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Mit Grumpy Pieces kehrt der Düsseldorfer Musiker Harmonious Thelonious alias Stefan Schwander mit einem Werk zurück, das seine langjährige Klangästhetik präzise destilliert und zugleich spürbar aufreibt. Wieder verbinden sich Pan-Afrikanische und Nahöstliche Rhythmuskonzepte, minimalistische Wiederholungsstrukturen und reduzierter Elektronik-Einsatz zu einem hypnotischen Sound - diesmal jedoch rauer, trockener und offener für Brüche als zuvor. Die acht Stücke wirken wie unter Spannung gesetzt: Melodien schaben über kantige Bassfundamente, scharfe Snare-Schläge durchschneiden das Gefüge, und trotz des klaren Groove-Fokus ist ständig ein nervöses Knistern präsent. Grumpy Pieces reflektiert eine Gegenwart voller politischer und gesellschaftlicher Reibung - ohne explizite Kommentare, aber mit einer Musik, die Reibung selbst zum Gestaltungsmittel macht. Während die A-Seite vergleichsweise direkt beginnt, öffnet sich die B-Seite zunehmend dem kontrollierten Zerfall, bis der finale Track "Dissolving" den Titel programmatisch umsetzt. Entstanden ist das Album in Schwanders Düsseldorfer Studio - intuitiv, unmittelbar, ohne große Bildschirm-Arrangements, eng verwoben mit seiner live-erprobten, tranceartigen Arbeitsweise. Grumpy Pieces ist kein Bruch, sondern eine Zuspitzung: ein kraftvoll verdichtetes, körperliches und zugleich unruhiges Album, das die charakteristische Handschrift von Harmonious Thelonious schärft. Tanzmusik mit Widerstand - und Biss.

Mit Zuckerzeit veröffentlichen Cluster 1974 ein Schlüsselwerk der elektronischen Musik - ein Album, das bis heute als Meilenstein des sogenannten "Krautrock" gilt. Im Gegensatz zu ihren früheren, experimentelleren Arbeiten setzt das Duo hier auf klarere Strukturen, kürzere Stücke und erstmals verstärkt auf Rhythmusmaschinen. Herausgekommen ist eine Sammlung faszinierender elektronischer Miniaturen: verspielt, präzise und überraschend zugänglich. Entstanden in ländlicher Abgeschiedenheit und unter Mitwirkung von Michael Rother (NEU!, Harmonia), markiert das Album einen kreativen Wendepunkt hin zu mehr Leichtigkeit und melodischer Klarheit. Diese Wiederveröffentlichung macht ein zentrales Werk der elektronischen Avantgarde wieder breit verfügbar

Pure Devotion, benannt nach der gleichnamigen Live-Reihe von 2024, markiert einen weiteren Entwicklungsschritt für Overmono. Hinter dem Projekt stehen die Brüder Tom und Ed Russell, die bereits seit Jahren in der britischen Elektronikszene aktiv sind - sowohl gemeinsam als auch über ihre Solo-Projekte Tessela und Truss. Diese Erfahrungen aus dem UK-Underground bilden die Grundlage ihres Sounds bis heute. Das Album vereint bewusst Unschärfen, technische Imperfektion und zufällige Momente mit einer klaren künstlerischen Haltung. Über elf Tracks hinweg erweitern Overmono ihren Produktionsansatz und greifen dabei auf ungewöhnliche Mittel zurück: analoge Synthesizer aus den 70er- und 80er-Jahren, alte Lautsprechersysteme oder experimentelle Klangbearbeitung. Das Ergebnis wirkt kontrolliert, organisch und immer treibend. Auch die Vocals tragen zur Atmosphäre bei - unter anderem von John Joseph Holt, Kindora und Ruthven. Insgesamt legt Pure Devotion den Fokus stärker auf Emotionalität und Klangtiefe als auf reine Funktionalität im Clubkontext. Das Projekt entwickelte sich aus einer Neujustierung ihrer Live-Show und gewann parallel zu ihren Touraktivitäten an Form. Nach dem Erfolg ihres Debütalbums Good Lies (2023), welches ihnen größere Aufmerksamkeit und internationale Auftritte einbrachte, spielten Overmono zahlreiche Festivals und eigene Shows, darunter Glastonbury und Alexandra Palace in London. Während dieser Phase entstand neue Musik, die später in Rückzugsorten wie Spanien und Island weiter ausgearbeitet wurde. Die Single "Lockup" steht exemplarisch für die Herangehensweise des Duos: direkte, rhythmisch präsente Strukturen treffen auf zurückhaltendere, emotionale Elemente. Pure Devotion wirkt damit weniger wie ein Bruch als vielmehr wie eine konsequente Weiterentwicklung - geprägt von Erfahrung, Neugier und dem Anspruch, den eigenen Ansatz weiter auszuloten. Overmono sind eine neue Größe in der internationalen Club-Kultur.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Citizens anhaltende klangliche Weiterentwicklung und ihre konsequente Weigerung, jemals zweimal dasselbe Album zu machen, haben ihnen den Ruf eingebracht, eine der konstant fesselndsten Bands der modernen Rockmusik zu sein. Genau dieses kompromisslose Bekenntnis zu ihrem Handwerk führte zu ihrem neuen Album Halcyon Blues. Es ist eine dynamische und selbstbewusste Kulmination all dessen, was zuvor kam - und macht unmissverständlich klar: Bei aller klanglichen Rastlosigkeit wussten Citizen immer genau, wer sie sind.Von Beginn an war die Band - Sänger Mat Kerekes, Gitarrist Nick Hamm, Bassist Eric Hamm sowie die neueren Mitglieder Gitarrist Mason Mercer und Schlagzeuger Ben Russin - fest entschlossen, ihrer Kreativität kompromisslos zu folgen, wohin auch immer sie sie führen würde. Über die Jahre bewegten sie sich souverän durch rohen Emo, bedrohlichen Post-Hardcore, hymnischen Alternative Rock, garageartigen Indie-Pop und vieles mehr.Halcyon Blues vereint nun Elemente aus dem gesamten bisherigen Katalog der Band zu einem geschlossenen, unmittelbar befriedigenden Album, das einfach unverkennbar nach Citizen klingt. Während frühere Citizen-Alben oft wie direkte Reaktionen auf den jeweiligen Vorgänger wirkten, fühlt sich Halcyon Blues an, als würde die Band ihr gesamtes bisheriges Werk umarmen und geschlossen weitertragen.Aufgenommen von Kerekes in seinem Heimstudio in Toledo und anschließend von Tom Lorde-Alge (U2, Weezer, Blink-182) gemischt, greift das Album die Dringlichkeit und Wildheit der frühen Citizen-Veröffentlichungen auf und verbindet sie mit der epischen Weite und den unbestreitbaren Hooks ihres jüngeren Schaffens. Das Ergebnis sind große Rock-Songs mit entsprechend großen Emotionen. Doch auch die jugendliche Frustration der frühen Jahre ist gereift - ersetzt durch eine nuanciertere, wenn auch nicht weniger scharfzüngige erwachsene Perspektive.

Langsam, schnörkellos und größtenteils instrumental - auf ,Orphans" wendet sich Art Feynman nach innen. Das Album, das als ,Musik zum Nebenbei-Hören" konzipiert ist, soll den Alltag begleiten und die Atmosphäre untermalen, ohne konzentrierte Aufmerksamkeit zu erfordern. Es bewegt sich durch den Raum wie ein Windspiel - weniger etwas, dem man folgt, als etwas, das man spürt. Es sind intime, einsame Erkundungen, Skizzen, die sich weniger komponiert als vielmehr entdeckt anfühlen, und doch strahlen sie eine stille emotionale Klarheit aus. Während sich Feynmans frühere Arbeiten oft auf komplexe Grooves und dichtes Zusammenspiel stützten, ist ,Orphans" entwaffnend still, geduldig und beruhigend. Zu Beginn des Albums kann man sich fast vorstellen, wie Feynman über einem 4-Spur-Recorder sitzt, Melodien auf einem kleinen Casio nachspielt und seinem Instinkt folgt, wohin auch immer er ihn führt. Der Eröffnungstrack ,Soft Reminder" entfaltet sich mit einer sanften Orgelmelodie, die zu gleichen Teilen melancholisch und neugierig ist; ihre Töne verweilen in der Luft, anstatt voranzutreiben, und legen sich so mühelos im Raum nieder, wie sie zur stillen Reflexion einladen. An anderer Stelle vermittelt ,Soup Song" eine Art hausbackenen Minimalismus, wobei sein beharrliches Orgelmuster an den frühen, experimentierfreudigen Geist von Terry Rileys ,A Rainbow in Curved Air" erinnert. ,Always In Need of Something" verweist auf die verspielten, suchenden Qualitäten von Francis Bebey, wobei seine zyklische Phrasierung eine stille, menschliche Unruhe unter der Oberfläche andeutet. Durchgehend sammeln sich Klänge und Texturen sanft an und formen ebenso sehr eine Atmosphäre wie eine Reihe eigenständiger Kompositionen, wobei sie subtil die emotionale Temperatur des Raums verändern, den sie einnehmen. Das späte Herzstück des Albums, ,Ice Bath", einer der wenigen Momente mit Gesang, bietet eine subtile These: "It slowed me down / That's what I needed / For a new beginning." Der Song fühlt sich wie ein Wendepunkt an, eine Akzeptanz der Stille als notwendige Voraussetzung für Veränderung. Er geht nahtlos über in ,The Condition of New Things", ein wunderschön skizzenhaftes E-Gitarrenstück, das im offenen Raum nachhallt, wobei jede Note mit sorgfältiger Absicht platziert ist und an einige von Jeff Parkers Soloarbeiten erinnert. Der Abschluss-Track ,Plastic Flowers" schwebt herein, getragen von Vocoder-gefiltertem Gesang und einem zarten Bett aus Gitarre und Synthesizer. "To trick the eye but still touch the heart", singt Feynman - eine Zeile, die stillschweigend das Ethos des Albums umrahmt. Wie Licht, das im Laufe eines Tages über eine Wand wandert, mögen diese Aufnahmen bescheiden sein, in ihrer Einfachheit sogar illusionartig, doch ihre emotionale Resonanz ist unbestreitbar.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Wormwood ist eine 2014 gegründete Metal-Band aus Stockholm, die für ihre unverwechselbare Verschmelzung von Extreme Metal, atmosphärischer Tiefe und filmischem Storytelling bekannt ist. Durch die Verbindung von unheimlichen Klanglandschaften, skandinavischer Melancholie, Folk-Elementen und roher Rock-Intensität hat sich die Band eine einzigartige Identität geschaffen, die beim Publikum weltweit großen Anklang findet.

Mit vier Alben in voller Länge, einer EP und einer Live-Veröffentlichung – sowie der kommenden EP „Å“ – hat Wormwood ein beeindruckendes und sich stetig weiterentwickelndes Repertoire aufgebaut. Die Band wurde zweimal bei den schwedischen P3 Gold Awards als „Bester Rock-/Metal-Act“ nominiert, erreichte hohe Platzierungen in den offiziellen schwedischen Charts und erntete breite Anerkennung von internationalen Rock- und Metal-Medien, einschließlich häufiger Platzierungen auf weltweiten „Album des Jahres“-Listen.
Wormwoods Ruf reicht weit über das Studio hinaus. Die Band ist ausgiebig in ganz Europa aufgetreten, hat bei großen Festivals gespielt und Clubtourneen als Headliner bestritten, während sie sich stetig eine treue internationale Fangemeinde aufgebaut hat – insbesondere in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden, Großbritannien und den USA. Ihre starke digitale Präsenz und ihre filmischen, hochwertigen Musikvideos verstärken ihre globale Reichweite und visuelle Identität zusätzlich.
Abgemischt und gemastert vom renommierten Produzenten Sverker Widgren (Wing Studios, Stockholm), verbindet der Sound von Wormwood ausgefeiltes Songwriting und musikalisches Können auf höchstem Niveau mit einer rauen, authentischen Note. Angetrieben von kraftvollen Melodien, atmosphärischer Fülle und emotionaler Intensität, erweitert die Band weiterhin kreative Grenzen und behält dabei eine klare künstlerische Vision bei.

Wormwood zählt heute zu den faszinierendsten und zukunftsweisendsten Acts der schwedischen Metal-Szene und vereint Kritikerlob, internationales Wachstum und einen Sound, der sie von anderen abhebt.

Herbert von Karajans Aufnahme von Wagners „Die Walküre“ glänzt mit einer herausragenden Besetzung,
darunter die phänomenale Sopranistin Gundula Janowitz (Sieglinde), Bassbariton Thomas Stewart (Wotan),
Jon Vickers (Siegmund) und Régine Crespin als Brünnhilde. Gefeiert u.a. auch für ihre lyrischen Akzente,
entfaltet sich Wagners Werk in dieser Aufnahme mit dramatischer Kraft. Karajan lässt sein Orchester, die
Berliner Philharmoniker, gekonnt in den Hintergrund treten, um den großen Sängerinnen und Sängern die
Bühne zu überlassen. Wie das Klassikmagazin Gramophone treffend formuliert, hält seine Aufnahme auch
ein halbes Jahrhundert nach ihrer Veröffentlichung „noch immer Überraschungen bereit“.
Dieses außergewöhnliche Aufnahmeprojekt erscheint nun in der „Original Source Serie“ in höchster audiophiler Klangqualität. Zum ersten Mal nutzt die Reihe das originale Stereo-Masterband, ein ZweispurTonband, als Quelle.
Auf 180g Vinylplatten und als Deluxe-Edition im 5LP-Boxset veröffentlicht, mit dem Originalcover und
-texten, inklusive des vollständigen Librettos. Die Boxen sind limitiert und nummeriert, begleitet von zusätzlichen Fotos und Faksimiles der Aufnahmeprotokolle und Bandkartons. Karajans epochale ”Walküre” zur
Feier von 150 Jahren ”Der Ring des Nibelungen” in einer definitiven audiophilen Edition.
Die Vinyl-Serie The Original Source präsentiert herausragende Aufnahmen der 1960er und 1970er Jahre
in ganz neuer Klangqualität. Dafür haben die renommierten Emil Berliner Studios die originalen Zwei-
, Vier- und Achtspur-Bänder mit eigens für die Produktion der Serie entwickelten Technologien in 100%
analoger Qualität (AAA) neu gemastert und geschnitten. Die klanglichen Unterschiede zu den Originalveröffentlichungen sind beträchtlich: Größere Klarheit, mehr Feinheiten und Verbesserungen im Frequenzgang,
zugleich weniger Nebengeräusche, Verzerrungen und Komprimierungen ermöglichen ein audiophiles Hörerlebnis wie nie zuvor.

Pure Devotion, benannt nach der gleichnamigen Live-Reihe von 2024, markiert einen weiteren Entwicklungsschritt für Overmono. Hinter dem Projekt stehen die Brüder Tom und Ed Russell, die bereits seit Jahren in der britischen Elektronikszene aktiv sind - sowohl gemeinsam als auch über ihre Solo-Projekte Tessela und Truss. Diese Erfahrungen aus dem UK-Underground bilden die Grundlage ihres Sounds bis heute. Das Album vereint bewusst Unschärfen, technische Imperfektion und zufällige Momente mit einer klaren künstlerischen Haltung. Über elf Tracks hinweg erweitern Overmono ihren Produktionsansatz und greifen dabei auf ungewöhnliche Mittel zurück: analoge Synthesizer aus den 70er- und 80er-Jahren, alte Lautsprechersysteme oder experimentelle Klangbearbeitung. Das Ergebnis wirkt kontrolliert, organisch und immer treibend. Auch die Vocals tragen zur Atmosphäre bei - unter anderem von John Joseph Holt, Kindora und Ruthven. Insgesamt legt Pure Devotion den Fokus stärker auf Emotionalität und Klangtiefe als auf reine Funktionalität im Clubkontext. Das Projekt entwickelte sich aus einer Neujustierung ihrer Live-Show und gewann parallel zu ihren Touraktivitäten an Form. Nach dem Erfolg ihres Debütalbums Good Lies (2023), welches ihnen größere Aufmerksamkeit und internationale Auftritte einbrachte, spielten Overmono zahlreiche Festivals und eigene Shows, darunter Glastonbury und Alexandra Palace in London. Während dieser Phase entstand neue Musik, die später in Rückzugsorten wie Spanien und Island weiter ausgearbeitet wurde. Die Single "Lockup" steht exemplarisch für die Herangehensweise des Duos: direkte, rhythmisch präsente Strukturen treffen auf zurückhaltendere, emotionale Elemente. Pure Devotion wirkt damit weniger wie ein Bruch als vielmehr wie eine konsequente Weiterentwicklung - geprägt von Erfahrung, Neugier und dem Anspruch, den eigenen Ansatz weiter auszuloten. Overmono sind eine neue Größe in der internationalen Club-Kultur.

Pure Devotion, benannt nach der gleichnamigen Live-Reihe von 2024, markiert einen weiteren Entwicklungsschritt für Overmono. Hinter dem Projekt stehen die Brüder Tom und Ed Russell, die bereits seit Jahren in der britischen Elektronikszene aktiv sind - sowohl gemeinsam als auch über ihre Solo-Projekte Tessela und Truss. Diese Erfahrungen aus dem UK-Underground bilden die Grundlage ihres Sounds bis heute. Das Album vereint bewusst Unschärfen, technische Imperfektion und zufällige Momente mit einer klaren künstlerischen Haltung. Über elf Tracks hinweg erweitern Overmono ihren Produktionsansatz und greifen dabei auf ungewöhnliche Mittel zurück: analoge Synthesizer aus den 70er- und 80er-Jahren, alte Lautsprechersysteme oder experimentelle Klangbearbeitung. Das Ergebnis wirkt kontrolliert, organisch und immer treibend. Auch die Vocals tragen zur Atmosphäre bei - unter anderem von John Joseph Holt, Kindora und Ruthven. Insgesamt legt Pure Devotion den Fokus stärker auf Emotionalität und Klangtiefe als auf reine Funktionalität im Clubkontext. Das Projekt entwickelte sich aus einer Neujustierung ihrer Live-Show und gewann parallel zu ihren Touraktivitäten an Form. Nach dem Erfolg ihres Debütalbums Good Lies (2023), welches ihnen größere Aufmerksamkeit und internationale Auftritte einbrachte, spielten Overmono zahlreiche Festivals und eigene Shows, darunter Glastonbury und Alexandra Palace in London. Während dieser Phase entstand neue Musik, die später in Rückzugsorten wie Spanien und Island weiter ausgearbeitet wurde. Die Single "Lockup" steht exemplarisch für die Herangehensweise des Duos: direkte, rhythmisch präsente Strukturen treffen auf zurückhaltendere, emotionale Elemente. Pure Devotion wirkt damit weniger wie ein Bruch als vielmehr wie eine konsequente Weiterentwicklung - geprägt von Erfahrung, Neugier und dem Anspruch, den eigenen Ansatz weiter auszuloten. Overmono sind eine neue Größe in der internationalen Club-Kultur.

OXO 86: Jau, wir haben es tatsächlich getan und einige unserer Songs auf Englisch neu aufgenommen. Das war gar nicht so einfach für uns, denn unser Schulenglisch aus DDR-Zeiten reicht gerade mal für ein Gespräch auf dem Schulhof. Also haben wir ein paar englischsprachige Freunde gebeten, uns ihre Stimmen zu leihen (die Aufnahmen entstanden gemeinsam mit Sänger Willy und der ganzen Band!). Mit dabei waren Freunde aus anderen Bands, wie Greg von ,Bishops Green", Chris von ,On the Job", Ole von ,Brutal Bravo", einige Musiker bekannter Ska-Bands usw. Unglaublich, aber wahr OXO 86 sings English! CD sowie schwarzes, klar-gelbes mit schwarzem Splash und klar-rotes mit schwarzem Splash-Vinyl gibt's aktuell!

OXO 86: Jau, wir haben es tatsächlich getan und einige unserer Songs auf Englisch neu aufgenommen. Das war gar nicht so einfach für uns, denn unser Schulenglisch aus DDR-Zeiten reicht gerade mal für ein Gespräch auf dem Schulhof. Also haben wir ein paar englischsprachige Freunde gebeten, uns ihre Stimmen zu leihen (die Aufnahmen entstanden gemeinsam mit Sänger Willy und der ganzen Band!). Mit dabei waren Freunde aus anderen Bands, wie Greg von ,Bishops Green", Chris von ,On the Job", Ole von ,Brutal Bravo", einige Musiker bekannter Ska-Bands usw. Unglaublich, aber wahr OXO 86 sings English! CD sowie schwarzes, klar-gelbes mit schwarzem Splash und klar-rotes mit schwarzem Splash-Vinyl gibt's aktuell!

Das 1981 erstmals erschienene Album „Give the People What They Want“ setzte den Erfolg der Kinks
aus den frühen 80er-Jahren mit ihrem direkten, gitarrenlastigen Sound und pointierten, zeitgenössischen
Themen fort. Als eines ihrer erfolgreichsten Alben in den USA enthält es herausragende Titel wie „Destroyer“, „Better Things“ und „Around the Dial“. Diese Edition von 2026 wurde von den Originalquellen
neu gemastert und bietet verbesserte Klarheit, Definition und Ausgewogenheit, wobei der Charakter und
die Energie der Originalmixe erhalten blieben.
Das 1979 erstmals veröffentlichte Album „Low Budget“ markierte mit seinem härteren, stadiontauglichen
Sound einen Wendepunkt in der späten Karriere der Kinks. Es avancierte zu einem der stärksten US-Alben
der Band und gilt bis heute als eines der prägendsten Alben ihrer späten 70er-Jahre.
Diese Edition von 2026 wurde von den Originalquellen neu gemastert und bietet verbesserte Klarheit, Ausgewogenheit und Dynamik, ohne den Charakter des Originalmixes zu beeinträchtigen. Titel wie „(Wish I
Could Fly Like) Superman“, „Catch Me Now I’m Falling“ und der Titelsong profitieren von einer detaillierteren und fokussierteren Wiedergabe.

Das 1981 erstmals erschienene Album „Give the People What They Want“ setzte den Erfolg der Kinks
aus den frühen 80er-Jahren mit ihrem direkten, gitarrenlastigen Sound und pointierten, zeitgenössischen
Themen fort. Als eines ihrer erfolgreichsten Alben in den USA enthält es herausragende Titel wie „Destroyer“, „Better Things“ und „Around the Dial“. Diese Edition von 2026 wurde von den Originalquellen
neu gemastert und bietet verbesserte Klarheit, Definition und Ausgewogenheit, wobei der Charakter und
die Energie der Originalmixe erhalten blieben.
Das 1979 erstmals veröffentlichte Album „Low Budget“ markierte mit seinem härteren, stadiontauglichen
Sound einen Wendepunkt in der späten Karriere der Kinks. Es avancierte zu einem der stärksten US-Alben
der Band und gilt bis heute als eines der prägendsten Alben ihrer späten 70er-Jahre.
Diese Edition von 2026 wurde von den Originalquellen neu gemastert und bietet verbesserte Klarheit, Ausgewogenheit und Dynamik, ohne den Charakter des Originalmixes zu beeinträchtigen. Titel wie „(Wish I
Could Fly Like) Superman“, „Catch Me Now I’m Falling“ und der Titelsong profitieren von einer detaillierteren und fokussierteren Wiedergabe.

Klappcover Edition, limitiert auf 2,000 Stück. Im letzten Vierteljahrhundert haben Kenner beobachtet, wie sich Shearwater still und leise zu einer der markantesten und experimentierfreudigsten amerikanischen Bands entwickelt hat. Angeführt (wie immer) von Songwriter und Naturforscher Jonathan Meiburg, zeigen die neun fesselnden Songs auf ,The New World", dass die Band weiter als je zuvor vorgestoßen ist und sich in seltener Gesellschaft befindet: Neben Meiburgs Bandkollegen Shearwaters Emily Lee und Dan Duszynski gehören zu den Mitwirkenden des Albums der Instrumentalvirtuose Shahzad Ismaily, der Saxophonist und Klarinettist Doug Wieselman, der Qanun-Spieler Farouz Zriek, der Gitarrist Leo Abrahams, der Ngoni-Spieler Mamadou Kouyate, die Perkussionisten Mahamadou Tounkara und Moctar Kouyate (von Ngoni Ba) sowie den unklassifizierbaren Schlagzeuger Thor Harris. (Es gibt sogar einen Überraschungsauftritt von einem gewissen L. Anderson.) Das klingt vielleicht nach vielen Mitreisenden, aber sie sind alle die ideale Begleitung für eine rasante Reise durch Freude, Verwirrung, Ehrfurcht und Trotz, mit Meiburgs Stimme als anmutigem und doch schwer fassbarem Wegweiser. Sowohl zurückhaltend als auch kunstvoll ist ,The New World" auf eine Weise fesselnd, wie es nur wenige Alben sind; es ist schwer, nicht bis zum Ende zuzuhören, wenn man einmal reingehört hat.

Anfang der 1970er Jahre legte die Band aus Hilden und Düsseldorf ihren Namen Q 66 ab und trat seitdem als Cobraa auf. Ein Demo-Tape der Band fand Gefallen bei den Talentscouts der Kölner Plattenfirma EMI Electrola, die ihr daraufhin einen Plattenvertrag anbot. Bereits 1973 erschien die Single "Ride a Pony" und 1974 wurde das Album "Cobraa" veröffentlicht. Die LP erhielt in den bekannten Musikzeitschriften sehr gute Kritiken und sogar das Teenager-Blatt BRAVO fand lobende Worte. Vor allem die mehrstimmigen Vocals, die eingängigen Melodien und die variantenreichen Arrangements - nicht nur Schlagzeug, Bass und Gitarren, sondern auch Querflöte, Mundharmonika und Streicher - gefielen den Kritikern. Die Bandmitglieder zeigten sich jedoch enttäuscht über die Zusammenarbeit mit ihrer Plattenfirma und schrieben dem Boss der EMI einen Brief, in dem sie sich über die mangelnde Unterstützung und die lustlose Kooperation beschwerten. Nach einem klärenden Gespräch in der Chefetage einigte man sich darauf, mit "Take A Look At Love" eine weitere Single zu veröffentlichen. Weitere Zugeständnisse wollte die Plattenfirma jedoch nicht machen, sodass es bei nur einer LP-Veröffentlichung blieb. Über 50 Jahre später hat dieses Cobraa-Album unter den Progressive-Rock- und Krautrock-Fans Kultstatus. Nun erscheint es als Rerelease auf Vinyl sowie erstmals auf CD und digital, inklusive der Single "Ride A Pony" / "The End Of A Day" aus dem Jahr 1973.

"Nach der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Debütalbums ""From The New World"" im Jahr 2024, das gesellschaftlichen Zusammenbruch, Überleben und Menschlichkeit durch eine fiktive postapokalyptische Linse beleuchtet, haben Allt ihr zweites Album ""Ataraxia"" angekündigt.

""Ataraxia"" markiert eine neue Phase in der Entwicklung der Band: Das Album ist in der Realität verankert und schöpft direkt aus dem Leben der Bandmitglieder, wie persönlichen Tragödien, Beziehungen, Erschöpfung, Sehnsucht, Rückfällen, Klarheit und den Momenten dazwischen. Die Songs fungieren als Fragmente von Erinnerungen und Gemütszuständen und bilden eine Anthologie der Reise hin zur Stille. Das Album stellt ""Ataraxia"" als einen Ort der Sehnsucht dar: Es ist kein Endpunkt, sondern ein Zustand, dem man sich nähert, den man für einen Moment bewohnt und oft wieder verliert.

Musikalisch entwickeln Allt ihren charakteristischen Sound des modernen Progressive Metalcore weiter und legen dabei größeren Wert auf emotionalen Raum und Zurückhaltung. Die Aggression bleibt bestehen, steht nun aber in direktem Dialog mit Verletzlichkeit. Das Ergebnis ist Allts bisher intimstes, menschlichstes und ehrlichstes Werk. ""Mit 'Ataraxia' wollten wir aus dem Ort heraus schreiben, an dem wir tatsächlich leben. Diese Songs sind Fragmente und Nacherzählungen unserer eigenen Erfahrungen, der Last, die wir getragen haben, der Dinge, die wir gesehen und getan haben, und dessen, womit wir auf unserem eigenen Weg zur Reife als Menschen und zur Suche nach Frieden und Stille in unserem Leben konfrontiert waren. Bei 'Ataraxia' geht es darum, zu lernen, in allem, was sich in deinem Leben entfaltet, präsent zu bleiben.""

Allt ist eine 2020 gegründete Progressive-Metalcore-Band aus Karlskoga, Schweden. Bekannt für ihr audiovisuelles Storytelling und ihren innovativen Ansatz im Metalcore, spiegelt der Name Allt - was auf Schwedisch ""alles"" bedeutet - die Philosophie der Band wider: sich niemals auf Genregrenzen beschränke"

Mit seinem GRAMMY-Gewinn 2021 für seine Zusammenarbeit mit Esperanza Spalding hat sich der Komponist, Sänger und Multi-Instrumentalist Corey King still und leise zu einer der vielseitigsten Stimmen der zeitgenössischen Musik entwickelt. Seine Karriere umfasst Kooperationen mit so unterschiedlichen Künstlern wie Milton Nascimento, Gil Scott-Heron, Bonobo, DJ Premier und Iggy Pop und prägt einen Sound, der fließend zwischen Jazz, Soul, experimentellem Songwriting und filmischer Komposition wechselt. Auf ,Change the Wind" bündelt King diese Bandbreite zu einem fokussierten, zutiefst persönlichen Statement. Das Album, das in Jahren des Umbruchs und des Wandels entstanden ist, schafft einen Ausgleich zwischen Intimität und Weite und bewegt sich zwischen stiller Reflexion und ausladenden Arrangements mit voller Bandbesetzung. Themen wie Resilienz, Klarheit, und emotionale Neuausrichtung ziehen sich durch das gesamte Werk und verleihen der Platte einen Zusammenhalt, der sich eher gelebt als konzeptionell anfühlt. Im Kern steht ein tiefes Gefühl von Hingabe und Verletzlichkeit, das am deutlichsten in ,R.M.K." zu spüren ist, einem strahlenden Stück, das von der Geburt von Kings Tochter inspiriert wurde. Ohne sich in narrativen Details zu verlieren, verankert der Song das Album emotional und gibt den Ton für ein Werk vor, das sich mit Fürsorge, Verantwortung und der Zerbrechlichkeit von Verbindungen beschäftigt. An anderer Stelle erkundet King Liebe, Zweifel und persönliches Wachstum mit einer leichten, aber beständigen Hand, wobei sie Stimmung und Bewegung gegenüber explizitem Storytelling den Vorzug gibt. Musikalisch ist ,Change the Wind" reichhaltig, ohne schwerfällig zu wirken. Warmes Klavier, mehrstimmiger Gesang und kammermusikalische Bläserarrangements werden durchbrochen von Broken-Beat-Rhythmen und subtilen elektronischen Texturen. Manchmal neigt sich das Album zu Groove und Vorwärtsdrang, mit von Afrobeat geprägten Passagen und dynamischen Bläsersätzen, während es sich an anderer Stelle in spärliche, intime Räume zurückzieht. Beiträge von engen Mitwirkenden, darunter Spalding und der Trompeter Takuya Kuroda, verleihen dem Album Tiefe, ohne dessen zusammenhängendes Gefühl zu überwältigen. Anstatt einzelne Titel in den Vordergrund zu stellen, offenbart sich ,Change the Wind" als ein ganzheitliches Hörerlebnis, das sich allmählich entfaltet und mit der Zeit belohnt. Es ist ein Album über stetige Verwandlung, darüber, Klarheit in der Bewegung zu finden, und darüber, inmitten ständiger Veränderung an etwas Menschlichem festzuhalten.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Big Crown Records freut sich, Glera zu präsentieren, Marco Beneventos Debütalbum auf dem Label. Marco Benevento hat sich schon immer wie jemand bewegt, der das Studio als eigenes Instrument begreift - nicht bloß als Raum, in dem das Spielzeug herumsteht. Lange bevor er auf Bühnen mit Freddie Gibbs und Madlib auftauchte oder in den Liner Notes von Alben von Clairo und Leon Bridges erwähnt wurde, dachte Benevento bereits wie ein Produzent: Er hörte auf Texturen, Spannungen und Negativräume - und auf jene seltsame emotionale Alchemie, die entsteht, wenn Groove und Neugier aufeinandertreffen. Sein neues Album Glera schärft diesen Instinkt und rückt Benevento nicht nur als virtuosen Keyboarder und Bandleader ins Licht, sondern als Komponisten, der aus Rhythmus, Klang und Gefühl ganze Welten formt.Glera ist ein genreübergreifendes Jazzalbum, das Soul und das elastische Low-End des Reggae mit einem offenen Sinn für Möglichkeiten verbindet. Das Projekt begann vor drei Jahren als eine Art privates Experiment: Benevento schrieb intuitiv, inspiriert von italienischen Filmmusiken und Melodien. Mit der Zeit entwickelten sich diese Skizzen zu etwas Größerem und Kraftvollerem - und mündeten schließlich in die hier zu hörende majestätische Ausformung.Entstanden ist Musik mit filmischer Bewegung, ohne dabei kostbar oder überladen zu wirken. Die Stücke fühlen sich mal wie Verfolgungsjagden, mal wie langsame Überblendungen an - manchmal sogar innerhalb desselben Songs. Jazz-Improvisation teilt sich den Raum mit Reggae-Grooves, orchestralen Elementen und einer psychedelischen Pop-Atmosphäre. Explorativ, aber geerdet; komplex, doch stets klar groove-orientiert.Der Album-Opener ,Frizzante" ist eine reine musikalische Feier - ein energiegeladener Feel-Good-Banger, auf Band gebannt, in dem Marco über einem unnachgiebigen Groove Melodien mit sich selbst austauscht. Auf ,Turandot" wird Benevento von Italiens Marianne Mirage am Gesang begleitet; der düstere, cineastische Track bewegt sich mühelos zwischen den Welten von Portishead und Serge Gainsbourg.Mit ,Big Top" erweitert sich die klangliche Palette noch weiter: ausgestattet mit Sprachaufnahmen und Pfauengeräuschen lässt sich der Song am treffendsten als ,Zirkus-Funk" beschreiben. Ein Pfiff - und das Spiel beginnt mit ,Houdini", einem jazz-fusionhaften Dancefloor-Füller, der vom ersten Schlagzeugschlag an die Tür eintritt. Auf ,I Can't Control This Bliss" mischt Benevento Dream Pop unter und bittet Dream Crease ans Mikrofon - für eine Dosis lo-fi-getränkter Schönheit. Elizabeth Steiner steuert ihre renommierte Harfenarbeit zu ,Miss Neptune" bei, getragen von einem tief vibrierenden, reggae-inspirierten Fundament.Mit Vollgas prescht ,Sprezzatura" wie eine Hochgeschwindigkeitsverfolgung durch enge Straßen, während ,Quattro Passi" das Tempo drosselt und zum entspannten Schlendern einlädt - mit Jazzsängerin Chiara Civello als Feature.Marco Benevento agiert hier auf höchstem Niveau, formt Klang mit Zielstrebigkeit und Neugier. Dieses Album kündigt sich laut an - zugleich nach außen gerichtet und zutiefst intim. Es ist Musik in Bewegung: zwischen Genres, Tempi und Registern, stets verankert in der Freude am Entdecken. Ein Album, das Bewegung verkörpert, die Vergangenheit mitnimmt und doch niemals stehen bleibt.

Dies ist der Original-Soundtrack zu ,Crime 101" vom experimentellen Elektronikmusiker, Produzenten und Komponisten Blanck Mass. Das Album ist auf schwarzem Vinyl gepresst und in einer luxuriösen, foliengeprägten Hülle untergebracht, komplett mit beidseitigem Einleger. Donnernde Synth-Klanglandschaften werden mit nuancierten, charakterorientierten Themen kombiniert und schaffen so eine facettenreiche Kulisse für den intensiven Thriller. Der Amazon MGM Studios-Film unter der Regie von Bart Layton spielt vor der sonnenverbrannten Kulisse von Los Angeles. ,Crime 101" erzählt die Geschichte eines schwer fassbaren Juwelendiebs (Chris Hemsworth), dessen Serie von Raubüberfällen entlang der Autobahn 101 die Polizei vor ein Rätsel stellt. Als er die Beute seines Lebens im Visier hat, kreuzt sich sein Weg mit dem einer desillusionierten Versicherungsmaklerin (Halle Berry), die selbst an einem Scheideweg steht. Überzeugt davon, ein Muster entdeckt zu haben, rückt ein unerbittlicher Detective (Mark Ruffalo) immer näher und erhöht den Einsatz noch weiter. Während der Raubüberfall näher rückt, beginnt die Grenze zwischen Jäger und Gejagtem zu verschwimmen, und alle drei stehen vor Entscheidungen, die ihr Leben bestimmen - und der Erkenntnis, dass es kein Zurück mehr gibt. Über die Entstehung der Musik sagt Power: ,Crime 101 war ein unglaublicher Film, für den ich die Musik schreiben durfte. Im Mittelpunkt der Geschichte steht natürlich der Raubüberfall. Mir wurde jedoch sehr schnell klar, dass dies nicht irgendein Raubüberfallfilm war, sondern eher ein Noir-Film, in dem zufällig ein Raubüberfall vorkommt. Die Hauptfiguren und die Art und Weise, wie sich ihre Leben verflechten, waren in gewisser Weise wichtiger als die Action. Der Film ist natürlich stellenweise hochdramatisch, aber was mich wirklich an diesem Film fasziniert hat, war die Charakterentwicklung. Lou, Davis und Sharon sind das schlagende Herz. Ich wollte die ganze Zeit über ,klanglich bei ihnen sein`. Sowohl das Zarte als auch das Wütende mussten miteinander harmonieren."

Der von der Kritik gefeierte Fotograf und in Paris lebende, aus Algerien stammende Künstler Mohamed Bourouissa hegt seit langem ein tiefes, alles umfassendes Interesse an Klängen. ,LILA" ist sein Solo-Debüt, ein selbst bezeichnetes ,musikalisches Objekt", das die wichtigen Beziehungen in seinem Leben auflistet; jeder der Tracks des Albums ist einer Person gewidmet (und nach ihr benannt), an die er dachte, als er das Album komponierte. Mit Gastauftritten von französisch-senegalesischen Künstlers Le Diouck und der italienischen Avantgarde-Künstlerin Valentina Fanigliulo (alias Mushy und Phantom Love) wirkt das Album wie ein Tagebuch hypnagogischer Reflexionen, das mit schwerelosen Synthesizern, herzzerreißendem Auto-Tune-Gesang und dissoziierten Beat-Sequenzen ein Bild von Bourouissas innerer Realität zeichnet. Emotional aufgeladen und verwurzelt in der Ästhetik, die Bourouissa mit seiner Verbundenheit zu Klang, Menschen und Kunst verbindet, ist es so komplex und vielschichtig wie jede seiner gefeierten Installationen oder Ausstellungen. Bourouissas erste erkennbare klangliche Referenz war ,Temps Morts" aus dem Jahr 2009, eine bewegende Videoarbeit, die er nach dem legendären Debütalbum des französischen Rappers Booba benannte, und seitdem ist er seiner Intuition gefolgt und hat nach und nach herausgefunden, wie er Klang nicht nur in seine Werke integrieren, sondern ihn in den Mittelpunkt stellen kann. 2017 arbeitete er gemeinsam mit dem libanesischen Free-Improv-Gitarristen Sharif Sehnaoui und Sina Araghi (alias Sina XX) an ,Si Di Kubi", einer Compilation, die experimentelle Klänge aus der arabischen Welt in den Vordergrund stellte, und sein Weg wurde klar. ,In diesem Moment wurde der Klang zu einem integralen Bestandteil meiner künstlerischen Praxis", erklärt er. Bourouissa arbeitete 2021 mit dem französischen Sounddesigner und Programmierer Jordan Quiqueret zusammen, um herauszufinden, wie sich die von der Akazie erzeugten Frequenzen in Rhythmen auf ,Brutal Family Roots` umsetzen lassen, wobei er Gedichte des Waddi-Waddi-Rappers MC Kronic und des ägyptisch-australischen MC Nardean integrierte. Später arbeitete er mit Fanigliulo an ,Haral!" - einem Duo-Projekt, das dem Künstler endlich das Selbstvertrauen gab, seine Fähigkeiten anzunehmen und seinen eigenen Produktionen Vorrang einzuräumen. Sogar seine jüngste Ausstellung ,SIGNAL" im Palais de Tokyo, Bourouissas erste Retrospektive, wurde ähnlich wie ein Album zusammengestellt, wobei der Künstler besonderen Wert auf die musikalische Logik ihrer Struktur und die ihr innewohnenden Rhythmen legte. ,Ich sehe Klang als Träger von Geschichte und Erinnerung, manchmal traumatisch", sagt er. ,Die Arbeit mit Frequenzen, Geräuschen und Atemzügen eröffnet einen Raum für Heilung, eine kathartische Möglichkeit. ,Und genau diese Philosophie leitet ,LILA`, von den hallenden Klavierakkorden und Chor-Echos von ,INTRO` bis hin zu den mikrotonalen Summtönen und verschleierten Rhythmen, die sich spiralförmig um das kurze, bewegende ,OUTRO` winden. Es ist ein Album, das sich schwer einordnen lässt; es gibt Spuren von Pop in ,HFC", einer beatlosen Suite aus modularen Schluckaufgeräuschen und biomechanischen Schreien, die in Richtung Kakophonie übergeht, und Überreste von Clubmusik, die an den Fenstern und Wänden des schweißtreibenden ,MG" zurückbleiben, in den zitternden Trommelwirbeln und Le Dioucks schrillen Ausrufen. Der rote Faden, der sich durch das Ganze zieht, ist die Tatsache, dass Bourouissa in der Lage ist, eher ein Gefühl als einen Klang darzustellen. Mit einer Palette, die er im Laufe des letzten Jahrzehnts stetig verfeinert hat, bewegt er sich schimmernd durch eine persönliche Landschaft, die sich in ein lebendiges, atmendes klangliches Ökosystem verwandelt. Auf ,AF" schweben gespenstische FM-Arpeggios unheimlich um seine lässigen, herzlichen Worte, und auf dem beunruhigenden ,SEUM" kontern mehrschichtige Synth-Drones sein verzerrtes Crooning mit elektrisierenden xenharmonischen Akkorden. Instrumentale Dunstwolken schweben durch angespannte rhythmische Ausbrüche auf ,MN", und als Fanigliulo auf dem Titeltrack auftaucht, rückt das Album in den Fokus, während warme, hoffnungsvolle Pads einige von Bourouissas eindringlichster Texte. "What did you say, why should I cry", wiederholt er in die Leere hinein und presst die Worte durch metallische Verzerrung und ungleichmäßige Beats. Es ist Musik, die so greifbar ist, dass man sie fast berühren kann.

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

Mit ihrem neuesten Album "Cycles In The Infinite Dream" bündeln REZN die erdrückende Wucht ihres gesamten klanglichen Arsenals mit himmlischen Melodien und einer synästhetisch aufgeladenen, geradezu erhabenen Atmosphäre - und zwar so nahtlos, dass es beinahe jenseitig wirkt, als befände man sich in einem Grenzbereich zwischen zwei Realitäten. Während sich REZN in den ungezügelten Sphären des Metal und den grenzenlosen Weiten der Psychedelia bewegen, zeigt ihr neues Album eine Band, die mit Disziplin und klarer Intention arbeitet - selbst dann, wenn diese Absichten bewusst kryptisch gehalten sind. Wie der Albumtitel andeutet, erkundet "Cycles In The Infinite Dream" die Schnittstelle zwischen Wachzustand und nächtlicher Welt. Ähnlich wie das vom Unterbewusstsein geleitete Werk von David Lynch existiert das Album als eine Art Parallaxe zwischen Künstler und Publikum: Es erschafft einen verschleierten, verzerrten Raum, der zugleich vertraut und fremd wirkt - wie ein Korridor in die eigene Vergangenheit, in dem man die Umgebung wiedererkennt und sich dennoch in ihrer verschobenen Geometrie verliert. REZN bewegen sich seit jeher - und äußerst erfolgreich - im unterirdischen Kosmos jener Musikfans, die nach dem klanglichen Äquivalent veränderter Bewusstseinszustände suchen. Mit "Cycles In The Infinite Dream" haben sie nun ihr bislang wohl psychedelischstes Werk geschaffen. Die Vinyl-Erstpressung kommt mit einem 20seitigem Booklet (Deluxe Ed.).

Songs, interpretiert von Memphis Slim, Sonny Boy Williamson, Big Bill Broonzy und anderen. Als United Artists 1959 ,Blues in the Mississippi Night" endlich veröffentlichte - nachdem man das Album jahrelang als ,zu kontrovers" eingestuft hatte -, erhielten die mitwirkenden Künstler Pseudonyme, um ihre Familien zu schützen. Das war der Preis dafür, dass sie die brutale, ungeschönte Wahrheit aussprachen. Heute wissen wir, dass ,Natchez, Sib & Leroy" die legendären Bluesmusiker Big Bill Broonzy, Memphis Slim und Sonny Boy Williamson waren. 1947 nahm Alan Lomax die drei Giganten mit einem Presto-Disc-Aufnahmegerät in den Decca Studios in New York City auf, nachdem sie im Rahmen seiner ,Midnight Special"-Konzertreihe in der nahegelegenen Town Hall aufgetreten waren. Lomax bat sie, ein paar Songs zu spielen und über ,den Blues" zu sprechen, und ermutigte sie, offen über die Ungerechtigkeiten des Lebens der Schwarzen in Amerika zu reden. Das Ergebnis war ,Blues in the Mississippi Night", eine bahnbrechende Aufnahme ihrer Songs und Geschichten, die die Ursprünge der Musik in Blut, Schweiß und Tränen der Afroamerikaner aufzeigt, die im Mississippi-Delta unter den Ausbeutungsbedingungen der Jim-Crow-Gesetze lebten. Einfach gesagt: Die Aufnahmen sind atemberaubend in ihrer brutalen Ehrlichkeit und ihrer fesselnden Meisterschaft. Heute hat das Lomax-Archiv die Originalbänder dieser historischen Aufnahme digital remastert, um sie zum ersten Mal seit 1959 wieder auf Vinyl zu veröffentlichen. Im Paket enthalten ist ein 20-seitiges Deluxe-Booklet mit einer vollständigen Transkription der gesamten Aufnahme sowie brandneuen Liner Notes von Anna Lomax Wood und einer Einleitung des renommierten Schlagzeugers und Produzenten Steve Jordan (Rolling Stones, John Mayer). ,Ich fordere jeden, der das Leben und die Wahrheit liebt, auf, sich diese Aufnahme anzuhören", sagt Jordan. Wenn man sich die Texte und die Musik darin anhört, wird das schnell klar. Dies ist eine unverzichtbare Aufnahme - ein Eckpfeiler in der Plattensammlung jedes Blues-Fans und ein unbestreitbarer Teil der amerikanischen Geschichte.

Beggars Banquet veröffentlicht eine aufwendig überarbeitete 40-Jahre-Jubiläumsausgabe von Discover, dem entscheidenden Durchbruchsalbum von Gene Loves Jezebel aus dem Jahr 1986. Die Neuauflage erscheint als remastertes, erweitertes Doppel-Vinyl mit aktualisiertem Artwork und wurde von Henry Rudkins in den AIR Studios klanglich neu überarbeitet. Damit wird das Album in moderner Qualität neu zugänglich gemacht und zugleich als Schlüsselmoment der Bandgeschichte gewürdigt. Discover gilt als Meilenstein, da es Gene Loves Jezebel erstmals einem internationalen Publikum bekannt machte. Musikalisch vereint es die düsteren Einflüsse der frühen Jahre mit einem klareren, melodischeren Sound und prägnanten Gitarrenstrukturen. Besonders der zentrale Track "Desire (Come and Get It)" steht exemplarisch für diese Weiterentwicklung und wurde zu einem der bekanntesten Songs der Band. Ergänzt wird die Jubiläumsausgabe durch zusätzliche Inhalte: Die Liveaufnahme Glad To Be Alive aus Nottingham (1986) erscheint erstmals seit ihrer Originalveröffentlichung wieder auf Vinyl und zeigt die Band in einer energiegeladenen, raueren Form als im Studio. Parallel dazu werden ausgewählte Liveaufnahmen, darunter "Desire - Live in Nottingham", digital bereitgestellt. Insgesamt positioniert sich die Neuveröffentlichung als umfassende Würdigung eines Albums, das den künstlerischen Höhepunkt und internationalen Durchbruch von Gene Loves Jezebel markiert.

Dieses Meisterwerk wurde 1958, etwas mehr als ein Jahr vor Lester Youngs Tod, aufgenommen und veröffentlicht und zeigt den Saxofonisten bei einer seiner letzten Studioaufnahmen. Auch wenn sein Ton weicher
geworden war, bleibt Youngs Phrasierung fließend und ausdrucksstark, wobei er Subtilität der Kraft vorzieht.
Produziert von Norman Granz, vereint diese Aufnahme die Trompeter Roy Eldridge und Harry ”Sweets”
Edison, deren gegensätzliche Stile – feuriger Drive und entspannte, bluesige Zurückhaltung – einen fesselnden musikalischen Kontrast schaffen. Begleitet von Hank Jones (Piano), Herb Ellis (Gitarre), George
Duvivier (Bass) und Mickey Sheen (Schlagzeug) verbindet die Session den Swing kleiner Besetzungen mit
einem ausgefeilten Studio-Feeling. Zu den Höhepunkten zählen ”They Can’t Take That Away from Me”
und ”Salute to Benny” – eine Hommage an Benny Goodman, der Young seine erste Klarinette schenkte –,
wobei beide Titel seltene Klarinettensoli von Young aus seiner späten Karriere enthalten.

,Mount Zero", das Debütalbum von Swapmeet, ist ein mitreißender, gitarrenlastiger Road Trip, der an den Slowcore und Alternative Rock der 90er und frühen 2000er Jahre erinnert und diesen Stil neu belebt. Es markiert den Moment, in dem das australische Quartett zu seiner eigenen Identität findet. Nach ihrer verträumten Debüt-EP ,Oxalis" aus dem Jahr 2024 erscheint ,Mount Zero" kurz nach der Unterzeichnung des Bandvertrags beim in LA ansässigen Label Winspear, nachdem sie in ganz Australien für Aufsehen gesorgt hatten, bei den South Australian Music Awards Auszeichnungen für die beste Veröffentlichung und den besten Song (,Ceiling Fan") mit nach Hause nahmen und bei SXSW Sydney den Titel ,Bester Newcomer" erhielten. ,Mount Zero" verbindet luftige Sanftheit mit schrägem Surrealismus und verwandelt so viele der Bedauern und Unsicherheiten des jungen Erwachsenenalters in ein aufkeimendes, neu gewonnenes Selbstvertrauen. Obwohl die Mitglieder von Swapmeet ihre Songs oft zunächst einzeln schreiben, drehten sich die Titel auf ,Mount Zero" letztendlich um gemeinsame Themen: erste Lieben, erste Liebeskummer, erste Peinlichkeiten, erste Katastrophen. Wie schon seit ihren Anfängen als Band tauschten Swapmeet auch bei ,Mount Zero" die Instrumente untereinander aus und teilten sich die Produktionsaufgaben als Quartett. Sie entwickelten ihren Sound, indem sie Dutzende (manchmal Hunderte) von Spuren in jedem Song übereinanderlegten und dann sorgfältig Elemente entfernten, bis die Produktion eine klare Form annahm. Das Ergebnis ist ein Album, auf dem Swapmeet die zähneknirschende Intensität einfangen, die man empfindet, wenn man sich unter dem unerbittlichen Druck der Realität auf zellulärer Ebene verändert. Es ist eine Hommage an all die Leben, die niemals gelebt werden können, an all die Wege, die niemals beschritten werden - und zugleich eine Ode an das Leben, das direkt vor uns liegt.

,Mount Zero", das Debütalbum von Swapmeet, ist ein mitreißender, gitarrenlastiger Road Trip, der an den Slowcore und Alternative Rock der 90er und frühen 2000er Jahre erinnert und diesen Stil neu belebt. Es markiert den Moment, in dem das australische Quartett zu seiner eigenen Identität findet. Nach ihrer verträumten Debüt-EP ,Oxalis" aus dem Jahr 2024 erscheint ,Mount Zero" kurz nach der Unterzeichnung des Bandvertrags beim in LA ansässigen Label Winspear, nachdem sie in ganz Australien für Aufsehen gesorgt hatten, bei den South Australian Music Awards Auszeichnungen für die beste Veröffentlichung und den besten Song (,Ceiling Fan") mit nach Hause nahmen und bei SXSW Sydney den Titel ,Bester Newcomer" erhielten. ,Mount Zero" verbindet luftige Sanftheit mit schrägem Surrealismus und verwandelt so viele der Bedauern und Unsicherheiten des jungen Erwachsenenalters in ein aufkeimendes, neu gewonnenes Selbstvertrauen. Obwohl die Mitglieder von Swapmeet ihre Songs oft zunächst einzeln schreiben, drehten sich die Titel auf ,Mount Zero" letztendlich um gemeinsame Themen: erste Lieben, erste Liebeskummer, erste Peinlichkeiten, erste Katastrophen. Wie schon seit ihren Anfängen als Band tauschten Swapmeet auch bei ,Mount Zero" die Instrumente untereinander aus und teilten sich die Produktionsaufgaben als Quartett. Sie entwickelten ihren Sound, indem sie Dutzende (manchmal Hunderte) von Spuren in jedem Song übereinanderlegten und dann sorgfältig Elemente entfernten, bis die Produktion eine klare Form annahm. Das Ergebnis ist ein Album, auf dem Swapmeet die zähneknirschende Intensität einfangen, die man empfindet, wenn man sich unter dem unerbittlichen Druck der Realität auf zellulärer Ebene verändert. Es ist eine Hommage an all die Leben, die niemals gelebt werden können, an all die Wege, die niemals beschritten werden - und zugleich eine Ode an das Leben, das direkt vor uns liegt.

Im Jahr 2006 verwischte Japans Envy unwiderruflich die Grenzen zwischen all den verschiedenen Subgenres des Underground-Rock und verschmolz Post-Hardcore, Screamo, Shoegaze und Ambient-Minimalismus zu ihrem filmischen Meisterwerk ,Insomniac Doze". Es war kein Ziel ohne Weg - die beiden vorangegangenen Alben der Band, ,All the Footprints You've Left Behind And The Fear Expecting Ahead" (2001) sowie "A Dead Sinking Story" (2003), waren klare Anzeichen dafür, dass eine Veränderung vor der Tür stand. Wie immer wurden envy von kreativer Neugier und emotionaler Erkundung angetrieben. Vielleicht verkörpert kein Album in ihrer fast vier Jahrzehnte langen Geschichte dieses Streben besser als ,Insomniac Doze". Zwanzig Jahre später gilt es als Wegbereiter und als eines der besten Beispiele dafür, wie die Vorurteile gegenüber Punk in Luft aufgelöst werden. ,Insomniac Doze - Anniversary Edition" feiert das 20-jährige Jubiläum seit der Veröffentlichung von envy's wegweisendem Album. Das Album wurde 2026 von Josh Bonati remastert und erscheint in einer neuen Deluxe-Gatefold-Auflage, die die kompletten Songtexte sowohl auf Englisch als auch auf Japanisch enthält. Es ist die definitive Version eines Albums, das maßgeblich zur Definition eines Genres beigetragen hat.

Limitierte Auflage auf metallisch-goldenem Vinyl. Im Jahr 2006 verwischte Japans Envy unwiderruflich die Grenzen zwischen all den verschiedenen Subgenres des Underground-Rock und verschmolz Post-Hardcore, Screamo, Shoegaze und Ambient-Minimalismus zu ihrem filmischen Meisterwerk ,Insomniac Doze". Es war kein Ziel ohne Weg - die beiden vorangegangenen Alben der Band, ,All the Footprints You've Left Behind And The Fear Expecting Ahead" (2001) sowie "A Dead Sinking Story" (2003), waren klare Anzeichen dafür, dass eine Veränderung vor der Tür stand. Wie immer wurden envy von kreativer Neugier und emotionaler Erkundung angetrieben. Vielleicht verkörpert kein Album in ihrer fast vier Jahrzehnte langen Geschichte dieses Streben besser als ,Insomniac Doze". Zwanzig Jahre später gilt es als Wegbereiter und als eines der besten Beispiele dafür, wie die Vorurteile gegenüber Punk in Luft aufgelöst werden. ,Insomniac Doze - Anniversary Edition" feiert das 20-jährige Jubiläum seit der Veröffentlichung von envy's wegweisendem Album. Das Album wurde 2026 von Josh Bonati remastert und erscheint in einer neuen Deluxe-Gatefold-Auflage, die die kompletten Songtexte sowohl auf Englisch als auch auf Japanisch enthält. Es ist die definitive Version eines Albums, das maßgeblich zur Definition eines Genres beigetragen hat.

Erstmals seit über 35 Jahren ist Clock DVAs "White Souls in Black Suits" - ursprünglich 1980 als limitierte Kassette auf Throbbing Gristles Industrial Records veröffentlicht - (in einer neu gemasterten Version) auf grauem Doppel-Vinyl und CD erhältlich, neu aufgelegt über The Grey Area of Mute und erweitert um vier Bonustracks aus derselben Zeit.

Unter der Leitung des visionären Adi Newton bleibt Clock DVA eine der geheimnisvollsten und wandlungsfähigsten Bands aus Sheffield. Ihr Repertoire umfasst Mutant Funk, Noir Jazz und Coldwave-Elektronik. "White Souls in Black Suits" bietet zusammen mit den zusätzlichen Tracks einen Einblick in die frühe Morphologie ihres Sounds. Das Album umfasst eine Besetzung mit Newton (Gesang, Synthesizer, Klarinette, gestrichene E-Gitarre und Tape-Bearbeitung), Gründungsmitglied Steven James Turner (Bass-Bearbeitung), David J. Hammond (Gitarren-Bearbeitung), Charlie Collins (Saxophon, Flöte und Percussion), Roger Quail (Percussion) und Simon M. Elliott-Kemp (Synthesizer).

Das Album wurde im Western Works Studio von Cabaret Voltaire aufgenommen, ist locker strukturiert, weitgehend improvisiert und stark von der frühen Industrial- und Goth-Szene Sheffields beeinflusst. Es beschwört eine Welt der Überwachung, Besessenheit und psychologischen Zersetzung herauf - ein Debüt, das den Ton für die sich ständig weiterentwickelnde Vision von Clock DVA angab und ein essentielles Dokument der ursprünglichen Industrial-Ära ist.

Format: Schwarze 2LP

Die Adult-Punks von DEBT RAG beweisen einmal mehr das explosive Potenzial gemeinschaftlicher Zusammenarbeit. ,It Is Clear What's Going On" gewährt uns einen Einblick in ihr gemeinsames Gedankengut, das auf Band als ein pulsierendes, funkelndes Ganzes festgehalten ist. Diese Platte anzuhören ist, als würde man durch das Schlüsselloch in den Proberaum spähen und auf ein Feuerwerk aus Farben und Experimenten stoßen, gespickt mit schallendem Gelächter. DEBT RAG lachen - nein, nicht über dich, aber auch nicht mit dir. DEBT RAG kümmern sich nur um DEBT RAG und den freudigen Lärm, der entsteht, wenn man mit seinen kreativsten Mitstreitern Musik macht. Diese Songs bergen Möglichkeiten, und zwar nicht im Abstrakten. Was ist der Tonumfang eines einzelnen Beckens? Wie viele verschiedene Lautäußerungen können drei Menschen hervorbringen? Was ist das emotionale Potenzial einer Trompete? DEBT RAG stellt diese Fragen und gibt gleichzeitig die Antworten. Ihre Musik ist weitreichend, völlig frei, aber niemals selbstverliebt. Ob sie nun die langjährige Tradition des Trios mit Anti-Gesellschafts-Hymnen (,Gary's World", ,Syzygy") fortsetzen oder die Überreste einer Bandprobe collagieren (,Drumbo 2", ,Smartest Musicians") - es sind sorgfältige Kompositionen mit einer spannenden Logik, die sie selbst erfunden haben. Jeder Song ist eine kleine Welt, resonant, messerscharf, mit absoluter Klarheit der Vision. DEBT RAG ist, wie DEBT RAG eben ist. Wir könnten alle das eine oder andere davon lernen. - Grace Ambrose

Matt Scottoline - Sänger, Songwriter und Frontmann von Philadelphias bester Indie-Rock-Band, HURRY - ist ein Grübler. Das ist verständlich; wir leben in unruhigen Zeiten, in denen sich die Welt so schnell verändert, dass man kaum noch mithalten kann. Für Matt treffen diese Ängste diesmal jedoch näher an seinem Herzen: die bevorstehende Vaterschaft, ein runder Geburtstag am Horizont und quälende Fragen über seinen Platz in der Musikszene. Braucht die Welt wirklich ein neues Hurry-Album? Nach den zehn Songs zu urteilen, aus denen ,Zoned Out" besteht - Hurrys sechstes Album in voller Länge und das vierte bei Lame-O Records -, lautet die Antwort ein klares Ja. Aufgenommen im The Metal Shop von Ian Farmer und koproduziert von Farmer und Scottoline, zeigt das Album Hurry in Bestform. Erneut unterstützt von Rob DeCarolis am Schlagzeug, Joe DeCarolis am Bass und Justin Fox an der Gitarre, klingt die Band geschlossener denn je - so perfekt aufeinander abgestimmt, dass sich alles mühelos anfühlt. Schon beim Eröffnungstrack ,All Sunk In" mit seinen stampfenden E-Gitarren und der Ohrwurm-Melodie ist der Ton sofort gesetzt. Die Verstärker sind lauter, der Groove strahlt eine selbstbewusste Lässigkeit aus, und Matts Stimme klingt besser denn je. ,Moving After You", das Highlight des Albums, klingt wie der beste Song, den Teenage Fanclub nie aufgenommen hat - was den Gastauftritt von Gerard Love umso perfekter macht. Es ist zeitlose Popmusik, gemacht für diese Zeit.

In Ensenada, Mexiko, wo der Horizont des Pazifiks eine klare, unveränderliche Linie zieht, nahmen HOLY WAVE ihr neues Album "i'm DADA" auf - ein Werk, das für die Band weitläufig und neu fokussiert wirkt. Der Schritt außerhalb ihrer Heimat USA war weniger ein Rückzug als vielmehr ein Perspektivwechsel, der Abstand schuf, um einen neuen Sound zu erkennen, der sich langsam unter ihnen herausgebildet hatte. "i'm DADA" offenbarte schnell seinen Charakter: treibender, offener Underground-Lofi-Rock und ihr bisher strukturell durchdachtestes Werk. Durch die Zusammenarbeit mit dem experimentellen Duo Lorelle Meets the Obsolete in deren Studio floss das Gemeinschaftsgefühl in das Album ein, obwohl dessen emotionaler Kern bereits in den monatelangen Vorbereitungen entstanden war. Die Hälfte von HOLY WAVE ist mexikanischer Herkunft und hat ihre Wurzeln in der Grenzregion um El Paso, sodass sich die Aufnahmen in Ensenada intuitiv und entspannt anfühlten. Die Songs spiegelten Gespräche über Vaterschaft und Partnerschaft, Trennungen und Entfremdung, die beunruhigende Beschleunigung der KI und darüber wider, was es bedeutet, präsent und prinzipientreu zu bleiben, während die Welt unvorhersehbar voranschreitet. Diese Spannung wird nicht explizit hervorgehoben, sondern geht in der Musik auf. Die Band dehnt ihr bekanntes Gespür für eine schwindelerregende Atmosphäre zu etwas Schlankerem und Direkterem aus. Es sind mehr Loops und Samples eingewoben als zuvor, Grooves, die konstruiert, zyklisch und hypnotisch wirken. Manche Tracks driften in Richtung der elastischen Weite des Dub; andere pulsieren mit filmischer Downtempo-Schwere. Das gesamte Album ist von einem frischen Schwung geprägt, von Rhythmen, die vorantreiben, von traumgetränkten Texturen, Fuzz-Gitarren und sanft schwebenden Vocals. "dewey's dirge" entfaltet sich geduldig: Verschwommene Gitarrenklänge erblühen, während darunter ein gmotorischer Puls stetig voranschreitet. Der Gesang bleibt im Hintergrund, breitet sich eher aus, als dass er explodiert. Es wirkt weitläufig und nachdenklich, eine Hymne des Abklingens, die Drama gegen Eintauchen eintauscht. "i'm DADA" hingegen findet seinen Rhythmus in einem schlanken, kreisenden Groove. Eine straffe Drum-Figur, eine Basslinie und eine abgehackte Gitarrenphrase wiederholen sich, bis sie lebendig wirken. Textlich kreist der Song um die komplizierte Hingabe ein Eltern-Teil zu sein. "s33.u.in/HAL" klingt wie eine Übertragung, die mitten in der Luft abgefangen wurde, leicht mechanisch, immersiv, ohne sich jemals vollständig aufzulösen, und fängt das zentrale Gefühl des Albums ein: den Versuch, trotz Störgeräuschen klar zu kommunizieren. Während frühere Alben von HOLY WAVE oft durch ein Gefühl des Dahintreibens geprägt waren, wirkt diese Platte nun neu geerdet. Das Album verzichtet nicht auf das Eintauchen in die Musik, sondern zügelt es. Die Grooves setzen sich fest, Wiederholungen gewinnen an Gewicht, und die Musik bleibt trotz ihrer schwereren Themen gefasst und unerschütterlich. Was dabei entsteht, ist keine Neuerfindung, sondern eine Schärfung: Holy Wave klingen weniger wie eine Band, die durch die Atmosphäre treibt, sondern eher wie eine, die diese inmitten des Chaos bewusst gestaltet.

Kassel Jaeger (alias François J. Bonnet) kehrt nach ,Swamps / Things" (SP119), ,Shifted in Dreams" (SP144) und der jüngsten Neuauflage des Klassikers ,Zauberberg" (SP068) - einem gemeinsam mit Akira Rabelais und Stephan Mathieu komponierten Werk - zu Shelter Press zurück. Mit diesem bedeutenden neuen Album mit dem Titel ,Sub Re" setzt Bonnet seine langjährige Erforschung der musikalischen Möglichkeiten von Klang fort. Dabei erweitert er den konkreten Ansatz, den er bei der Groupe de Recherches Musicales (dem historischen und bedeutenden Pariser Studio, das Bonnet seit 2018 leitet) entwickelt hat, und belebt ihn neu durch eine Herangehensweise, die sich weniger auf die klare Manifestation von Klangmaterial als vielmehr auf dessen mehrdeutige Evokation konzentriert. ,Sub re" kann im Lateinischen ,unter dem Ding, unter der Substanz, unter der Materie" bedeuten. Genau dieser direkte Zugang zur Musik, der sich auf die Gewinnung von rohem Klangmaterial stützt, bildet die Grundlage dieses Albums. ,Under the matter" verweist somit auf den konkreten Aspekt der Musik, jedoch nicht auf das Konkrete, das verklärt wird und zu Dampf und Form wird, zum Substrat einer Idee. Vielmehr verweist es auf das Konkrete unter dem Konkreten, in der Immanenz der Klänge, in ihrem Werden, als treibende Kraft, wie eine Flut, wie ein Gewölbe aus gebieterischer und mächtiger Materie. Um dies zu erreichen, greift Bonnet auf eine Vielzahl von Klangquellen (akustisch, elektronisch, natürlich oder künstlich, absichtlich geschaffen oder zufällig gefunden) und eine Vielzahl von Kontexten und Anlässen zurück, um ihnen Gestalt zu verleihen. Der Satz ,a shell, a bell, a spell" (etwa: eine Muschel, eine Glocke, ein Zauber) war beispielsweise erstmals während eines Konzerts in Venedig zu hören, das im Zusammenhang mit Latifa Echakhchs Beitrag zum Schweizer Pavillon auf der Kunstbiennale 2022 organisiert wurde, während der letzte Satz auf der Platte, ,signalmirror", ein Stück abschloss, das 2023 auf der ersten Sound-Biennale in Sion (Schweiz) präsentiert wurde. Diese Elemente, geformt und losgelöst von ihrem ursprünglichen Kontext des Erscheinens, von den Orten und Menschen, die sie ermöglichten und ihnen lauschten, tragen zu einer komplexen Schichtung von Stimmungen und Klangwelten bei und helfen, ein kontrastreiches Album zu schaffen, in dem Dichte und Zartheit in einer Abfolge bewegter Wellen koexistieren, mal voller Erinnerungen, mal voller Bedauern, stets in Bewegung gesetzt durch ihre eigene Morphologie. Sub Re bezieht sich auch auf ein Kapitel in Victor Hugos ,Die Arbeiter des Meeres", eine Schlüsselstelle, in der sich die Hauptfigur angesichts einer kolossalen Aufgabe allein mitten auf dem Meer wiederfindet, unter einem gigantischen Schiffswrack, das in den Klauen eines isolierten Riffs gefangen ist, umgeben von Wasser, Strömungen und Winden, allein, um sich dem Unmöglichen zu stellen. Denn tatsächlich ist es unter der Oberfläche, wo Handlungen entstehen, Entscheidungen getroffen werden und die Intuition uns leitet.

Mit Alone Together liefern Show Me The Body das bislang stärkste und ambitionierteste Album ihrer
Karriere. Nach über einem Jahrzehnt, in dem sie ihre Community und kulturelle Relevanz konsequent auf
eigenen Wegen aufgebaut haben, markiert dieser Release einen klaren Durchbruchsmoment. Alone Together entstand in Zusammenarbeit mit Kenneth Blume III (fka Kenny Beats; u. a. Geese, IDLES, Denzel
Curry, Provoker) sowie Klaus Åhlund (u. a. Robyn, Ghost) und hebt Sound und Produktion der Band auf
ein neues Level.
In den drei Jahren seit dem letzten Album Trouble The Water hat sich insbesondere ihre Live-Präsenz
deutlich weiterentwickelt. Die 2023er „World War Tour“ – von Stereogum als „a true phenomenon“ bezeichnet – hat neu definiert, wie Hardcore-Shows heute aussehen können, und prägt die Szene bis heute.