersounds Studios, die für Werke wie Asking Alexandria und Glamour Of The Kill verantwortlich sind. Während sich die Welt nach langer Zeit wieder zu öffnen beginnt, ist die Band bereit die Szene des modernen elektronisch getriebenen Metals im Sturm zu erobern.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

"Stand in Your Light" ist eine Herzensangelegenheit. Die Liebe zur Musik und die Leidenschaft für Rock tropft bittersüß aus jeder Honigwabe der getragenen Melodien, die VENUS PRINCIPLE für ihr Debüt geschaffen haben. Obwohl es sich um den Erstling des britisch-schwedischen Kollektivs handelt, lässt sich die Reife und hart erarbeitete Erfahrung der beteiligten Veteranen aus jeder dieser Hymnen für die Geschundenen und Geplagten klar heraushören. Im Zentrum von "Stand in Your Light" steht der klassische Rock, dem VENUS PRINCIPLE jedoch ihren eigenen Stempel aufdrücken. Dabei treten besonders die Elemente Dunkelheit und Schmerz hervor, die eine schreckliche musikalische Schönheit erzeugen. Doch ebenso wie es keinen Schatten ohne Licht gibt, liefern die britisch-schwedischen Musiker als Kontrast auch zarte Momente der Hoffnung und Wärme. Gerade in diesen scheinbaren Widersprüchen schimmert aus "Stand in Your Light" der Metal-Aspekt einiger beteiligter Musiker durch und bietet Balsam für die Wunde, die das Ende von ANATHEMA geschlagen hat. VENUS PRINCIPLE wurden im Herbst 2019 gegründet, nachdem sich mehrere ihrer Mitglieder von CRIPPLED BLACK PHOENIX getrennt hatten. Da sich trotz der Trennung ihre Liebe zum dunklen, melodischen Art-Rock und zur psychedelische Musik aber keineswegs erkaltet hatte, beschloss die Gruppe enger Freunde noch weitere gute Bekannte zu rekrutieren, unter denen sich aktive und ehemalige Mitglieder von AT THE GATES, ISON, TACOMA NARROWS BRIDGE DISASTER und LOUISE LEMÓN befanden. Damit war die neue Rockband VENUS PRINCIPLE geboren. Obwohl "Stand in Your Light" ganz am Anfang einer langen Karriere steht, liefern VENUS PRINCIPLE bereits ein ausgereiftes Meisterwerk ab. Dieses Album vollbringt das schwierige Kunststück, die Anhänger von Rock und Metal gleichermaßen zu begeistern.

Der Soundtrack zum Disney Kino Highlight in 2021 mit brandneuen Songs von von Emmy®-, GRAMMY®- und Tony Award®-Gewinner Lin-Manuel Miranda (”Hamilton”, ”Vaiana”) wird die Zuhörer in die musikalische Welt Kolumbiens entführen. Auf dem deutschen Soundtrack steuert der internationale Superstar Alvaro
Soler den gefühlvollen Song ”Oruguitas” bei.

”Encanto” von den Walt Disney Animation Studios erzählt die Geschichte der Madrigals, einer außergewöhnlichen Familie, die versteckt in den Bergen Kolumbiens lebt, in einem magischen Haus, in einer lebendigen Stadt, an einem wundersamen, verzauberten Ort, einem so genannten ”Encanto”. Durch die Magie des
Encanto wurde jedes Kind der Familie mit einer einzigartigen Gabe gesegnet, von Superkräften bis hin zur Fähigkeit zu heilen - jedes Kind, bis auf Mirabel. Doch als sie entdeckt, dass die den Encanto umgebende Magie in Gefahr ist, stellt Mirabel fest, dass sie, die einzige gewöhnliche Madrigal, die letzte Hoffnung ihrer
außergewöhnlichen Familie sein könnte.

Extravaganter als Elton John, catchy wie ABBA, intensiv wie Slipknot und cooler als Limp Bizkit – all das und mehr ist TROLLFEST. Nach ihrer Napalm Records Debüt-EP Happy Heroes, kehren TROLLFEST mit ihrem neunten offiziellen Studioalbum Flamingo Overlord am 27. Mai 2022, zurück und liefern elf Tracks, die zweifellos neue Fans überzeugen und die alten begeistern werden.

Auf Flamingo Overlord verbinden TROLLFEST ihre Liebe zur Musik in all ihrer Vielfalt mit Extravaganz, Ausgelassenheit, Wahnsinn und einer Ansteckungskraft, die sich nur als pures K.A.O.S. beschreiben lässt. TROLLFEST wurde 2003 von Gitarrist John Espen Sagstad (Mr. Seidel) und Sänger Jostein Austvik (Trollmannen) gegründet und machte sich mit energiegeladenen Auftritten auf renommierten Festivals wie dem Wacken Open Air, 70.000 Tons of Metal und Summer Breeze einen Namen. Die Band erreichte Millionen von Streams auf allen Plattformen und hat sich eine treue Fangemeinde erspielt, die TROLLFESTs einzigartige Fähigkeit schätzt, Genres mit ihrem K.A.O.S.-getriebenen Sound zu verschmelzen. Die erste Single
des neuen Albums, ””Dance Like A Pink Flamingo””, brachte ihnen sogar die Teilnahme am norwegischen Melodi Grand Prix ein, der Qualifikationsshow für den renommierten Eurovision Song Contest!

Django Django veröffentlichen zum 10-jährigen Jubiläum die Ausgabe ihres selbstbetitelten, für den Mercury Prize nominierten Debütalbums. Django Django gründeten sich 2009 im schottischen Edinburgh. Zunächst einmal jedoch galt es für die vier Herrschaften, das Kunststudium zu beenden. Dann folgte der Umzug nach London, das Debüt-Album in den UK – und Lobeshymnen der Kritiker.

Django Djangos Musik ist eine atmosphärisch dichte Mischung aus Art-, Dance- und Psychedelic Rock. „Django Django (10th Anniversary)“ erscheint als limitierte 3LP mit exklusiven Remixes von Mad Professor Dub.

Als REGENER PAPPIK BUSCH überraschten Sven Regener (Trompete), Richard Pappik (Schlagzeug) und Ekki Busch (Klavier), alle drei bekannt als Musiker der Gruppe ELEMENT OF CRIME im letzten Jahr mit „Ask Me Now“, einer Jazzplatte der ganz besonderen Art. Und gelangten damit auch gleich an die Spitze der Deutschen Jazz Charts im Monat März.

Nun legen sie nach mit „Things To Come“. Und auch auf dem zweiten Album bleiben sie ihrem Konzept treu: Klassikern des Modernen Jazz eine neue, eigenwillige, vor allem aber auch wilde und exzentrische
Interpretation zu geben.

REGENER PAPPIK BUSCH sind ein durchaus ungewöhnliches Trio.
Der Sound ist zuweilen hart und direkt, zuweilen aber auch ausgesprochen zärtlich und cool. Sie schlängeln sich - zwischen Minimalismus, musikalischem Brutalismus und Jazzklassizismus changierend - durch ein Repertoire ausgesprochen berühmter Stücke von Thelonius Monk, John Coltrane, Charlie Parker, Miles
Davis, Ornette Coleman et alteri und drücken ihnen ihren eigenen, unverwechselbaren Stempel auf. Der Blues als Brücke, als wichtiges Element, gepaart mit der Liebe zum Modernen, zum etwas Schrägen, zum Avantgardistischen, was sowohl ELEMENT OF CRIME im Rock, als auch REGENER PAPPIK BUSCH im Jazz auszeichnet.

Some of the greatest tracks of the Porugese singer who made Fado popular in the rest of the World!

Der Soundtrack zum Disney Kino Highlight in 2021 mit brandneuen Songs von von Emmy®-, GRAMMY®- und Tony Award®-Gewinner Lin-Manuel Miranda (”Hamilton”, ”Vaiana”) wird die Zuhörer in die musikalische Welt Kolumbiens entführen. Auf dem deutschen Soundtrack steuert der internationale Superstar Alvaro
Soler den gefühlvollen Song ”Oruguitas” bei.

”Encanto” von den Walt Disney Animation Studios erzählt die Geschichte der Madrigals, einer außergewöhnlichen Familie, die versteckt in den Bergen Kolumbiens lebt, in einem magischen Haus, in einer lebendigen Stadt, an einem wundersamen, verzauberten Ort, einem so genannten ”Encanto”. Durch die Magie des
Encanto wurde jedes Kind der Familie mit einer einzigartigen Gabe gesegnet, von Superkräften bis hin zur Fähigkeit zu heilen - jedes Kind, bis auf Mirabel. Doch als sie entdeckt, dass die den Encanto umgebende Magie in Gefahr ist, stellt Mirabel fest, dass sie, die einzige gewöhnliche Madrigal, die letzte Hoffnung ihrer
außergewöhnlichen Familie sein könnte.

'The Web Planet' ist eine 12-seitige Comicgeschichte mit dem Ersten Doctor, die in 6 Teilen 1965 im BBC TV erschien. Ursprünglich hatte die Geschichte keinen Titel. Diesen erhielt sie in einer Auflistung aller Comic-Geschichten mit dem Ersten Doctor im Terrestrial Index. Demon Records veröffentlicht erstmalig ein Audio-Format der gesuchten Folgen aus der Doctor Who-Kultserie.
Auf drei 180 Gr. LPs (Pink Vinyl) die in einer formschönen Box kommen, wird das Hörspiel 1:1 wiedergegeben. Acht illustrierte Beilagen im LP-Format runden diesen wertigen weiteren Release aus der Doctor Who-Vinyl-Retrospektive ab!

Generation '22: Chanson mit Seele

Wenn andere Jubiläen begehen, dann schwelgen sie in Erinnerungen. Le Pop ist anders:
Unsere Nummer 10 schaut nach vorn. Sie ist jünger, femininer und souliger als ihre
Vorgänger. Und stellt 16 neue Namen vor, die zuvor auf keiner anderen Ausgabe zu finden
waren. Die neuen Stars heißen Emma Peters, Iliona, UssaR, P.R2B, Ariane Roy und
Clou. Viele dieser Namen stehen am Anfang ihrer Karriere, haben bisher erst eine EP, ein
Album oder ein paar Singles draußen und doch ist spürbar, dass diese neue Generation das
Nouvelle Chanson prägen wird. Nicht alle sind Newcomer, aber Künstlerinnen und Künstler
wie KCIDY, Voyou, Malik Djoudi und Laura Cahen haben in den letzten 4 Jahren (so lange
ist Le Pop 9 schon draußen) eine so fulminante Entwicklung gemacht, dass wir sie diesmal
unbedingt vorstellen wollten. Dazu gesellen sich Schauspielerinnen wie Edwige, Elisa Erka
und Suzanne Lindon, die sich zum ersten Mal als Sängerinnen präsentieren. Ganz
besonders erwähnenswert: Camélia Jordana – einerseits als Musikerin in der Charts-Welt
etabliert, anderseits César-prämierte Schauspielerin, trägt sie in dieser illustren Runde sicher
den glamourösesten Namen.

Doch was macht sie aus, diese neue Generation? Zuerst einmal das Offensichtlichste: Nur
vier der hier vorgestellten Stimmen sind männlich. Das Chanson wird weiblicher und
orientiert sich damit an den Erfahrungen der letzten 20 Jahre. Denn meistens waren es die
Frauen der aktuellen Szene, die sich in der Breite auch im Ausland durchgesetzt haben (man
denke nur an Zaz, Coeur de pirate und Angèle). Le Pop 10 ist nicht nur femininer, die neue
Generation ist auch viel stärker durch die Präsenz von HipHop und R'n'B geprägt. Ein
richtiges Crossover findet zwar nicht statt, dafür merkt man, dass das heutige Chanson
grooviger geworden ist, soul-lastiger auch und punktuell tatsächlich Rap-Anklänge mitliefert.
Besonders deutlich wird das bei P.R2B, die gelegentlich in den Sprechgesang wechselt, bei
Emma Peters, die sogar ein ganzes Album mit Coverversionen von französischen Rap- und
R'n'B-Hits veröffentlichte, bevor sie eigene Songs aufnahm und bei UssaR, der als
Bühnenmusiker auch Rapper wie Kery James und Youssoupha begleitet. Vielleicht nicht
ganz so deutlich, aber wunderschön und subtil binden Iliona aus Belgien (was für eine
Entdeckung!) und Ariane Roy aus Kanada Soul-Elemente in ihre Musik mit ein. Selbst bei
Uptempo-Nummern wie "Le confort" von Voyou ist ein Hauch Motown zu spüren.
Selbstverständlich fehlt auch diesmal nicht der Einfluss von britischem Pop und Americana.
Die Band Palatine etwa ist gitarrenlastig, bringt Folk-Elemente mit und verbindet dies sehr
elegant mit Chanson-Tradition. Bei Laura Cahan finden wir Einflüsse der Cocteau Twins,
Kate Bush aber auch Anklänge an Camille oder Keren Ann. Eine erstaunliche Entwicklung
legte KCIDY hin, die nach einer längeren Phase des Experimentierens mit Elektro und Wave
auf einmal einen mit Vocal-Harmonien, Kraut- und 70ies-Elementen veredelten Gitarrenpop
aus dem Hut zaubert, der nur theoretisch aus der Zeit zu fallen scheint und sich doch ganz
harmonisch in den Gesamtklang der Compilation einfügt.

Und dann ist da auch noch Edwige, eine belgische Schauspielerin, der es nicht mehr
genügte gelegentlich auf Theaterbühnen zu singen. Sie hat ein traumhaftes, in dezenten
Gitarrenarrangements ausgekleidetes Debüt-Album aufgenommen, das im Herbst 2022
erscheinen soll. Ihren Song "Corps & Ame" hat sie uns vorab exklusiv für diese Compilation
überlassen. Den Tipp, uns mit Edwige zu beschäftigen, bekamen wir übrigens von Albin de
la Simone (seit Le Pop 2 immer wieder vorgestellt), der auch schon ein Duett mit ihr
aufgenommen hat.

Mit De La Simone, seit seiner Arbeit für Carla Bruni und das Durchbruch-Album von Pomme
(Le Pop 9) einer der meist gebuchten Produzenten der Szene, sprachen wir anlässlich
seines Konzerts bei der Kölner Reihe "Le Pop La Série" über junge Künstlerinnen wie Iliona,
Clou, Emma Peters und über deren Karrierewege. Dabei machte er uns auch auf Ariane
Roy aufmerksam. Wie sie sind viele der hier vorgestellten Namen Labelmates oder Protegés
etablierter Künstler.

Das sind nicht immer zufällige Beziehungen. In Frankreich erntet das neue Chanson zudem
immer mehr die Früchte des Casting-Show-Booms der letzten 15 Jahre. Hier bekommen
viele Teilnehmer irgendwann die Chance mit renommierten Musikern zusammenzuarbeiten.
Carla de Coignac zum Beispiel flog zwar noch vor dem Finale bei "Nouvelle Star" (2017)
aus dem Wettbewerb, trotzdem nahm Louane (die bei der Konkurrenz-Sendung "L'école des
stars" entdeckt wurde) fünf Songs in ihr Repertoire auf, die die Aussortierte für sie
geschrieben hatte. Teilnehmerin der gleichen Show war auch Camélia Jordana, allerdings
schon 2009. Jordana scheiterte damals im Halbfinale, bekam aber beim Major Sony einen
Vertrag. An ihrem Debüt-Album arbeitete sie mit Jean Felzine (Mustang, auf Le Pop 8
vorgestellt), BabX (Le Pop 8), "L" (Le Pop 7) und Mathieu Boogaerts (seit Le Pop 1 dabei)
zusammen. Inzwischen ist Jordana in der Musik- und Filmwelt etablierter Star und Celebrity.
Wir lernten sie abseits glamouröser Welten bei einer "sièste acoustique" kennen, einem
speziellen Konzertformat in Paris, bei dem das Publikum tatsächlich Siesta hält. Dort trat sie
mit Le Pop-Künstlern wie Armelle Pioline (Holden), BabX und Siesta-Gastgeber Bastien
Lallemant auf. An diesem Beispiel sieht man einmal mehr, wie durchlässig die französische
Szene geworden ist. Jordana ist heute ihre eigene Songwriterin – bei dem hier vorgestellten
Song, dem wunderbar groovenden "Jusqu'au bout des cils" stammen Musik und Text aus
ihrer Feder.

Der Mainstream zeigt sich immer wieder offen für Impulse von Indie-Acts, Kooperationen
zwischen diesen scheinbar gegensätzlichen Szenen sind inzwischen nahezu
selbstverständlich und verschaffen dem Underground zusätzliche Unabhängigkeit.
Le Pop 10 zeigt die Vielfalt dieser Welt auf authentische Weise und formt daraus eine
kohärente Einheit. Wie immer hat auch diese neue Ausgabe keinen Anspruch auf
Vollständigkeit. Wir lassen bewusst Künstler außen vor, die manche Fachleute hier erwarten
würden, die aber nicht "unsere Tasse Tee" sind. Im Vergleich zu ihren Anfängen ist die
Szene heute dynamischer und diverser. In den 50er und 60er Jahren haben Jazz und Brazil
ihre Einflüsse im Chanson der Gegenwart hinterlassen. Zu Beginn der Le-Pop-Reihe waren
es Indie, Electro und Reggae. Heute sind darüber hinaus die Einflüsse von HipHop und R'n'B
zu spüren. Das neue Chanson ist in Bewegung und wird es sicher auch in Zukunft bleiben

Die Berliner Band il Civetto ist am vorläufigen Ende einer kreativen Reise bei sich selbst angekommen, indem sie sich neu erfunden hat: Auf ihrem dritten Album »Späti del Sol« gelingt der Band mit sehnsuchtsvollen Melodien und mitreißender Gute-Laune-Musik eine neue Pop-Internationale. Fühl- und Erlebbarkeit ist auf »Späti del Sol« der Schlüssel. Die wehmütige Ballade »Barbazan« führt direkt in die Spätsommertage der französischen Pyrenäen, das elegant flirrende »Couscous mit Auberginen« lässt ohne Umwege die Aromen im Kopf explodieren, die durch ein Wechselbad der Gefühle swingende »Viel zu viel« zieht einen aus dem täglichen Hamsterrad direkt auf den Dancefloor. Der Titelsong »Späti del Sol« vertont Fernweh, Sehnsucht und das Gefühl, unterwegs zu sein ebenso wie die positive Energie einer lauen Sommernacht bei Rotwein mit gutem Essen und noch besseren Gesprächen. Kein Zufall: Der Mikrokosmos Späti hat in der Geschichte dieser Band eine zentrale Bedeutung: »Als wir früher in der U-Bahn gespielt haben, war vorher immer Treffpunkt am Späti«, sagt Sänger Leon Keiditsch, »und auch jetzt haben wir uns während der Pandemie mit Vorliebe am Späti versammelt.« Mit dieser von Liebe und Wärme erfüllten Musik haben sich il Civetto nun gewissermaßen einen eigenen Späti gebaut: Es ist ein utopischer Ort, an dem alle willkommen sind und wo der spielerisch-poetische Umgang mit Sprache und Musik den Gästen für einen Moment die Schwere nimmt - und sie sie leicht und beschwingt gen Himmel steigen lässt. Wie Friedenstauben. Da il Civetto ihre gesellschaftlichen und politischen Anliegen ebenso wichtig sind, wie die Musik selbst, sind die neuen Songs auf Deutsch getextet. Durchaus ein künstlerisches Wagnis, das aber voll und ganz aufgegangen ist. il Civetto haben für »Späti del Sol« eine derart hochpoetische, tänzelnde und sehnsuchtsvolle Pop-Sprache entworfen, dass man sich diese Lieder gar nicht mehr anders vorstellen kann. il Civetto sind auf »Späti del Sol« durchgehend »En Route«, also unterwegs, so der Titel eines weiteren, besonders gelungenen Songs, der die Bewegung mit hymnischer Kraft in sich aufgesogen hat, in der die Musiker sich zu großen Teilen der Produktion dieses Albums befanden.Es ist noch nicht so lange her, als nicht Protektionismus und Abschottung, sondern Ideen von einer gerechteren und besseren Welt die Diskurse beherrschten. il Civetto erinnern uns wieder daran - mit unwiderstehlichen Hits, zu denen man auf die Straße rennen, im Regen tanzen, wildfremde Menschen umarmen und im »Späti del Sol« Bier trinken will. Am Sehnsuchtsort »Späti del Sol« werden Visionen von einer gerechteren Welt im Geiste des Pop wahr, deshalb ist diese Musik so gut. Die Reise von il Civetto ist längst noch nicht zu Ende!"Späti del Sol" ist in Zusammenarbeit mit den Produzenten Ralf Christian Mayer (Cro, Clueso, Mark Forster) und Tim Tautorat (AnnenMayKantereit, Faber, Provinz) entstanden und ist ab 20.05.22 als CD & limitierte Vinyl & digital als Stream und im Download erhältlich und ab sofort vorbestellbar. Im Sommer ist die Berliner Band deutschlandweit auf der Späti del Sol Tour & Festivals live erlebbar.

Als eine der spannendsten, neuen Stimmen im Alternative-Bereich haben Porridge Radio sich innerhalb von nur einem Jahr mit ihrem Album Every Bad (2020) von den DIY-Lieblingen hin zur Mercury Prize nominierten Band gewandelt. Mit Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky kündigen Porridge Radio heute ihr drittes Studioalbum für den 20. Mai via Secretly Canadian an. Während Every Bad die scharfsinnige und offenherzige Ehrlichkeit von Frontfrau Dana Margolin offenbarte, befördert Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky dies auf ein neues hymnisches Level. Dies ist der Sound einer Person Ende Zwanzig, die sich den Enttäuschungen der Liebe und des Lebens stellt und herausfindet, wie man in dieser Welt existiert - ohne dabei so zu tun, als wüsste sie alle Antworten. Ganz nebenbei ist das Ganze höllisch eingängig. Das Album beginnt mit "Back To The Radio" als kraftvoller Aufruf, der einen Kontrast zu Margolins Lyriks um Panik und Abgeschiedenheit zeigt ("lock all the windows and march up the stairs"), bis sich ein stürmischer Chorus aufbauscht, der einen sofort all seine Freund*innen fest umklammern lassen möchte. Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky ist wie ein surreales Gemälde, das teilweise durch eine Collage der Künstlerin Eileen Agar inspiriert ist und an das Unter- und Eintauchen, heikle Lagen und existentielle Lebensängste der letzten Zeit erinnert und gleichzeitig aus der Erzählung der Jakobsleiter aus dem Alten Testament schöpft, die wiederum "symbolizes the ups and downs of human life, of virtue and transgression", erklärt Margolin. Die Vorstellung, dass ein emotionaler Zustand nicht ausschließlich binär ist, ist dabei wesentlich für das neue Album. "With this album, the feelings of joy, fear and endlessness coexist together", fügt Margolin hinzu.

Back in stock !

Brian Eno hat den Begriff Ambient Music geprägt und berühmt gemacht - die Musik aber hat er nicht allein erfunden. Brüder im Geiste waren die deutschen Musiker Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius (Cluster). Es ist müßig, darüber zu spekulieren, wer wen beeinflusst hat, die Idee der Ambient-Musik lag Mitte der 70er-Jahre einfach in der Luft. Fakt ist, dass Brian Eno 1975 ein Konzert von Cluster in Hamburg besuchte. Er stellte sich strategisch günstig in die erste Reihe, und erwartungsgemäß bat man ihn zu einem Jam auf die Bühne. Nach dem Konzert verabredete man ein Treffen, das dann 1977 stattfand. Drei Wochen lang waren Eno und Cluster im Studio von Conny Plank. Zwei Alben entstanden daraus: "Cluster & Eno" sowie "After The Heat". Ersteres ist ohne Übertreibung das erste in Deutschland produzierte Ambient-Album. "After The Heat" ist jedoch etwas völlig anderes. Während auf "Cluster & Eno" die Handschrift von Cluster zu lesen ist (und Enos Ambient-Konzept die Hand führt), ist "After The Heat" eher ein Eno-Album mit den Stilmerkmalen der Cluster-Musik.

Der aufstrebende Indie-Singer-Songwriter und Künstler Avi Kaplan hat die bevorstehende Veröffentlichung seines Debüt-Soloalbums „Floating On A Dream“ für den 20. Mai 2022 über Fantasy Records angekündigt.Mit Country, Blues, Soul, Tribal Drums und einem Hauch von Gospel untermauert er seinen elementaren, akustisch getriebenen Rock und erkundet in den 11 Original-Tracks des Albums Herzensangelegenheiten, Wahrheit, Moral und die Suche nach Relevanz. Im Mittelpunkt steht jedoch seine Stimme. Von einem
eindringlichen Falsett bis hin zu den tiefsten Basstönen ist Kaplans Instrument mit nichts anderem in der modernen Musik vergleichbar. Während einige dieser Songs kurz nach Kaplans Ausstieg bei Pentatonix im Jahr 2017 entstanden sind, wurden die meisten speziell für dieses Projekt geschrieben. Was sie zusammenhält, ist der Reichtum und die Flüssigkeit seines Stimmumfangs, der selbst langjährige Fans überraschen dürfte. „Floating On A Dream“ vertieft eine musikalische Entwicklung, die mit der 2020 erschienenen „I’ll
Get By“ EP begann und sich in der letztjährigen Single „Song for the Thankful“ fortsetzte, und erforscht Kaplans breite Klangpalette und seine rootsigen Einflüsse. Das Album ist als CD und LP erhältlich.

Melody Gardots Traumstimme hat unzählige Fans längst erobert. Ihr neues Album stellt diese Stimme jetzt verführerisch in den Mittelpunkt, nur begleitet von Pianist Philippe Powell. ”Entre eux deux“ ist eine Oase der Ruhe und musikalischen Konzentration. Als würde Gardot einem direkt ins Ohr flüstern, singt sie großartige neue Songs aus eigener Feder, die einem wie halbvergessene Evergreens erscheinen.

Dass bis auf einen Titel aus Feder von Filmmusik-Legende Francis Lai und einem von Philippe Powells berühmtem Vater Baden Powell alle Songs von Gardot und Powell selbst geschrieben wurden, ist eine
weitere Überraschung dieses Albums, das mit Sinnlichkeit und Melancholie gewinnt.

Nachpressung des Albums von 2015. Obwohl er vielleicht nicht so bekannt ist, hat sich die sinnträchtige, deutlich amerikanische Musik von Kenniff zu einem allgegenwärtigen Sound gemausert, der im Radio, in Filmen, im Fernsehen und in Werbung von Apple, Facebook, Google und anderen auftaucht. Aufgenommen über drei Jahre hinweg fungieren die Songs auf seinem neuen Album ,Sometimes" wie ein Tagebuch, das die kurzen Momente am Tag dokumentiert, in denen Kenniff sich für Trost und unendliche kreative Möglichkeiten dem Klavier zuwandte. Kenniff schrieb und nahm alles auf dem Album selbst auf, mit der Ausnahme von ,A Word I Give", das eine Kollaboration mit dem japanischen Pianisten Ryuichi Sakamoto ist, der die Musik von GOLDMUND einst als ,so, so, so wunderschön" beschrieb. In einem Interview mit NPR diskutierte Keith Kenniff seine Vorliebe für Musik aus der Zeit des Bürgerkriegs und ihre Möglichkeit, ,in nur wenigen Noten solche Geschichten" zu erzählen. Auch die Improvisationen auf ,Sometimes" schaffen es, trotz ihrer technischen und kompositionellen Einfachheit, tiefgründig zu sein. Subtile Details und Dynamiken drücken das aus, was sonst nicht zu artikulieren wäre. ENG Though he may not be a household name, Kenniff's evocative, distinctly American music has become quietly ubiquitous in the past few years, often appearing on NPR, in films, on TV, and in ads for Apple, Facebook, and Google among others. Recorded over the course of three years, the material on his new album Sometimes functions as a journal, documenting brief moments in Kenniff's day when he could turn to the piano as a source of solace and unending creative possibilities. Kenniff wrote and recorded everything on the album with the exception of the track "A Word I Give", which is a collaboration with preeminent Japanese pianist Ryuichi Sakamoto, who once described Goldmund's music as "...so, so, so beautiful." In an interview with NPR's Weekend Edition Keith Kenniff discussed his appreciation of Civil War era music, and it's ability to covey "...so much story in so few notes." Similarly, these improvisations manage to be richly evocative despite their technical and compositional simplicity, using subtle details and dynamics to express what might otherwise be inexpressible.

Discrepant presents Istanbul based audio/visual artist Koray Kantarcıoğlu's follow-up to his debut album Loopworks (CREP59, 2018).

Whilst the first volume used 60’s and 70’s Turkish records as it source material, Loopworks 2 expands the sampling pool to local records as well as snippets from 70's TV and 80's new age and jazz tapes. This disparate material is mangled and glued together with Koray’s very personal sampling techniques.

This result becomes a dreamy, haunted and enigmatic collection of floating vignettes. Koray also enlists the help of local musicians such as Ekin Fil, who contributed to the album with haunting vocals and sound textures as well as Berke Can Ozcan who adds drums and percussion into the haunted mix.

The LP comes with a bonus CD entitled 'Loopworks 2 Extras', that could be another album itself, created from extra material that couldn’t make it to the LP.
Composed in 2020 and 2021.

Am 20. Mai erscheint das neue Album „The Heart Is Strange“ von xPropaganda, dem gemeinsamen Projekt der ehemaligen Propaganda Mitglieder Claudia Brücken und Susanne Freytag.

Nachdem sich die ursprüngliche Formation von Propaganda 1987 aufgelöst hatte, verfolgten die einzelnen Bandmitglieder von Propaganda verschiedene Soloprojekte und musikalische Abenteuer. Im Frühjahr 2018 fanden sich Claudia und Susanne als xPropaganda wieder zusammen und spielten zwei ausverkaufte Headline Shows in London. Durch diese Erfahrung kreativ inspiriert, traf sich das Duo anschließend mit dem „A Secret Wish” Produzenten Stephen Lipson, um neue Musik zu schreiben.

Die Ergebnisse dieser Sessions, die sich über zwei Jahre erstreckten, sind auf dem neuen xPropaganda Album „The Heart Is Strange” zu hören. Es ist die erste Veröffentlichung nach dem Relaunch des ZTT-Labels und lässt den Stil und die Leidenschaft der Propaganda-Klassiker aufleben, während es mühelos zeitgemäß klingt. Mit seinen markanten Beats, die durch Claudias und Susannes ausdrucksstarken, leidenschaftlichen Gesang wunderbar unterstrichen werden, gehören „Chasing Utopia“, „No Ordinary Girl“ und „Don’t (You Mess with Me)“ zu den herausragenden Stücken.
„The Heart Is Strange“ erscheint als 1CD, Ltd. 2CD und als 1LP.

Jimi Tenor war schon immer so etwas wie ein Renaissance man. Bereits als er seine Heimat Finnland zu Beginn der 1990er Jahre verließ, um zunächst nach New York zu gehen und später quer durch Europa zu ziehen, entdeckte er schnell das, was er als sein Ikigai bezeichnet, seine große Freude im Leben: Musik in DIY-Manier aufzunehmen und zuhause mit einfachen Mitteln zu produzieren, spontan und intuitiv. Daran hat Tenor über die inzwischen mehr als 30 Jahre seiner musikalischen Karriere hinweg stets festgehalten, ganz egal ob auf Solopfaden seiner frühen elektronischen Alben in den 90er Jahren oder später in den unterschiedlichsten Besetzungen und Kollaboration (u.a. Tony Allen, Kabu Kabu oder Abdissa Assefa). "Multiversum" ist nun sein drittes Album beim Hamburger Label Bureau B. Die Zusammenarbeit zwischen Jimi Tenor und Bureau B begann mit der Veröffentlichung der Werkschau "NY, Hel, Barca" im Jahr 2020 und setzte sich im Frühjahr 2021 mit Herausgabe der Raritäten-Sammlung "Deep Sound Learning" fort. Während Tenor in den vergangenen 20 Jahren vor allem Jazz und Afrobeat Platten aufnahm, kehrte er auf der Bühne weiterhin oft zu seinen minimalistischen Wurzeln zurück. Begeistert von dieser Space Musik, die Jimi Tenor nur mit Synthesizer, Flöte und Saxophon ausgestattet während seiner Solo Auftritte erschafft, lud Bureau B ihn ein, endlich auch eine Platte mit diesem einfachen, aber erstaunlich wirkungsvollen Setup aufzunehmen…

Jimi Tenor war schon immer so etwas wie ein Renaissance man. Bereits als er seine Heimat Finnland zu Beginn der 1990er Jahre verließ, um zunächst nach New York zu gehen und später quer durch Europa zu ziehen, entdeckte er schnell das, was er als sein Ikigai bezeichnet, seine große Freude im Leben: Musik in DIY-Manier aufzunehmen und zuhause mit einfachen Mitteln zu produzieren, spontan und intuitiv. Daran hat Tenor über die inzwischen mehr als 30 Jahre seiner musikalischen Karriere hinweg stets festgehalten, ganz egal ob auf Solopfaden seiner frühen elektronischen Alben in den 90er Jahren oder später in den unterschiedlichsten Besetzungen und Kollaboration (u.a. Tony Allen, Kabu Kabu oder Abdissa Assefa). "Multiversum" ist nun sein drittes Album beim Hamburger Label Bureau B. Die Zusammenarbeit zwischen Jimi Tenor und Bureau B begann mit der Veröffentlichung der Werkschau "NY, Hel, Barca" im Jahr 2020 und setzte sich im Frühjahr 2021 mit Herausgabe der Raritäten-Sammlung "Deep Sound Learning" fort. Während Tenor in den vergangenen 20 Jahren vor allem Jazz und Afrobeat Platten aufnahm, kehrte er auf der Bühne weiterhin oft zu seinen minimalistischen Wurzeln zurück. Begeistert von dieser Space Musik, die Jimi Tenor nur mit Synthesizer, Flöte und Saxophon ausgestattet während seiner Solo Auftritte erschafft, lud Bureau B ihn ein, endlich auch eine Platte mit diesem einfachen, aber erstaunlich wirkungsvollen Setup aufzunehmen…

Luzifer wurden im Jahre 2009 von L. Steeler (Bass) und S. Castevet (Gesang, Gitarre, Schlagzeug) in Hamm/Westfalen als Nebenprojekt der im Underground gefeierten Vulture gegründet. 2015 erschien die "Rise"-EP, 2018 gefolgt von der "Black Knight" 7" Single auf High Roller Records.

Mittlerweile ergänzt Vulture-Drummer Gereon Deceiver die Besetzung von Luzifer, der auch auf den sieben Songs des ersten vollständigen Albums "Iron Shackles" zu hören ist. Stefan Castevet erklärt: "Mit Gereons Einstieg bei Vulture hat sich das im Laufe der Jahre so ergeben. Gereon übernimmt so auch bei Luzifer die Drums, macht bei den Background-Chören mit und hat sich am Songwriting beteiligt. In die finale Phase der Vorbereitung hat er viel Energie mit reingebracht, und da ich eh seit vielen Jahren nicht mehr richtig hinterm Schlagzeug gesessen habe, ist er ein echter Segen für die Band (lacht)."

"Soundmäßig wollten wir auf dem Album so klingen wie Quartz bei 'Satan's Serenade' und da zusätzlich so 'ne Sommer-Note reinkriegen wie in Rockers 'Mighty Thor'", umreißt Stefan das stilistische Koordinatensystem von "Iron Shackles". "Ob uns das gelungen ist, weiß ich gar nicht unbedingt. Vieles hat sich im Aufnahme- und Mixing-Prozess dann verselbständigt. Große gezielte musikalische Einflüsse besitzen wir in dieser Form gar nicht. Zumindest nicht bewusst. Viel 70er-Kram und dazu dann sowas in Richtung Heavy Load trifft's vielleicht am ehesten."

Neben "Der goldene Reiter", eine in Eisen gegossene Coverversion des NDW-Hits von Joachim Witt, ist auf dem Album noch eine weitere Nummer mit deutschen Texten zu finden, nämlich "Hexer (In drei Teufels Namen)", von dem Stefan Castevet zu berichten weiß: "Wir hatten auch schon auf unserem ersten Release einen Track auf Deutsch. Wir finden das einfach sehr charmant. Damals war's DDR-Heavy-Metal, den wir abgefeiert haben, diesmal hatten wir schlicht Lust drauf. Machen halt nicht so viele. Der Text stammt übrigens von unserem Freund Ela von Iron Kobra. Der kann sowas einfach besser als wir!"

Luzifer wurden im Jahre 2009 von L. Steeler (Bass) und S. Castevet (Gesang, Gitarre, Schlagzeug) in Hamm/Westfalen als Nebenprojekt der im Underground gefeierten Vulture gegründet. 2015 erschien die "Rise"-EP, 2018 gefolgt von der "Black Knight" 7" Single auf High Roller Records.

Mittlerweile ergänzt Vulture-Drummer Gereon Deceiver die Besetzung von Luzifer, der auch auf den sieben Songs des ersten vollständigen Albums "Iron Shackles" zu hören ist. Stefan Castevet erklärt: "Mit Gereons Einstieg bei Vulture hat sich das im Laufe der Jahre so ergeben. Gereon übernimmt so auch bei Luzifer die Drums, macht bei den Background-Chören mit und hat sich am Songwriting beteiligt. In die finale Phase der Vorbereitung hat er viel Energie mit reingebracht, und da ich eh seit vielen Jahren nicht mehr richtig hinterm Schlagzeug gesessen habe, ist er ein echter Segen für die Band (lacht)."

"Soundmäßig wollten wir auf dem Album so klingen wie Quartz bei 'Satan's Serenade' und da zusätzlich so 'ne Sommer-Note reinkriegen wie in Rockers 'Mighty Thor'", umreißt Stefan das stilistische Koordinatensystem von "Iron Shackles". "Ob uns das gelungen ist, weiß ich gar nicht unbedingt. Vieles hat sich im Aufnahme- und Mixing-Prozess dann verselbständigt. Große gezielte musikalische Einflüsse besitzen wir in dieser Form gar nicht. Zumindest nicht bewusst. Viel 70er-Kram und dazu dann sowas in Richtung Heavy Load trifft's vielleicht am ehesten."

Neben "Der goldene Reiter", eine in Eisen gegossene Coverversion des NDW-Hits von Joachim Witt, ist auf dem Album noch eine weitere Nummer mit deutschen Texten zu finden, nämlich "Hexer (In drei Teufels Namen)", von dem Stefan Castevet zu berichten weiß: "Wir hatten auch schon auf unserem ersten Release einen Track auf Deutsch. Wir finden das einfach sehr charmant. Damals war's DDR-Heavy-Metal, den wir abgefeiert haben, diesmal hatten wir schlicht Lust drauf. Machen halt nicht so viele. Der Text stammt übrigens von unserem Freund Ela von Iron Kobra. Der kann sowas einfach besser als wir!"

Mobys neuestes Album Reprise - Remixes ist jetzt verfügbar. Das Doppelalbum enthält persönliche Zitate aller beteiligten Remixer, sowie von Moby selbst. Reprise – Remixes erobert ein Grenzland, in dem elektronische und akustische Klänge aufeinandertreffen. Das Album erscheint am 20. Mai 2022 bei Deutsche Grammophon, pünktlich zum Jubiläum von Mobys erster Scheibe, die 1992 erschien.
Zwölf Künstler:innen – zwölf Stimmen: Bambounou, Biscits, Max Cooper, Efdemin, Anfisa Letyago, Mathame, Planningtorock, Topic, Felsmann + Tiley, Peter Gregson und Christian Löffler kommen auf Reprise

– Remixes zusammen. Und auch Moby selbst ist mit vier Remixes dabei.

„Worldwide Underground“ ist das dritte Studio-Album der amerikanischen Sängerin Erykah Badu und wurde erstmals am 16. September 2003 von Motown Records veröffentlicht. Das Album enthält HipHop- und Funk-Elemente und zeichnet sich durch eine unkonventionelle musikalische Struktur und ein minimalistisches Songwriting aus, dass sich mit der Hip-Hop-Kultur, der Liebe, dem Leben im Ghetto und der Gang-Kultur befasst. Auf dem Album treten die Rapper Dead Prez und Common sowie die Sängerinnen Queen Latifah, Bahamadia und Angie Stone auf.

Am 25. Februar erscheint „Worldwide Underground“ als Deep Purple Coloured 1LP.

wieder lieferbar Cluster boten live eine Art Performancekunst, die wesentlich aus Improvisation, Krach, bewusster Vermeidung von rhythmisch-harmonischen Strukturen und dem zügellosen Einsatz elektronischer Klangerzeuger bestand. Dazu kamen Auftrittsdauern von bis zu sechs Stunden, in denen Künstler und Publikum nicht selten in rauschhafte Zustände gerieten. Clusters Musik war anfänglich roh, brutal, spontan und wurde mit einfachstem Equipment - keine Synthesizer, keine Sequencer, keine High-End-Verstärker - erzeugt. Hans-Joachim Roedelius und Dieter Moebius ließen keine mechanischen Prozesse ablaufen. Sie benutzten ihre Maschinen, aber verließen sich nicht auf sie. Vielmehr setzten sie auf Intuition. Das Experiment glückte nicht immer, aber oft. Dann spürte man tatsächlich so etwas wie Magie und hörte das Entstehen einer utopischen Klangwelt. Die zwei von Moebius und Roedelius autorisierten Mitschnitte dieses Albums geben eindrücklich die Atmosphäre und die Magie eines Cluster-Auftritts wieder. Der eine fand 1977 während eines Science-Fiction-Festivals in Metz statt, der andere entstand im Januar 1972 bei einem Auftritt in der Hamburger Fabrik. Die Tonqualität ist mäßig, weil damals das Gelingen der Performance wichtiger war als ihre perfekte Aufzeichnung. Wir heutigen Hörer sollten das akzeptieren.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

2020 erschien mit "KiCk i" der Grammy nominierte Auftakt zur Serie; auch nominiert bei den Latin Grammy Awards als "Best Alternative Music Album". 2021 setzt Arca mit "KICK ii" bis "IIIII" nun die "KiCk"-Serie auf XL Recordings fort. Jetzt erscheinen diese auch physisch auf CD und Vinyl! Als Künstlerin war Arca schon immer eine Gestaltenwandlerin - äußerlich wie musikalisch. Sie produzierte Musik für Lady Gaga, Frank Ocean, Björk, Kanye West und FKA twigs, komponierte Musik für das MoMA, trat 2020 mit den Labèque Schwestern, zwei fantastischen Pianistinnen, bei der Burberry Fashion-Show auf, schrieb einen Soundtrack-Beitrag für die HBO-Serie "Euphoria", erschuf gewaltige Noise-Skulpturen oder gab sich auf Partys als exaltierte Diva. Arca wurde für einen GLAAD Media Award nominiert und ist die erste nicht-binäre Künstlerin, die schließlich für einen GRAMMY nominiert wurde. Sie hat ihr eigenes Album-Artwork entworfen und gemalt, für Bottega Venetta, Calvin Klein und Loewe gemodelt, Musikinstrumente der nächsten Generation mitentwickelt und auch mit KI experimentiert. Alejandra Ghersi Rodriguez, wie Arca eigentlich heißt, wurde erst vor kurzem von Publikationen wie dem Time Magazine, Guardian, DAZED, Billboard, Pitchfork, Stereogum und der Los Angeles Times zur einer der innovativsten Künstlerinnen des 21. Jahrhundert ernannt. Als nonbinäre Latinx-Transfrau will Doña Arca die Rolle des Popstars für kommende Generation neu definieren - mit "KICK ii bis IIIII" entführt sie uns in diese Zukunft und öffnet die Tür in eine neue und nonbinäre Soundwelt.

"Blues & Rhythm, Popcorn, Exotica & Tittyshakers" untertitelt, ist das der Reissue des 5. Volumens in der Exotic Blues & Rhythm Serie. Das Original erschien vor Jahren in einer limitierten Auflage von 500 Stück, war recht schnell vergriffen und ist heute ein begehrtes Sammlerstück. Auch der Reissue ist limitiert - es gibt 700 Stück - alle in durchsichtigem/ clear Vinyl.