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Reissue

Stylish, intelligent and cinematic, the second series of the cult UK TV series UTOPIA in 2014 reinforced the impact of Emmy Award winning
Series 1 and gained the show an even larger following. Integral to the action is Chilean composer Cristobal Tapia de Veer's original music
for the programme, recognised by the Royal Television Society who awarded it Best Music (Original Score), Record Collector who gave
it five stars and Mojo who placed it at No. 4 in their Top 10 Soundtracks of the year.
This record was originally released for Record Store Day 2015 and is repressed on a new colour by popular demand. Cristobal Tapia de Veer’s
music has more recently found a new audience with his soundtrack to HBO hit show The White Lotus and the film Babygirl (2024).

DESCRIPTION
“We like all these songs a lot. Dylan's approach to composing and playing involves hybridizing American Primitive, folk, country, soundtrack and avant influences into a unique & powerful alloy. Spinning the record is nothing short of a goddamn trip. Transportational music of the highest order. Get some today.” --Byron Coley “I made the title track a couple years ago at the beginning of summer,” writes Dylan, “I was thinking about how as you get older you have fewer new experiences. That feeling of excitement for summer fades, after it used to be such a big deal as a kid. Those experiences can only be new and vibrant once. The rest of your life can be spent in nostalgia for them. It's a sad thought and maybe not true for everyone, but I suspect it is for most.” The result, No New Summers, is Aycock’s first full length under his own name for almost a decade; it sees him journey through frayed fields of haunted solo-guitar, waves of prairie ambience and hard-won country stillness

Rotes Vinyl. Vier Jahre nach "Golden Staples" erscheint das dritte Album der Franzosen, diesmal als Kooperation von Kicking Records (F), Kidnap Music und Rookie Records. "Staring at the Sun" ist eine Ode an die Melodien des New Wave, eine Hommage an The Cure und Killing Joke, der Eckpfeiler einer Band, die mit halsbrecherischer Geschwindigkeit auf dem Highway der Unberechenbarkeit fährt. "Like Gods We Feast" oder "Secrets" fassen den fantastischen Wechsel der Gangwechsel: Hinzufügen von Loops und Synthesizern, Beharrlichkeit einer unverwüstlichen Bass/Schlagzeug-Kombination, eine Fülle kristalliner und kraftvoller Gitarren, eine Menge eindringlicher Vocals. Diese Jungs wissen, wie man gute Songs schreibt, das ist eine Tatsache. Und sie wissen auch, wie man sie zu spielen hat. Aber vor allem wissen sie, wie man ihnen eine Seele gibt, indem sie die Kraft der Klänge mit der Unmittelbarkeit von raffinierten Texten versehen. Die Texte mit klaren und kraftvollen Bildern, die sich mit radikalen Themen wie Scheitern, Einsamkeit, Isolation oder Geisteskrankheit befassen. Ein Alltag, der alles andere als einfach ist, mit einer Botschaft der Hoffnung. Wenn man Ed Scientist fragt, ob dieses Album die perfekte Mischung aus den ersten beiden Alben sein könnte, teilt der Gitarrist/Sänger diesen Standpunkt nicht: "Das würde ich nicht sagen. Ich betrachte Staring at the Sun als eine echte Weiterentwicklung unseres Stils. Mit der Hilfe von (Produzent) Santi, der eine echte Meisterleistung vollbracht hat, haben wir Dinge gewagt, die wir nie zuvor ausprobiert haben".

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.

Sextile, das in Los Angeles beheimatete Duo, das für seinen unbeugsamen, elektronischen Punk-Sound gefeiert wird, hat Details zu ihrem kommenden, starken Album „Yes, please.“ bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Sacred Bones erscheint, sowie Pläne für eine umfangreiche Europatournee in diesem Sommer geteilt. Sextile, die sich derzeit mit ihren Labelkollegen Molchat Doma auf einer großen US-Tournee befinden, kündigen ihr neues Album mit der Single „Freak Eyes“ an, die ihren dunklen, pulsierenden Sound in neue Höhen treibt. Der Song beginnt mit einem fiesen Bass-Growl, das abrupt in einen Techno-Beat übergeht, der mit klirrender Kuhglocke und scharfer Hi-Hat gespickt ist. „I feel the pressure / Man the pressure I feel when we're together“, singt Sänger Brady Keehn kühl, aber bestimmt, in den ersten Zeilen. Inspiriert von der Art und Weise, wie Druck sowohl Herausforderungen als auch Verbesserungen hervorrufen kann, beschwört „Freak Eyes“ elektrisierende Bilder von schäbigen Hinterzimmern auf dem Sunset Strip und von in Leder gekleideten Tanzflächen in Lagerhäusern herauf.

Manche Bands finden ihren Groove und bleiben dabei, andere erfinden sich ständig neu. Sextile gehört zu den letzteren, die den Nervenkitzel einer sich ständig verändernden Landkarte genießen. Das Duo Melissa Scaduto und Brady Keehn aus Los Angeles macht Musik mit Lebenslust und lässt sich dabei von No Wave bis Hardstyle inspirieren. Ihr neuestes Album „yes, please.“ stößt in kühnes Neuland vor, indem es anarchisches Elektro-Feuer mit rohen persönlichen Erinnerungen verbindet - und mit genug aufgemotzten Bässen, um ein oder zwei Boxen zum Platzen zu bringen. „yes, please.“ ist ein Album der Kontraste: eine verletzliche Platte, die ihre Seele ebenso entblößt wie sie im Exzess schwelgt und zeigt, wie weit man seinen Sound treiben kann, wenn man seine Hemmungen abschüttelt. Zusammen verraten die beiden ein Selbstvertrauen, das niemals schwankt, und machen einen kühnen Spritzer auf dem schnellen Intro mit einer Rave-Sirene, die aus einer New Yorker Hausparty der `00er oder einem verschwitzten Brooklyn-Lagerhaus stammt. Auch der Geist des Electroclash pirscht sich an das Gebäude heran, zeigt seine Identität bei den mit Kuhglocken gespickten Donnerschlägen von „Freak Eyes“ und „Rearrange“ und sorgt mit „Women Respond to Bass“ für eine schmutzige Dancefloor-Bombe. „Push Ups“ - mit dem Gesang von Jehnny Beth - ist pure Muskelmusik, gestärkt durch einen wummernden Bass und ergänzt durch Synthies, die so hart hämmern wie Hagelkörner auf einem Glasdach. Aber hinter den Slogans, der Frechheit und der monstermäßigen Tanzenergie verbirgt sich eine Intimität, die man nur finden kann, wenn man sich über schmerzhafte, lebensverändernde Ereignisse öffnet. „Hospital“ und ‚Soggy Newports‘ reflektieren Scadutos erschütternde Erfahrungen in einer staatlichen Einrichtung in New York nach einem beinahe tödlichen Unfall. „Resist“ befasst sich mit Abtreibungsrechten, während ‚Penny Rose‘ das amerikanische Bildungswesen, künstliche Intelligenz und zukünftige Generationen thematisiert. Scadutos elastischer Gesang glänzt überall, von den messerscharfen Synthesizern von „S is For“ bis zu den Trance-Pop-Höhen von „Kids“ mit Izzy Glaudini von Automatic. „yes, please.“ ist eine actiongeladene Dance-Platte, vollgestopft mit wilden, berauschenden Gassenhauern, aber im gleichen Atemzug auch ein Zeugnis dafür, zu leben und niemals zurückzuschauen. Indem sie sich für eine neue, „befreiende“ Art des Musikmachens öffnen, haben Sextile ihr bisher kreativstes Werk geschaffen. Bisher, denn man spürt einfach, dass sie noch so viel mehr zu geben haben.

Following the hyperactive “Blood Karaoke” (2022, Reading Group), “Performing Belief” builds rhythmic thickets from gathered sounds interwoven with synths, drum machines and other samples. Having built these rhythmic nests, Krivchenia then called on two contemporary mages of the low end: electric bassist and fellow Angeleno Sam Wilkes (Wilkes/Gendel) and double bassist/multi-instrumentalist from Krivchenia’s native Chicago, Joshua Abrams (Natural Information Society). Wilkes and Abrams bring the presence of a grounding human witness to the rhythmic undergrowth, providing a centering and even at times melodic voice to the gathering. This alchemy carries a profoundly fresh sense of time, blurring the edges of the quantized grid and the generic boundaries of electronic music.

The core of the album is a lush, opulent matrix of percussion ranging from the familiar—hand claps and drum machines—to the mysteriously verdant, sampled largely from Krivchenia’s own performed field recorded collection. For years, he would record any and all of his musical encounters with natural objects: performing on a particularly resonant log on a hike, throwing rocks into a pristine pond, tap dancing in the mud. This archive of “natural” sounds became the fertile soil out of which the tracks on “Performing Belief” grew. What is gained in the process is not just a novel set of sounds, but a new rhythmic language. The particular give, the anticipatory rustle, the extra breath of a hollow log when functioning as a kickdrum provides a greenness that overtakes the rhythmic grid, giving this music a peculiar kind of stickiness. This rhythmic language, set in Krivchenia’s long-fermenting electronic musical palate, feels like a revelation, even while it calls back not only to his wonderfully elastic timekeeping behind the kit with his beloved band Big Thief, but also to his prior work in computer music as well as his deep study and love of the vast human archive of drumming. “Performing Belief” is in good company in the rank and file of the legendary Planet Mu label. From the foundational early releases of the likes of Jega and Venetian Snares, to the contemporary envelope-warping work of Jlin and hundreds of brilliant releases in between, Planet Mu has been a beacon of forward-thinking rhythmic music for decades, informing Krivchenia’s own sense of the weird metaphysics of musical time since he was a kid. Krivchenia’s contribution to this history calls to mind the principle of organic danceability that subtends Mu’s whole catalogue, while bending our sense of rhythm in new and gracious dimensions. Krivchenia brings out the loamy complexity of natural rhythms, a clearing as generous as it is inviting. Let the drummer give you some.

Moor Mother is an American musician, poet, and interdisciplinary artist known for her avant-garde and experimental work. The Great Bailout is an expansive meditation that acts as a non-linear word map about colonialism, slavery, and commerce in Great Britain. Featuring guest contributions from Lonnie Holley, Angel Bat Dawid & Sistas of the Nitty Gritty, Vijay Iyer, Mary Lattimore, and more, it"s Moor Mother"s most uncompromising vision to date. Moor Mother has gained recognition for her unique blend of spoken word, noise, and electronic music, addressing themes of race, gender, and socio-political issues. She hails from Philadelphia and has been an influential figure in the city"s vibrant arts and music scene. She has received critical acclaim for her albums, with reviewers praising her fearless approach to sound and her thought-provoking lyrical content on albums like "Jazz Codes" and "Analog Fluids of Sonic Black Holes", showcasing her boundary-pushing sonic experiments.

DebutɞAkustikɞSoloɞAlbum von Andrej DietrichɎ alias AKa RindeɎ auch bekannt als eine Hälfte von Dyse
"Kids" ist DIY und ist PunkɎ auch wenn man es der Akustikgitarre nicht glauben möchte, wenn diese sich im Fingerpicking anschleicht und plötzlich laut wird

SCARING THE HOES ist das erste Kollaborationsprojekt von JPEGMAFIA und Danny Brown.

Nachdem das Album über ein Jahr lang gehänselt worden war, erschien es im März 2023 und fand großen Anklang bei der Kritik. Beide Künstler verfügen über eine breite und etablierte Fangemeinde und ein Renommée in der Alt-Hip-Hop-Welt.

Ihre Online-Präsenz ist mit zusammen über 1 Mio. Instagram-Followern riesig und der Podcast von Danny Brown erreicht eine große Hörerschaft. Neuauflage auf weißem Vinyl.

This April, Jessie Wagner releases her long awaited second solo album, “War Within”
on Little Stevie Van Zandt’s Wicked Cool Records. Jessie is a true multi-talent. She is a vocalist, songwriter, actor, model and dancer who possesses a unique worldview which she shares via her very personal songs.
Many of Jessie’s current fans know her best as a featured vocalist with some of the best known and most loved names in music. She launched her career within a year of moving to New York when she became a member of the world renowned disco group Chic, with Nile Rodgers. Jessie played to sold out crowds at London’s famed O2 Arena with Chic and then later on, with Kid Rock, with whom she also performed at the Grammys. Jessie then got to tour with her personal rock idol Lenny Kravitz and is featured in his tour documentary, “Just Let Go”. She performed with Stevie Nicks and Robert Plant at the Montreux Jazz Festival and sang on the platinum selling album “Rock and Roll Jesus”.

Seit mehr als zwei Jahrzehnten ist CALIBAN eine der prägenden Kräfte im Metalcore. Mit ihrem kommenden Album "Back From Hell" entwickelt die deutsche Band ihren Sound weiter und bleibt dabei der Intensität und Emotion treu, die ihre Karriere definiert haben. Angeführt von den Gründungsmitgliedern Andreas Dörner (Gesang) und Marc Görtz (Gitarre), umfasst das aktuelle Lineup der Band zusätzlich den neuen Bassisten Iain Duncan, der mit seinen cleanen Vocals eine neue Dimension in die facet-tenreiche Dynamik der Band bringt.Nach dem Erfolg der letzten Singles - "I Was a Happy Kid Once", "Echoes" und "Guilt Trip feat. Mental Cruelty" - veröffentlichen CALIBAN ihr bisher ambitioniertestes Werk. "Back from Hell" erforscht Themen wie innere Kämpfe, Resilienz und Katharsis und verbindet ihre charakteristischen, krachenden Riffs und den gutturalen Gesang mit atmosphärischen Melodien und einer moder-nen Produktion.Im Laufe der Jahre haben sich CALIBAN ihren Platz unter den Metalcore-Legenden erarbeitet, mit unzähligen Tourneen, Festi-valauftritten und einer Diskografie, welche Genregrenze immer wieder aufs Neue definiert. Im Jahr 2024 und darüber hinaus wird die Band mit "Back From Hell" auf Tour gehen und ihren Ruf als einer der elektrisierendsten Live-Acts der Heavy Music unter-mauern. CALIBAN sind stärker als je zuvor!"Back From Hell" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak & Branded Air Freshener, LP, Digital Album.

'Pink Silence' ist das dritte Album des Zwillingsduos Rachael und Paul Swinton aus Glasgow und ihr zweites für Mogwais Rock Action Records.

'Pink Silence' behandelt universelle Themen wie Beziehungen, Herzschmerz, Verlust und Selbstakzeptanz. Die Band bewegt sich in poppigeren, peppigeren Gefilden, ohne ihre eindringlichen, ätherischen Vocals zu vernachlässigen.

Aufgenommen in Bristol mit dem Produzenten Ali Chant (Katy J Pearson, Kid Carpet, Perfume Genius) und mit Beiträgen von Adrian Utley (Portishead), Owen Pallet und Stuart Braithwaite (Mogwai) ist 'Pink Silence' der Nachfolger des von der Kritik gefeierten 'Secret Measure' von 2023.

- Ltd. Col. LP: (pinkfarbenes Vinyl mit Download-Code)

Die Modern Folk-Künstlerin Jensen McRae hat das Veröffentlichungsdatum ihres mit Spannung erwarteten zweiten Albums „I Don't Know How But They Found Me!“ bekannt gegeben, das am 25. April über Dead Oceans erscheinen wird. Zusammen mit der Ankündigung hat sie auch ihre neueste Single und das Video „Praying For Your Downfall“ veröffentlicht, ein Meisterwerk der Offenheit, das Witz und Charme verbindet, während McRae darüber nachdenkt, wie sie den Drang nach Rache an jemandem, der ihr das Herz gebrochen hat, loslassen kann.



Jensen McRae - Praying For Your Downfall (Official Video)



Vor dem Hintergrund von Herzschmerz, Selbstfindung und der Komplexität der Liebe ist „I Don't Know How But They Found Me!“ eine mutige Entwicklung für die junge Künstlerin. Das elf Titel umfassende Album, das in North Carolina mit Brad Cook (Waxahatchee, Bon Iver) aufgenommen wurde und an dem Nathan Stocker (Hippo Campus), Matthew McCaughan (Bon Iver) und ihr Bruder Holden McRae mitgewirkt haben, ist eine lebendige Sammlung von Songs, die von messerscharfen Texten und zeitlosen Pop-Melodien getragen werden. McRaes Stimme ist so vielseitig wie ihr Songwriting - mal flüsternd und strukturiert, dann wieder klar und hell. Es ist eine Stimme, die sowohl den Herzschmerz des Verlassenwerdens als auch die Stärke des Verlassens verkörpert.



Von Anfang an haben sich die Fans in Jensen McRae verliebt, für ihre scharfsinnigen, aufrüttelnden und klarsichtigen Songs. Ihr Songwriting ist verletzlich, ja, aber es ist auch stark, weil es sich nicht zurückhält. „I Don't Know How But They Found Me!“ zeigt McRaes Entwicklung von einer vielversprechenden jungen Künstlerin zu einer echten Songwriterin und Star. „Die tiefgreifendsten Entscheidungen meines Lebens“, sagt McRae, “haben sich oft wie Dinge angefühlt, die ich getan habe, bevor ich dazu bereit war, und in die ich hineinwachsen musste.“ „I Don't Know How But They Found Me!“ handelt davon, was folgt, wenn man dem widerstanden hat, von dem man dachte, dass es einen vernichten würde. Es geht darum, seine Grenzen kennenzulernen und zu erfahren, wozu man fähig ist. „Ich verband mich mit dem Gedanken, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir widerfahren ist, hätte zusammenbrechen können, aber ich tat es nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt sie, ‚aber ich war die ganze Zeit kugelsicher“. Jensen McRae ist in L.A. geboren und aufgewachsen und hat fast ihr ganzes Leben lang Musik studiert und gemacht. In der High School nahm sie am Grammy Camp teil und schloss ihr Studium an der USC Thornton School of Music mit einem Abschluss in Popular Music ab. McRaes Debütalbum „Are You Happy Now?“ schrieb sie größtenteils im Alter von 21 Jahren und war der erste Schritt zum Aufbau einer treuen Fangemeinde. „Are You Happy Now?“ navigiert die Identität von ihren tiefsten Grundlagen - dem Leben als junge, gemischtrassige schwarze und jüdische Frau - bis hin zu ihren persönlichsten Überlegungen - vertraue ich dir, vertraue ich mir selbst. McRaes Vertrauen in sich selbst hat sich mehrfach bestätigt, zuletzt und vielleicht am bekanntesten in Form des Songs „Massachusetts“. McRae postete eine Solo-Strophe und einen Refrain, kaum mehr als ein Stück eines Demos, und es fing Feuer im Internet. Covers, Duette und eine Lawine neuer Fans folgten, und McRae krönte den Moment mit einer fertigen Version und einer sommerlangen Tournee als Support von Noah Kahan. „I Don't Know How But They Found Me!“ nimmt McRaes mittlerweile beachtliche Fähigkeiten auf und macht sie massentauglich. „Savannah“ ist ein Song für alle, die schon lange dabei sind. Der pulsierende, an Country angelehnte Song erinnert sofort an das Beste von Phoebe Bridgers, wobei McRae in einem akrobatischen Flüsterton über einer federleichten akustischen Gitarre singt. Wenn „Savannah“ sein Crescendo erreicht, wird klar, dass McRae eine Künstlerin mit einer ganz eigenen Kraft ist, wenn sich Klavier und Gitarre überlagern und McRae eine Reihe bissiger Anklagen mit Schärfe und Überzeugung vorträgt: "You swore you'd raise our kids to end up just like you / well you're a false prophet / and that's a goddamn promise." Währenddessen ist „Let Me Be Wrong“ eine echte Hymne, eine beschwingte Ode an die Ablehnung von Perfektionismus. Wiederum auf einem einfachen Gesang und einer Akustikgitarre aufbauend, steigert sich „Let Me Be Wrong“ Schritt für Schritt in seinem Trotz; die Gitarren schichten sich, das Schlagzeug nimmt das Tempo auf, und McRae macht Platz für die Fehler aller. Wenn McRae knurrt „fuck those girls got everything“, ist das ein Schlag voller Kraft und Verletzlichkeit, der darum bettelt, unisono so laut wie möglich gebrüllt zu werden. Der ungewöhnliche Titel ihres zweiten Albums? Er stammt aus einer Zeile in McRaes Lieblingsfilm „Zurück in die Zukunft“. Ein Hauptdarsteller überlebt einen Kugelhagel, und dieses Bild hat McRae sehr beeindruckt. „Ich habe mich mit dem Gedanken angefreundet, dass ich leicht unter dem Gewicht dessen, was mir passiert ist, hätte zusammenbrechen können, aber das habe ich nicht. Ich wusste es nicht einmal“, sagt McRae, “aber ich war die ganze Zeit über kugelsicher.“

The Arockalypse is the third studio album by Finnish rock band Lordi. It includes the hit single "Hard Rock Hallelujah", which won the Eurovision Song Contest 2006 for Finland. The album was certified with a triple Platinum status in Finland, Gold in Germany, and Sweden. It reached the number one chart position in Finland, Sweden, and Greece. The Arockalypse has several guest appearances: Dee Snider and Jay Jay French from Twisted Sister, Udo Dirkschneider from Accept/U.D.O. and Bruce Kulick from Kiss. The Arockalypse is available as a limited edition of 666 individually numbered copies on black and gold marbled vinyl.

Frizzy P & Mr Cole are a trip-hop duo blending old-school hip-hop, jazz, and analog sounds. Their intimate, melancholic music has earned them growing recognition on the independent scene. Frizzy P, a singer with a captivating voice, and Mr Cole, a beatmaker passionate about vintage sounds, have been collaborating since 2015. Their debut EP, Ladi Dadi (2017), became an underground success, racking up millions of streams and airplay on BBC Music 6 and FIP. In 2023, they followed up with Ladi Dadi II, further refining their musical identity. In 2024, they released The Backroom Tape, a mixtape featuring unreleased tracks, ahead of their final chapter, Ladi Dadi III, set for April 2025. This last installment will feature six new tracks, rich in melancholy and raw emotions. Their live performances have taken them across France and beyond. In 2025, they plan to expand their stage presence with additional musicians. Their unique approach to modern yet timeless trip-hop continues to solidify their place in the music scene.

Lisbon-based producer & DJ, Helder Russo is a standout figure in Portugal's electronic music scene. Helder's work has gained acclaim since his early releases on Groovement, Tomorrow Is Now, Kid! & most recently, Percebes.

His 2019 release 'Onfrico' & the 2021 anthem 'Cascalho' showcased his unique blend of Chicago House, Detroit Techno, London-inspired breaks & rich African influences. As a true ambassador for Portuguese dance music, his music is highly regarded.

Now, Helder presents his debut album 'Nha Joia' (Creole for 'My Jewel'), a heartfelt tribute to his beloved mother. This collection features the 80's cop show inspired 'Parsley park', the infectious 'Whippit', the emotional 'Nha Joia', the Outkast-reminiscent 'Muscanite', the futuristic techno soul of '11.22' & the gritty 'Badio' & 'Sampa'.

This album is brilliant, honest, & complete - Recommended for fans of Carl Craig, Underground Resistance, Larry heard, Kamasi Washington & Thundercat. Sleep now, cry later.

Seit mehr als zwei Jahrzehnten ist CALIBAN eine der prägenden Kräfte im Metalcore. Mit ihrem kommenden Album "Back From Hell" entwickelt die deutsche Band ihren Sound weiter und bleibt dabei der Intensität und Emotion treu, die ihre Karriere definiert haben. Angeführt von den Gründungsmitgliedern Andreas Dörner (Gesang) und Marc Görtz (Gitarre), umfasst das aktuelle Lineup der Band zusätzlich den neuen Bassisten Iain Duncan, der mit seinen cleanen Vocals eine neue Dimension in die facet-tenreiche Dynamik der Band bringt.Nach dem Erfolg der letzten Singles - "I Was a Happy Kid Once", "Echoes" und "Guilt Trip feat. Mental Cruelty" - veröffentlichen CALIBAN ihr bisher ambitioniertestes Werk. "Back from Hell" erforscht Themen wie innere Kämpfe, Resilienz und Katharsis und verbindet ihre charakteristischen, krachenden Riffs und den gutturalen Gesang mit atmosphärischen Melodien und einer moder-nen Produktion.Im Laufe der Jahre haben sich CALIBAN ihren Platz unter den Metalcore-Legenden erarbeitet, mit unzähligen Tourneen, Festi-valauftritten und einer Diskografie, welche Genregrenze immer wieder aufs Neue definiert. Im Jahr 2024 und darüber hinaus wird die Band mit "Back From Hell" auf Tour gehen und ihren Ruf als einer der elektrisierendsten Live-Acts der Heavy Music unter-mauern. CALIBAN sind stärker als je zuvor!"Back From Hell" ist erhältlich als: Ltd. CD Digipak & Branded Air Freshener, LP, Digital Album.

Crazy streched breakcore hardcore and speedcore ! 2 LP one 7 inch... The absolute collector !! TIP !!!

4XLP. Hardcover slipcase box. Liner notes from Soichi Terada, Colour: translucent red, clear, blue, and yellow vinyl

It has been 25 years since the release of Saru Get You (サルゲッチュ), known stateside and in the UK as Ape Escape. Ape Escape marked a significant milestone for the PlayStation, as it was the first game to require use of the PlayStation's DualShock (analog) controller. In Ape Escape, the use of the analogue sticks goes beyond camera rotation and acts as an extension of Kakeru's (Spike's) own character, controlling his many gadgets like the stun club, time net, and sky flyer. It's a unique form of control that, really, didn't become popularized until the release of the Nintendo Wii. It feels like a distinctly Japanese design, the sort of off-the-wall design that is either embraced or rejected on a global scale. In Ape Escape's case, the mechanic caught on.

Ape Escape is fast, frantic, and—at times—downright frustrating. Pipo monkeys dash, taunt, and swim away from your advances. They ride water monsters, fly UFOs, and even shoot uzis! Whether it's Kakeru, his friends, or the monkeys themselves, the characters are always running across the levels. This mad dash is enhanced by the game's soundtrack, composed by legendary composer Soichi Terada. As he recalls, the director of the production said, "Spike and his friends always have the image of running." In response, Terada happily produced fast songs with an average speed of over 170bpm. The resulting gameplay and audio is a match made in heaven.

Ape Escape is the first game soundtrack Mr. Terada ever created. The producers of the game heard one of his singles, "Sumo Jungle," and thought his frenetic drum-and-bass (Jungle) would be perfect for the game. The marriage of Ape Escape's charming overworld and Soichi's upbeat compositions is nothing short
of sublime. Especially now, it is difficult to separate the mischievous Pipos and fast-paced action from Soichi Terada's silky smooth synthesizer and heart-pounding bass. Earlier this year (2024), Soichi Terada's Ape Escape work was celebrated by the six-track EP Apes in the Net, which includes music from Ape Escape 1 and 3 (Terada did not compose the series' second installment). The label, Rush Hour Music, has prestigiously championed almost all of Soichi Terada's music, especially his (specifically non-VGM) house, jungle, and drum and bass releases (Sounds from the Far East, Asakusa Light, and more).
Before Apes in the Net, Terada's Ape Escape music was only available on CD, released in Japan around 2010. This release featured reconstructed tracks created by Mr. Terada himself, identical to the music arrangements featured in the game. The biggest difference, of course, was that they were of higher fidelity than was originally available on the PS1 disk format. Completing all of the aforementioned releases is this box set, released by Far East Recording in partnership with Cartridge Thunder and officially licensed by Sony Computer Entertainment. This box set release includes four LPs, housed individually by a hardcover slipcase. This box set includes every song from Ape Escape 1, except those available on Apes in the Net. This box set release also includes one bonus song, previously unreleased anywhere else (including the game itself!).

The music on this box set was meticulously mastered by Justin Perkins of Mystery Room Mastering. Using Mr. Terada's premastered source files, the music was completely and specifically mastered for vinyl. Rounding out the audio is absolutely stunning artwork created by Gobo3D. CT worked with Gobo to recreate some of Ape Escape's most iconic characters, referencing the original Japanese guidebook and other promotional materials. The result is visually delicious 300dpi artwork that takes you straight back to 1999. As uber-fans of the original PlayStation game, Cartridge Thunder and Far East Recording are proud to celebrate Soichi Terada's music and pay our respects to such a legendary PlayStation franchise—on the original hardware's 30th anniversary no less! It's with a happy heart, then, that Far East Recording and CT present to you Soichi Terada's Ape Escape Originape Soundtracks in a Box.

Please note: due to licensing exclusivity, this release does not include tracks previously released on Apes in the Net