Clear Black Swirl Vinyl! "Are they black?" fragte Iggy Pop, als er sich das erstmals 2006 veröffentlichte Album der BLACK ANGELS zum ersten Mal in das Trommelfell schraubte. Mitnichten, aber trotzdem eine berechtigte Frage. Denn wann hatte man zuletzt solch ,bluesy pools of garage-scum shame mongering" (SPIN Magazine) gehört, wenn nicht wenigstens ein Schwarzer in der Band für den Sound verantwortlich war? Aus dem tiefsten Texas kommt dieses Quintett, das sich im Mai 2004 fand und knappe zwei Jahre später ein Debütalbum auf den Tisch legte, dass Schlagzeilen wie "The Black Angels could be your new favorite band" (Splendid) oder ,This is an advance warning: you will want to claim early ownership of the Black Angels." (Sydney Morning Herald) erntete. Inspiriert vom psychedelischen Sound der 60er Jahre, verloren sich THE BLACK ANGELS auf "Passover" nicht in unendlichen Drone-Schleifen sondern zelebrierten ihren selbsternannten Native American Drone'n'Roll in angenehm relaxter aber immer wieder aufs neue spannender Atmosphäre. Eben neuzeitlicher Psychedelic Rock mit einem konstant primitiven Beat, der den Spirit der 13TH FLOOR ELEVATORS und der frühen STONES wieder aufleben ließ.
Clear Black Swirl Vinyl! "Are they black?" fragte Iggy Pop, als er sich das erstmals 2006 veröffentlichte Album der BLACK ANGELS zum ersten Mal in das Trommelfell schraubte. Mitnichten, aber trotzdem eine berechtigte Frage. Denn wann hatte man zuletzt solch ,bluesy pools of garage-scum shame mongering" (SPIN Magazine) gehört, wenn nicht wenigstens ein Schwarzer in der Band für den Sound verantwortlich war? Aus dem tiefsten Texas kommt dieses Quintett, das sich im Mai 2004 fand und knappe zwei Jahre später ein Debütalbum auf den Tisch legte, dass Schlagzeilen wie "The Black Angels could be your new favorite band" (Splendid) oder ,This is an advance warning: you will want to claim early ownership of the Black Angels." (Sydney Morning Herald) erntete. Inspiriert vom psychedelischen Sound der 60er Jahre, verloren sich THE BLACK ANGELS auf "Passover" nicht in unendlichen Drone-Schleifen sondern zelebrierten ihren selbsternannten Native American Drone'n'Roll in angenehm relaxter aber immer wieder aufs neue spannender Atmosphäre. Eben neuzeitlicher Psychedelic Rock mit einem konstant primitiven Beat, der den Spirit der 13TH FLOOR ELEVATORS und der frühen STONES wieder aufleben ließ.
Since 1999, Gogol Bordello has been bringing their unique fusion of punk rock and Eastern European influences to the world, including their legendary theatrical and rambunctious live shows. From its inception, Gogol Bordello has been a band of immigrants, with members hailing from Ukraine, Ecuador, Russia, and Ethiopia. With their upcoming eighth studio album and first in five years, Solidaritine, they are going back to singer, Eugene Hutz's more punk rock roots as heard on the new single "Focus Coin" While finishing up the new record, the world turned upside down for Hutz and other members as the war in Ukraine started. With his mind now on helping out his homeland, Hutz has used his influence and art to raise money and awareness. He's collaborated with everyone from Les Claypool to Billy Strings in recent months, to putting together benefits featuring Patti Smith and more. Now Gogol Bordello is ready to bring their new album to the masses, and use their art to help end the war and bring Solidaritine to the world.
Since 1999, Gogol Bordello has been bringing their unique fusion of punk rock and Eastern European influences to the world, including their legendary theatrical and rambunctious live shows. From its inception, Gogol Bordello has been a band of immigrants, with members hailing from Ukraine, Ecuador, Russia, and Ethiopia. With their upcoming eighth studio album and first in five years, Solidaritine, they are going back to singer, Eugene Hutz's more punk rock roots as heard on the new single "Focus Coin" While finishing up the new record, the world turned upside down for Hutz and other members as the war in Ukraine started. With his mind now on helping out his homeland, Hutz has used his influence and art to raise money and awareness. He's collaborated with everyone from Les Claypool to Billy Strings in recent months, to putting together benefits featuring Patti Smith and more. Now Gogol Bordello is ready to bring their new album to the masses, and use their art to help end the war and bring Solidaritine to the world.
The album showcased Cornfield's knack for crafting deeply personal songs with an observational tone and witty lyric delivery. She took these heartbreakingly relatable songs on the road, playing numerous shows & festivals across North America and Europe, including opening for Pedro The Lion, Stars, Sarah Harmer and others.
On Cornfield's new album, Could Have Done Anything, she teamed up with producer and Bonny Light Horseman member, Josh Kaufman in Upstate New York, first at the stained- glass- tinted Dreamland Recording Studios, then at the nearby Isokon Studio, run by engineer D. James Goodwin (Kevin Morby, Whitney) and his assistant, Gillian Pelkonen. Kaufman and Cornfield played every instrument themselves, channeling the energy of her favorite classic records,
from Elliott Smith's Figure 8 and Jeff Buckley's Grace to Neil Young's Harvest -- albums where the listener is simply carried by the songs, and their musicians' beautiful playing. Standouts like "You And Me" highlight intimacy and absence, while "Gentle Like The Drugs" captures memories from Cornfield's spring 2022 tour with Pedro the Lion - her first time seeing sunsets in Arizona.
Schottlands hottest Superstar Lewis Capaldi meldet sich mit seinem langersehnten 2. Album zurück - nachdem er mit seinem Überhit ”Someone You Loved” 2019 alle UK Rekorde knackte und sein Debüt ”Divinely Uninspired To A Hellish Extent” weltweit wie heißeste Semmeln über die Ladentheken ging (7fach Platin in UK, Gold in DE und aktuell wieder #4 in den UK Albumcharts).
”Broken By Desire To Be Heavenly Sent” enthält neben der Uptempo Single ”Forget Me” auch die aktuelle Ballade ”Wish You The Best”, die Lewis zum mittlerweile das fünfte Mal auf den UK Singlechart Thron
katapultierte.
Nahezu täglich nimmt er seine über 6,5 Millionen Instagram Follower auf unterhaltsamste Art und Weise mit auf seine Reise und beherrschte zuletzt sogar wochenlang die #1 der UK Netflix Charts mit seiner sehr berührenden mental health Doku ”How I’m Feeling Now”.
Niemand vereint herzzerreißende Songs, eine einzigartige Stimme, Humor und die Zerbrechlichkeit aufgrund andauernder mental health und Tourette Erkrankungen wie der 26-Jährige. Trotz aller Widrigkeiten spielt er weltweit in den größten Hallen und mit befreundeten Kollegen wie Niall Horan, Sam Smith, Jonas Brothers und zählt u.a. Elton John und Harry Styles zu seinen Fans.
Bevor Surf Curse am 7. Oktober ihr neues Album " MAGIC HOUR " veröffentlichen, lassen sie uns ein Selbstporträt von sich da - in Gestalt ihres neuen Songs. Geschrieben von Surf Curse und produziert von Chris Coady liefert "Self Portrait" einen weiteren
Eindruck des kommenden Albums "MAGIC HOUR".
Zuvor hatten bereits energiegeladene Singles wie "Lost Honor",
"TVI" und die Power-Pop-Hymne "Sugar" Lust auf das neue Werk gemacht, dem insgesamt vierten der US-Platin-ausgezeichneten Band aus Los Angeles und zugleich ihr Debüt bei Atlantic Records.
Für die Aufnahmen ihres neuen Albums "MAGIC HOUR" begaben sich Surf Curse in die heiligen Hallen der Electric Lady Studios in New York City. Ausgehend von ihrem bewährten Indie-Rock-Ansatz, erforschen Surf Curse in den neuen Songs eine größere Bandbreite an Klangstilen und -farben als je zuvor in ihrer knapp zehnjährige Bandhistorie. Mit dem Album feiern zugleich zwei neue Bandmitglieder ihren offiziellen Einstand, Noah Kohll und Henry Dillon . Die neue Besetzung ermöglichte es Surf Curse, ihr ohnehin schon ambitioniertes Songwriting-Handwerk in ganz neue Höhen
zu treiben.
Die Spanne reicht dabei von glühenden Songs wie dem Album-Opener "Arrow" bis hin zum schwermütigen Bluesrock von "No Tomorrows".
BLACKPINK, „Die erfolgreichste Girlgroup des Planeten“ (ZEIT) veröffentlicht ihr neues und zweites Album „Born Pink“. Das Album folgt auf ihr Debüt Album „THE ALBUM“ - auf der Billboard Top 200
Album Liste aus 2020 auf Platz 25 - und versorgt Fans jetzt mit neuer Musik.
Für BLACKPINK ist es üblich mit ihren Releases weltweite Rekorde zu brechen.
Das Musikvideo ihrer Hit-Single „How You Like That“ erreichte innerhalb von 24 Stunden 82,4 Millionen Aufrufe auf Youtube und knackte damit den damaligen Rekord von BTS.
Insgesamt stellte BLACKPINK bereits fünf Guinness-Weltrekorde auf: meiste Youtube-Aufrufe in den ersten 24 Stunden nach Upload für ein Video, Musikvideo und K-Pop-Video, sowie zwei Rekorde für die
meistgesehene Premiere eines Videos.
Erland Cooper, der schottische Komponist, Produzent und Multiinstrumentalist, stellt nun sein innovatives viertes Studioalbum „Folded Landscapes“ vor. Bekannt dafür, moderne klassisch-elektronische Musik mit eindrucksvollem Geschichtenerzählen und Konzeptkunst zu verschmelzen, teilt Erland seine eindringliche
Beobachtung zu Klimawandel, Temperatur und Zeit. Dieses ergreifende Werk taut sowohl bildlich als auch buchstäblich über sieben Sätze hinweg auf und gibt den Blick frei auf Elektronik, Poesie, Sopran, Klavier, Cembalo, Field Recordings und Samples. Der kreative Prozess ahmte die ansteigende Temperatur des Stücks von eiskalt zu einem drohenden Brand nach – Musiker wurden bei Minusgraden aufgenommen und das Audio-Masterband wurde am heißesten Tag in der Geschichte Großbritanniens von der Sonne verbrannt.
Hitze, Feuchtigkeit, Salz und Sonnenlicht haben sich in den Stoff des Tapes eingearbeitet, das in die fertige Arbeit integriert wurde, und unterstreichen die Arbeit mit einem beunruhigenden Brennen, das knistert und knackt. Ergänzend finden sich die Stimmen des britischen Poeten Laureate Simon und der Aktivistin Greta Thunberg sowie einige weitere auf dem Album.
Mynth beenden ihre Irrfahrt
So ähnlich haben sich die letzten Jahre wohl angefühlt - surreal und nicht enden wollend. Irgendwie das Gefühl eine Kreuzung übersehen zu haben und seither in die falsche Richtung zu fahren. Innerhalb von vier Wochen entstand das Album "FOUR". Akustischen Elemente wurden bewusst in den Vordergrund gestellt, um sie sogleich mit charakteristischen Mynth Sounds verschmelzen zu lassen. Für knapp 32 Minuten - eine wohlverdiente Ablenkung, die langersehnte Verschnaufpause.
FOR FANS OF: THE OFFSPRING, BAD RELIGION. THE CLASH.
Green Day haben dem Punk-Rock ohne Zweifel zu einer Art Renaissance verholfen. Besonders live überzeugt die Band in ihrer über 30-jährigen Bandgeschichte durch eine fulminante Show. Green Day hat viel zu beweisen. Weil das kalifornische Erfolgstrio mit seinen knappen Songs derart nahe beim Sound britischer Punk-Originale wie The Jam oder The Buzzcocks liegt, sind die Bandmitglieder in einigen Kritikerkreisen als Opportunisten verschrien, die die einst rebellische Musik zur Massenware verhunzen wollten. Aber die Band spielt mit unbändiger Energie, verfehlt ihre Publikumswirkung nie, präsentiert ein schlankes, energiegeladenes Spektakel. Hier steht die Musik im Mittelpunkt, präzise dirigiert der grollende Sänger und Gitarrist Billie Joe Armstrong. Mit dieser strikt limitierten Picture Vinyl-Single gibt es für alle Fans und Sammler zwei Songs von der WeltTournee 2005; aufgenommen in den USA und übertragen (Broadcast) durch den den Sender WCM99.
Die deutschen True Metal Helden sind zurück - back to attack!
Seit mehr als 3 Jahren war es still um die Metal Heroes von MAJESTY. Nachdem die Band nach ihrer Legends Tour Ende 2019 eigentlich nur eine einjährige Pause machen wollte um die Batterien wieder aufzuladen, wurden sie genauso wie der Rest der Welt durch die
Pandemie in eine deutlich längere Auszeit getrieben.
Doch diese Zeit haben die Jungs ausgiebig genutzt und an einem Album gearbeitet, welches auf perfekte Art und Weise alle die Dinge vereint für die die Band steht: Eingängige, große Heavy Metal Hymnen welche einem bereits beim ersten Hören packen und die Faust in
die Luft strecken lassen gepaart mit Texten über den ewig andauernden Kampf für Freiheit und seinen Weg zu leben.
"Back To Attack" ist ein Album welches seinem Titel alle Ehre macht. Eine stahlharte Produktion mit 11 Songs und einem Intro welche förmlich danach schreien auf den großen Heavy Metal Bühnen der Welt performed zu werden. "Back To Attack" ist nun bereits das zehnte Studio Album der Band und wird keinen MAJESTY Fan
enttäuschen da es von knallharten Uptempo Songs über hymnische Midtempo Stampfer bis hin zu einer gefühlvollen Ballade das komplette Spektrum der Band in perfekter Art und Weise abdeckt.
Auch das Artwork des Albums passt einfach ideal zu der Aussage der Musik und der Texte von MAJESTY: "Lass dich niemals unterkriegen und kämpfe für deinen Weg zu leben. Ein Weg welcher Freiheit bedeutet".
Die deutschen True Metal Helden sind zurück - back to attack!
Seit mehr als 3 Jahren war es still um die Metal Heroes von MAJESTY. Nachdem die Band nach ihrer Legends Tour Ende 2019 eigentlich nur eine einjährige Pause machen wollte um die Batterien wieder aufzuladen, wurden sie genauso wie der Rest der Welt durch die
Pandemie in eine deutlich längere Auszeit getrieben.
Doch diese Zeit haben die Jungs ausgiebig genutzt und an einem Album gearbeitet, welches auf perfekte Art und Weise alle die Dinge vereint für die die Band steht: Eingängige, große Heavy Metal Hymnen welche einem bereits beim ersten Hören packen und die Faust in
die Luft strecken lassen gepaart mit Texten über den ewig andauernden Kampf für Freiheit und seinen Weg zu leben.
"Back To Attack" ist ein Album welches seinem Titel alle Ehre macht. Eine stahlharte Produktion mit 11 Songs und einem Intro welche förmlich danach schreien auf den großen Heavy Metal Bühnen der Welt performed zu werden. "Back To Attack" ist nun bereits das zehnte Studio Album der Band und wird keinen MAJESTY Fan
enttäuschen da es von knallharten Uptempo Songs über hymnische Midtempo Stampfer bis hin zu einer gefühlvollen Ballade das komplette Spektrum der Band in perfekter Art und Weise abdeckt.
Auch das Artwork des Albums passt einfach ideal zu der Aussage der Musik und der Texte von MAJESTY: "Lass dich niemals unterkriegen und kämpfe für deinen Weg zu leben. Ein Weg welcher Freiheit bedeutet".
Die deutschen True Metal Helden sind zurück - back to attack!
Seit mehr als 3 Jahren war es still um die Metal Heroes von MAJESTY. Nachdem die Band nach ihrer Legends Tour Ende 2019 eigentlich nur eine einjährige Pause machen wollte um die Batterien wieder aufzuladen, wurden sie genauso wie der Rest der Welt durch die
Pandemie in eine deutlich längere Auszeit getrieben.
Doch diese Zeit haben die Jungs ausgiebig genutzt und an einem Album gearbeitet, welches auf perfekte Art und Weise alle die Dinge vereint für die die Band steht: Eingängige, große Heavy Metal Hymnen welche einem bereits beim ersten Hören packen und die Faust in
die Luft strecken lassen gepaart mit Texten über den ewig andauernden Kampf für Freiheit und seinen Weg zu leben.
"Back To Attack" ist ein Album welches seinem Titel alle Ehre macht. Eine stahlharte Produktion mit 11 Songs und einem Intro welche förmlich danach schreien auf den großen Heavy Metal Bühnen der Welt performed zu werden. "Back To Attack" ist nun bereits das zehnte Studio Album der Band und wird keinen MAJESTY Fan
enttäuschen da es von knallharten Uptempo Songs über hymnische Midtempo Stampfer bis hin zu einer gefühlvollen Ballade das komplette Spektrum der Band in perfekter Art und Weise abdeckt.
Auch das Artwork des Albums passt einfach ideal zu der Aussage der Musik und der Texte von MAJESTY: "Lass dich niemals unterkriegen und kämpfe für deinen Weg zu leben. Ein Weg welcher Freiheit bedeutet".
Selten wurde ein Comeback nach 9 Jahren so frenetisch von Fans und Gesellschaft aufgenommen, wie bei der Deutschpop-Indie Band Juli, die mit mehr 1,5 Millionen verkauften Alben, Gold und 3-Fach Platinawards, und Charthits wie „Perfekte Welle“ und „Geile Zeit“ nicht nur Musikgeschichte geschrieben haben, sondern auch die TikTok Gemeinde zu mehr al 18.000 Creations bewegen. Die neue Single ”Gehen oder Bleiben” ist ein Song von Verliebten für Verliebte, wie Simon von Juli erklärt. „Wenn man sich noch gegen das Verlieben wehrt; vielleicht aus Angst, sich damit verletzbar zu machen oder auf Ablehnung zu stoßen.
Vielleicht auch, weil man schlechte Erfahrungen aus der Vergangenheit vermeiden möchte. Und doch spürt man, dass es schon zu spät ist, irgendetwas zu kontrollieren.“ Produziert hat ”Gehen oder Bleiben” niemand anderes als Michael Illbert (Coldplay) ebenso ist Davide Rossi für die Streicher (Viva La Vida) auf dem
Track. Ein starker Auftakt im Jahr in dem nicht nur das neue Album am 28.4. erscheint, sondern Juli auch in ganz Deutschland auf Tour sein werden. Knapp 800k monthly listeners und fast 200k Follower stehen in den Startlöchern- auch nach oder gerade weil fast 9 Jahre vergangen sind. Juli sind zurück!
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1998. die ärzte sind jetzt ihre eigene Plattenfirma und veröffentlichen ihr … äh … je nach Zählweise 13., 8. oder auch – wie Die Beste Band der Welt selbst meint, 14. Album. Das heißt natürlich „13“. Ist das nicht irgendwie verboten?
„13“ ist im wahrlich nicht dünn bestückten die ärzte-Kosmos so etwas wie ein Über-Album. Mit mehr als einem halben Dutzend Live-Klassiker, unfassbar vielen Fan-Favoriten, dem endgültigen Rod-Song und einem bis heute nicht totzuschlagenden Monster-Hit.
„Der Graf“ ist Bela Bs immergültiges Schwarzromantik-Œuvre, Farin Urlaubs „Rebell“ bedient die Teenage Befindlichkeit aller Fan-Generationen. „½ Lovesong“ ist Rodrigo González’ ewiger Herz-Schmerz-Klassiker. Irre viel Spaß macht das exzessive „Meine Freunde“, mit „Goldenes Handwerk“ gelingt die ultimative Drummer-Hymne, „Punk ist …“, „Party stinkt“ und „Grotesksong“ sind die erklärten Fan-Insider-Hits.
„Ein Lied für dich“ sagt einfach mal Danke!. die ärzte: Jetzt mit Acht-an-abl-ah, „Zünd den Knaller!“, Lara Croft und Internetseite. Mit „Bullenschweine“- Zitat sowie spannender Beschreibung homosexueller Praktiken. Und mit „Mä-“ … naja, ihr wisst schon.
„13“ erscheint ausschließlich als Vinylalbum (inklusive Downloadcode) am 28. April 2023
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Nach zwei Jahren Krise in Deutschland und Europa, verschobenen und gecancelten Shows, veröffentlichen die Saarländer nach vier Jahren „Abstinenz“ ihr zehntes Vollalbum. Mit Erklingen der ersten Töne des Intros zum Song „Zurück an die Front“ ist klar wer hier am Werk ist - Wieso auf Experimente setzen, wenn es gut ist wie es ist! Titel wie “Töte was Du liebst“, “abnorm“, „Voll auf die 12“ und “Von Anfang an“ bieten eine komplette Stilübersicht des Schaffens der Brüder von knallhart und schnell, über Hoffnung schöpfend und aufmunternd, bis hin zu ruhig, einfühlsam und bewegend. Mit der Ballade “Das, was Du verpasst hast“ setzen Pascal und Co. wieder einen ruhigen Abschluss, der es in sich hat und eine Lebensphilosophie mit auf den Weg gibt! Der Hit des Albums ist auch zugleich die einfachste Nummer, drei Akkorde die den Text zu "Als wir noch jung war'n" untermalen, definitiv DER Live Ohrwurm, der jede Party sprengt!
Das Album erscheint als CD+DVD im Digipack, welche auch in der CD Box Edition enthalten ist, weiterhin im Vinylformat mit Gatefold limitiert auf 666 teuflisch gute Einheiten, LP Box und natürlich als CD im Jewelcase.
Die Box beinhaltet neben exklusivem Inhalt auch ein Geheimfach unter doppeltem Boden zum Verstauen von allem Möglichen, was nicht auf den ersten Blick gesehen werden soll.
Ebenfalls recht exklusiv ist die Livepräsenz der KrawallBrüder in 2023 denn es werden nur 5 Orte in Deutschland gespielt, dazu gibt es eine Handvoll verlesene Auslandsauftritte.
Das neue Album von Texas Hippie Coalition ist eine weitere knallharte Sammlung großartiger Songs von Anfang bis Ende. Gleich die erste Single "Hell Hounds" beweist, dass THC ein echter Hund ist, der auf die Jagd geht. Andere Songs wie "I Come From Dirt" und "Keep My Name Out Of Your Mouth" sind direkte Schläge ins Gesicht. Mit 'I Teach Angels How To Fly' und dem Titeltrack 'The Name Lives On' zeigt die Band, dass die "Keep It Rockin"-Theorie der Gruppe vielschichtig ist. Sie fügten auch unvergängliche Songs wie 'Built For The Road' und 'Believe' hinzu, die einen sofort wissen lassen, dass der Name von THC weiterleben wird. Texas Hippie Coalition wird oft mit den vielen großen Southern Rock- und Texas-Bands
verglichen, die vor ihnen kamen. Aber sie beweisen der Welt, dass THC nicht nur in deren Fußstapfen tritt, sondern riesige Fußabdrücke hinterlässt.
Die Band ist nicht nur dabei, sich einen Platz in der genreübergreifenden Musikszene zu erspielen, sondern hat mit "Red Dirt Metal" ihr eigenes Genre geschaffen. Man muss es hören, um es zu verstehen. Worte reichen nicht aus, um zu vermitteln, wie kraftvoll und groß ihr Sound ist.
Nach zwei Jahren Krise in Deutschland und Europa, verschobenen und gecancelten Shows, veröffentlichen die Saarländer nach vier Jahren „Abstinenz“ ihr zehntes Vollalbum. Mit Erklingen der ersten Töne des Intros zum Song „Zurück an die Front“ ist klar wer hier am Werk ist - Wieso auf Experimente setzen, wenn es gut ist wie es ist! Titel wie “Töte was Du liebst“, “abnorm“, „Voll auf die 12“ und “Von Anfang an“ bieten eine komplette Stilübersicht des Schaffens der Brüder von knallhart und schnell, über Hoffnung schöpfend und aufmunternd, bis hin zu ruhig, einfühlsam und bewegend. Mit der Ballade “Das, was Du verpasst hast“ setzen Pascal und Co. wieder einen ruhigen Abschluss, der es in sich hat und eine Lebensphilosophie mit auf den Weg gibt! Der Hit des Albums ist auch zugleich die einfachste Nummer, drei Akkorde die den Text zu "Als wir noch jung war'n" untermalen, definitiv DER Live Ohrwurm, der jede Party sprengt!
Italian producer duo 'Crossroads' are back 10 years after their first release.
Inspired by classic R&B, Disco and Neo-Soul they have had the knack of finding talented unsigned vocalists from all over the globe to feature on their tracks. This time around, the Italian singer Raffaella Zago covers a super soulful track originally composed in the 70's by the disco-soul duo Grey & Hanks.
'If You're In Need' is the perfect link between original 70's disco to contemporary soulful nu-disco, mixing live instruments with modern rhythms and synths. The b-side starts with a more uptempo remix by French DJ and producer Young Pulse, who is set to establish himself as one of the best remixers in the contemporary disco scene. Last but not least 'Call Me Dub' pays more attention to the instrumental parts of the track taking you on a deeper journey into the whole song.
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Die achtfachen GRAMMY-Gewinner veröffentlichen ihr langersehntes 12tes Studioalbum mit dem Titel „72 Seasons“.
Das Album beinhaltet 12 brandneue Songs, produziert von James Hetfield, Lars Ulrich und der Rock-Produzenten-Ikone Greg Fidelman (U2, Slipknot, Johnny Cash, Slayer, Red Hot Chili Peppers, uvm.) Als Vorgeschmack auf das Gesamtwerk dient der bereits veröffentlichte Song „Lux Æterna“. Mit 77 abwechslungsreichen Minuten bietet das Album darüber hinaus jedem Fan die Möglichkeit, sich vollkommen in das Werk fallenzulassen.
Den Titel erklärt James Hetfield wie folgt: „72 seasons. The first 18 years of our lives that form our true or false selves. The concept that we were told ‘who we are’ by our parents. … Prisoners of childhood or breaking free of those bondages we carry.”
Zusatzinfo:
Zeitgleich mit der Bekanntgabe des Albums und dem Release von „Lux Æterna“ kündigen Metallica auch ihre M72 Welt-Tournee an, die sich über die Jahre 2023 und 2024 erstrecken wird. Im Zuge dessen werden jeweils 2 Shows in Hamburg und München gespielt, jede davon mit einer gänzlich anderen Setlist und Support-Acts.
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Die achtfachen GRAMMY-Gewinner veröffentlichen ihr langersehntes 12tes Studioalbum mit dem Titel „72 Seasons“.
Das Album beinhaltet 12 brandneue Songs, produziert von James Hetfield, Lars Ulrich und der Rock-Produzenten-Ikone Greg Fidelman (U2, Slipknot, Johnny Cash, Slayer, Red Hot Chili Peppers, uvm.) Als Vorgeschmack auf das Gesamtwerk dient der bereits veröffentlichte Song „Lux Æterna“. Mit 77 abwechslungsreichen Minuten bietet das Album darüber hinaus jedem Fan die Möglichkeit, sich vollkommen in das Werk fallenzulassen.
Den Titel erklärt James Hetfield wie folgt: „72 seasons. The first 18 years of our lives that form our true or false selves. The concept that we were told ‘who we are’ by our parents. … Prisoners of childhood or breaking free of those bondages we carry.”
Zusatzinfo:
Zeitgleich mit der Bekanntgabe des Albums und dem Release von „Lux Æterna“ kündigen Metallica auch ihre M72 Welt-Tournee an, die sich über die Jahre 2023 und 2024 erstrecken wird. Im Zuge dessen werden jeweils 2 Shows in Hamburg und München gespielt, jede davon mit einer gänzlich anderen Setlist und Support-Acts.
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Auf dem neuen Longplayer Crime Scene lenkt die bayuwarische Artrock-Institution ihre Aufmerksamkeit auf das Morbide, das Perverse, das Böse im Guten, die Abgründe des menschlichen Verhaltensspektrums in all seiner unvorhersehbaren Vielfalt, die dann manchmal auch so bizarr verstörend schlüssig daher kommt, wenn man denn ansetzt sie ergründen zu wollen.
In sechs dicht-atmosphärischen Tracks haben sich RPWL wieder einmal auf intensive Reisen durch die eigene Bandvita, als auch die jeweils eigenen Plattensammlungen begeben. Das Bemühen von Vergleichen ist immer so eine Sache, denn immerhin ist dies die 19te Veröffentlichung dieser international erfolgreichen Band. Die teils morbid-düsteren Themen werden mit old-school Fuzz konterkariert, das knapp 13-minütige "King of the World" mit seinem knurrenden Big Muff und seinen flächigen Vibes, oder "Life beyond Control", das mit seinem Offbeat-Einsatz sicher zu den härtesten Stücken in der RPWL Diskographie gehören dürfte, legen ihr Geständnis auf der Crime Scene ab. "Live in a Cage" bringt das das Kalkül des wie immer akribischen Sounddesigns dieses neuen RPWL-Albums auf den Punkt, nahtlos schließt sich "Red Rose" daran an. Pflaster auf Schusswunde als Prinzip. Aber der Wahn der normalisierten Gewalt wabert in so vielen Haushalten unter der vermeintlichen Harmonie, die die vier Musiker hier den Hörer glauben lassen. Wie fühlt es sich an, überhaupt kein Konzept von Freiheit zu haben, die Angst die bürgerliche Sicherheit zu verlassen aber größer ist? Allein im Lockdown-Jahr Jahr 2020 erfasste die Polizei über 119.000 Fälle von partnerschaftlicher Gewalt, 139 davon mit tödlichem Ausgang, die sich in über 80% der Fälle gegen den weiblichen Part in der Beziehung richteten.
Yogi Lang kommentiert aus künstlerischer Perspektive er sei schon immer von gesellschaftlichen und persönlichen Schattenseiten fasziniert gewesen. Kalle Wallner stellt die Gretchenfrage, wie man es denn mit dem Bösen an sich halte: "Wer macht uns zu dem wer wir sind? Ist es eine Frage der Genetik oder sind es doch die sozialen Umstände, unsere Kindheit, Schicksalsschläge, Druck oder Kränkungen?"
Das ‚Böse' bildet eines der Kernthemen auf Crime Scene, welches über das Band-eigene Label Gentle Art of Music erscheint. Als wertig aufgemachtes Digipak, drei unterschiedlichen Vinyl-Versionen (180Gr. Schwarz, 180Gr. Lim. Rot, 180Gr. Lim. Blau) und natürlich Digital.
eclipsed - Album des Monats:
"RPWL ist damit ein geradezu kriminell spannendes Werk gelungen. ....Auf "Crime Scene" spielen RPWL alle ihre Stärken aus. Tatorte gesichert. Fälle geklärt. Mission erfüllt. ... Wuchtige, cineastisch anmutende Arrangements, wunderschöne Melodiebögen, bewegende, leise, behutsame Momente und ein ausgesprochen spannendes Konzept hinterlassen einen starken Eindruck..."
SLAM (Highlight März/April)
Wieder einmal haben die bayrischen Artrocker RPWL ein Konzeptalbum am Start und wieder einmal kommt nach dem ersten Durchlauf der übliche Gedanke: Das ist absolut großartig, aber man hat keine Ahnung warum genau. Was haben die in Freising in ihrem Wasser, das ihnen erlaubt zu scheinbar egal welchem Thema eine Klangwelt zu bauen, die es so kein zweites Mal gibt? (...) Man kann gar nicht hoch genug einschätzen, wie wertvoll die Existenz so einer Band ist, es bleibt am Ende ein einfaches "Danke".
Mit einer Mischung aus zeitgenössischem AOR, melodischem Rock und Djent präsentieren BLACK ORCHID EMPIRE einen progressiven Sound, der ebenso ausgefeilt wie technisch, ebenso frisch wie vertraut und ebenso melodisch wie knallhart ist. Seit ihrem Debüt im Jahr 2016 ist das Londoner Trio auf dem aufsteigenden Ast, da sie den aktiven Rockmarkt in Großbritannien aufmischen. Mit "Tempus Veritas" ist die Band nun bereit, die nächste Stufe zu erreichen. Vom Konzept her ist das Album eine Sammlung von Geschichten, die nach fesselnden imaginären Erzählungen suchen, die in der Geschichte, wie wir sie kennen, versteckt sind. Wenn der Vorgänger "Semaphore" ein Sci-Fi-Album war, ist dies ein Hi-Fi-Album.
Mit einer Mischung aus zeitgenössischem AOR, melodischem Rock und Djent präsentieren BLACK ORCHID EMPIRE einen progressiven Sound, der ebenso ausgefeilt wie technisch, ebenso frisch wie vertraut und ebenso melodisch wie knallhart ist. Seit ihrem Debüt im Jahr 2016 ist das Londoner Trio auf dem aufsteigenden Ast, da sie den aktiven Rockmarkt in Großbritannien aufmischen. Mit "Tempus Veritas" ist die Band nun bereit, die nächste Stufe zu erreichen. Vom Konzept her ist das Album eine Sammlung von Geschichten, die nach fesselnden imaginären Erzählungen suchen, die in der Geschichte, wie wir sie kennen, versteckt sind. Wenn der Vorgänger "Semaphore" ein Sci-Fi-Album war, ist dies ein Hi-Fi-Album.
Canadian alt. rock 5-piece Mother Mother have experienced a whirlwind decade, amassing over 830 million streams and views, earning 14 million monthly listeners on digital platforms and 2 million searches at Shazam.
In 2021 they became something of a TikTok sensation when songs from their back catalogue exploded on the platform, quickly accumulating a staggering 325 million uses of #MotherMother as well as 1.5 million fans (now at 2.7m).
In the band’s homeland, they have had numerous Top 10 Alternative Radio hits, spent several weeks at #1, and have been the most played alternative artist at radio for multiple years running. The band have also found success on the road. Their most recent pre-pandemic tours featured numerous sold-out headline dates including New York, London,
Los Angeles and all across Canada and the US.
Last autumn Mother Mother performed a sold out UK tour to over 9,000 rabid fans, including two nights at the 02 Forum in Kentish Town.
The rawness of The Veils' Nux Vomica can be enjoyed to a degree never heard before, with Ba Da Bing's limited edition pressing of the records with the original mixes by Nick Rainey left intact.
Originally released in 2006, The Veils sophomore album Nux Vomica was praised for its “Herculean intensity” by The Guardian, and called “a heady blast of gothic psychodrama” by The Observer, while Pitchfork praised leader Finn Andrews’ “magnetic, outsize persona.” Long out of print, the vinyl version was resuscitated by Music on Vinyl in 2017 and quickly sold out. Now, The Veils present the definitive version of their most heralded album to date, which dusts off the original mixes by legendary producer Nick Launay (Public Image Limited, The Birthday Party, INXS and Midnight Oil) and offers them to fans here for the first time. Taken from the original two-inch analog tape reels, each song was carefully remastered by Alex Wharton at Abbey Road Studios in London.
Nux Vomica was the first of many creative reinventions for Andrews, who at 22 had already released an album on Rough Trade, moved from New Zealand to London to form a band, then back to New Zealand where he once again started the band anew. The creative progression is clear in Andrews’ incisive lyricism and knack for hell-fire dramatics. From the positively mirthful “Advice for Young Mothers to Be” to the simmering ominousness of “Nux Vomica,” from the ornate spectacle of “Calliope!” to the Grand Guignol of “Jesus for the Jugular”, Nux Vomica is a remarkably accomplished album for a musician so young who was facing the pressures of British musical stardom.
All intentions to release this dark and raw set of recordings were dashed upon submission to Rough Trade for approval, who didn't like the results. They hired mixing engineer Bill Price to adjust the sound and add additional instrumentation. Launey’s mixes were shelved and forgotten about, while the album nonetheless went on to be a critical highpoint for the band and is much loved to this day.
To celebrate the release of The Veils’ massive new double album, …And Out Of The Void Came Love, Ba Da Bing is issuing a limited-to-1200-LPs simultaneous run of Nux Vomica in a form you have never heard it before. The brilliance of Andrews’ talents come through all the more clear in this version, which strips his songs to the core and allows the holes to show. Here’s where the seeds of a lifelong artistic talent really began to first take root.
The incongruous, yet glorious, creative partnership between Nancy Sinatra and Lee Hazlewood was well underway when the two singular artists reunited to record 1972’s Nancy & Lee Again, a follow-up to their bestselling duet debut, Nancy & Lee. Nancy, the eldest daughter of Frank Sinatra, had been working with the Oklahoma-born songwriter since 1965, when she topped the pop charts with “These Boots Are Made For Walkin’.” Over the next five years, the two artists forged a prolific relationship in the studio, with Hazlewood writing and producing many of Nancy’s solo hits. Soon, the duo found success with a series of duets, including “Sand,” “Summer Wine,” and “Some Velvet Morning” – all of which appeared on their highly-influential 1968 debut.
Not long after the critical acclaim and chart success of Nancy & Lee died down, however, Hazlewood unexpectedly relocated to Sweden, leaving his musical partner in the proverbial dust. America, meanwhile, was in the midst of a cultural shift, as the Vietnam War waged on. By the turn of the decade, the musical landscape had changed significantly. “Trivial music and not profound music became unimportant,” recalls Nancy, speaking to Hunter Lea. “It was a tough time.” And yet, despite the circumstances, the stars somehow aligned for the duo to record some of their most magnificent music together.
Returning to Los Angeles for the project, Hazlewood – who reprised his role as producer – chose to take a new direction with the duo’s sophomore album. Nancy recalls, “It was more dramatic; it was more fun to do, more challenging to do…. It was more grandiose.” For the lush, orchestral arrangements, they collaborated with Larry Muhoberac (an original member of Elvis Presley’s TCB band, whose early ‘70s credits also included Barbra Streisand, Neil Diamond, and Lalo Schifrin) and Clark Gassman, who had worked on Hazlewood’s 1970 LP, Cowboy in Sweden. Backing vocals from brothers John and Tom Bahler, who remain two of the most recorded singers in history, added additional texture to several songs.
The big sound that Nancy describes above is exemplified in the album’s cinematic opener, “Arkansas Coal (Suite).” Clocking in at nearly six minutes long, the dynamic overture tells the tale of an ill-fated coal miner (sung by Hazlewood), while Nancy adjusts her vocals to sing as both the miner’s daughter and his wife. Hazlewood’s knack for vivid, nuanced storytelling shines throughout Nancy & Lee Again, particularly in “Paris Summer,” which details the conflict that a married woman faces, as she engages in a passionate affair. Another highlight is the country-inspired hit, “Did You Ever,” which was released as the album’s lead single. After it landed at No.2 on the U.K. pop charts, the song served as an alternate title track in several countries, including LP pressings in the U.K., Germany, and Canada.
One of the most emotionally-charged moments on Nancy & Lee Again is a cover of Dolly Parton’s “Down From Dover.” The heartbreaking tune tells the tale of a pregnant teenager, who has been abandoned by her lover and her family and ultimately gives birth to a stillborn baby. While Parton’s 1970 version was sung from the teenager’s point of view, Hazlewood and Sinatra transformed the country song into a duet. Hazlewood, who offers the man’s side of the story, sings in a notably deeper octave than his signature baritone.
Another poignant selection is “Congratulations,” which describes a soldier coming home from Vietnam. “His face has grown old and his eyes have grown cold/And they tell you of where he has been/Congratulations, you sure made a man out of him,” Hazlewood sings, pointedly. Nancy, who performs as the vet’s wife, argues that the song had a deeper meaning for her duet partner. “Lee started out a hawk, he was an army guy, so he was all for the war in the beginning. We didn’t talk about it, but at some point, he changed radically. ‘Congratulations’ was almost like an apology from him. I don’t want to put words in his mouth, but it was as though he was saying ‘I’m really sorry.’”
The song “Friendship Train” could also be interpreted as an apology of sorts – this time to Nancy. “You’ve been hurt and I’ve been hurt/Now we’re living pain,” the tune opens. When Hazlewood moved to Sweden without telling his longtime musical partner, Sinatra was understandably upset. “I felt pretty betrayed. I mean, who does that? Who just up and disappears like that? I’ll never understand it,” she reveals. But the uplifting duet – a slice of ‘70s pop perfection – offers reaffirming words of love between friends. “Lee felt things very deeply and tended to express his feelings in song instead of in real life,” explains Nancy.
The 10-track album closes with the stripped-down “Got It Together.” Backed by an acoustic guitar, the song is equal parts playful and candid, as the duo has an impromptu, spoken-word conversation about their lives. “I wish that we’d quit getting so old,” laments Nancy, who later shares her wish to have children (she would do so in the next few years). Hazlewood, meanwhile, attempts to remedy his past wrongdoings – this time asking his partner, “Can I go back to Sweden?” With that, Nancy gives her blessing.
This definitive reissue of Nancy & Lee Again also includes two bonus tracks. Both are stylistic departures for the duo – but fit right in with the psychedelic pop of the era. The first one, “Think I’m Coming Down,” is a harmony-filled reflection on a toxic relationship. “I think that was one of [Lee’s] drug things. I don’t mean that he used drugs; I mean that he was trying to be part of that culture. Trying to be hip,” explains Nancy, who delivers an emotive vocal performance on the solo track. Also included is “Machine Gun Kelly,” penned by a staple of the 70s singer-songwriter movement, Danny Kortchmar (James Taylor, Carole King, Linda Ronstadt). Recorded several months after the release of the album, the song found Nancy reuniting with Billy Strange, who arranged many of her solo albums, as well as Nancy & Lee. Sinatra and Hazlewood first performed “Machine Gun Kelly” during their residency at Las Vegas’ Riviera Hotel in February 1972 (later released as a concert documentary on Swedish television). While the recording has long remained a career favorite of Nancy’s, it would be decades before it was officially released.
Nancy & Lee Again remains a creative high point in the careers of Sinatra and Hazlewood and, upon its release, garnered rave reviews from Billboard, Record World, and Cash Box, among others. Yet, Nancy & Lee Again never received the spotlight it so utterly deserved. “We didn’t have label support at all in those days,” recalls Nancy. “Without the strength of a label, records die. We were old. We were old-fashioned. We were just not what was happening. It’s a very ageist kind of business.” Nevertheless, she adds, “I think it’s a very good album. I think it’s timeless.” Now, after years of being a sought-after rarity, this gem in the Sinatra-Hazlewood canon can finally get its due.
Five decades later, Nancy’s legacy only continues to grow, as new generations discover her impressive catalog (which boasts nearly 20 studio albums – her duets with Hazlewood among them – and dozens of charting singles, including the theme song to the 1967 James Bond film, You Only Live Twice). In 2020, Sinatra was recognized by her peers when “These Boots Are Made For Walkin’” was inducted into the GRAMMY® Hall of Fame. That same year, Sinatra partnered with Light in the Attic for Nancy Sinatra: Start Walkin’ 1965-1976, a definitive survey of her most prolific period. LITA has also reissued Sinatra’s classic debut, Boots, and her iconic, 1968 album with Lee Hazlewood, Nancy & Lee. The label looks forward to celebrating Nancy over the coming years with a variety of special releases, exclusive merchandise, and more.
The incongruous, yet glorious, creative partnership between Nancy Sinatra and Lee Hazlewood was well underway when the two singular artists reunited to record 1972’s Nancy & Lee Again, a follow-up to their bestselling duet debut, Nancy & Lee. Nancy, the eldest daughter of Frank Sinatra, had been working with the Oklahoma-born songwriter since 1965, when she topped the pop charts with “These Boots Are Made For Walkin’.” Over the next five years, the two artists forged a prolific relationship in the studio, with Hazlewood writing and producing many of Nancy’s solo hits. Soon, the duo found success with a series of duets, including “Sand,” “Summer Wine,” and “Some Velvet Morning” – all of which appeared on their highly-influential 1968 debut.
Not long after the critical acclaim and chart success of Nancy & Lee died down, however, Hazlewood unexpectedly relocated to Sweden, leaving his musical partner in the proverbial dust. America, meanwhile, was in the midst of a cultural shift, as the Vietnam War waged on. By the turn of the decade, the musical landscape had changed significantly. “Trivial music and not profound music became unimportant,” recalls Nancy, speaking to Hunter Lea. “It was a tough time.” And yet, despite the circumstances, the stars somehow aligned for the duo to record some of their most magnificent music together.
Returning to Los Angeles for the project, Hazlewood – who reprised his role as producer – chose to take a new direction with the duo’s sophomore album. Nancy recalls, “It was more dramatic; it was more fun to do, more challenging to do…. It was more grandiose.” For the lush, orchestral arrangements, they collaborated with Larry Muhoberac (an original member of Elvis Presley’s TCB band, whose early ‘70s credits also included Barbra Streisand, Neil Diamond, and Lalo Schifrin) and Clark Gassman, who had worked on Hazlewood’s 1970 LP, Cowboy in Sweden. Backing vocals from brothers John and Tom Bahler, who remain two of the most recorded singers in history, added additional texture to several songs.
The big sound that Nancy describes above is exemplified in the album’s cinematic opener, “Arkansas Coal (Suite).” Clocking in at nearly six minutes long, the dynamic overture tells the tale of an ill-fated coal miner (sung by Hazlewood), while Nancy adjusts her vocals to sing as both the miner’s daughter and his wife. Hazlewood’s knack for vivid, nuanced storytelling shines throughout Nancy & Lee Again, particularly in “Paris Summer,” which details the conflict that a married woman faces, as she engages in a passionate affair. Another highlight is the country-inspired hit, “Did You Ever,” which was released as the album’s lead single. After it landed at No.2 on the U.K. pop charts, the song served as an alternate title track in several countries, including LP pressings in the U.K., Germany, and Canada.
One of the most emotionally-charged moments on Nancy & Lee Again is a cover of Dolly Parton’s “Down From Dover.” The heartbreaking tune tells the tale of a pregnant teenager, who has been abandoned by her lover and her family and ultimately gives birth to a stillborn baby. While Parton’s 1970 version was sung from the teenager’s point of view, Hazlewood and Sinatra transformed the country song into a duet. Hazlewood, who offers the man’s side of the story, sings in a notably deeper octave than his signature baritone.
Another poignant selection is “Congratulations,” which describes a soldier coming home from Vietnam. “His face has grown old and his eyes have grown cold/And they tell you of where he has been/Congratulations, you sure made a man out of him,” Hazlewood sings, pointedly. Nancy, who performs as the vet’s wife, argues that the song had a deeper meaning for her duet partner. “Lee started out a hawk, he was an army guy, so he was all for the war in the beginning. We didn’t talk about it, but at some point, he changed radically. ‘Congratulations’ was almost like an apology from him. I don’t want to put words in his mouth, but it was as though he was saying ‘I’m really sorry.’”
The song “Friendship Train” could also be interpreted as an apology of sorts – this time to Nancy. “You’ve been hurt and I’ve been hurt/Now we’re living pain,” the tune opens. When Hazlewood moved to Sweden without telling his longtime musical partner, Sinatra was understandably upset. “I felt pretty betrayed. I mean, who does that? Who just up and disappears like that? I’ll never understand it,” she reveals. But the uplifting duet – a slice of ‘70s pop perfection – offers reaffirming words of love between friends. “Lee felt things very deeply and tended to express his feelings in song instead of in real life,” explains Nancy.
The 10-track album closes with the stripped-down “Got It Together.” Backed by an acoustic guitar, the song is equal parts playful and candid, as the duo has an impromptu, spoken-word conversation about their lives. “I wish that we’d quit getting so old,” laments Nancy, who later shares her wish to have children (she would do so in the next few years). Hazlewood, meanwhile, attempts to remedy his past wrongdoings – this time asking his partner, “Can I go back to Sweden?” With that, Nancy gives her blessing.
This definitive reissue of Nancy & Lee Again also includes two bonus tracks. Both are stylistic departures for the duo – but fit right in with the psychedelic pop of the era. The first one, “Think I’m Coming Down,” is a harmony-filled reflection on a toxic relationship. “I think that was one of Lee’s drug things. I don’t mean that he used drugs; I mean that he was trying to be part of that culture. Trying to be hip,” explains Nancy, who delivers an emotive vocal performance on the solo track. Also included is “Machine Gun Kelly,” penned by a staple of the 70s singer-songwriter movement, Danny Kortchmar (James Taylor, Carole King, Linda Ronstadt). Recorded several months after the release of the album, the song found Nancy reuniting with Billy Strange, who arranged many of her solo albums, as well as Nancy & Lee. Sinatra and Hazlewood first performed “Machine Gun Kelly” during their residency at Las Vegas’ Riviera Hotel in February 1972 (later released as a concert documentary on Swedish television). While the recording has long remained a career favorite of Nancy’s, it would be decades before it was officially released.
Nancy & Lee Again remains a creative high point in the careers of Sinatra and Hazlewood and, upon its release, garnered rave reviews from Billboard, Record World, and Cash Box, among others. Yet, Nancy & Lee Again never received the spotlight it so utterly deserved. “We didn’t have label support at all in those days,” recalls Nancy. “Without the strength of a label, records die. We were old. We were old-fashioned. We were just not what was happening. It’s a very ageist kind of business.” Nevertheless, she adds, “I think it’s a very good album. I think it’s timeless.” Now, after years of being a sought-after rarity, this gem in the Sinatra-Hazlewood canon can finally get its due.
Five decades later, Nancy’s legacy only continues to grow, as new generations discover her impressive catalog (which boasts nearly 20 studio albums – her duets with Hazlewood among them – and dozens of charting singles, including the theme song to the 1967 James Bond film, You Only Live Twice). In 2020, Sinatra was recognized by her peers when “These Boots Are Made For Walkin’” was inducted into the GRAMMY® Hall of Fame. That same year, Sinatra partnered with Light in the Attic for Nancy Sinatra: Start Walkin’ 1965-1976, a definitive survey of her most prolific period. LITA has also reissued Sinatra’s classic debut, Boots, and her iconic, 1968 album with Lee Hazlewood, Nancy & Lee. The label looks forward to celebrating Nancy over the coming years with a variety of special releases, exclusive merchandise, and more.
Strawberries ripen in the spring. Or so they used to, in a more reliable world, one that seems to be rapidly receding in our collective rearview mirror. Presently, “spring” is a troubled concept — fraught with anxiety. Our seasons, if they are seasons at all, are paradoxical. Crops fail, or they ripen prematurely, all at once, and into a burst of rot. Impossibly, somehow, the supermarket shelves stay stocked (mostly, for now at least), and there are buckets of strawberries on every corner. But, of course, their nature is suspect. And they don’t taste like they used to. Or maybe that’s just ruinous nostalgia. But somewhere along the way we certainly lost something. Everybody knows.
Strawberry Season (Leaving Records, November 9 2022) responds tenderly to this sorry state of affairs, not with false comfort — nor escapism. Rather, the album conveys, often wordlessly, that there remains an abundance of sweetness amidst our increasing unease. While much of twentieth century American popular and folk music may have dwelt on the beauty and plenitude of the prairie, More Eaze applies a similar Romantic focus to the small bursts of fecundity that now hide in plain sight. Blending found sound, generative music, a knack for elegant, classically-informed melodic arrangement, and a sort of Liz-Fraser-by-way-of-hyperpop approach to vocals, Strawberry Season offers unique solace — providing an occasion for the kind of deep listening that our overstimulated and undernourished spirits require if there is to be any hope at all (and of course there must be hope).
More Eaze (serving as composer, songwriter, multi-instrumentalist, producer, and sound artist) guides us incrementally to this locus of attentiveness. Strawberry Season begins with the softly sweeping gentle pets. Early intimations of Velvet Underground give way, indeed, to a string arrangement that John Cale might have saved for Paris 1919. The second track, Suped, features a kaleidoscopic swirl of grocery checkout scanners that eventually coalesce and release with the subtle strumming of a harp. On known, in the midst of a nearly elegiac outflow of feeling, a shower starts to run. Someone steps inside, pulling the curtain back, sending the plastic rings clattering. Moments later, the unmistakable sound of the showerer blowing their nose — an inclusion that is at once light-hearted and jarringly, movingly intimate.
Strawberry Season’s second to last song, low resolution at santikos, serves as a sustained meditation on all that has come before it. Building slowly throughout its nine minutes, teetering, at times, on the edge of danceability, it dissipates suddenly, and Strawberry Season concludes with the rustling of clothes, snippets of distant conversation, creaking floorboards, an exhale and a sniff. There is a feeling of having arrived, of temporary reprieve in the face of uncertainty. A hint of a season yet to come, or one that is perhaps only now accessible in dreams.
Sniffany & The Nits are a deranged, genuinely troubling punk band
from London featuring members of Joanna Gruesome, Ex-Void and
The Tubs. Their debut album, ‘The Unscratchable Itch’, is released
via PRAH Recordings.
Drawing a through line between the British post-punk of The Fall and
the new wave of insolent hardcore typified by bands like Lumpy &
The Dumpers, The Nits have developed a knack for writing unhinged
punk earworms.
But it’s Sister Sniffany, and her singular lyrical and performance style,
who elevates the band beyond the sum of their influences. Her lyrics
inhabit the same world as her “macabre, visceral” (It’s Nice That)
cartoons - a world of hidden humiliations, girl abjection, crumpled
lager cans, clam chowder and lumpy, over-stuffed dollies.
Over the course of ‘The Unscratchable Itch’, Sniffany ventriloquises a
cast of pathetic, unbalanced characters: A secretarial administer tails
her Casanova husband to a suburban swingers party: “I can smell
him from here: a mix of Vaseline, foot cream and Stella beer.” A poor
old grandmother’s glasses fog up as she chastises her
granddaughter: “You self-entitled selfish little twat! / Left me to die in a popcorn-walled flat! / Spotty little smelly little prick! / Making your poor grandmother sick!”
But these characters aren’t detached, impersonal creations. As
Sniffany explains: “In Sniffany & The Nits I like to exorcise and exhibit
the deeply shameful parts of myself that I see as the toxic aspects of
my own femininity.” These are confessional songs about love
addiction, jealousy, possession, self-loathing and “egg smashingfury.” Though occasionally they are literally just about Sex & The City, red-pilled incels or grandmothers. O Williams (drums), Max ‘Wozza’ Warren (bass) and Matt Green
(guitar) have been entrenched in the UK DIY scene for years, having
played in the aforementio ned bands, as well as countless others.
Warren also runs the influential left-field label Gob Nation - a home
for ‘egg punks’ across the country. As such, the band veer between
atonal no-wave guitar assault, straight-up hardcore, goth/anarcho or
whatever takes their fancy, while remaining identifiably Nit-like.
Always grounded by a pounding, pogo-ing rhythm section, The Nits
provide the perfect backdrop for Sister Sniffany’s wild, relentless live
performances.
Auf dem neuen Longplayer Crime Scene lenkt die bayuwarische Artrock-Institution ihre Aufmerksamkeit auf das Morbide, das Perverse, das Böse im Guten, die Abgründe des menschlichen Verhaltensspektrums in all seiner unvorhersehbaren Vielfalt, die dann manchmal auch so bizarr verstörend schlüssig daher kommt, wenn man denn ansetzt sie ergründen zu wollen.
In sechs dicht-atmosphärischen Tracks haben sich RPWL wieder einmal auf intensive Reisen durch die eigene Bandvita, als auch die jeweils eigenen Plattensammlungen begeben. Das Bemühen von Vergleichen ist immer so eine Sache, denn immerhin ist dies die 19te Veröffentlichung dieser international erfolgreichen Band. Die teils morbid-düsteren Themen werden mit old-school Fuzz konterkariert, das knapp 13-minütige "King of the World" mit seinem knurrenden Big Muff und seinen flächigen Vibes, oder "Life beyond Control", das mit seinem Offbeat-Einsatz sicher zu den härtesten Stücken in der RPWL Diskographie gehören dürfte, legen ihr Geständnis auf der Crime Scene ab. "Live in a Cage" bringt das das Kalkül des wie immer akribischen Sounddesigns dieses neuen RPWL-Albums auf den Punkt, nahtlos schließt sich "Red Rose" daran an. Pflaster auf Schusswunde als Prinzip. Aber der Wahn der normalisierten Gewalt wabert in so vielen Haushalten unter der vermeintlichen Harmonie, die die vier Musiker hier den Hörer glauben lassen. Wie fühlt es sich an, überhaupt kein Konzept von Freiheit zu haben, die Angst die bürgerliche Sicherheit zu verlassen aber größer ist? Allein im Lockdown-Jahr Jahr 2020 erfasste die Polizei über 119.000 Fälle von partnerschaftlicher Gewalt, 139 davon mit tödlichem Ausgang, die sich in über 80% der Fälle gegen den weiblichen Part in der Beziehung richteten.
Yogi Lang kommentiert aus künstlerischer Perspektive er sei schon immer von gesellschaftlichen und persönlichen Schattenseiten fasziniert gewesen. Kalle Wallner stellt die Gretchenfrage, wie man es denn mit dem Bösen an sich halte: "Wer macht uns zu dem wer wir sind? Ist es eine Frage der Genetik oder sind es doch die sozialen Umstände, unsere Kindheit, Schicksalsschläge, Druck oder Kränkungen?"
Das ‚Böse' bildet eines der Kernthemen auf Crime Scene, welches über das Band-eigene Label Gentle Art of Music erscheint. Als wertig aufgemachtes Digipak, drei unterschiedlichen Vinyl-Versionen (180Gr. Schwarz, 180Gr. Lim. Rot, 180Gr. Lim. Blau) und natürlich Digital.
eclipsed - Album des Monats:
"RPWL ist damit ein geradezu kriminell spannendes Werk gelungen. ....Auf "Crime Scene" spielen RPWL alle ihre Stärken aus. Tatorte gesichert. Fälle geklärt. Mission erfüllt. ... Wuchtige, cineastisch anmutende Arrangements, wunderschöne Melodiebögen, bewegende, leise, behutsame Momente und ein ausgesprochen spannendes Konzept hinterlassen einen starken Eindruck..."
SLAM (Highlight März/April)
Wieder einmal haben die bayrischen Artrocker RPWL ein Konzeptalbum am Start und wieder einmal kommt nach dem ersten Durchlauf der übliche Gedanke: Das ist absolut großartig, aber man hat keine Ahnung warum genau. Was haben die in Freising in ihrem Wasser, das ihnen erlaubt zu scheinbar egal welchem Thema eine Klangwelt zu bauen, die es so kein zweites Mal gibt? (...) Man kann gar nicht hoch genug einschätzen, wie wertvoll die Existenz so einer Band ist, es bleibt am Ende ein einfaches "Danke".
Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen?
Willkommen bei „UK Grim”. Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren.
Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet „UK Grim“ dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach „Spare Ribs“ von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft.
Obwohl „UK Grim“ größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns – den Sleaford Mods! Wie bei den „Spare Ribs“ Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei „UK Grim“ Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen „Force 10 From Navarone“ zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane's Addiction rappt auf dem bizarren „So Trendy“, einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track“.
Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit „Spare Ribs”. Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols „Chop Chop Chop” Tribut gezollt hat.
out of Stock
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Krieg, steigende Energiekosten, Inflation. Eine politische Klasse und ein gespaltenes Land. Das Unbehagen nach dem Brexit, Akte nationaler Selbstbeschädigung und verhängnisvolle Realitätsfluchten. Verzweiflung, Wut und Entfremdung. War es jemals schlimmer da draußen?
Willkommen bei „UK Grim”. Das zwölfte Album der Sleaford Mods baut auf den einzigartigen, aufrührerischen Stärken früherer Alben auf und verfeinert sie gleichzeitig auf eine neue Weise. Es handelt sich um nichts Geringeres als eine Band und eine Stimme ihrer Generation, so wie es The Jam, The Clash oder Public Enemy zuvor waren.
Begonnen haben die Arbeiten zum neuen Album in den Lockdowns von 2021. Schließlich setzte man die Arbeit im JT Soars fort, dem Arbeitsraum und der Kreativzelle der Band, und vollendet „UK Grim“ dann im Heimstudio des musikalischen Kopfes Andrew Fearn. Das Album präsentiert die Band in ihrer makellosesten Wut, gepaart mit wilder Poesie. Nach „Spare Ribs“ von 2021 (ihrem dritten UK-Top-Ten-Album seit 2019 und ihrem bisher erfolgreichsten) ist es, wie alle ihre Platten, eine Diagnose der Krankheiten der Gesellschaft.
Obwohl „UK Grim“ größtenteils vor den Turbulenzen des Jahres 2022 entstanden ist, nimmt es die Erschütterungen einer Gesellschaft, die den Verstand verliert, auf unheimliche Weise vorweg, erzählt von einem Mann, der entschlossen ist, sich mit Heucheleien auseinanderzusetzen, insbesondere mit seinen eigenen. Die 14 Tracks klingen nach knarzigem Punk, widerspenstiger Elektronik und Elementen von Hip-Hop. Sie beschreiben die Realität in zu brutaler Unverblümtheit, um nur einfache Protestsongs zu sein. Sie sind zu Vinyl gewordene Wut, aufgekocht von den Großmeistern des pointierten Zorns – den Sleaford Mods! Wie bei den „Spare Ribs“ Kollaborationen mit Billy Nomates und Amy Taylor helfen auch bei „UK Grim“ Freunde aus: Florence Shaw von Dry Cleaning ist auf dem schaurigen „Force 10 From Navarone“ zu Gast. Williamson ist ein Fan der Band und sagt: "Sie erinnert mich wirklich an die frühen Sachen, die ich gemacht habe, einfach die Art und Weise, wie sie ein einziges Wort benutzt, um eine ganze Geschichte zu erzählen." Perry Farrell von Jane's Addiction rappt auf dem bizarren „So Trendy“, einem Song, von dem Williamson sagt, er sei "sehr vorsichtig... ein wirklich seltsamer Track“.
Seit ihrem Durchbruch-Album "Divide and Exit" von 2014 hatten die Sleaford Mods immer mehr Gelegenheit zum offenen Austausch, sowohl im In- als auch im Ausland. Sie sind eine unermüdlich arbeitende Band, die mit ihren minimalistischen Liveshows unter anderem 2021 in der 10.000 Zuschauer fassenden Nottingham Motorpoint Arena auftrat. Zu den weiteren Meilensteinen ihres Erfolgs gehören Auftritte im US-Late-Night-TV, Headliner-Auftritte auf Festivals und Chart-Platzierungen in ganz Europa mit „Spare Ribs”. Ein großer Bewunderer ist Iggy Pop, der der Band mit einer persönlichen Version des Drogenrausch-Grand-Guignols „Chop Chop Chop” Tribut gezollt hat.
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Mit seinem packenden Stilmix aus Schlager, Pop und Rock begeistert Wolfgang Petry nun schon seit mehr als viereinhalb Dekaden ganze Generationen von Musikfans. Dabei immer an seiner Seite: Seine Ehefrau Rosie, die mit dem Kultsänger in den letzten Jahrzehnten loyal durch dick und dünn gegangen ist. Zu ihrem gemeinsamen 50. Hochzeitstag am 20.11.2022 macht Wolle seiner Rosie nun eine ganz besondere Liebeserklärung - in Form der brandneuen Single "Du gehörst zu mir und ich gehör zu dir", mit der er gleichzeitig den ersten Vorboten seines kommenden Studioalbums STARK WIE WIR vorlegt!Wolfgang Petry ist ein waschechter Ausnahmemusiker, der nicht nur den deutschen Schlager, sondern die gesamte deutschsprachige Musiklandschaft mit seiner authentischen, geerdeten und unverstellten Art geprägt hat. Knapp zwanzig Millionen verkaufte Einheiten seiner insgesamt 26 Studioalben (davon fünf Top 1-Scheiben und acht Top 5-Entrys in den deutschen Album-Charts) hat Wolle mittlerweile auf der Uhr. Mehrere goldene Schallplatten, eine Multiplatin-Auszeichnung, fünf ECHOS in der Kategorie "Schlager/Volksmusik" sowie insgesamt zehn Goldene Stimmgabeln (inklusive zwei "Platinum Life Award"-Stimmgabeln für sein Lebenswerk) sind die mehr als beeindruckende Bilanz seines bisherigen Wirkens. Doch wie sagt man so schön: Hinter jedem starken Mann steht auch immer eine starke Frau. In Wolfgang Petrys Fall seine Jugendliebe Rosie, die den Sänger und Musiker stets hinter den Kulissen begleitet, ihm in hektischen Phasen den Rücken freigehalten und ihm Trost und Kraft in schwierigen Tagen geschenkt hat. Wolles Fels in der Brandung, auf den sich der 71-Jährige bis heute blind verlassen kann. Nie hat sich Petry davor gescheut, in seinen Songs Fehler und Schwächen einzugestehen, aber andererseits auch danke zu sagen für den Support, den er in guten wie in schlechten Zeiten von seinen Fans erhalten hat. Mit dem ersten Album-Vorboten "Du gehörst zu mir und ich gehör zu dir" möchte sich Wolfgang Petry nun für fünfzig ereignisreiche Ehejahre bei seiner geliebten Frau Rosie bedanken. Als ganz besondere Überraschung ist Gattin Rosie im Clip zu dem Song zu sehen - das allererste Mal, dass die fest aufeinander eingeschworenen Eheleute gemeinsam vor der Videokamera standen! "Ich hab mir den Kopf zermartert, wie ich dieses besondere Gefühl auf den Punkt bringen kann", so Petry über die Entstehungsgeschichte des schwungvollen Ohrwurms. "Zuerst hatte ich eine lyrische Idee, die ich aber schnell wieder verworfen habe. Ich wollte meine Emotionen ganz einfach und simpel ausdrücken; beim Texten entstand dann ganz spontan die Melodie zu `Du gehörst zu mir und ich gehör zu dir`. Der Dreh war komplett anders, aber irgendwie auch vertraut. Schließlich ist sie ja die Frau, mit der ich schon so lange zusammenlebe. Ein berührender Moment in meinem Leben." Und auch für Wolles Rosie waren die gemeinsamen Dreharbeiten ein einmaliges Erlebnis: "Es war eigentlich ganz witzig, aber auch das einzige Mal. Ich fühle mich im Hintergrund wesentlich wohler." Trotzdem fühlt sich Wolfgangs Herzensdame durch diesen ihr gewidmeten Song natürlich sehr geehrt.Auf seinem neuen Album STARK WIE WIR gibt Wolfgang Petry in 12 brandneuen Songs tiefe Einblicke in sein Gefühlsleben. "Die Arbeit an dieser Platte war eine große Reise für mich und hat mir das nochmal eine oder andere vor Augen geführt", resümiert der Sänger. Neben verschiedenen musikalischen Facetten und einer absoluten Ohrwurm-Garantie erwartet den Zuhörer auch der ein oder andere Gänsehaut-Moment.Wolfgang Petrys neue Single "Du gehörst zu mir und ich gehör zu dir" erscheint am 18.11.2022. Das zugehörige Video wird passend zur Goldenen Hochzeit am 20.11.2022 veröffentlicht. Das brandneue Studioalbum STARK WIE WIR folgt am 03.03.2023 als CD, streng limitierte farbige Vinyl, Download sowie auf allen Streaming-Plattformen und ist ab sofort vorbestellbar.
Auf ihrem Sony Classical Debüt Album "Beyond the Screen" gewährt die Filmkomponistin Rachel Portman einen persönlichen und emotionalen Einblick in ihre wegweisende Karriere. Dafür hat sie einige ihrer beliebtesten Filmmusiken neu am Klavier aufgenommen, darunter ihr Oscar-prämierter Soundtrack "Emma", "Gotteswerk und Teufels Beitrag" und "Chocolat". Insgesamt 20 Piano Arrangements verbindet Rachel Portman zu einer emotionalen musikalischen Reise. Vom Arrangement bis zur Performance: Bei der Produktion von "Beyond The Screen" hat Rachel Portman künstlerisch alles selbst verantwortet: "Es musste eine sehr direkte Verbindung zwischen mir als Autorin und dem Interpretieren bestehen. Für mich hat sowieso alles seinen Ursprung am Klavier, weil ich am Klavier schreibe. Ich verbringe den ganzen Tag am Piano. Wahrscheinlich bin ich in meiner Seele Pianistin. Es fühlt sich also sehr befriedigend an, die Stücke am Klavier gespielt zu haben. In gewisser Weise hat sich damit der Kreis geschlossen." Rachel Portman hat in knapp 40 Jahren über 100 Scores für Film- und Fernseh-Produktionen komponiert und ist bekannt für ihre lyrischen Melodien und ihre reinen, transparenten Orchestrierungen. Darüber hinaus hat sie auch Musik für Opern (Le Petit Prince) und Theaterstücke und ein Oratorium komponiert. 1996 gewann sie als erste Frau einen Academy Award in der Kategorie Best Musical or Comedy Score für "Emma" und 2015 als erste Frau einen Primetime Emmy Award für "Outstanding Music Composition for a Mini Series, Movie or a Special" für "Bessie". Weitere Nominierungen erhielt sie u.a. für "Oliver Twist", "The Cider House Rules" und "Chocolat"."Jeder Film ist mit einer persönlichen Geschichte verbunden. Um diese Geschichten geht es in 'Beyond The Screen'" erklärt Rachel Portman.
Knapp vier Jahre ist es her, dass Adel Tawil sein letztes
Album veröffentlicht hat. In der Zwischenzeit erschienen
Singles wie "Niemandsland" und "Labyrinth" mit dem
Hamburger Rapper Bozza. Im März 2023 erscheint
endlich das langersehnte vierte Studio-Album
"Spiegelbild". Wie der Albumtitel schon erahnen lässt, ist
Reflexion und der Blick nach innen und außen das
Leitthema der Platte. Dieses zeigt sich sowohl musikalisch
als auch textlich. "Ich war die meiste Zeit meines Lebens
darauf fokussiert, den Menschen ein positives Gefühl zu
vermitteln. Es gibt Momente auf diesem Album, die ich
früher definitiv gekillt hätte, weil sie mir zu persönlich,
auch zu dark gewesen wären. Der Song ?Autobahn' ist
beispielsweise so ein Moment. Aber ich musste das
machen. Alles andere wäre nicht ehrlich gewesen.? Der
Sound ist neu, aber der Kern ist classic Adel: die Essenz
all dessen, was Adel Tawil zu einer der prägendsten
Stimme des Deutsch-Pops und einem der grössten
Songwriter des Landes macht.
Das neue Album "Spiegelbild" mit 16 Songs inkl. der
Singles "Niemandsland", "Labyrinth (feat. Bozza)",
"Autobahn" und "Die Welt steht auf Pause" im exklusiven
DigiPac. Die Doppel-Vinyl zum neuen Album "Spiegelbild"
erscheint handsigniert von Adel Tawil.
Knapp vier Jahre ist es her, dass Adel Tawil sein letztes
Album veröffentlicht hat. In der Zwischenzeit erschienen
Singles wie "Niemandsland" und "Labyrinth" mit dem
Hamburger Rapper Bozza. Im März 2023 erscheint
endlich das langersehnte vierte Studio-Album
"Spiegelbild". Wie der Albumtitel schon erahnen lässt, ist
Reflexion und der Blick nach innen und außen das
Leitthema der Platte. Dieses zeigt sich sowohl musikalisch
als auch textlich. "Ich war die meiste Zeit meines Lebens
darauf fokussiert, den Menschen ein positives Gefühl zu
vermitteln. Es gibt Momente auf diesem Album, die ich
früher definitiv gekillt hätte, weil sie mir zu persönlich,
auch zu dark gewesen wären. Der Song ?Autobahn' ist
beispielsweise so ein Moment. Aber ich musste das
machen. Alles andere wäre nicht ehrlich gewesen.? Der
Sound ist neu, aber der Kern ist classic Adel: die Essenz
all dessen, was Adel Tawil zu einer der prägendsten
Stimme des Deutsch-Pops und einem der grössten
Songwriter des Landes macht.
Das neue Album "Spiegelbild" mit 16 Songs inkl. der
Singles "Niemandsland", "Labyrinth (feat. Bozza)",
"Autobahn" und "Die Welt steht auf Pause" im exklusiven
DigiPac. Die Doppel-Vinyl zum neuen Album "Spiegelbild"
erscheint handsigniert von Adel Tawil.
Die ultimative
Fanbox zum neuen Album "Spiegelbild". Die Box
beinhaltet neben der CD ein exklusives Adel Tawil
Kartenspiel-Set, Beanie-Mütze, Early-Entry-Pass für alle
Adel Tawil Solo-Konzerte in 2023, schwarzes Lanyard mit
gewebtem "Adel Tawil - Spiegelbild" - Schriftzug.
The title, nature morte, is the French term for still life paintings whose literal translation is "dead nature." BIG|BRAVE color the songs of nature morte with unease, creating an air of beauty in decay, chords suspended in contemplative stillness. Robin Wattie"s experiences structuring lyrics and song forms on The Body & BIG|BRAVE"s Leaving None But Small Birds informed her work on nature morte, creating stories that, like many folk tales, are at once specific and universal. Wattie"s voice manages to be commanding and vulnerable with impressive range and intimacy. Even her gasps carve their way through the tidal crash of Mathieu Ball"s distortion wail and the pummel of Tasy Hudson"s drums. The momentum of nature morte conjures the image of a beast collapsing beneath its own weight before resiliently staggering upright to thunder onward. BIG|BRAVE convey heft from silence as deftly as they do from swaths of feedback and distortion to cathartic ends. "Distortion is key," notes Ball The three members recorded primarily live over the course of a week at Machines with Magnets with Seth Manchester, pushing the potential of their instruments beyond expectations. For each song, the trio"s songwriting and attention to detail deliver its simple but devastating emotional power. Across the album"s six pieces BIG|BRAVE create a tension between immediacy and patience, invoking the essence of disquiet, while conveying anguish through inventive arrangements and nuanced performances. nature morte captures BIG|BRAVE at their heaviest and their mournful fury is at its zenith, an album where each moment is so immense and consuming that it possesses its own gravitational pull.
