Mit Halt mich fest präsentiert die Rostocker Punk-Institution Dritte Wahl ein prägendes Kapitel ihrer Bandgeschichte - nun als limitierte Jubiläums-Edition auf Musikkassette neu erlebbar. Seit ihren Anfängen im DDR-Untergrund steht die Band für eine unverwechselbare Mischung aus druckvollem Deutschpunk, Metal-Einflüssen und klar positionierter Haltung. Songs dieser Phase spiegeln eine Zeit wider, in der politische und gesellschaftliche Spannungen direkt und ungeschönt in Musik übersetzt wurden. Mit kompromisslosen Texten und eingängigen, kraftvollen Arrangements hat sich Dritte Wahl weit über die Szene hinaus Gehör verschafft. Titel wie "Macht die Augen auf" oder "Bad K." stehen exemplarisch für eine Band, die Haltung zeigt und Ereignisse ihrer Zeit kritisch reflektiert. Diese Jubiläums-Edition bringt den charakteristischen Sound und die thematische Wucht von Halt mich fest in einem besonderen, analogen Format zurück - roh, direkt und zeitlos relevant.
Mit "Intoxicated Man" widmet sich diese umfangreiche 2LP-Edition den frühen Jahren von Serge Gainsbourg und dokumentiert die Entstehung eines der einflussreichsten Künstler der französischen Musikgeschichte. Lange bevor Gainsbourg mit seinen provokanten Pop-Produktionen internationale Bekanntheit erlangte, entwickelte er aus Jazz, Chanson und literarischen Einflüssen eine unverwechselbare musikalische Handschrift. Die Sammlung vereint zentrale Aufnahmen seiner frühen Karriere, darunter Klassiker wie "Le Poinçonneur des Lilas", "La Chanson de Prévert", "L"Eau à la Bouche" und "Black Trombone". Begleitet von hochkarätigen Musikern wie Alain Goraguer, Marcel Zanini und Hubert Rostaing zeigen diese Aufnahmen bereits den scharfsinnigen Texter, stilistischen Grenzgänger und musikalischen Innovator, der Gainsbourg später werden sollte. Eine sorgfältig kuratierte Retrospektive eines prägenden Kapitels französischer Musikgeschichte.
Ein Gefühl der Hoffnung, das aus dunklen Ecken heraufschleicht, durchdringt nahezu jeden Titel der neuen LP von Sour Widows, ,Sigil". Das Album entstand in Zusammenarbeit mit der renommierten Produzentin und Jay-Som-Mastermind Melina Duterte in der Innenstadt von Los Angeles; die elf Songs des Albums nehmen unerwartete Wendungen und sind die fesselndsten, die Sour Widows bisher geschrieben haben. Das Album zeichnet sich durch eine neu gewonnene Unmittelbarkeit aus, als hätten Sour Widows dringende Erkenntnisse zu teilen, und auf der gesamten Länge von ,Sigil" läutet eine scheinbare Katastrophe einen Neuanfang ein.
Mit Selbstbewusstsein und Präzision kehrt der sich ständig weiterentwickelnde Musiker, Produzent und Rapper Ishmael Butler als Shabazz Palaces mit It's a Style Sport zurück. It's a Style Sport bleibt dem Stil von Shabazz Palaces treu - mit seiner gewagten Mischung aus experimentellem Hip-Hop und freier Poesie - und offenbart gleichzeitig eine nachdenklichere und direktere Seite des Musikers aus Seattle. ,It's a Style Sport" zeigt, wie Butler das, was er in seiner legendären Karriere gelernt hat, zu einem verspielten, schillernden Portal zusammenfügt und sich damit erneut als Künstler mit chamäleonartigem Ehrgeiz beweist, angetrieben von Neugier, Mut und grenzenloser Fantasie. Das Album ist das Ergebnis einer gemeinschaftlichen Zusammenarbeit mit vielen Mitgliedern von Butlers Tourband: Evan Flory-Barnes am Kontrabass und E-Bass; Thaddeus Turner an Gitarre, Keyboards und Gesang; Kassa Overall am Schlagzeug; Gerald Turner am Bass und Gesang; Marquetta Miller am Gesang; und Carlos Overall am Saxophon. Butlers langjähriger Freund und Mitstreiter Erik Blood übernahm Instrumentierung, Produktion und Abmischung. Auf It's a Style Sport wird ein Bild von Butlers früheren Leben als Rapper und Performer seiner heutigen Persönlichkeit gegenübergestellt - provokativ und aufschlussreich zugleich. Im Kern ist It's a Style Sport eine Ode an die Rap-Szene vergangener Jahre, als der spielerisch-wettbewerbsorientierte Ehrgeiz das Genre dazu trieb, seine Kollegen stets zu übertrumpfen, zu überholen und an Raffinesse zu übertreffen.
Muss sich alles ständig so schwer anfühlen? Claud Mintz ringt ständig mit dieser Frage. Und zwar nicht in Form von höflichen kleinen Wortgefechten, sondern in Form von großen, langwierigen, existenziellen Kämpfen - von der Art, die einen letztendlich dazu bringen könnte, den Kurs des gesamten Lebens zu ändern. Die 10 Songs auf seinem facettenreichen und glanzvollen dritten Album ,Me and the Music" zeigen den 27-jährigen Singer-Songwriter und Produzenten aus Brooklyn, wie er sich mit dieser Frage auseinandersetzt und schließlich triumphierend zu etwas gelangt, das einer Antwort nahekommt: Die Dinge können schwer sein, aber das bedeutet nicht, dass man keinen Spaß haben kann. Das Leben kann schwer sein, aber das Bier in Ihrer Hand ist es nicht - warum sollten Sie es nicht für einen Moment in die Höhe recken, mit den Freunden um Sie herum mitsingen und Ihre Sorgen für die Dauer eines perfekten Indie-Pop- Songs vergessen? ,Me and the Music" ist Clauds erstes Album seit drei Jahren, seit dem 2023 erschienenen, hochgelobten ,Supermodels". Sowohl ,Supermodels" als auch ,Super Monster" aus dem Jahr 2021 waren weitgehend inspiriert von ,dieser einen unklaren Beziehung", von der er irgendwann während des Schreibens von ,Me and the Music" erkannte, dass sie ,eigentlich nie wirklich etwas war". ,Supermodels" war ein so ernstes Album, und ,ich habe einfach so lange in meinen Gefühlen geschwelgt", sagt Claud. ,Es gibt einen Unterschied zwischen Aufrichtigkeit gegenüber dem Leben und dem Leben zu ernst zu nehmen." Diese Erkenntnis veränderte alles: Im Titelsong von ,Me and the Music" singen sie: ,Das ist der letzte Song, den ich von dir ruinieren lasse", und das meinten sie auch so. Nachdem Claud diesen Song geschrieben hatte - in den berühmten Electric Lady Studios zusammen mit ihren Freunden Hank Heaven und Annie DiRusso -, begannen sie, sich völlig befreit zu fühlen. ,Dadurch wurde viel Bedauern losgelassen, das ich mit mir herumgetragen hatte, und es ermöglichte mir, zu denken _ das macht so viel Spaß", sagen sie. ,Musik zu machen macht so viel Spaß." Das Markenzeichen von Me and the Music sind also Songs, die die Komplexität des Erwachsenwerdens und des Lebens in der Welt einfangen, ohne dabei den Sinn für Verspieltheit oder Spaß zu verlieren. Es ist ein typisches ,Slice-of-Life"-Album , das neue Romanzen, Insider-Witze, Gap-Werbespots, die Band ,America" und das Land Amerika thematisiert und all diese Dinge mit Sorgfalt und Rücksicht behandelt. Die Lead-Single ,She Doesn't Love Me" von ,Me and the Music" ist in vielerlei Hinsicht der Kern des Albums - ein leichtfühliges Lied darüber, wie es ist, in den 2020er Jahren in Amerika queer und trans zu sein. (Es ist eine kraftvolle, mitreißende Hymne, die vor Schmerz nicht zurückschreckt - und trotzdem Lust macht, wie Claud in dem Titel singt, die ,Biere in die Luft zu recken".) Als Claud den Song gemeinsam mit Heaven und DiRusso schrieb, waren sie fest davon überzeugt, dass es ein Yacht-Rock-Song werden sollte; das Demo klang letztendlich dennoch ,Lo-Fi und Indie". ,Me and the Music" wurde von Claud und John Congleton (Alvvays, St. Vincent) produziert und bedeutet für Claud, dass sich der Kreis schließt: Mit diesem Album hatte Claud endlich das Gefühl, als Produzent selbstbewusst genug zu sein, um die Rolle des Co-Produzenten zu übernehmen (und hat seitdem eine Reihe viraler Singles von Romy Mars produziert). Die Zusammenarbeit ist natürlich ein wesentlicher Bestandteil von Clauds Arbeit - wer wären wir ohne unsere Freunde? Neben Claud gehört er zu einem Viertel zu Shelly, einer Band, die er gemeinsam mit Clairo, Noa Getzug und Josh Mehling gegründet hat. Auf ,Me and the Music" arbeitet Claud bei dem Titel ,The Legend" erneut mit ihrem langjährigen Kollaborateur Dan Nigro (Olivia Rodrigo, Chappell Roan) zusammen. Der Song thematisiert das Gefühl, tief in jemanden verliebt zu sein, der nicht mit einem gesehen werden möchte, sagt Claud: ,Es geht gewissermaßen um eine beschissene Beziehung und den Wunsch, die Liebe zur Schau zu stellen, ohne jedoch dazu in der Lage zu sein ", erklären sie. Doch wenn es auf ,Me and the Music" ein echtes Liebeslied gibt, dann ist es ,I Owe You", ein Dream-Pop-Road-Song, der hingebungsvoll und facettenreich ist. Er fängt den Geist von ,Me and the Music" als Ganzes ein: die Dinge Tag für Tag zu nehmen, Bilanz über das zu ziehen, was einen umgibt, und die schönen Dinge anzunehmen, wenn sie sich bieten. Das fühlt sich gar nicht so schwer an.
No Home is the new album by Lane Hartley, releasing October 23rd 2026 on Royal Oakie Records. Produced in collaboration with David Hartley of The War On Drugs & Adam McDaniel (Animal Collective, Angel Olsen, Geologist), the album was recorded at Drop of Sun Studios in Asheville and features contributions from North Carolina’s tight knit music community–including Mary Lattimore, Seth Kaufman of Floating Action & Dream Sitch, David Hartley, Jack Victor Johnson, and more.
After recording his debut album Naming Horses, Lane left Los Angeles and returned home to the Carolinas, eventually landing in Asheville. It wasn’t too long until the songs started flowing and Lane found himself reaching out to Adam McDaniel at Drop of Sun Studios–a vaunted space that’s been at the heart of indie-rock the past few years, bringing to life recent albums from MJ Lenderman, Wednesday, Fust, and more. McDaniel introduced Lane to David Hartley, and what originally started with discussions to record one song quickly turned into a plan to track a whole album live with a six piece band. Once in the studio, co-producer McDaniel encouraged the group to lean on intuition–“All of the players on this record really brought it to life in such a cosmic way. They instilled so much childlike wonder and fun into the making of the album. It inspired me to keep going” says Lane.
Lyrically the album is a collection of vignettes about people who’ve become alienated from their deepest desires of connection, belonging, intimacy, and autonomy–inspired both by Lane’s own life and the lives of people he’s loved. The unique character of the album emerged when Lane made the decision to pair the dark lyrical content with bright & lush arrangements, inspired by Gene Clark’s No Other, Neil Young’s After the Gold Rush, and Amen Dunes’ Love. In Lane’s words, “The content of the songs got way darker, and my reaction was to make the songs catchier, and to lean harder into the music that influenced me. I wanted each song to feel like a room in a haunted house, with a beautiful garden growing outside”.
Album opener “I Am Not Ashamed” was inspired by the anti-memoir of actress Barbara Peyton, a 1950’s Hollywood starlet who met an untimely end; “It’s about knowing that whatever you’ve done to survive, you still deserve love” says Lane. “Mother” pairs lyrics about ancestral trauma with the sunshine-pop influence of Colin Blunstone, featuring backing vocals from Lane’s sister Barrett Hartley. “It's about coming to terms with the fact that the people meant to protect us are dealing with their own trauma…”
Meanwhile, “All Of This Is Yours” and “Tone Poem” form the spiritual center of the album, an attempt to transmute anger & pain to bittersweet acceptance in the wake of a breakup. “I feel like on the surface this is essentially a breakup album, a lot of these songs are about mourning the end of a relationship and reflecting on what went down. I was falling in love and getting my heart broken, then waking up and driving across the country and doing it all over again.” “Love Is Not A Song” was inspired by Margo Guryan’s Love Songs, pairing bright piano with playful lyrics about an old man who’s been beaten down by life but still believes his greatest love is yet to come. Last but not least, title track “No Home” sums up the album’s key theme of alienation, “It all goes back to this feeling of wanting to belong to someone or somewhere, wanting to belong in your own body.”
Während West-Coast-Hip-Hop oft auf eine begrenzte Auswahl an Klängen und Stilen reduziert wird, war die Realität des kalifornischen Rap schon immer weitaus vielfältiger. Nirgendwo wird dies deutlicher als in Los Angeles, wo das ikonische G-Funk-Erbe neben einer florierenden Independent-Szene besteht, die den Hip-Hop in neue Richtungen treibt. Nur wenige Künstler verkörpern diese Schnittstelle so natürlich wie Blu. Seit langem von den charakteristischen Klängen seiner Heimatstadt inspiriert und zugleich verwurzelt in der Lyrik und dem Soul der L.A.-Underground-Szene, schlägt der gefeierte MC mühelos eine Brücke zwischen diesen Welten. Sein neues Projekt ,LA" ist eine prägnante Essenz dieser künstlerischen Identität, die den klassischen West-Coast-Sounds Tribut zollt und zugleich ein vielschichtiges Porträt des Lebens in der Stadt der Engel zeichnet. Um diese Vision zum Leben zu erwecken, tat sich Blu mit dem Produzenten Sndtrak aus Oakland zusammen, einem Mitglied von 9th Wonders Produktionskollektiv ,Soul Council", das für seine Arbeit mit Larry June, Rapsody und Smif-N-Wessun bekannt ist. Indem er klassische West-Coast-Grooves durch eine frische Perspektive neu interpretiert, schafft Sndtrak den idealen Hintergrund für Blus prägnante Texte und seine bodenständige Erzählkunst. Mit Beiträgen von Volume 10, Thurz, MED, Iman Omari, Trizz, ICECOLDBISHOP und weiteren Künstlern unterstreicht ,LA" die kreative Entwicklung in einer der dynamischsten Städte des Hip-Hop.
Crash landing onto the scene in 2017 with his now legendary NTS broadcast of 2 hours of unheard music, the ultra-mysterious and enigmatic Michael J. Blood has gone on to release a series of sought after, lush and rugged future classics on his own imprints Blood Inc. and BodyTronixxx. Allegedly hailing from Manchester in the North of England, Blood’s sound is hard to pin down but instantly recognisable. Rooted in the twin foundations of modern dance music—Detroit and Chicago—while schooled in the sweaty basements of Manchester’s fêted club scene, his music feels both original and familiar, timeless yet unplaceable.
Weaving together a hypnotic narrative that feels both archival and futuristic, Cause & Effect Vol. 1 brings together some of Blood's rare and hard to find bangers from a variety of his early sold out projects. The collection mixes the pulse of Chicago with the grit and cosmic dreams of Detroit, while never losing sight of the North of England’s sophisticated late-night sleaze. Blood’s dance-floor eclecticism and raw, infectious mutant beats drive a soulful, jazz-louche energy into every track. The result is a collection of atmospheric grooves that weave together hypnotic rhythm and smoky texture, blurring house, techno, broken beat, and jazz-soaked electronics into a heady trip. Cause & Effect Vol. 1 maps out the restless evolution of Blood’s sound, a testament to his instinct for rhythm, atmosphere and dance-floor alchemy. House for the heart, techno for the mind, both built for the body. It’s in the Blood.
Music From Memory presents ‘Mutualkind’, by Asa Tone, the collaborative project of Melati ESP, Tristan Arp and Kaazi. Written between Indonesia, Mexico City, Berlin and New York, the record unfolds through a process of continual exchange, where distance itself becomes part of the group’s music formation.
At the centre of the album is the idea of a shared language, formed across differences in geography, experience and musical approach. One such process explores Tristan’s electronic hand percussion triggering fragments of Melati’s voice in real time, while a library of spoken words and phonemes are reshaped through chance-based rhythmic processes. Voice becomes percussion, rhythm becomes melody, and the lines between individual contributions begin to dissolve.
Some pieces, including ‘Water Talk’ and ‘Second Language’, were recorded live in a single take, while others were assembled gradually through remote exchange. During the final sessions in Indonesia, Balinese percussionist Putu Septa contributed kendang to two tracks, bringing the instrument into dialogue with modular synthesis, FM textures, electronic drums, MIDI wind instruments and Melati’s shifting vocal forms.
Sounds are slowed, stuttered and reorganised, reflecting a world shaped by illusory borders, vanishing landscapes and glitching ecosystems. Yet the album remains rooted in the act of tending to something shared: a musical field built through listening, improvisation and repeated moments of reunion.
‘Mutualkind’ seeks to blur boundaries without erasing the identities that meet across them, providing a space in which voice and instrument, self and other, separation and togetherness can briefly exist at once.
MFM086 will be released on vinyl and digitally via Music From Memory on October 22nd 2026.
,Altarpiece H. af K." ist das neue Album von Eric Wubbels bei Kou Records - Komponist, Pianist, Co-Direktor des New Yorker Wet Ink Ensembles und Preisträger des Ernst von Siemens-Komponistenpreises 2023, einer der renommiertesten Auszeichnungen in der zeitgenössischen Musik. ,Altarpiece H. af K." hat seinen Namen und seinen inspirierenden Geist den Gemälden ,For the Temple" von Hilma af Klint entlehnt - monumentale Werke, die für einen Raum konzipiert wurden, der noch gar nicht existierte, gerichtet an einen zukünftigen Zuhörer. Wubbels begegnete ihnen 2018 im Guggenheim und ließ diese Begegnung in ein Stück einfließen, dessen vollständige Umsetzung sieben Jahre in Anspruch nehmen sollte: von einer E-Mail aus der Pandemiezeit an die Fagottistin Dana Jessen, in der er etwas Einfaches vorschlug - Multiphonik, Überlagerungen, vielleicht einen Kanon -, über Live-Auftritte in der Fairchild Chapel, bei Elastic Arts und in einer existentialistischen Kirche in Atlanta bis hin zu einer Aufnahmesession im Dezember 2025 im Power Station Studios in Midtown Manhattan, dem Raum, in dem ,Like a Virgin" und ,Let's Dance" entstanden sind. Die Besetzung - drei Fagotte, gespielt von Dana Jessen, Ben Roidl-Ward und Katherine Young - ist rein akustisch: keine Live-Bearbeitung, keine Elektronik. Was du hörst , ist das Instrument selbst, bis an seine Grenzen getrieben. Wubbels' Komposition nutzt die Fähigkeit des Fagotts zu Multiphonik und mikrotonaler Modulation, um sich überlappende Spektren aufzubauen, die voll und ganz aus den grundlegenden akustischen Eigenschaften der Instrumente entstehen - Obertöne, Differenztöne und Schwebungsfrequenzen, die den drei Musikern im selben Raum entlockt werden und einen seltenen Raum zwischen den spektralen Welten von Scelsi und Dumitrescu und dem anhaltenden physischen Gewicht von Sunn O))) einnehmen. Über zwei lange Sätze (Reh. A und Reh. C) hinweg häufen sich diese dichten, vibrierenden Spektren zu etwas an, das sich zwischen Stillstand und Vorwärtsdrang bewegt und an der Schwelle zwischen Tonhöhe und Rauschen schwebt. Das Stück gipfelt nicht in einer Auflösung, sondern in einer Transformation durch anhaltende Aufmerksamkeit. Aufgenommen, abgemischt und produziert von Randall Dunn. Gemastert von Ben Greenberg. Dolby Atmos-Mischungen von Ben Greenberg. Lackpressung von Paul Gold bei Salt Mastering. Cover-Artwork von Thomas Hooper; Porträt auf der Rückseite von Julie Bell.
,Lick the Spoon, Let it Soften" ist das zweite Album von Lamplight, dem Projekt des in Virginia ansässigen Songwriters Ian Hatcher-Williams und seiner Band aus bewährten Mitstreitern, darunter Mitglieder von Lightning Bug und hemlock. Das selbstbetitelte Debütalbum aus dem Jahr 2024 wurde von KEXP, Stereogum, WBUR, Brooklyn Vegan und The FADER gelobt, landete auf Playlists von Apple Music, KEXP und der Numero Group und führte zu gemeinsamen Auftritten mit Jake Xerxes Fussell, Advance Base, John Andrews und Mutual Benefit. Während das Debüt über mehrere Jahre hinweg Gestalt annahm, entstand dieses Album recht schnell. Die meisten Songs entstanden im August im Rahmen einer ,Ein-Song-pro-Tag"-Schreibübung, teilweise inspiriert von Kahlil Gibrans ,Der Prophet". Das Album wurde dann komplett in Eigenregie in einer Hütte am See in Vermont produziert und aufgenommen, mit einer weiteren Session in der Stadt im selben Winter. Das Ergebnis ist zugleich gemeinschaftlich und privat: ein Album über Trauer und ein verändertes Verständnis von Liebe in all ihren Formen, das sich durch straffere Arrangements und prägnanteres Songwriting auszeichnet als sein Vorgänger. Es ist außerdem unverhohlen appalachisch geprägt. Das ist kein Alt-Country, aber selbst seine vielschichtigsten Momente tragen einen natürlichen Twang in sich.
Für manche zu gewagt, für andere unwiderstehlich - Twin Temple haben sich zu kulturellen Provokateuren und zu einer der meistdiskutierten Crossover-Bands der Musikszene entwickelt. Entstanden in einer der dunkelsten Phasen im persönlichen Leben der Bandmitglieder, ist ,DOOMED LOVERS" ihr bisher intimstes und emotional offenstes Werk. Das Album erweitert die filmische Bandbreite ihres unverwechselbaren Sounds und bleibt dabei doch verwurzelt in den zeitlosen Traditionen des frühen Rock 'n' Roll; es gilt als das bislang ambitionierteste und am besten umgesetzte künstlerische Statement der Band. ,DOOMED LOVERS" markiert das bisher kühnste Kapitel von Twin Temple. Produziert vom GRAMMY-preisgekrönten Produzenten Shooter Jennings im legendären Studio 3 bei Sunset Sound in Hollywood, setzt das Album das Bekenntnis der Band zur klassischen analogen Aufnahme fort und erweitert gleichzeitig ihre Klangpalette durch üppige Orchesterarrangements, die von einem 37-köpfigen Orchester eingespielt wurden.
,Reona" ist das Debütalbum von REONA bei Kou Records - Stepptänzerin, Metal- Percussionistin, Improvisatorin und eine der originellsten Klangkünstlerinnen der heutigen Zeit, weltweit. Das Album wurde im Januar 2026 an zwei Tagen im Studio Dede aufgenommen und von Randall Dunn produziert. Es fängt REONAs ganzkörperliche Performance in Echtzeit ein: Stepptanzschuhe und ein Holzbrett als rhythmische Grundlage, überlagert von Metallblechen, Ketten, Edelstahlschalen, Plastiktüten, Lautsprechern und einem ganzen Arsenal an gefundenen und handgefertigten Objekten, die im Laufe jahrelanger Auftritte gesammelt wurden. Die Instrumente tragen ihre eigene Geschichte in sich - ein Schild aus Okinawa, auf dem die Warnung vor nicht detonierten Bomben steht, ein Schild einer Transportfirma aus dem Jingisukan-Topf-Museum in Iwamizawa, eine Festglocke, die zu Beginn der COVID-Ära erworben wurde, südindische Essgeschirr, ein Ölkännchen aus Taiwan. Stampfen, kratzen, berühren, schlagen, blasen, stöhnen - REONA nutzt alles voll aus, von ihren Beinen bis zu ihrem Mund, und lässt dabei die Grenze zwischen Tanz und Percussion, Körper und Instrument verschwinden. Ihre Praxis befindet sich an einer selten besetzten Schnittstelle: die japanische Noise-Tradition von Merzbow und Otomo Yoshihide auf der einen Seite, die perkussive Körperlichkeit von Milford Graves und Han Bennink auf der anderen - ohne Präzedenzfall dafür, was passiert, wenn diese beiden Welten in einem einzigen Körper aufeinandertreffen. Track 7, M108, enthält einen Gastauftritt von Atsuo - dem Schlagzeuger der legendären japanischen Rockband Boris - in einer Kollision zweier unterschiedlicher, aber verwandter Ansätze zu Rhythmus und Noise.? Aufgenommen, gemischt und produziert von Randall Dunn. Gemastert von Ben Greenberg. Dolby-Atmos-Mischungen von Ben Greenberg. Lackschnitt von Paul Gold bei Salt Mastering. Cover-Artwork ,Legend of the Snow Spirit" von Kazuki Tomokawa; Porträt auf der Rückseite von Allison Brant.
Für manche zu gewagt, für andere unwiderstehlich - Twin Temple haben sich zu kulturellen Provokateuren und zu einer der meistdiskutierten Crossover-Bands der Musikszene entwickelt. Entstanden in einer der dunkelsten Phasen im persönlichen Leben der Bandmitglieder, ist ,DOOMED LOVERS" ihr bisher intimstes und emotional offenstes Werk. Das Album erweitert die filmische Bandbreite ihres unverwechselbaren Sounds und bleibt dabei doch verwurzelt in den zeitlosen Traditionen des frühen Rock 'n' Roll; es gilt als das bislang ambitionierteste und am besten umgesetzte künstlerische Statement der Band. ,DOOMED LOVERS" markiert das bisher kühnste Kapitel von Twin Temple. Produziert vom GRAMMY-preisgekrönten Produzenten Shooter Jennings im legendären Studio 3 bei Sunset Sound in Hollywood, setzt das Album das Bekenntnis der Band zur klassischen analogen Aufnahme fort und erweitert gleichzeitig ihre Klangpalette durch üppige Orchesterarrangements, die von einem 37-köpfigen Orchester eingespielt wurden.
The Future Bubblers compilation brings together artists from across the Academy cohort and wider applicant community, with sounds spanning jazz, soul, electronic, hip hop, folk, experimental and everything in between. It’s a snapshot of the boundary-pushing talent emerging through the Future Bubblers community. This rollout is designed to put the people who make independent music possible at the heart of the release: listeners who choose to support artists directly, record shops that nurture culture locally, and the community that has grown around Future Bubblers over the last decade.
Tokyo-based producer aus debuts on Squama with his new album Mere Meer.
Grounded in the question of how a specific environment can emerge through voice and memory, rather than through recording of an objective reality, the album stands in the tradition of modern Japanese Ambient and Kankyo Ongaku.
aus is the solo project of composer, producer, and curator Yasuhiko Fukuzono. His music is characterized by a precise combination of cinematic strings, acoustic instrumentation, and concrete sound design derived from everyday life.
In recent years, he released music on EM Records, WRWTFWW and his own flau imprint. As a remixer, he put his touch on tracks by Matthew Herbert, Tenniscoats and Craig Armstrong, among others.
His sonic research also extends beyond traditional formats into spatial sound installations and site-specific works, collaborating with experimental figures like Ulla, Li Yilei, and Hinako Omori for institutions such as the Tokyo National Museum.
Much of the album consists of sketches made with synthesizer and voice. Sampled from social media clips, field recordings or a heavily processed version of Fukuzono's own vocals, the voice became a central element of the record. "I have long been interested in the relationship between words and melody.", aus says. In his former work as a speech therapist, he witnessed patients with severe dementia or aphasia, who all of a sudden could recall lyrics when they were sung with familiar melodies. An experience that left a deep impression on him.
During the Covid years, when hearing voices of friends and family sometimes was the only way to feel connected to the outside world, aus began reflecting on the connection between voice and environment. "Every voice represents an encounter with a person, but it's also an encounter with a place."
Unable to travel as freely as before, that limitation became part of his method: rather than just recording actual field material capturing the real world, he would write and perform melodies that simulate a sense of place - an imagined room, an imagined street.
"My interest lies not in the dichotomy between artificial and environmental sounds, but in how they collectively shape a single perceptual field."
By observing and mapping our world, aus creates his own and his new record is a prime example of that process.
The Brussels-based collective re#encounter will release its debut album, Angels and Demons at Play, on September 18, 2026, via W.E.R.F. records. With gnawa grooves, cumbia, griot storytelling, Afro-Caribbean rhythms, and ecstatic jazz improvisations, the nine-piece ensemble crafts a distinctive, spiritual, and above all, danceable jazz idiom.
At the heart of the album lies trance. Hicham Bilali's gnawa, Kaito Winse's relentless energy, Paula León's cumbia roots, and the spellbinding jazz improvisations of Lúcia Pires and Joos Vandueren intertwine with Falk Schrauwen's Afro-Caribbean rhythms. Together with Robbe Latré, Ismaïl Akharraz, Ayoub Boufous, and Anaïs Moffarts, they create a musical encounter where differences are not erased but harnessed as a creative force.
On Angels and Demons at Play, Hicham Bilali's gnawa grooves enter into dialogue with the voices of Kaito Winse and Paula León. They weave stories from the griot and cumbia traditions-tales of ancestors, cosmic journeys, and djinns. Flute, saxophone, and trumpet craft soundscapes and melodies rooted in existing traditions, while drums, percussion, and bass drive the whole forward with tight, hypnotic rhythms.
With this, re#encounter aligns itself with the spiritual jazz idiom of artists like Sun Ra, Pharoah Sanders, Kahil El'Zabar's Ethnic Heritage Ensemble, and Shabaka Hutchings, but always from a distinctly Brussels-based perspective. The result is a homegrown form of Afrofuturism: music that draws on deep cultural roots while simultaneously looking ahead.
Doppel-LP auf limitiertem ,Bullseye Splatter"-Vinyl. Seit 25 Jahren haben die Yeah Yeah Yeahs eines der beliebtesten Repertoires des modernen Rock aufgebaut. ,Hidden In Pieces Live at the Royal Albert Hall" versammelt Songs aus ihrer gesamten Laufbahn und interpretiert sie neu durch intime Arrangements mit Streichern, Klavier und Kontrabass. Aufgenommen an zwei Abenden in der Londoner Royal Albert Hall und angereichert mit Songs von Auftritten aus San Diego, Chicago, New York und Mexiko-Stadt präsentiert das Album Karen O, Nick Zinner und Brian Chase, die Songs aus jeder Ära der Bandkarriere in einem neuen Licht präsentieren. Entstanden im Rahmen der ,Hidden In Pieces"-Tour der Band und mit Arrangements des Musikdirektors, Arrangeurs und Dirigenten Jherek Bischoff, reicht die Sammlung von Klassikern wie ,Maps", ,Gold Lion" und ,Zero" bis hin zu neueren Highlights wie ,Blacktop" und ,Spitting Off the Edge of the World".
Die EP ,PERFECT HOUSE" von MX Lonely ist der Nachfolger ihres hochgelobten Debütalbums ,ALL MONSTERS". Nach dem Erfolg ihres Albums (gelobt von Pitchfork, Stereogum, Alt Press, POST-TRASH und vielen anderen) kehrten sie zu den Songs zurück, die sie während der Arbeit an dem Album geschrieben hatten, und hauchten den Stücken Leben ein, die nicht auf die ursprüngliche Platte gepasst hatten. Sie haben einen schweren, düsteren Alternative-Rock-Sound entwickelt, der gleichermaßen von Schönheit durchzogen ist und von Stereogum als ,die Art von Indie-Rock, die wir in den 90ern als ,angular` bezeichnet haben und die in eine regelrechte Fuzz-Riff-Eruption ausartet" beschrieben wird. ,ALL MONSTERS" war ihre erste komplett selbst aufgenommene Veröffentlichung, auf der die Band - Synthesizer-Spieler und Sänger Rae Haas, Gitarrist Jake Harms, Bassist Gabriel Garman und Schlagzeuger Andy Rapp - einen lebendigen, unmittelbaren, analogen Sound eingefangen hat, der das Gefühl ihrer Live-Shows verkörpert und gleichzeitig ein länger andauerndes und nuancierteres Erlebnis schafft als je zuvor. Für die Zukunft wollen sie weiterhin auf Tour gehen und eine Community aufbauen, die auf gegenseitiger Katharsis basiert. Auch wenn sie sich der Selbstreflexion verschrieben haben, möchten MX LONELY letztendlich andere in ihre Welt einbeziehen.
