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Limited edition on clear vinyl. Wie in het voorjaar van 2025 het voorrecht had om de theatertour van Het Zesde Metaal bij te wonen, kon daar op de koop toe genieten van een handvol gloednieuwe songs. En daarna vaststellen dat die helaas nergens te (her)beluisteren waren. Tot nu, want de goesting om de songs vast te leggen voor de eeuwigheid werd op den duur wel heel groot. En dus kampeerden Wannes Cappelle en co afgelopen zomer enkele dagen in Waimes (DAFT Music Studios), voor het eerst in de nieuwe bezetting met Kasper Cornelus op gitaar/toetsen en Sander Verstraete op bas.



Het resultaat is de EP Randgevallen: vijf songs, vijf vertellingen uit het persoonlijke en wereldse leven die andermaal bewijzen dat Het Zesde Metaal als geen ander kan beschrijven, beklijven en betoveren. Een staalkaart bovendien van de muzikale en tekstuele veelzijdigheid die de band al jaren kenmerkt. Opener Service is een opgewekte popsong waarin Cappelle sappig de drang naar reviews en hartjes in het dagelijkse en economische leven fileert: 'wa' vind je van onze service? / zou j'ons geen tiene willen geven? / asteblieft, want anders is den directeur vies.' In Traagskes Groeien verstilt het tempo en keert de blik naar binnen, het persoonlijke leven in, mijmerend over kinderen die stilaan het nest ontgroeien. 'ge moet u zo nie' spoeien / ge moet traagskes groeien / ge moe' laagske per laagske groeien', probeert Cappelle het loslaten nog even uit te stellen.



Wie dacht dat Oud En Nieuw daarna gaat over feestvieren in de donkerste dagen van december, is op het verkeerde feestje beland. Wiegend op hypnotiserende bas, drum en pedal steel passeert opnieuw de vergankelijkheid van het leven, dit keer met een bredere maatschappelijke blik. 'alles da' oud is, was ooit nieuw / en groot is ooit kleine begonnen / veel komt van weinig / glad was eerst ruw / zelfs de waarheid wierd ooit verzonnen'. Wanneer naar het einde toe pulserende synths het tempo opheffen en de song licht euforisch uitwaaiert in een instrumentale coda, kun je alleen maar de ogen sluiten en stilstaan bij wat was en nog komen zal.

Label is het enige nummer dat speciaal voor de EP werd geschreven en baadt net als Service in meer dartele klanken, terwijl Cappelle met trefzekere oneliners een beeld van zichzelf schetst. 'de meeste middens mijd ik, ik hore bie de randgevallen thuis / misschien verdiene 'kik ook een label'. Moeten we altijd proberen de ander in een vakje te duwen? Kan iedereen niet 'gewoon' anders zijn? En ironisch draait Cappelle de rollen om: 'atypisch is de norm / ge moogt buiten de lijntjes kleuren / gewoon is niet verboden / normaal zijn doet geen zeer / as ze mor hunder plekke kennen / de rare zijn met meer.'



Het slotakkoord is voor het beklijvende Duizend Soldaten van Willem Vermandere, dat Cappelle en Filip Wauters begin dit jaar brachten voor het tv-programma Ik Vraag Het Aan. Nu zet het een pakkend punt achter een EP die nogmaals de tijdloze klasse van de band onderstreept. Meeslepend, verhalend, herkenbaar, grappig, ontroerend, scherp. Het Zesde Metaal is het allemaal en heeft daar slechts vijf songs voor nodig.



Randgevallen werd opgenomen met Frederik Segers (productie) en Jasper Maekelberg (mix) aan de knoppen, en komt uit op 4 oktober. Met de plaat onder de arm én aan de merchandisetafel herneemt de band zijn theatertour, maar dan in het groot, langs fantastische zalen in onder meer Brugge (Concertgebouw), Gent (Capitole) en Nederland.

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP (Indie-Handel exklusiv) und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

Die alternativen Brit-Pop-Punker Ash veröffentlichen ihr neuntes Studioalbum "Ad Astra" über Fierce Panda Records. Mit elf brandneuen Tracks, darunter die hervorragende Lead-Single "Give Me Back My World" und ihre mitreißende Interpretation des Harry Belafonte/"Beetlejuice"-Klassikers "Jump In The Line", ist auf ,Ad Astra" auch noch Blur-Gitarrist Graham Coxon auf zwei besonders kecken Songs zu hören, die die ewigen Power-Pop-Könige in besonders raketenartiger Form zeigen. "Ad Astra" folgt recht dicht auf "Race The Night" aus dem Jahr 2023 (das Album der Band mit der höchsten Platzierung in den britischen Charts seit 20 Jahren) und erscheint zwei Jahre und einen Monat später - und das ist kein Zufall. Als Band, die für Live-Musik lebt, schwor sich Ash, dass die durch die Pandemie verursachte fünfjährige Pause zwischen dem Alben "Islands" (2018) und "Race The Night" nie wieder vorkommen würde. Ash greifen auch 2025 noch nach den Sternen des Indieversums! Erhältlich als Gatefold-Jacket-Edition "Rocket Silver" LP, limitierte Spine-Sleeve-Edition "Transparent Martian Red" LP und Digi-Sleeve-CD (mit bedruckter Innenhülle bzw. Text-Booklet).

If Punk culture and Aesthetics have a poet, it’s undoubtedly KŌ MACHIDA. Eleven years after his 1981 masterpiece “Inu”, the Artist—now a celebrated writer and distinguished professor—repeats that success with this album, updating its sound for the modern era with the support of the band Kitazawagumi. Here, the power and expressiveness of the music perfectly elevate the weight and meaning of his words. Reissued for the first time with meticulously retranslated English lyrics included, this is a chance to share a universal literary and musical masterpiece with the world.

Mit ihrem fünften Album kehrt das slowenische Trio Sirom zurück - und präsentiert ein klanglich wie thematisch weitreichendes Werk. In the Wind of Night... knüpft an das gefeierte The Liquified Throne of Simplicity (2022) an, geht aber neue Wege: melodischer, zugänglicher, ohne die hypnotische Tiefe und rhythmische Komplexität zu verlieren, die Sirom auszeichnen. Ana Kravanja, Iztok Koren und Samo Kutin verweben auf überlangen Tracks folkloristische Motive, dissonante Texturen und rituelle Klanglandschaften. Sie nutzen fast zwei Dutzend akustische Instrumente - viele davon selbst gebaut - und erschaffen so eine Musik, die sich jeder Kategorisierung entzieht. Die Stücke wirken wie Klangwanderungen durch imaginäre Landschaften, mal dicht und tranceartig, mal luftig und klar strukturiert. Das Album wurde live aufgenommen und spiegelt die kollektive Arbeitsweise der Band wider. Sirom bleiben dabei kompromisslos eigenständig - und sind heute eine der spannendsten Stimmen der europäischen Avant-Folk-Szene.

Im Jahr 2025 veröffentlicht Richard Galliano sein legendäres Album „Viaggio“ bei BMG neu, das ursprünglich 1993 bei Dreyfus Jazz erschien. Eine zeitlose musikalische Reise voller Poesie und Emotionen,
die einen Wendepunkt in der Karriere dieses international bekannten Künstlers markierte.
BMG freut sich, dieses remasterte Juwel präsentieren zu dürfen, angereichert mit bisher unveröffentlichten
Bonusmaterial, das Fans und Neueinsteiger gleichermaßen begeistern wird. „Neues Viaggio“ oder „neue
Reise“: Diese Worte klingen wie ein fernes Echo, eine Einladung, in die Vergangenheit zu reisen und erneut
in die einzigartige Atmosphäre dieses mythischen Albums einzutauchen. Wer hat nicht schon einmal von
Zeitreisen geträumt, davon, kostbare Momente noch einmal zu erleben? Mit der Neuauflage von „Viaggio“
wird dieser Traum Wirklichkeit.
„Als ich die Aufnahmen der Studiosessions wiederentdeckte, empfand ich eine tiefe Emotion, eine Mischung
aus Freude und Nostalgie. Die Präsenz von Pierre Michelot und Charles Bellonzi, diesen außergewöhnlichen Musikern, die uns verlassen haben, ist spürbar. Pierre, Miles Davis’ Kontrabassist (Ascenseur pour
l’échafaud), und Charles, „Lolo“, Nougaros Schlagzeuger (Tu verras), bildeten mit ihrer umwerfenden Sensibilität eine Rhythmusgruppe von seltener Eleganz. Und last but not least war Biréli Lagrène, virtuoser
Gitarrist und langjähriger Freund, immer bei uns und verlieh dem Ensemble eine atemberaubende Magie.
Ich freue mich sehr, diese neue Version von

Supergrass kündigen die 20-Jahre-Jubiläumsausgabe von „Road to Rouen“ an, ihrem fünften Studioalbum,
das ursprünglich am 15. August 2005 erschien und Platz 9 der britischen Top 10 erreichte. Der Titel
bezieht sich sowohl auf die französische Stadt, in der es aufgenommen wurde, als auch auf das 1978er
Album „Road to Ruin“ der Ramones. Dieses Album markierte eine nachdenklichere Phase für die Band
und enthielt längere, orchestralere Kompositionen.
Es erntete viel Lob von Kritikern und erhielt 4- und 5-Sterne-Rezensionen von Publikationen wie The
Guardian, Mojo und Uncut. Das Album enthält die Singles „Low C“, „Fin“ und den Fan-Favoriten „St
Petersburg“, einen fesselnden und wunderschönen Track mit einem Hauch von John Lennons Einfluss. Es
ist wohl ihr persönlichstes Album und markierte eine Abkehr vom typischen, optimistischen Sound von
Supergrass. Diese neue, sanfte und introspektive Ausrichtung machte das gesamte Album zu einem Erfolg
bei den Kritikern. Zur Feier des 20-jährigen Jubiläums veröffentlichen wir eine erweiterte Neuauflage von
„Road to Rouen“ mit bisher unveröffentlichten Live- und Studioaufnahmen. Das Album wurde für 2025
komplett neu gemastert. Es erscheint am 3. Oktober als Gatefold-Doppelalbum in Petrol und Forest Green
mit bedruckten Innenhüllen und als Doppel-CD-Digisleeve, beide Formate mit einem 16-seitigen Booklet
mit Linernotes von Mark Radcliffe.

Perkele sind zurück! Erleben Sie die geballte Ladung Rock 'n' Roll - eine explosive Mischung aus dem rohen Spirit des Punkrock und der rohen Kraft des Heavy Metal. Ihr neues Album 'Theater' ist eine zeitlose Reise durch die Jahrzehnte: vom legendären Sound der 60er und 70er Jahre bis zum modernen Sound von heute. Doch dies ist mehr als ein musikalisches Feuerwerk. Es ist eine Bewegung. Perkele beweisen, dass die Ästhetik des Rock 'n' Roll lebt, atmet und sich weiterentwickelt. Die Songs sind eine Botschaft der Hoffnung und Widerstandsfähigkeit, die in diesen chaotischen Zeiten mehr denn je gebraucht wird. Es ist ein Album für Träumer und Kämpfer, das Sie mitreißt, vereint und inspiriert. Machen Sie sich bereit: Das neue Album von Perkele ist Rock, der aus dem Herzen kommt

Perkele sind zurück! Erleben Sie die geballte Ladung Rock 'n' Roll - eine explosive Mischung aus dem rohen Spirit des Punkrock und der rohen Kraft des Heavy Metal. Ihr neues Album 'Theater' ist eine zeitlose Reise durch die Jahrzehnte: vom legendären Sound der 60er und 70er Jahre bis zum modernen Sound von heute. Doch dies ist mehr als ein musikalisches Feuerwerk. Es ist eine Bewegung. Perkele beweisen, dass die Ästhetik des Rock 'n' Roll lebt, atmet und sich weiterentwickelt. Die Songs sind eine Botschaft der Hoffnung und Widerstandsfähigkeit, die in diesen chaotischen Zeiten mehr denn je gebraucht wird. Es ist ein Album für Träumer und Kämpfer, das Sie mitreißt, vereint und inspiriert. Machen Sie sich bereit: Das neue Album von Perkele ist Rock, der aus dem Herzen kommt

»Sie erschafft ein dunkles Sonnensystem, das mit funkelnden Sternen übersät ist«, schreibt die New York Times über Romy Hausmanns Kunst. Die Netflix Verfilmung ihres Debütromans »Liebes Kind« wurde 2024 mit dem EMMI ausgezeichnet.

»Was wäre, wenn man in besonderen Momenten zum Lesegenuss eines Buches eine maßgeschneiderte Musik abspielen könnte?« Mit »Himmelerdenblau - Der Soundtrack zum Buch« legen Romy Hausmann und Martin Bechler, partners in crime, eine tiefräumige, schwebende musikalische Eskorte vor, die die musikaffinen Lesenden begleiten und verzaubern wird.

Daniil Trifonov, „einer der beeindruckendsten Pianisten unserer Zeit“ (New York Times) veröffentlicht sein
mit Spannung erwartetes Tschaikowsky-Album!
Der Starpianist erkundet darin ausgewählte Werke von Tschaikowsky für Klavier solo. Diese offenbaren die
intimere, private Seite des romantischen Komponisten, denn „Tschaikowsky war kein mürrischer Sonderling,
sondern pflegte vor allem in jüngeren Jahren sehr fröhliche Freundschaften und fand großen emotionalen
Rückhalt in seiner Familie“, sagt Trifonov.
Zu hören sind die frühe Klaviersonate in cis-Moll, „ein zu Unrecht übersehenes Meisterwerk“, welches
reich an wechselnden Stimmungen und originellen Ideen ist, das Thème original et variations in F-Dur und
das Kinderalbum op. 39. Zusammen eröffnen diese Werke einen Einblick in das, was Daniil Trifonov die
„private Ebene Tschaikowskys“ nennt – „einen Geist, geprägt von Erinnerungen an Jugend und Familie“.
Das Album endet mit der farbenprächtigen Suite aus Dornröschen. Diese wurde 1978 von dem damals erst
21-jährigen Pianisten und Dirigenten Mikhail Pletnev transkribiert, der im selben Jahr – genau wie Trifonov
33 Jahre später im Jahr 2011 mit einem spektakulären Sieg – den Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb
gewann. Pletnevs Bearbeitung für Soloklavier von Highlights aus dem beliebten Tschaikowsky-Ballett ist
für Daniil Trifonov „ein meisterhaftes Klavierwerk in sich“.

Eco Coloured Edition
Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Clear Vinyl. ,A Series of Actions in a Sphere of Forever" ist eine Sammlung von neun Soloklavierwerken, die sich mit Widerstand, Resonanz und Raum mit einer ausgeprägten spektralen Sensibilität auseinandersetzen. Diese Stücke sind Nocturnes, die tief in der Stille des Winters in einem kleinen ländlichen Studio in Valens, Kanada, geschrieben wurden. A Series of Actions in a Sphere of Forever ist der Nachfolger von From Where You Came, das im Mai veröffentlicht wurde und eine RA-Empfehlung sowie die Auszeichnung ,Experimentelles Album des Monats" von The Guardian erhielt, das es als ,stille Ekstase eines Komponisten ohne Grenzen" bezeichnete.

,A Series of Actions in a Sphere of Forever" ist eine Sammlung von neun Soloklavierwerken, die sich mit Widerstand, Resonanz und Raum mit einer ausgeprägten spektralen Sensibilität auseinandersetzen. Diese Stücke sind Nocturnes, die tief in der Stille des Winters in einem kleinen ländlichen Studio in Valens, Kanada, geschrieben wurden. A Series of Actions in a Sphere of Forever ist der Nachfolger von From Where You Came, das im Mai veröffentlicht wurde und eine RA-Empfehlung sowie die Auszeichnung ,Experimentelles Album des Monats" von The Guardian erhielt, das es als ,stille Ekstase eines Komponisten ohne Grenzen" bezeichnete.

Tauche ein in die magische Klangwelt von Olafur Arnalds: Found Songs kehrt zurück - erstmals als transparente Vinyl-Edition! Ursprünglich 2009 auf schwarzem Vinyl veröffentlicht und lange vergriffen, erscheint dieses intime Meisterwerk nun in einer streng limitierten Neuauflage. Die sieben Stücke entstanden in einem außergewöhnlichen Projekt: ein Song pro Tag, sieben Tage lang - direkt geteilt mit der Welt. Zwischen zarten Klaviermotiven, subtilen Elektronik-Elementen und kammermusikalischer Tiefe entfaltet sich ein eindrucksvolles Porträt eines jungen Komponisten, der die Grenzen zwischen Klassik, Pop und Ambient neu definiert. Found Songs ist ein poetisches Zeitdokument - roh, ehrlich und voller Gefühl. Ein Muss für alle, die Musik als Kunstform erleben. Step into the delicate sound world of Olafur Arnalds: Found Songs returns - for the first time ever on clear vinyl! Originally released in 2009 on black vinyl and long sold out, this intimate masterpiece is now reissued in a strictly limited edition. Born from a unique project - one song per day for seven days, shared instantly with the world - these seven pieces blend fragile piano, subtle electronics, and chamber textures into a deeply personal portrait of a young composer redefining the boundaries between classical, pop, and ambient. Found Songs is a poetic time capsule - raw, honest, and profoundly moving. A must-have for those who experience music as art.

'SOPHIE', das selbstbetitelte zweite Album der visionären Künstlerin, Produzentin und Pop-Pionierin, wird am 27. September 2024 über Transgressive und Future Classic veröffentlicht.

Dieses Album wurde von SOPHIE und einigen ihrer liebsten Kollaborateure geschaffen. Es stand kurz vor der Fertigstellung, als sie auf tragische Weise starb, und wurde von denjenigen, die ihr am nächsten standen, liebevoll fertiggestellt. Als SOPHIEs Studiomanager und vertrauenswürdiger Gesprächspartner für über ein Jahrzehnt war Benny Long maßgeblich an der Veröffentlichung von 'Oil Of Every Pearl's Un-insides' beteiligt und zeichnete für Mastering, Produktion und Mixing verantwortlich. Die beiden arbeiteten dann über mehrere Jahre zusammen, um das Konzept und die Produktion dieses Nachfolgealbums zu entwickeln, das Benny liebevoll vollendet hat, um SOPHIEs Vision zu ehren.

'SOPHIE', das selbstbetitelte zweite Album der visionären Künstlerin, Produzentin und Pop-Pionierin, wird am 27. September 2024 über Transgressive und Future Classic veröffentlicht.

Dieses Album wurde von SOPHIE und einigen ihrer liebsten Kollaborateure geschaffen. Es stand kurz vor der Fertigstellung, als sie auf tragische Weise starb, und wurde von denjenigen, die ihr am nächsten standen, liebevoll fertiggestellt. Als SOPHIEs Studiomanager und vertrauenswürdiger Gesprächspartner für über ein Jahrzehnt war Benny Long maßgeblich an der Veröffentlichung von 'Oil Of Every Pearl's Un-insides' beteiligt und zeichnete für Mastering, Produktion und Mixing verantwortlich. Die beiden arbeiteten dann über mehrere Jahre zusammen, um das Konzept und die Produktion dieses Nachfolgealbums zu entwickeln, das Benny liebevoll vollendet hat, um SOPHIEs Vision zu ehren.

Lucrate Milk baigne dans le nihilisme et l’insouciance et aime jouer avec l’absurde, le culte de la provocation et de la dérision forcenée, la fascination morbide, la déviance et l’anormalité. Rajoutons une bonne dose de chaos, d’énergie trépidante et de déglingue pour produire un son bizarroïde… Le groupe disparaît en février 84 après un dernier concert en apothéose au Théâtre du Forum des Halles (Paris). C’est paradoxalement après l’arrêt du groupe que sa notoriété s’étend, notamment grâce au transfuge d’une partie de ses anciens membres au sein de Bérurier Noir. En 37 concerts, de salles glauques (avec baston générale) en squats autonomes, des bars et boîtes branchées (Pont∼à∼Mousson) aux festivals (Berlin, Paris…), une légende urbaine se crée autour de Lucrate Milk, devenant une référence sans avoir vraiment rencontré de succès populaire de son vivant…

Originellement paru en 1987, regroupant le EP “Lustiges Tierquartett” (octobre 1981) le EP “Nepla Relou” (mai 1983) la face “Lucrate” du split LP avec MKB Fraction Provisoire et enregistré chez WW (juillet 1983). Épuisé depuis trop longtemps lui aussi…

Flabaire’s third album draws the attention away from the dancefloor with ambient psychedelic tunes. In his own words: “These tracks are live improvisations that have been recorded during the worldwide lockdown of 2020 and are an expression of what I felt then, during a few weeks where time seemed to have slowed down.” Turn on, tune in, drop out
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Baxter Dury meldet sich am 12. September mit seinem bisher radikalsten Album zurück: 'Allbarone', produziert von Paul Epworth (Adele, Florence & The Machine), ist ein schonungsloses, hochmelodisches und futuristisches Werk voller Charisma, Kritik und Charakter. Gemeinsam erschufen sie ein Album, das nicht wie eine Band klingt, sondern wie etwas völlig Eigenständiges - direkt, modern und mitreißend. Keine Kompromisse, keine Nostalgie - nur Baxter, neu gedach

2025 Repress

Die „Girls Gang Remixes“ 12“ wartet mit Clubversionen und Remixen von befreundeten Künstlern wie dem legendären DJ Hell, dem Dark-Disco-Allstar Damon Jee, dem italienischen Produzenten Phunkadelica und dem französischen Sänger und Filmkomponisten The Populists (alias Yan Wagner) auf. Ausserdem enthält sie noch Clubversionen von den beiden Singles „Promise Me feat. Curses“ und „Schall & Rauch“ und eine griechische Version von dem Sommerhit „Halkidiki“.

DJ Hell ist der Pate des Electroclash und Gründer des einflussreichen Labels International Gigolo Records. Helmut Geier steht seit vielen Jahrzehnten hinter den Decks und spielt entweder in den größten Clubs der Welt, auf riesigen Musikfestivals oder bei Laufstegshows für die angesagtesten Modemarken, neben der Produktion von Musik, der Schauspielerei in Filmen und dem Designen von Kleidung. Sein Extended Mix von FOMO (Fear Of Missing Out) ist eine krachende, genreübergreifende Reise durch Zeit und Raum. Eine neue Baseline, treibende Hihats, Live-Atmosphäre und ein druckvoller Kick heben den Track auf ein neues Level und machen ihn zu einer Waffe auf der Tanzfläche. Der aus Südfrankreich stammende Damon Jee ist eine Pionierfigur in der Dark-Disco-Szene. Mit über zwei Jahrzehnten Erfahrung in der elektronischen Musik hat der Dust & Blood-Labelbesitzer einen ganz eigenen Sound entwickelt. Er verwandelt „Girls Gang“ in eine Clubbombe, indem er seine charakteristische Big-Room-Energie einfließen lässt, einen epischen Break hinzufügt und die Vocals in eine andere Welt verzerrt. The Populists ist das cluborientierte DJ-Projekt des französischen Sänger-Produzenten, Gesaffelstein-Kollaborateurs und Filmkomponisten Yan Wagner. Seit 2014 veröffentlichte er EPs und Tracks auf Tastemaker-Labels wie Lumière Noire, Zone, Detriti, Ritmo Fatale & XXX. Auf seinem Remix von 'Disco Goth' kombiniert er entspannte Italo-Disco-Grooves mit New Beat Drums und verleiht dem Original ein ganz anderes Feeling.

Girls Gang wurde überragend aufgenommen und unter anderem Magazinen wie Rolling Stone, Mixmag, Musikexpress, Kulturnews, Visions, TAZ, Penthouse, Brigitte sowie Sonic Seducer (Album des Monats) und Orkus abgefeiert. Radiostationen wie KEXP, BBC Radio 1, Sunshine Live (Album der Woche), Radio Eins, Flux FM, WDR 1Live und Deutschlandfunk berichteten über das Album, das mittlerweile auf über 20.000 weltweite Radioeinsätze und mehr als 1 Million Streams kommt. Auch führende Online-Plattformen wie Spiegel Online, Plattentests (Album der Woche), Laut.de (Song der Woche) und Tonspion (#6 Album des Monats) lobten die Veröffentlichung in höchsten Tönen.

Format: Schwarzes Vinyl (140 g) mit alternativen & Clubversionen sowie Remixen von Damon Jee, DJ Hell, Phunkadelica & The Populists.

"Nomads" marks Koyla's introspective return, blending cinematic ambient, acoustic percussion, and deep electronic textures. Dedicated to his late father, the title track was first played on a vintage Musima guitar his mother gifted him in the 80s. Living a nomadic life sin e 2021. Koyla channels unpredictability and emotional depth into this rich, genre-defying EP, Expect hypnotic cello lines, frenetic yet organic percussion, and an immersive narrative-soundscape reminiscent of HBOs White Lotus or Apple TVs Severance. The EP opens gently and crescendos into stirring orchestral climaxes before resolving in serene closure - a masterful fusion of classical precision and electronic experimentation, "Nomads" is an emotional and sonic journey where every track tells a story word's cannot

Was hat es mit dieser ,Augendisko" auf sich? Man hat sofort ein Bild vor seinem geistigen Auge: funkelnd, glänzend, leuchtend, irgendwie speziell. Das passt auch ganz wunderbar. Dabei war der Auslöser für die ,Augendisko" vergleichsweise banal. Marcus Heider (als sein Alter Ego ,John Krempl" Kopf der Band) war nach dem letzten Album gezwungen, sich mehreren Augenoperationen auszusetzen. An sich eine natürlich unangenehme, aber letztlich auch seltsame und fast überirdische Erfahrung. Wie beschreibt man das Flimmern und die Farben, die vor einem tanzen, wenn man im Dämmerzustand auf dem OP-Tisch liegt? Richtig, ,Augendisko" trifft es am besten. Die ,Augendisko", die dem Album seinen Titel gibt, ist ein Sehnsuchtsort - bizarr, bunt, vielfältig wie die Musik. Und das Geheimnis rund um die Augenklappe von John Krempl haben wir nun auch gelüftet. Es ist kein modisches Accessoire, sondern eine Notwendigkeit bei der Real Life Bildschirmarbeit und somit willkommener Teil des Bühnenoufits. Songs: Wir treffen uns in der ,Augendisko", eine ungestüme und hymnische Rocknummer, die auf ein furioses Bass-Schlagzeugfinale zusteuert. ,Johnny gegen den Rest der Welt" ist ein Streifzug durch das Leben von Johnny, dem Protagonisten vieler Love God Chaos-Songs. Der bisher längste Love God Chaos-Song ist aufbereitet wie eine üppige, ungewöhnliche und überraschende Netflix-Serie, getragen vom Czech Film Orchestra. Der wohl bisher thematisch ungewöhnlichste Song in der Karriere der Grazer Band ist ,Im Kopf von Lisa Eckhart". Ein dunkles und groovendes Lied, das weniger Hommage sein will, sondern eher eine Unterstellung ist. Wer weiß schon, was in den Köpfen anderer vor sich geht? Egal, Hauptsache es ist ,alles wunderbar". ,Bistro d'Amour" ist eine schelmische Abrechnung mit den Ex-Freunden von Johnnys Liebster. Was tun, wenn gar nichts mehr hilft? Love God Chaos empfehlen ,Mach dein Voodoo". Nach der lässigen und zugänglichen Nummer geht es weiter mit ,Muss das so laut sein". Ein Satz, den wohl jede Musikerin und jeder Musiker schon mal gehört hat. ,Hoffentlich Henri" ist ein opulentes Weltraumepos, das abhebt und sich mit einem Textzitat vor den Größten verbeugt. Der Schluss hat es nochmal in sich. ,Alle gehen, keiner bleibt" beginnt folkig und mit luftigen Harmonies, ufert aber letztlich aus. Ein Song wie eine Matrjoschka, überraschend bis zum Schluß

First time reissue of this French cold-wave / minimal-synth treasure.



November 1981 – In the heart of autumn, we set off in two cars along the Nationale 1 (!) to reach Choisy-le-Roi, where a 16-track studio was waiting for us—a place where, over the course of a weekend, we would finally be able to carve our own grooves into vinyl. We were quite nervous, as Guerre Froide had already been around for a year and a half. Our elders in Kas Product had already released two EPs—one with four tracks, the other with three—in 1980, even though they’d started only a few months before us. Admittedly, there wasn’t really a sense of urgency—some of us came from the punk movement, where the prevailing mood was still very much No Future, even if we’d long since stopped believing in it... And yet others had truly lost everything, like those from the generation before us. The reasons, ironically, were often the same: heroin and/or love—hard drugs, in both cases.

Speaking of which, I had a terrible stomach ache—due to nerves or some form of tension—which forced us to make a pit stop in the Oise region so I could rush to the toilet of a local café. That same stomach discomfort would hit me again once we arrived at the studio—whose name, incidentally, I’ve since forgotten...

We had gotten there thanks to the generous initiative of a friend, Sylvain S., known as “Perlin” (what a phonetic coincidence!?), who had specifically created the Stechak Products label to produce our record. Stechak because it was consistent with his earlier association called Tchernoziom, and Products as a plural tribute to the trailblazers from Nancy.

Guerre Froide originally consisted of four members: Fabrice Fruchart on guitar-synth (Korg MS-20), Patrick Mallet on bass, and Gilbert Deffais, known as “Bébert”, on Korg drum machine. At the time, I was already singing in a rock/post-punk band called Stress, and that’s how Guerre Froide picked up the bad habit of rehearsing in the same basement in Amiens as Stress. Within a month or two, we had half a dozen songs. We then had the opportunity to record a 4-track demo with a friend from Radio France Picardie, and to perform in October at a festival held at the Amiens municipal circus. Then came the now-legendary concert on November 11 at B.J.’s Club. After that, we self-produced and released 50 completely DIY copies of a cassette titled Cicatrice. A few concerts later—after Jean-Michel Bailleux had joined us on bass and Patrick had switched to guitar, which felt more natural to him—and with more concrete plans starting to take shape, we had to find a new rehearsal space and start renting a room.

Then came the moment when Fabrice told us he was leaving to go study in Lille... After the June 19, 1981 concert, which was naturally dubbed “Farewell to 2F,” Marie-José, Bébert’s wife, offered to take over on synth.

That’s when Perlin, who was a close friend of the Deffais couple and a great fan of our music, offered to fully finance the production of a 4-track 12-inch EP—covering the studio time, mastering, pressing, and artwork. What up-and-coming band would have turned that down? An improvised contract was signed with each member of Guerre Froide. The first step was choosing which four songs we would record. Berlin 81 was an obvious pick, having already become the group’s flagship track. We wanted to avoid reusing songs from Cicatrice, so the focus shifted to new material—some written before, some after Fabrice’s departure. Ersatz, for example, was his composition, but Mauve and Peine Perdue, which were also selected, were both written by Patrick.

Als Crushed machen die Musiker Bre Morell und Shaun Durkan maximalistische Dream-Pop-Musik für sich selbst. Sie nehmen in verschiedenen Wohnungen auf, ohne an einen bestimmten Ort gebunden zu sein (Morell aus Texas, jetzt in Los Angeles, und Durkan in Portland, Oregon), schreiben sie die Songs, die sie hören wollen, und stimmen sich dabei auf ihren gemeinsamen Geschmack (für Trip-Hop, Britpop, Electronica und den Kanon des alternativen Radios der 90er Jahre), ihr Verlangen nach Emotionalität und ihr Gespür dafür, wann es richtig und ehrlich klingt, ab; wann es für sie etwas Echtes bedeutet . Ihr Debütalbum verkörpert ihr Vertrauen zueinander und in ihr Handwerk. Ein ,No Scope"-Kill im Videospiel-Jargon wird erreicht, indem man aus nächster Nähe mit einem Scharfschützengewehr schießt, ohne das Ziel anzuvisieren - eine treffende Metapher für zwei Künstler, die ihren Pop-Impulsen folgen und aus der Hüfte schießen, aber mit Präzision. ,Es könnte auch bedeuten, keine Zukunft zu haben", scherzt Morell, ,vom Leben ohne Zielfernrohr getroffen zu werden." Die Realität des Scheiterns schwebt über den meisten kreativen Unternehmungen, vielleicht umso ausgeprägter, je weiter man in seinem Fachgebiet voranschreitet. Mehrere musikalische Leben und nächtliche Übertragungen haben Morell und Durkan zu diesem Projekt geführt. Und auf dem triumphalen ,no scope" nehmen sie die besten Schläge des Lebens mit ihrem stärksten Werk auf und setzen melodische, offenherzige Hooks in einem Labyrinth aus Breakbeats und gespleißtem Sounddesign mit beispielloser Unmittelbarkeit und Klarheit ein. Die nächste Stufe ist erreicht. no scope folgt auf ,extra life", die EP aus dem Jahr 2023, die eine Welle der Unterstützung auslöste und frühe Fans bei Pitchfork (,müheloser, großformatiger Dream Pop, der ruhig ist, ohne sentimental zu sein"), NPR (,...eine Gruppe, deren Musik, obwohl sie nur eine EP veröffentlicht hat, ein tiefes Gefühl für Ort und Zeit vermittelt") und Ghostly International, die die Band unter Vertrag nahmen und ,extra life" 2024 in einer erweiterten physischen Version zusammen mit Remixen der Bandfavoriten Real Lies und DJ Python veröffentlichten.

„Fearless“ ist die ultimative Anthologie, die Ronnie Woods Karriere umspannt – der legendäre Gitarrist,
meisterhafte Songwriter und weltweite Rock-Ikone. Dieses Doppelalbum erzählt die Geschichte von Ronnies
außergewöhnlicher musikalischer Reise, von seinen ersten Aufnahmen als Wunderkind in den 1960er-Jahren
bis hin zu vier brandneuen Tracks, seinem ersten Solomaterial seit „I Feel Like Playing“ aus dem Jahr
2010. Es enthält herausragende Momente aus allen sieben seiner Solo-Studioalben sowie Co-Autoren und
wichtige Momente mit den Rolling Stones, den Faces, Rod Stewart, Ronnie Lane, der Jeff Beck Group
und anderen. Ronnie Wood wurde zweimal in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen und ist
seit 1975 ein Eckpfeiler der Rolling Stones. Sein Name ist tief in der Rockmusik verankert. Von seinen
ersten Studioerfahrungen bis hin zu den vier neuen Tracks würdigt „Fearless“ einen virtuosen Gitarristen,
begnadeten Songwriter, Performer, gelegentlichen Frontmann und internationalen Star. Es ist ein würdiges
Kompendium einzigartiger Kreativität aus über 60 Jahren.

Mit 'Hallo' melden sich die belgischen Garage-Rocker SONS kraftvoll zurück - und schlagen dabei ein völlig neues Kapitel auf. Das Quartett bleibt laut, roh und ungezähmt, doch diesmal mischt sich ein ungewohnter Glanz in ihren Sound: jugendliche Wucht trifft auf neue Tiefe. Produziert vom renommierten David McCracken (u.a. dEUS, Beyoncé, Depeche Mode), klingt „Hallo“ reifer, tanzbarer und überraschend lebensbejahend. Die Zusammenarbeit mit McCracken erwies sich für SONS als die perfekte Ergänzung: „Er hat uns völlig aus unserer Komfortzone geholt“, sagt Sänger/Gitarrist Robin Borghgraef. Mit explizitem Fokus auf die Texte wurden diese direkter und persönlicher als bisher und waren oft zentraler Ausgangspunkt der Songs. 'Hallo' ist ein lautes, ehrliches Hallo an alle, die genug haben von der ständigen Erreichbarkeit und dem digitalen Lärm und gleichzeitig eine freundliche Einladung in die Welt der SONS.

- Ltd. Col. LP: (Blue Vinyl)

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Einzelne schwarze Vinylplatte in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Was ist das Leben anderes als eine endlose Reihe von ,Oh oh"-Momenten? Von unseren frühesten Kindheitsunfällen bis hin zu unseren überwältigenden Ängsten als Erwachsene - dieser kleine Ausdruck prägt unser gesamtes Dasein. Fragen Sie einfach den Indie-Pop-Maestro Patrick Watson aus Montreal, der kürzlich mit dem größten ,Oh oh"-Moment konfrontiert wurde, den ein professioneller Sänger erleben kann. Eines Morgens im Winter 2023 wachte Patrick auf und stellte fest, dass seine Stimme - das engelsgleiche Instrument, das 2006 sein kunstvolles Art-Rock-Opus ,Close to Paradise" auf das Podium des Polaris Music Prize katapultierte - komplett kaputt war. ,Natürlich singe ich gerne für Menschen, aber ich hatte auch viel Spaß mit meinem Modular Synthesizer und tauchte tief in die Instrumentalmusik ein" - eine natürliche Neigung für Patrick, der bis heute über 15 Filmmusiken komponiert hat. ,Aber dann dachte ich mir: ,Oh, es wäre cool, Songs für all diese verschiedenen Sänger zu schreiben, die ich wirklich gerne singen hören möchte - so finde ich einen Ausweg aus dieser Situation.` Denn meine Stimme sollte eigentlich nicht zurückkommen. Und als sie es doch tat, dachte ich einfach, dass es für ein Album immer noch cooler wäre, all diese anderen Sänger zu haben, als mich selbst singen zu hören." Limitierte Edition auf canary-yellow Vinyl in einer Gatefold-Hülle mit bedruckter Innenhülle.

Cate Le Bons siebtes Album 'Michelangelo Dying', dessen Entstehung von purer Emotion geleitet wurde, hat das Album, das sie zu machen glaubte, verdrängt. Als Produkt eines alles verzehrenden Herzschmerzes überwanden ihre Gefühle ihren Widerwillen, ein Album über die Liebe zu schreiben, und wurden in diesem Prozess zu einer Art Exorzismus. Herausgekommen ist ein wunderbar schillernder Versuch, eine Wunde zu fotografieren, bevor sie sich schließt - und dabei auch in ihr zu stochern.

Musikalisch gibt es eine Fortsetzung und Erweiterung eines Sounds - eine Maschine mit Herz -, der auf ihren letzten beiden Platten 'Reward' (2019) und 'Pompeii' (2022) Gestalt angenommen hat, da Le Bon zunehmend selbst die Kontrolle über das Spielen und Produzieren übernommen hat. Wenn Gitarren und Saxophone durch Pedale gepresst und Perkussion und Stimmen durch Filter gejagt werden, entsteht ein schillernder, grüner und seidiger Sound, in dem die künstlerischen Eigenheiten von David Bowie, Nico, John McGeoch und Laurie Anderson aufblitzen und wieder verschwinden.

Was übrig bleibt, ist eine sich ständig verändernde, kontinuierliche Einheit, eine Art Songzyklus. Jede Iteration reflektiert die letzte und entwickelt sie weiter. „Jede ist eine Scherbe desselben zerbrochenen Spiegels“: Sie verschiebt sich, glitzert, verbirgt und enthüllt, je nachdem, wie sie im Licht gedreht wird. Letztendlich gibt es, so Cate, „keine Enthüllungen. Keine Schlussfolgerungen. Es gibt keinen Grund. Es gibt nur Wiederholungen und Chaos. Ich habe mir schließlich erlaubt, einen offenen Geist zu haben, um es ohne Widerstand zu erleben, ohne nach einer Offenbarung oder Ordnung zu suchen.“

'Michelangelo Dying' ist eine Übung in der Viszeralität des Lebens, der Liebe und der Menschlichkeit, sowohl für den Hörer als auch für die Künstlerin selbst, und es weiß, was es heißt Halt zu geben, gehalten zu werden aber auch sich ganz und gar allein zu fühlen. „Die Figuren sind austauschbar“, schließt Cate, „aber am Ende bin ich es, der sich selbst begegnet.“

- LP: (Vollfarbige Hülle, 140g schwarzes Vinyl, bedruckte Innenhülle und Download-Karte)

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Produziert von dem mit einem Grammy ausgezeichneten Produzenten Leon Michels (Norah Jones, Clairo) und mit musikalischen Beiträgen von Homer Steinweiss, Nick Movshon, Marco Benevento und Brainstory. Lady Wray meldet sich mit "Cover Girl", ihrem dritten Album bei Big Crown Records, mit Spannung erwartet zurück. Der Album-Opener "My Best Step" sagt alles: "My next step is my best step", und in der Tat hebt sie ihre künstlerische Leistung auf ein neues Niveau und macht die beste Musik ihres Lebens. Das feierliche "Cover Girl" nimmt den Hörer mit auf eine ausgelassene Spritztour, die von Soul und Disco der 60er und 70er Jahre, Hip-Hop und R&B der 90er Jahre und dem vielleicht wichtigsten Element, dem Gospel, geprägt ist. Nach dem 2022 veröffentlichten "Piece of Me" trat Nicole Monique Wray a.k.a. Lady Wray in der Late Show With Stephen Colbert und bei NPR's Tiny Desk auf und tourte durch die ganze Welt. "Cover Girl" ist mühelos und unbestreitbar der bisherige Höhepunkt ihrer langjährigen Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leon Michels (Norah Jones / Clairo / El Michels Affair), die sich über ein Jahrzehnt erstreckt. "Ich habe mich mit diesem Album mehr der Liebe und der Selbstfürsorge zugewandt. Piece of Me war die Erkenntnis, dass ich Mutter werde, und all diese Gefühle lagen mir auf dem Herzen", sagt Lady Wray. "Jetzt kann ich mich zurücklehnen und eine echte Chefin sein. Ich habe meine Karriere, meine Mutterschaft und meine Ehe in den Griff bekommen. Ich bin zu einer selbstbewussteren und schöneren Werbeträgerin für Cover Girl geworden." Die Singer-Songwriterin mit der allmächtigen Stimme, den aufrüttelnden Texten und ihrer anziehenden Persönlichkeit erzählt von ihrer Wertschätzung für ihre Familie, ihrem Glauben und ihrer erneuerten Liebe zu sich selbst - all das ist der Antrieb für ihr neues Album. Die Leadsingle "You're Gonna Win" ist ein tanzbarer Feel-Good-Banger. Nicole lässt sich gehen, während sie ihre Macht benennt und einfordert: "I do not care who came before me, after me there will be none". Der Chor der Fabulous Rainbow Singers schließt sich dem Refrain an und bringt die ganze Angelegenheit in die Kirche und stellt sie neben die besten Gospel-Disco-Platten, die je gepresst wurden. "Be a Witness" ist ein funkiges Mid-Tempo-Kraftpaket, das Prince stolz machen würde. Nicole findet den perfekten Groove über druckvollen Drumcomputern und ansteckenden Synthesizern, singt über eine Liebe, die dazu bestimmt ist, zu geschehen, und verbreitet die guten Vibes an jeden in Hörweite. Der Titeltrack von Cover Girl ist einer der verletzlichsten Momente des Albums. Lady Wray liefert eine atemberaubende Darbietung in dem schlichten Stück, in dem sie ihre Reise zur Selbstfindung beschreibt: ""I lost myself trying to please someone else / I want to be me again." Der Titel leitet sich von einem Spitznamen aus ihrer Kindheit ab, den sie sich wegen ihres stets gepflegten Stils zulegte. Lady Wray erklärt. "Als ich erwachsen wurde und ins Musikgeschäft einstieg, verlor ich diesen glücklichen Teil von mir. Ich sehe dieses Glück in meiner Tochter, die einfach wunderschön, talentiert und klug ist. Mit ,Cover Girl' kehre ich zu diesem kleinen Mädchen zurück. Es geht darum, sich selbst wieder zu lieben". In ähnlicher Weise fordert sie in "Where Could I Be" das Glück und den Sinn für Identität zurück, den sie durch die Kämpfe des Lebens verloren hatte. In "Best For Us" und "Hard Times" schwärmt Nicole von ihrer Liebe und ihrem Respekt für ihre Ehe, wobei sie sowohl die Unvollkommenheit anerkennt als auch auf die Stärke und Widerstandsfähigkeit der wahren Liebe verweist. In "Higher" singt sie für ihre Tochter und lehrt sie, wie man liebt und geliebt wird, und ermutigt sie, beharrlich und ausdauernd zu sein. Lady Wray wurde geboren, um zu singen und ihre Seele und ihr Leben durch ihre Musik mit uns zu teilen. Mit ihren glaubwürdigen Botschaften und ihrer unvergleichlichen Stimme hat sie sich weltweit eine treue Fangemeinde geschaffen. Egal, ob sie von ihren Kämpfen oder ihren Stärken singt, es ist tröstlich zu hören, dass sie uns wissen lässt, dass wir nicht allein damit sind. Nicole Wray ist inspirierend und aufbauend. Sie hat viel durchgemacht und ist durch all das zu einem besseren Menschen und einer besseren Künstlerin geworden. "Du musst deine eigene Welt beherrschen. Lass niemanden in deinen Weg kommen. Du rockst mit deinen Träumen, bis die Räder abfallen", sagt Lady Wray. "Das ist es, was ich mit meiner Karriere seit 1998 mache. Ich weiß, wer ich bin und was ich auf den Tisch bringe. Es war eine Wahnsinnsreise, und ich bin so glücklich, die beste Musik meines Lebens zu machen."

Q.A.S.B.'s Debut Album Finally Released on LP!

Before the release of “The Mexican” (produced by RYUHEI THE MAN), Q.A.S.B.'s self-titled debut album "Q.A.S.B" was originally released in 2009 on CD only, during the late Deep Funk movement. Now, in 2025, as the band celebrates its 20th anniversary, the album is finally available on vinyl for the first time!

Recorded in a single take with no edits using analog tape to recreate the sound of the 1970s, the raw and vivid energy of the album remains intact even after 16 years.
This album captures the essence of Q.A.S.B., featuring passionate performances by the original members, including the first vocalist amy-A (at the time). Most of the tracks were composed by Rob.T, who is now known as the sound producer for Hannah Warm. The 7-inch single “The Key” received high praise both domestically and internationally. Its explosive power on the dance floor was undeniable. I was really looking forward to the full album release from Q.A.S.B., and honestly, it blew me away. This is not imitation or homage—this is authentic, homegrown Japanese soul and funk music.

— Yusuke Ogawa (universounds / Deep Jazz Reality)

Japan’s proud funk band Q.A.S.B. finally releases their long-awaited debut album! About six months after their sensational debut single “The Key” took the world by storm, this much-anticipated album is here! With uptempo danceable tracks, heavy mid-tempo grooves, and soulful tunes that evoke the golden era, the album showcases both musical depth and confidence. Vocalist amy-A’s passionate singing and the band’s rock-solid performance come together in a stunning fusion of future funk. This is the crystallization of music sung and played from the heart!
— Ryuhei The Man (universounds)

It’s finally coming out! I’ve been waiting!

Sometimes gentle, sometimes powerful—amy’s voice breathes life into each track. Singing really is a wonderful thing.
By the way, does Q.A.S.B. stand for something? Whisper it in my ear next time.

— Naoichi “Bobsan” Kobayashi (MOUNTAIN MOCHA KILIMANJARO)

FOR FANS OF: Helloween, Gamma Ray, Primal Fear, Grave Digger, Running Wild, Blind Guardian, Hammerfall
Beginnen wir diese kleine Abhandlung mit einer selbstbewussten These: In der langen erfolgreichen Karriere der deutschen Band Rage hat es
vermutlich noch kein Album gegeben, dass in einem so hohen Maße die positive Stimmung unter den beteiligten Musikern, ihre Spielfreude, die
Kreativität und den Optimismus widerspiegelt wie ‚A New World Rising‘. Knapp zwei Jahre nach dem eher dystopischen Vorgänger ‚Afterlifelines‘
feuern Peavy Wagner (Gesang, Bass), Jean Bormann (Gitarre) und Vassilios „Lucky“ Maniatopoulos (Schlagzeug) diesmal ein positives, ultra-heavy
Thrash Metal-Feuerwerk ab, das den typischen Rage-Sound mit modernen Elementen kombiniert und in seiner Gesamtheit das bis dato
abwechslungsreichste Werk der Band darstellt. „Nicht nur für uns, sondern für alle Menschen gilt: Wir müssen rauskommen aus dem destruktiven
Mindset, das derzeit überall zu finden ist. Viele denken, die Welt geht unter, alles wird schlechtgeredet, und manches davon ist sogar gezielt
gesteuert, denn mit Angst kann man Menschen besser kontrollieren. Deswegen lautet unsere Botschaft: Denkt für euch selbst! Und glaubt nicht alles,
was man euch erzählen will!“ erklärt Bandgründer Peavy Wagner den Grundtenor von ‚A New World Rising‘.

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

Einatmen. Ausatmen. Einatmen. Ausrasten! Mit ihrer neuen Platte "The Power of Now" heben THE DEAD END KIDS die Messlatte für energiegeladenen Punkrock auf ein neues Level. Unbändig, mitreisend und voller Entschlossenheit nehmen Caro, Charlie und Fatima ihre Hörer*innen mit auf eine wilde Achterbahnfahrt durch den Zeitgeist. Egal ob Millennials in der Krise, Z-Promis im Trash TV, missglückte Datingversuche im Fitnessstudio, dem Empfinden, sich aus einer gescheiterten Beziehung nicht lösen zu können oder der Abschied eines geliebten Menschen, die vielseitigen Kids finden für jedes Gefühl und jeden Moment die richtigen Worte und die passende Tonlage, um die jeweilige Stimmung, zu unterstreichen. Jeder Song gleicht einer Explosion aus dynamischen Gitarrenriffs, treibenden Schlagzeugrhythmen und Texten, die von den Dramen und Triumphen des Alltags erzählen. Und seien wir ehrlich: keine Punkband hat so schöne Gitarrensoli wie das Trio Infernale.âÇ¿Aufgenommen wurde "The Power of Now" von Thies Neu und Rodrigo Gonzalez in der Tonbrauerei in Berlin, das Mastering hat Andi Jung übernommen.

Auf ihrem zweiten Album begibt sich die singapurische Dreampop-Band BLUSH auf die Mission, makellosen Pop zu kreieren, der die bittersüßen Momente des Lebens erkundet. Mit komplex komponierten Stücken, die zwischen Traumlandschaften und unberechenbaren Klängen schweben, verwandelt das Quartett Herzschmerz in etwas trügerisch Befriedigendes. Dieses neue Album ist das erste der Band seit ihrem Debüt ,Supercrush" aus dem Jahr 2023 und präsentiert eine verjüngte BLUSH-Besetzung, wobei die Stammmitglieder Soffi Peters (Gesang) und Daniel Pei (Bass) Darell Laser an der Gitarre mit ins Boot holen. Der langjährige vertraute Kollaborateur Jared Lim kehrt als Produzent und Gitarrist zurück.

"Album Blurb:
Robert Plant's ""Saving Grace"", sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, ""ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen"". Es entstand während der Lockdowns in „The Shire“, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein."

"Album Blurb:
Robert Plant's ""Saving Grace"", sein erstes Album mit einer neuen, hochkarätig besetzten Band, ist, wie er es nennt, ""ein Liederbuch der Verlorenen und Gefundenen"". Es entstand während der Lockdowns in „The Shire“, als Plants übliches Umherwandern fast verboten war. Auf dem englischen Land fand er engen Kontakt zu einer Gruppe von Musikern - der Sängerin Suzi Dian, dem Schlagzeuger Oli Jefferson, dem Gitarristen Tony Kelsey, dem Banjo- und Streicherspieler Matt Worley und dem Cellisten Barney Morse-Brown -, die alle eine gemeinsame Vorliebe für seine stimmungsvollen Lieder hatten. Saving Grace wurde von Plant und der Band produziert und über sechs Jahre hinweg in den Cotswolds und an den walisischen Grenzen aufgenommen. Das Album haucht einem Schatz von Songs von Memphis Minnie, Bob Mosley (Moby Grape), Blind Willie Johnson, The Low Anthem, Martha Scanlan, Sarah Siskind und Low neues Leben ein."