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Auf ihrem neuen Werk schafft das Duo einen intimen Zufluchtsort durch Musik. Hier geht es nicht um ein physisches Ziel, sondern um einen Geisteszustand, einen Zufluchtsort für Reflexion und Konzentration inmitten des Lärms des modernen Lebens. Gemeinsam mit Jörg Brinkmann (Cello) und Paul Heller (Saxophon) schaffen sie eine intime, herzliche Klangwelt, die echte Verbundenheit zelebriert und den Zuhörer auf eine musikalische Reise abseits von Ablenkungen einlädt, die Klarheit und Ruhe bietet.

CYTROPIA ist das Debütalbum einer Künstlerin, die akustische und elektronische Musik vereint. Es kombiniert innovative Elektroakustik mit klassischer Eleganz und bietet eine neue Interpretation von Bachs Cello-Suiten. Das Album feiert die musikalische Evolution und spricht sowohl klassische Musikliebhaber als auch experimentierfreudige Hörer an.

Novalis wurden 1971 gegründet und fingen schon 1975 auf ihrer zweiten LP "Novalis" an in Deutsch zu singen. Lediglich ihr Erstling "Banished Bridge" (1973) war in englischer Sprache. Neben verklärten romantischen Texten benutzten sie auch Werke der Klassik. "Impressionen" vom Album "Novalis" ist zum Beispiel eine interessante Adaption der 5. Symphonie von Anton Bruckner. "Vielleicht Bist Du Ein Clown" erschien 1978 auf dem Brain Label, Achim Reichel produzierte das Album. Es ist der fünfte Longplayer der Band. Das Cover designte Hipgnosis (Storm Thorgerson, Aubrey Powell), die auch zu dem Zeitpunkt für alle Cover von Pink Floyd oder dem Alan Parsons Project verantwortlich zeichneten. Novalis schafften es auch auf diesem Album wieder, einen Sound zu kreieren, bei dem alle Instrumente in einem partnerschaftlichen Gleichgewicht nebeneinander agieren. Zeitlose Musik, die auch heute noch funktioniert. Der Re-Release kommt als Vinyl in einer limitierten Edition von 500 Stück im farbigen (zufällig) Vinyl.

»Eine funkelnde Aufführung, die erfrischend spontan wirkt – und doch gedanklich vollkommen geformt ist«
(Der Tagesspiegel)
Der kanadische Starpianist Jan Lisiecki präsentiert seinen gefeierten Zyklus der fünf Klavierkonzerte von
Ludwig van Beethoven erstmals auf Vinyl in einer hochwertigen Box mit fünf 180g LPs.
Die fünf Konzerte seien kein Zyklus im engeren Sinn, sagt Jan Lisiecki: »Beethoven hat diese Werke
sicher nicht zusammenhängend konzipiert. Dennoch gehören sie zusammen, denn sie zeigen ein unglaublich
differenziertes Bild von Beethoven, angefangen mit den beiden ersten Konzerten, die noch das Erbe Mozarts
verraten, über die so unterschiedlichen Werke Nummer drei und vier bis hin zum majestätischen Es-DurKonzert.« Den Pianisten fasziniert diese Vielfalt, »weil hier alle wichtigen, teils gegensätzlichen Facetten
Beethovens zusammenkommen«.
Lisiecki ist in diesen Einspielungen nicht nur als Solist zu erleben, sondern leitet die berühmte Academy of
St Martin in the Fields vom Klavier aus.
Die Veröffentlichung dieser Vinyl Box wird begleitet von einer großen Deutschland Tour im Januar 2025

Die schwedischen Heavy Rocker GREENLEAF haben mit ihrem neunten Album "The Head & The Habit" den vorläufigen Gipfel ihrer langen Evolution erklommen. Die musikalische Handschrift und Virtuosität von Gitarrist Tommi Holappa, seit mehr als 25 Jahren einer der Vorreiter und tragenden Säulen der europäischen Stoner Rock Szene, zeichnen sich deutlich ab. Die Gitarren werden perfekt ergänzt durch den gefühlvollen, intuitiven Sinn für Melodien und die charakterliche Tiefe, die der klassisch ausgebildete Sänger Arvid Hällagård dem Sound von GREENLEAF verleiht. Neben den erstklassigen Gesangslinien sowie den massiven Fuzz-Power-Riffs hat sich der Frontmann intensive Gedanken zu seinen Texten für "The Head & The Habit" gemacht, die weit über den Standard des oft klischeebeladenen Genres hinausreichen. Wie bereits der Albumtitel ("Der Kopf & Die Gewohnheit") andeutet, sind die neuen Songs als symbolische Kurzgeschichten angelegt, die sich um das Ringen mit Gefühlen bis zu psychischen Erkrankungen drehen. In Hällagårds Lyrik spiegeln sich seine Erfahrungen aus der Arbeit mit Menschen wider, die mit Sucht und anderen psychischen Problemen zu kämpfen haben. Die Heavy Rock Liebhaber GREENLEAF wurden ursprünglich als informelles Privatprojekt unter Freunden gegründet. Alle spielten bereits in anderen Bands, worunter sich so klangvolle Namen wie DOZER, LOWRIDER und DEMON CLEANER finden. Die Schweden suchten einfach nur nach einem Ventil für ihre gemeinsame Liebe zum Hard Rock und Proto-Metal der 70er Jahre, das frei von den Erwartungen und dem Druck ihrer Hauptbands sein sollte. Trotz der Absicht, GREENLEAF nur zum Vergnügen zu betreiben, führte die ungetrübte Freude beim Erschaffen eingängiger Songs dazu, dass ihr gesamtes Umfeld nach Aufnahmen von diesem Material verlangte. Dies führte schließlich zur Veröffentlichung einer selbstbetitelten Debüt-EP im Jahr 2000, der nur ein Jahr später das erste vollständige Album "Revolution Rock" folgte. Die Jahre mit wechselnden Besetzungen waren vorbei. GREENLEAFs stabiler Fokus wurde durch ihr fünftes Album "Trails & Passes" (2014) gekrönt, auf dem erstmals Arvid Hällagård als Sänger zu hören war. Dieser Meilenstein markierte den endgültigen Beginn einer neuen Phase der Band. Mit "The Head & The Habit" verbinden GREENLEAF nun das Bewusstsein für vergangene Triumphe mit reifem Handwerk. Die Schweden wissen, wie sie mehr als je zuvor stärker, härter und auf den Punkt rocken. GREENLEAF verschmelzen donnernde Riff-Magie, mitreißenden und mit Soul getränkten Gesang, frenetische Rhythmen und treibende Takt-Attacken zu einer ohrwurmverdächtigen, funkelnden Legierung von Hardrock-Hymnen!

Der vielleicht spannendste von Blue Notes ”jungen Löwen”, Altsaxofonist Immanuel Wilkins, Gewinner des
Deutschen Jazzpreis 2024 in der Kategorie „Live Act des Jahres International“, meldet sich mit seinem
dritten Album für Blue Note Records zurück.
Schon sein Blue-Note-Debüt ”Omega“, das von der New York Times zum #1 Jazz-Album des Jahres 2020
gekürt wurde, brachte ihm weltweite Beachtung und Anerkennung für sein Spiel und seine ungewöhnlich
vielschichtigen Kompositionen ein. Sein neues Werk „Blues Blood“ bezeichnet er als von seiner Kindheit
in der Gegend von Philadelphia inspiriert.
Co-produziert wurde es von Meshell Ndegeocello, mit Micah Thomas am Klavier, Rick Rosato am Bass,
Kweku Sumbry am Schlagzeug und den Sängern Ganavya, June McDoom und Yaw Agyeman, sowie Gastauftritten von Sängerin Cécile McLorin Salvant, Gitarrist Marvin Sewell und Schlagzeuger Chris Dave.
„Blues Blood“ ist Wilkins‘ bislang ambitioniertestes Album und gleichzeitig ein zugängliches, spirituelles
Werk über Erinnerungen, das Erbe unserer Vorfahren und die Blutlinien, die Menschen verbinden

Es gibt niemanden, der die Bühne so für sich nutzt wie Iƽy Pop – und es wird nicht besser als auf "Live At Montreux Jazz Festival 2023". Mit einer Band, die so vielseitig und akrobatisch ist, wie er selbst, geben sie sich gemeinsam der rohen Gewalt der Stooges-Ära mit "I Wanna Be Your Dog" und "T.V. Eye" hin, performen mit lässigem Charme "Lust for Life", feiern die präzisen, hypnotischen Klänge von "Nightclubbing" bis hin zur völlig entfesselten Wut der aktuellen Stücke "Modern Day Ripoff" und "Frenzy". Die umfassende Live-Sammlung und Iƽys unvergleichliche Darbietung auf
höchstem Niveau ziehen sowohl seine langjährigen Anhänger als auch eine neue Generation von Fans in ihren Bann

PINHEAD ist mehr als eine Band. Dahinter steht ein eigenwilliges und einzigartiges Kunstprojekt, dessen alleiniges Mitglied Multiinstrumentalist,
Produzent, Songwriter & Sänger Ilja John Lappin ist. PINHEAD ist ein Ventil für seine Gefühls- und Gedankenwelt. Dunkle Sehnsüchte manifestieren
sich so in atmosphärischem Progressive Metal und melancholischen, sehr persönlichen Texten. PINHEAD – schon der Name lässt Raum für
Interpretationen und Phantasie. Die bekannte Filmfigur aus „Hellraiser“ gilt für manche als Inkarnation des Bösen, anderen erscheint sie als
Heilsbringer. Für Lappin wurde sie zur Identifikationsfigur bei der Realisierung seiner musikalischen Ideen, vor allem aber bei der gnadenlosen
Auseinandersetzung mit dem schönen und schrecklichen Prozess der menschlichen Individuation – insbesondere seiner eigenen. Ein Sinnbild. Für die Aufspaltung des Selbst, welches vor den Schaudergottheiten bestehen muss. Für das Wettrennen mit dem eigenen Schatten um den ersehnten
Seelenfrieden. Diese Dissonanz prägt das Debutalbum „Egomessiah“. Es besteht eben nicht nur aus dämonischen Schreien und Growls, aggressiven
und treibenden Metalriffs, sondern auch aus sanften, eingängigen Melodien und klaren, hingebungsvollen Gesängen. Akustische Klangwelten,
umwoben von Synth-Elementen, die einen mellow Gothic Vibe erzeugen, machen jedes Stück unvorhersehbar. Es entsteht ein experimentelles
Wechselspiel zwischen den Genres. Die Kompositionen stecken voller Harmonien, Symbiosen und durchlaufen komplexe, aber am Ende doch
nachvollziehbare sich auflösende Entwicklungen.

Blending late 2000's minimalism and harmonies with razor-sharp sound design, Nous'klaer Audio is excited to present Erik Luebs. The American via Japan techno producer joins the label with a four-track solo EP dropping in 2025. While Erik has released music on other labels sparingly, his self-released catalog is vast, versatile, and deeply immersive - a favorite on repeat at Nous'klaer HQ. We're proud to present his first offering with us. Glimpse of Reality is a deep dive into syncopated rhythms and intricate sound design. The EP is rich with atmospheric sounds that are meticulously crafted yet hit with real impact. Each track is layered with delicate textures and packed with detail, rewarding close listening as new elements reveal themselves with each play - especially on big soundsystems.

Straight from the bustling scene of Brussels comes Nous'klaer Audio's latest signing: an effervescent debut album by the young Belgian-Japanese producer, live-performer, pianist and DJ Gaiko. Gaiko (real name Kaito) bursts onto the scene with a nine-track full-length album that highlights the rich and diverse output of this emerging talent. His first offering spans left-field electronics, IDM and DnB, blending intricate drum-programming with lush synths and contemporary, contrasting piano pieces. The long player has been shaped into a push-and-pull dynamic of tempo and mood, a flow of quests that gradually grow into their entirety. From atmospheric textures to tight, propulsive beats, Gaiko builds layers that ripple into each subsequent track. This contrasting yet complementary energy flows from the tender "Millennium" into the unassuming highs of "Setagaya," while the floating electronica of IDM-leaning tracks "Subdued" and "Ever's Lullaby" build up to standout tracks "Martyr" and "Crush." Gaiko's self-titled debut balances euphoria with introspection through an unusually sophisticated playfulness, a rare quality that makes this vivid young artist all the more promising. The 180g vinyl comes in a heavyweight sleeve with artwork by Loe Duval (aka Barwouf) and includes a download card.

Das Album „The Acoustic Sessions“ ist das künftige Kultalbum von Thin Lizzy und ist im Grunde genommen
„Nirvana MTV Unplugged“, das den Lizzy-Katalog einem neuen und breiteren Publikum zugänglich macht.
Dieses einzigartige Projekt bietet den Fans die seltene Gelegenheit, die klassischen Hits von Thin Lizzy
wie nie zuvor zu erleben, wobei Lynotts bisher ungehörte Gesangsaufnahmen perfekt durch Bells frische
akustische Arrangements und Downeys dynamisches Schlagzeugspiel ergänzt werden. Das Album greift auf
Material aus der legendären Decca-Ära der Band zurück und präsentiert die Titel der ersten drei Alben von
Thin Lizzy in einem intimen, reduzierten Format, das sowohl langjährige Fans als auch eine neue Generation
von Zuhörern begeistern wird. Das Album enthält die allererste akustische Version von „Whiskey in the Jar“,
dem Song, der Thin Lizzy zu internationalem Ruhm verhalf. Diese Neuinterpretation eines klassischen Hits
ist ein Beweis für die anhaltende Anziehungskraft der Musik von Thin Lizzy und bietet eine neue Sichtweise
auf ihr Erbe, die sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist.

Als Meister des melancholischen Heavy Metal sind Avatarium seit 2013 eine einzigartige und beeindruckende musikalische Kraft. Ursprünglich als außerschulisches Projekt der Candlemass-Legende Leif Edling gegründet, haben sich die Stockholmer Doom-Ausreißer seither weit über ihre Wurzeln hinaus entwickelt und sind zu einer der kreativsten Hardrock-Bands des Planeten geworden. Unter der Leitung ihrer Lebenspartner, der Sängerin Jennie-Ann Smith und dem Gitarristen Marcus Jidell, haben Avatarium ihren einzigartigen Weg fortgesetzt und sind auf diesem Weg noch stärker geworden. Vom gefeierten Doom-Purismus ihres selbstbetitelten Debüts bis hin zum detailreichen Rock-Genuss von "Death, Where Is Your Sting?" aus dem Jahr 2022 war jedes Kapitel der Bandgeschichte ein Maßstab für Substanz und Seele in der Heavy-Musik.
Am 24. Januar 2025 veröffentlichen die Schweden nun ihr sechstes Studioalbum, "Between You, God, The Devil & The Dead". Wie bei jedem ihrer vorherigen fünf Alben offenbart das neue Werk bisher unbekannte Schattierungen und Texturen in ihrem klassischen, aber formbaren Sound. Voller gigantischer Riffs und erstaunlicher Melodien, ist "Between You, God, The Devil & The Dead" in den letzten 18 Monaten gereift. Das Album wird auf drei verschiedenen und limitierten Vinyls, als CD-Jewelcase und als limitierte Doppel-CD-Earbook-Edition, mit 36 Seiten exklusivem Inhalt erhältlich sein.

Limitierte schwarze Vinyl, in einer Kastentasche mit rauer Haptik und einem glänzendem Silberlack auf Vorder- und Rückseite! Limitiert auf 1.000 Einheiten.

In seiner über 20-jährigen Karriere hat Pierre Lapointe, einer der produktivsten Singer-Songwriter der Frankophonie, 15 Alben veröffentlicht, ebenso
viele brandneue Shows kreiert und mit international renommierten Künstlern zusammengearbeitet. Sein neues Album, das von dem
unvergleichlichen Philippe Brault produziert und während der Pandemie geschrieben und komponiert wurde, ist vollgepackt mit neuen
Chanson-Klassikern, die Ihnen ein Lächeln auf die Lippen und Tränen in die Augen zaubern werden.

Mit "The Beautiful World" schlägt der gebürtige Kalifornier ein vollkommen neues Kapitel auf, indem er mehr denn je auf emotionalen Tiefgang und die Schönheit der Introspektion setzt. Basierend auf einem ganz neuen Verständnis davon, weshalb er überhaupt als Komponist arbeitet, umkreist sein viertes Album für Erased Tapes die großen Themen der Menschheit - den Tod und die Trauer, Sehnsucht und Verlust. Im Kern geht es dabei um den tragischen Selbstmord eines jungen Mädchens namens Lauren, das zum engen Freundeskreis der Familie Allred gehörte. Es gibt Musiker:innen, die mit einem neuen Instrument experimentieren, ein neues Thema für sich erschließen oder eine neue künstlerische Sprache lernen, um sich insgesamt in eine neue Richtung zu bewegen. Für Allred jedoch war eine lange Phase der Introspektion und Selbstbeobachtung entscheidend, um seine aktuelle Herangehensweise zu entwickeln: Durch den intensiven Austausch mit Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes und Produzenten des neuen Albums, wurde Allred schließlich klar, dass jede:r eine Lauren in seinem Leben hat - einen Menschen, den man verloren hat und vermisst Die Korrespondenz versetzte Allred in die Lage, diesen Faden deutlicher zu erkennen und ihn auch klarer als zentrales Konzept der neuen Aufnahmen zu verankern. Die Musik spiegelt dabei keineswegs das Chaos wider, das mit dem Trauma einherging. Stattdessen entfaltet sie vielmehr ihre heilende Kraft. Insgesamt ermöglichte dieser Austausch es Allred, sein womöglich kohärentestes Studioalbum aufzunehmen. Ein zentraler Einfluss von The Beautiful World ist dabei auch Allreds Arbeit als Therapeut, was seine Sicht aufs Komponieren nachhaltig prägen sollte. Früher habe er Musik geschrieben, um sich in diesem Prozess gewissermaßen von seinem Leben zu distanzieren. Auf dem neuen Album jedoch bewegt er sich nun in die entgegengesetzte Richtung: Es geht genau um diese Verbindungen - zum eigenen Leben und auch zu anderen Menschen. Obwohl viele seiner früheren Aufnahmen zusammen mit anderen Künstler:innen entstanden sind, musste sich Allred dafür zunächst aus den Kreisen rausbewegen, in denen er sonst arbeitet - nur so konnte er herausfinden, was er wirklich kreieren wollte. Das Resultat ist The Beautiful World. "Gespeist aus der Kraft der Liebe und der Neugier, aus der Kraft des Humors und der Versöhnung, präsentieren wir: The Beautiful World."

"Never Exhale" ist der Sound einer Band, die keine Atempause einlegt. DITZ sind seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums "The Great Regression" (2023) unermüdlich auf Tour. Die Songs ihres neuesten Angebots wurden in ganz Europa geschrieben, oft an freien Tagen und in geliehenen Proberäumen. Man könnte sagen, dass die Band das Aufnehmen und Veröffentlichen von Musik als nachträglichen Einfall betrachtet. Oft spielen sie Songs Jahre vor der Veröffentlichung live und optimieren sie dabei. Die Songs auf der endgültigen Platte können sich ändern, bevor sie jemals als Teil des Albums zu hören sind.

"Never Exhale" wurde grösstenteils in den Holy Mountain Studios in London während eines eiskalten Januars aufgenommen. Der Prozess war voller Hindernisse, da der ursprüngliche Plan, in Rhode Island aufzunehmen, durch das Angebot einer Support-Tour mit IDLES aufgegeben wurde, obwohl das Album immer noch vom ursprünglich vorgesehenen Toningenieur Seth Manchester (Model/Actriz, Lingua Ignota, Big Brave) gemischt wurde. Das Ergebnis ist ein Werk, das durch den Druck seiner eigenen Entstehung gehärtet wurde. Mühsam, aber nicht geliebt.

Die Themen der LP offenbaren sich beim wiederholten Anhören. Von der Erkundung dessen, wie es wäre, seinen Einfluss auf die Welt abzuwägen, dem heiligen Petrus, unnötigem Hass und Spaltung, Altern, der Trennung des Physischen von der Realität. Es ist politisch, aber letztendlich persönlich. Mehr Genet oder Kafka als Orwell oder Huxley. Soundtechnisch hat "Never Exhale" seine Wurzeln in den üblichen DITZ-Einflüssen, klassischem Noise-Rock wie The Jesus Lizard oder Shellac oder dem stumpfen Post-Punk von The Fall, bringt aber auch frische Einflüsse ein. Der letzte Track "Britney" könnte mit Radiohead oder Mogwai verglichen werden. Insgesamt ist das neue Album eine klare Weiterentwicklung ihres Debüts. Und ein Zeichen der Dinge, die kommen werden.

"Never Exhale" ist der Sound einer Band, die keine Atempause einlegt. DITZ sind seit der Veröffentlichung ihres ersten Albums "The Great Regression" (2023) unermüdlich auf Tour. Die Songs ihres neuesten Angebots wurden in ganz Europa geschrieben, oft an freien Tagen und in geliehenen Proberäumen. Man könnte sagen, dass die Band das Aufnehmen und Veröffentlichen von Musik als nachträglichen Einfall betrachtet. Oft spielen sie Songs Jahre vor der Veröffentlichung live und optimieren sie dabei. Die Songs auf der endgültigen Platte können sich ändern, bevor sie jemals als Teil des Albums zu hören sind.

"Never Exhale" wurde grösstenteils in den Holy Mountain Studios in London während eines eiskalten Januars aufgenommen. Der Prozess war voller Hindernisse, da der ursprüngliche Plan, in Rhode Island aufzunehmen, durch das Angebot einer Support-Tour mit IDLES aufgegeben wurde, obwohl das Album immer noch vom ursprünglich vorgesehenen Toningenieur Seth Manchester (Model/Actriz, Lingua Ignota, Big Brave) gemischt wurde. Das Ergebnis ist ein Werk, das durch den Druck seiner eigenen Entstehung gehärtet wurde. Mühsam, aber nicht geliebt.

Die Themen der LP offenbaren sich beim wiederholten Anhören. Von der Erkundung dessen, wie es wäre, seinen Einfluss auf die Welt abzuwägen, dem heiligen Petrus, unnötigem Hass und Spaltung, Altern, der Trennung des Physischen von der Realität. Es ist politisch, aber letztendlich persönlich. Mehr Genet oder Kafka als Orwell oder Huxley. Soundtechnisch hat "Never Exhale" seine Wurzeln in den üblichen DITZ-Einflüssen, klassischem Noise-Rock wie The Jesus Lizard oder Shellac oder dem stumpfen Post-Punk von The Fall, bringt aber auch frische Einflüsse ein. Der letzte Track "Britney" könnte mit Radiohead oder Mogwai verglichen werden. Insgesamt ist das neue Album eine klare Weiterentwicklung ihres Debüts. Und ein Zeichen der Dinge, die kommen werden.

Bereite dich auf eine Odyssee der Seele mit THE GREAT OLD ONES' neuesten Werk, Kadath, vor. In diesem sieben Titel umfassenden Meisterwerk taucht die Band in Lovecrafts „The Dream-Quest of Unknown Kadath“ ein und führt den Hörer durch die zum Scheitern verurteilten Träume von Randolph Carter und seine Suche nach der schwer fassbaren, prächtigen Stadt, die ihm von böswilligen Göttern verwehrt wurde.

Auf seiner Reise durch die gefährlichen Dreamlands erlebt Carter Ehrfurcht und Schrecken zugleich - sein Weg ist geprägt von phantastischen Welten und kriechendem Chaos. Mit Kompositionen, die sowohl gewalttätig als auch atemberaubend schön sind, fängt Kadath die essentielle Gegenüberstellung von Terror und Wunder ein, unterstrichen durch die makellose Produktion von Francis Caste im Studio Sainte-Marthe. Jeder Track ist eine Mischung aus komplexen Melodien und furchteinflößender Intensität, die THE GREAT OLD ONES als herausragende Vertreter der Lovecraft'schen Black-Metal-Klangwelten festigt.

Wage zu träumen und lass dich von Kadath an den Rand des Wahnsinns und darüber hinaus führen!

Die Wilde Jagd veröffentlicht gemeinsam mit dem Grammy-prämierten Metropole Orkest unter der Leitung von Simon Dobson das neue Album Lux Tenera - A Rite to Joy, eine Auftragsarbeit des Roadburn Festivals. In Lux Tenera, das am 21. April 2024 in Tilburg uraufgeführt wurde, verbindet Sebastian Lee Philipp, der kreative Kopf hinter Die Wilde Jagd, seine visionäre Musik mit den orchestralen Klangfarben des 50-köpfigen Metropole Orkests. Mit lyrischen Elementen auf Deutsch und Englisch sowie instrumentalen Besonderheiten wie Taiko-Trommeln und der historischen Carnyx führt das Werk die Zuhörenden in eine meditative Klangwelt voller Freude und Tiefe.

Die französische Singer-Songwriterin Laura Cahen zählt in ihrem Heimatland zu einer der wichtigsten Stimmen der Indie-Szene, nun kündigt sie ihr viertes Studioalbum 'De l'autre côté' für den 24. Januar 2025 an. Inspiriert von Künstlerinnen wie Laurie Anderson, Laura Marling oder Adrianne Lenker verbindet ihre Musik akustische und elektronische Elemente, um emotional reiche, selbstreflektierende Klanglandschaften zu schaffen. In Form poetischer Liebeslieder behandelt sie Themen wie Weiblichkeit, Ökologie, Homosexualität und Gleichberechtigung.

Diese strikt limitierte TOOL Schallplatte - gepresst in blauem Vinyl - enthält legendäre Radio-Live-Aufnahmen aus dem Jahr 2002 inklusive allen
Kultsongs und Alltime-Klassikern wie Stinkfist, The Grudge, Sober etc. Ein "must-have" für alle TOOL-Fans!