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Jeder, der mit dem zähneknirschenden, blutigen Punk-Knurren von Kid Kapichi vertraut ist, kennt ihre „Fearless Nature“, daher sollte es auf den ersten Blick keine Überraschung sein, dass das vierte Album der Band aus Hastings diesen Titel trägt. Der erste veröffentlichte Track, „Stainless Steel“, wird von Frontmann Jack Wilson als Brücke zwischen dem alten und dem neuen Kid Kapichi beschrieben. Mit seiner tödlichen, straffen und kraftvollen Effizienz trägt er zwar eindeutig die Handschrift des klassischen Sounds der Band, aber die Reife seiner Sichtweise und der Mut in seiner Verletzlichkeit sind etwas Neues. Das hört man auf dem gesamten Album „Fearless Nature“, das von Momenten der Selbstzweifel durchzogen ist und von einer Band stammt, die nach Jahren an vorderster Front mutig genug geworden ist, die Einschusslöcher in ihrer Rüstung zu zeigen. „Fearless Nature“ ist auch im wahrsten Sinne des Wortes eine Brücke zu einem neuen Kid Kapichi.

Im Mai 2025 gaben Gitarrist Ben Beetham und Schlagzeuger George Macdonald bekannt, dass sie die Band verlassen würden – eine Entscheidung, die sie bereits etwa sechs Monate zuvor intern getroffen hatten. Die Entscheidung fiel einvernehmlich, und „Fearless Nature“ steht an der Schnittstelle zwischen zwei Generationen: Die Songs wurden mit der alten Besetzung geschrieben, aufgenommen und produziert (Co-Produktion: Beetham und Mike Horner), werden nun aber mit der neuen Besetzung auf Tournee gehen. Gitarrist Lee Martin und Schlagzeuger Miles Gill sind beide langjährige Freunde von Wilson und Bassist Eddie Lewis und Veteranen unzähliger hart spielender Bands auf der Live-Szene im Süden Englands.

Die politische Botschaft der Band mag unverändert geblieben sein, aber mit „Fearless Nature”, das ihr Repertoire erweitert, hat sie nun Gesellschaft bekommen. Ihre Entscheidung, emotionale Komplexität in ihre lyrische Perspektive einfließen zu lassen, ist ein großer Schritt nach vorne, und die Vorteile liegen auf der Hand, aus denen alle Kraft schöpfen können.

Für Fans von: Fontaines DC / Gorillaz / Blur / Yard Act / Soft Play / Demob Happy / Queens of The Stone Age

Jeder, der mit dem zähneknirschenden, blutigen Punk-Knurren von Kid Kapichi vertraut ist, kennt ihre „Fearless Nature“, daher sollte es auf den ersten Blick keine Überraschung sein, dass das vierte Album der Band aus Hastings diesen Titel trägt. Der erste veröffentlichte Track, „Stainless Steel“, wird von Frontmann Jack Wilson als Brücke zwischen dem alten und dem neuen Kid Kapichi beschrieben. Mit seiner tödlichen, straffen und kraftvollen Effizienz trägt er zwar eindeutig die Handschrift des klassischen Sounds der Band, aber die Reife seiner Sichtweise und der Mut in seiner Verletzlichkeit sind etwas Neues. Das hört man auf dem gesamten Album „Fearless Nature“, das von Momenten der Selbstzweifel durchzogen ist und von einer Band stammt, die nach Jahren an vorderster Front mutig genug geworden ist, die Einschusslöcher in ihrer Rüstung zu zeigen. „Fearless Nature“ ist auch im wahrsten Sinne des Wortes eine Brücke zu einem neuen Kid Kapichi.

Im Mai 2025 gaben Gitarrist Ben Beetham und Schlagzeuger George Macdonald bekannt, dass sie die Band verlassen würden – eine Entscheidung, die sie bereits etwa sechs Monate zuvor intern getroffen hatten. Die Entscheidung fiel einvernehmlich, und „Fearless Nature“ steht an der Schnittstelle zwischen zwei Generationen: Die Songs wurden mit der alten Besetzung geschrieben, aufgenommen und produziert (Co-Produktion: Beetham und Mike Horner), werden nun aber mit der neuen Besetzung auf Tournee gehen. Gitarrist Lee Martin und Schlagzeuger Miles Gill sind beide langjährige Freunde von Wilson und Bassist Eddie Lewis und Veteranen unzähliger hart spielender Bands auf der Live-Szene im Süden Englands.

Die politische Botschaft der Band mag unverändert geblieben sein, aber mit „Fearless Nature”, das ihr Repertoire erweitert, hat sie nun Gesellschaft bekommen. Ihre Entscheidung, emotionale Komplexität in ihre lyrische Perspektive einfließen zu lassen, ist ein großer Schritt nach vorne, und die Vorteile liegen auf der Hand, aus denen alle Kraft schöpfen können.

Für Fans von: Fontaines DC / Gorillaz / Blur / Yard Act / Soft Play / Demob Happy / Queens of The Stone Age

Reissue des zweiten Albums des dänischen Jazzduos Svaneborg Kardyb, ""Haven"" (2020), auf Bio-Vinyl. Nikolaj Svaneborg (Keyboards) und Jonas Kardyb (Schlagzeug, Percussion) erschaffen komplexe, zyklische Kompositionen, die introspektive Wärme mit einem unterschwelligen Gefühl von Bewegung in Einklang bringen. Jazziger Minimalismus, der zwischen Kontemplation und Dynamik schwankt, wobei sanfte Wurlitzer-Klänge und knackige Percussion wie Echos in stillem Wasser plätschern. Nach zwei Alben auf dem dänischen Jazzlabel BLIK FLAK erhielten Svaneborg Kardyb einen Vertrag beim renommierten Indielabel Gondwana aus Manchester.

Rot/Schwarzes Ink-Spot Vinyl, limitiert auf 300 Exemplare. Drei Buchstaben. Drei Musiker. Drei Instrumente. Drei Jahre. Graf Zahl hätte seine Freude an diesem Album_ HUM loten ihre dunklen Stoner-Klangwelten weiter aus. ,three" bringt sowohl druckvolle Post-Rock-Songs als auch psychedelische Klangexperimente. Jeder Track scheint eine Idee zu verfolgen; jeder eine 4-Minuten-Reise. Die Themen drehen sich um Umweltzerstörung, gesellschaftliche Irrwege und Spacetrips. ,three" ist das Album für die Apokalypse oder für einen Abend im Weltraum. Der Spaß kommt dabei nicht zu kurz: Die Dunkelheit wird auf fetten, langsamen Grooves präsentiert. Die Stücke sind kompakt und melodisch. Katharsis ist das Ziel: Wer mit offenen Ohren hört, dem könnte es nach den 11 Tracks und 41 min besser gehen_ Eine aufregende Reise durch musikalische Klangwelten (Surf, Gothic/Dark Wave, Kraut und Prog-Rock) mehrerer Jahrzehnte. Die HUM-typischen schweren Riffs (im Schatten von Godzilla) mit komplexen Rhythmen und Breaks werden erweitert durch neue Elemente wie Surfgitarre, Synthiesounds und gesangliche Experimente. Der meist mit Effekten verfremdete Gesang wird spärlich und gezielt eingesetzt mit oft kurzen Textfragmenten, welche die Stimmung der Songs textlich untermalen. Dazu kommen drei instrumentale Soundcollagen, die als düstere Überleitung zwischen den Songs dienen. Ein gewisser roter Faden scheint sich thematisch durch das Album zu ziehen. Red/black ink spot vinyl. Limited to 300 copies. Three letters. Three musicians. Three instruments. Three years. The Count would have loved this album...HUM continue to explore their dark stoner soundscapes. "three" features both powerful post-rock songs andpsychedelic sound experiments. Each track seems to pursue an idea; each one a 4-minute journey. The themesrevolve around environmental destruction, social aberrations, and space trips."three" is the album for the apocalypse or for an evening in space. But there's no shortage of fun: thedarkness is presented on fat, slow grooves. The pieces are compact and melodic. Catharsis is thegoal: if you listen with open ears, you might feel better after the 11 tracks and 41 minutes...An exciting journey through musical soundscapes (surf, gothic/dark wave, kraut and prog rock) spanning severaldecades. The heavy riffs typical of HUM (in the shadow of Godzilla) with complex rhythms and breaksare expanded by new elements such as surf guitar, synth sounds and vocal experiments. The vocals, mostlydistorted with effects, are used sparingly and purposefully, often with short text fragments that underscore the moodof the songs lyrically. In addition, there are three instrumental sound collages that serve as dark transitions betweenthe songs. A certain common thread seems to run through the album thematically.

"Enter: The Conquering Chicken" ist das zweite und letzte Studioalbum von The Gits. Die Sängerin, Texterin und Frontfrau der Gits, Mia Zapata, wurde 1993 in Seattle ermordet, während die Band ein paar Wochen lang an dem Album arbeitete. Produziert von der Band und ihrem langjährigen Freund Scott Benson, kam "Enter: The Conquering Chicken" 1994 bei C/Z Records raus. The Gits gründeten sich 1986 am Antioch College in Ohio und zogen 1989 zusammen nach Seattle, als die lokale Szene langsam bekannt wurde. Obwohl ihr rauer, blueslastiger Punk, der von Mias unvergesslicher Stimme getragen wurde, nicht ganz in das Schema ihrer Kollegen aus dem Pazifischen Nordwesten passte, fand die Band sofort einen festen Platz und eine große Fangemeinde. "Enter: The Conquering Chicken" zeigt The Gits auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft. Aufgenommen am Ende einer ausverkauften Westküsten-Tournee, waren sie in Höchstform. Kreativ, inspiriert und angetrieben von der Aussicht auf ein neues musikalisches Kapitel, das man in diesen Aufnahmen hören kann. 2003 von Jack Endino neu abgemischt, zeigen Songs wie "Bob (Cousin O.)", "Guilt Within Your Head", "Seaweed", "Sign of the Crab", "The Drinking Song" und Mias atemberaubende Interpretation von Sam Cookes "A Change is Gonna Come" eine deutliche Weiterentwicklung nach ihrem erfolgreichen Debütalbum "Frenching The Bully" von 1992. ",Sign of the Crab' war der letzte Song, den wir als Band zusammen geschrieben haben", sagt Bassist Matt Dresdner. "Basierend auf Andys teuflischer Komposition und Mias brillanten, gruseligen Texten war die Musik kraftvoll, komplex und voller lustiger, verdrehter Wut. Die Songs auf Chicken geben nur einen kleinen Einblick in das, was wir damals gemacht haben." Dieses seit langem vergriffene Meisterwerk des Seattle-Punk wurde 2024 von Jack Endino für Sub Pop Records remastert und ist auf farbigem Vinyl mit neuem Artwork und Liner Notes von Tim Sommer erhältlich, der treffend schreibt: "The Gits waren eine wütende, hitzige Band, die voll und ganz im Einklang mit der Bessie Patti Smith ihrer Zeit stand und von ihr beeinflusst war, der einzigen Sängerin, die Joplin, Poly Styrene, Sam Cooke, Iggy Pop und Ian MacKaye in ein und demselben verdammten Song vereinen konnte."

Anfang 1996 veröffentlichte The Wedding Present "Mini" über Cooking Vinyl Records, eine EP mit sechs Titeln, deren Songs alle einen Bezug zum motorisierten Fahren hatten. Fast dreißig Jahre später hat David Gedge dieses Konzept wieder aufgegriffen! "Maxi" enthält sechs weitere Stücke, deren Titel/Inhalte sich alle auf diese Thema beziehen. Maxi erscheint über Clue Records und folgt kurz nach der Veröffentlichung von 40 - der Zusammenstellung, die den komplexen und faszinierenden Katalog von The Wedding Present in einem Box-Set mit vier Vinyl- und/oder vier CDs widerspiegelt. Der letzte Titel der Compilation ist "Hot Wheels" - ein Song, der nun auch auf Maxi zu finden ist, zusammen mit fünf weiteren Stücken. Obwohl Maxi dem gleichen Konzept wie Mini (1996) folgt, klingt The Wedding Present 2025 deutlich größer. Dies ist wirklich eine Band in ihrer kreativsten Phase, die sowohl die Grenzen ihres eigenen Stils/Sounds als auch die Erwartungen der Zuhörer erweitert, während die Texte auf provokative Weise Bilder zeichnen, wie es nur David Gedge kann. "Wie ich in meinen Sleeve Notes zu 40 gesagt habe, wurden die Songs, die wir für Maxi aufgenommen haben, relativ schnell geschrieben, weil ich mich besonders inspiriert fühlte, sowohl textlich - durch Situationen in meinem Leben - als auch musikalisch - durch das Schreiben mit der damals neu hinzugekommenen Rachael. Die daraus resultierenden Tracks wirken größer angelegt und stimmungsvoller als alles, was wir seit langem gemacht haben ... und sie sind dank der neuen Rockqueen von The Wedding Present und ihrem Arsenal an Gitarren und Pedalen auf jeden Fall temperamentvoller!" (David Gedge). Transparente Vinyl-10" oder CD im Digipak.

Come Back Down, das neue Album des experimentellen Pop-Duos Total Wife aus Nashville, entstand am Rande des Schlafes. Wenn die Komponistin und Produzentin Luna Kupper während nächtlicher Mixing-Sessions einzuschlafen begann, folgten ihr die Songs in den Zwischenraum zwischen Traum und Wachsein. Wie Dale Cooper in Twin Peaks wachte sie mit einer neuen Perspektive auf das Puzzle auf, das sie gerade zusammensetzte. ,Ich bin eine psychologische Mixerin - ich versuche mir vorzustellen, wie jemand den Klang erlebt, anstatt mich darauf zu versteifen, all diese verschiedenen Töne zu erzeugen und all diese Geräte zu benutzen, um einen bestimmten Klang zu erzielen", sagt Kupper. Und wie eine Spirale vom Wachleben in den Traum sind die Songs auf Come Back Down endlos selbstreferenziell und bauen aus einem einzigen Punkt ganze Universen auf. Kupper hat alle ihre Synthesizer verkauft, um die Miete zu bezahlen, bevor sie mit der Arbeit an dem Album begann, und so wird jeder anorganische Klang stattdessen aus Samples der eigenen Arbeit der Band aufgebaut. Eine Gitarre in einem Song kann in dem nächsten Song neu verarbeitet und als Synthesizer verwendet werden, während überall auf dem Album Gesangs-Samples aus einem einzigen unveröffentlichten Cover von Elliott Smiths ,Between the Bars" verwendet werden. Als Hommage an diesen Prozess hätte das Album beinahe den Namen ,The Julia Set" bekommen, nach der mathematischen Gleichung, die sich immer wieder selbst speist und wunderschöne fraktale Bilder erzeugt. Die Absicht war, etwas Komplexes, aber Zugängliches zu schaffen; experimentell, aber präzise und ohne Abstraktion. Auch in ihren Texten ist die Texterin und Sängerin Ash Richter so direkt wie eh und je. Sie griff auf ihre Erfahrungen mit der Isolation während der Pandemie zurück, um über Verbindung und Trennung zu schreiben, und nutzte ihre Texte als Mittel für die Kommunikation, die im Alltag fehlte. In dem hochfliegenden, shoegazigen Track ,peaches" wurde ein Sturm, der die Absage einer Aufnahmesession erzwang, zur Metapher für emotionale Distanz. ,still asleep" erzählt von Richters Euphorie nach der ersten Tournee von Total Wife und beobachtet, wie diese sich allmählich in Paranoia verwandelt. ,Danke, Vollmond, mein Herz ist übervoll", singt sie, bevor sie fragt: ,Gibt es so etwas wie zu viel Glück?" Die Erfahrung der Isolation veranlasste Richter, an ihre Kindheit zurückzudenken, eine Zeit, die für sie von Einsamkeit und Spielen in der Natur geprägt war - auf Bäume klettern, Matschkuchen backen, sich im Wald verlaufen. In Tracks wie ,in my head" und ,second spring" nutzt sie Bilder aus der Natur, um sich an diese Zeit zu erinnern und eine Verbindung zu ihrem einsamen inneren Kind herzustellen. ,Ich fühle mich mit transzendentalistischer Literatur und magischem Realismus verbunden - dem Versuch, Dinge auf konkrete Weise zu vermitteln, aber mit einem Element von Psychologie und Mysterium", sagt sie. Richter und Kupper, Freunde aus der Highschool, gründeten Total Wife im Jahr 2016 und zogen 2020 von Boston nach Nashville. Beide sind sowohl bildende Künstler als auch Musiker, was sie durch vielschichtige und zielgerichtete Visuals in ihre Arbeit mit Total Wife einfließen lassen. Eine DIY-Ader prägt alles, was sie tun - von der Gestaltung ihrer eigenen Kunstwerke und Musikvideos über die Aufnahme ihrer eigenen Musik bis hin zur Veröffentlichung von Kassetten über ihr Label Ivy Eat Home und der Ausrichtung von Hauskonzerten in ihrem Keller, den sie Ryman 2 getauft haben. In Nashville haben sie sich in einer schrägen Szene niedergelassen, die unter dem Parkett der Plattenindustrie lebt, einem Bienenstock kollaborativer und kreativer Energie, der sie begeistert hat, die Stadt ihr Zuhause zu nennen. Kurz nach ihrem Umzug nach Nashville haben sie auch zum ersten Mal eine Live-Band zusammengestellt, bestehend aus Ryan Bigelow, Sean Booz und Billy Campbell, die ihrem kreativen Prozess eine Portion Spontaneität und Lebendigkeit verleiht, die sich auch in Come Back Down widerspiegelt.

Ein Rapper mit Intensität, der ebenso Sänger mit Leidenschaft und ein Produzent ist, der sich die Nostalgie zunutze macht, um die Zukunft zu beherrschen - das Projekt Jim Legxacy ist auf dem besten Weg, vom sagenumworbenem Newcomer zur lodernden Hype-Flamme zu werden. Jims produktives Schaffen, das auf die britische Musik im Jahr 2025 eine immer größere Bedeutung hat, erzählt wie immer eine wichtige Geschichte. Mit seinem Songwriting ist er der Zeit immer einen Schritt voraus und hält den britischen POC einen Spiegel vor, in dem er sich selbst und seinesgleichen widerspiegelt. Damit steht er gleichzeitig stolz, als auch bescheiden an der Spitze einer Bewegung, einer neuen Generation von Songwriter, die sich einen Weg aus dem Untergrund bahnen und immer weiter nach oben drängen. Das neue Mixtape "Black British Music (2025)" schafft Raum für Komplexität, Sensibilität und Experimente und verändert nicht nur die Erwartungen daran, wie britische Musik klingen, sondern auch, wofür sie stehen kann. Musik war schon immer ein Teil von Jims Identität. Sein sich ständig weiterentwickelnder, kaleidoskopischer Sound hat Einflüsse aus allen Genres, insbesondere R"n"B, Soul, Pop, Grime, Midwest Emo, Afro Beats und Alternative. Jims künstlerische Reise begann im Jahr 2018 mit mehreren Singles und zwei größeren Releasen (Dynasty Program: A Metrical Composition Inspired by the Nights Spent as The Raiider; and Citadel), die sein künstlerisches Wachstum, seine Vielseitigkeit und seine Verletzlichkeit zeigten, während er mit der Obdachlosigkeit kämpfte. 2023 veröffentlichte er sein Mixtape "Homeless N*gga Pop Music", das von der Kritik sehr gelobt wurde. Es folgten Support und Cosigns von Acts wie Dave, Stormzy, Central Cee, Headie One, Skepta, Loski, Jack Harlow und zuletzt zwei Songs, die er mit Fred again.. Entwickelte.

Spite verbindet Außenseiter mit einer hypnotischen, harten Rache, die an Thrash-Komplexität und DeathcoreIntimität grenzt. Die Bereitschaft der Gruppe, Grenzen zu überschreiten, machte sie still und leise zu einer
der mächtigsten Kräfte der modernen Heavy-Musik. Mit dem gefühlsbetonten „New World Killer“ kehrt
die Band zurück und ist bereit, die Extreme-Metal-Szene zu dominieren. Produziert von Will Putney und
mit den Singles „Lights Out“, „New World Killer“, „Looking Glass“ und „Shedding Skin“, präsentiert sie
sich auf dem Album in ihrer bisher dominantesten und vollendetsten Form.

Der lettische Pianist Georgijs Osokins widmet sein Debütalbum bei der Deutschen Grammophon dem estnischen Komponisten Arvo Pärt. „For Arvo” ist eine Hommage an die baltische Klavierkultur und die
zeitlose Musik des Komponisten anlässlich dessen 90. Geburtstags am 11. September 2025.
Neben Originalwerken für Klavier enthält das Album Osokins eigene Transkriptionen zentraler Pärt-Kompositionen
wie „Fratres”, „Pari intervallo” und „Fragile e conciliante, die das Vertrauen in Osokins’ musikalische Integrität und seine tiefe Auseinandersetzung mit Pärts Werk unterstreicht.
Osokins erforscht mit dem Programm die „verborgenen Beziehungen zwischen den verschiedenen Stücken
in Pärts Klavierwerk“ und spannt so den Bogen von Pärts frühen Kompositionen bis zu seinem charakteristischen Tintinnabuli-Stil. „Ich wollte genau den Moment kompositorischer Erkenntnis einfangen –
von komplexer zeitgenössischer Avantgarde bis hin zu reiner, leuchtender und rätselhafter Schönheit und
Schlichtheit”, erklärt Osokins. Eingespielt wurden die Werke auf einem über 100 Jahre alten blauen
Steinway-Flügel, dessen obertonreicher Klang dem Album eine unverwechselbare Atmosphäre verleiht.
„Dieses Album ist eine Liebeserklärung an Arvo und seine Musik“, so Georgijs Osokins.

"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.

"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.

"Patching", das intime Debütalbum der in Minnesota lebenden Sängerin und Songwriterin runo plum, fängt auf elegante Weise die Kontraktion, Expansion und Befreiung einer intensiven Phase emotionaler Heilung ein, und zwar in sanftem, strahlendem Indie-Rock. "Patching" ist ein üppiges Debütalbum, das aus einem gebrochenen Herzen entstanden ist und reichhaltige Klangmomente enthält, die emotionale Leere ausgleichen und aus einem Ende Expansion schaffen. Die ungezügelte Aufrichtigkeit des Albums ist nichts Neues für runo plum, die seit einem halben Jahrzehnt in ihrem Schlafzimmer ihre komplexen Folk-Songs schreibt und still und leise veröffentlicht. Während der Pandemiejahre erregte sie zunehmend die Aufmerksamkeit eines immer größer werdenden Kreises von Zuhörern und begann, unabhängig eine Reihe von Singles und EPs zu veröffentlichen, während sie sich gleichzeitig als Support für Searows, Angel Olsen und Hovvdy. Das Album dokumentiert die zweischneidige Natur von Liebe und Verlust in einem schmerzhaften freien Fall des Indie-Rock mit derselben unverblümten Offenheit wie die frühen Alben von Julia Jacklin und Big Thief. ,Patching" wurde in einer Hütte im ländlichen Vermont über einen Zeitraum von zwei Wochen aufgenommen. Zusammen mit Lutalo, dem in Minnesota geborenen, in Vermont lebenden Musiker und Produzenten und runos Kollaborateur, der Instrumentalistin und Freundin Noa Francis konzentrierte sich das Trio auf den honigsüßen, zeitgeprägten Klang einer hundertjährigen Akustikgitarre und die angenehme Wärme von runos Stimme. Auf den zwölf Tracks von ,Patching" malt runo melodische Bögen, die sich drehen und taumeln, und schafft Songs, die sowohl die dunstigen Höhen als auch die dunkelblauen Tiefen aller natürlichen Zyklen, die die Welt drehen lassen, einfangen.

Ata Kak schuf mit seinem Debütalbum **,Obaa Sima"** ein eigenwilliges Stück ghanaischer Musikgeschichte. Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1994 blieb es zunächst weitgehend unbeachtet, doch 2006 erlebte die Kassette online ein neues Leben. Als erster Beitrag auf dem Blog *Awesome Tapes From Africa* avancierte sie zu einer Art Manifest für das gesamte Projekt - und löste eine ungewöhnliche, aber nicht gerade leise Kultbegeisterung aus. Seine fesselnde Mischung aus experimenteller elektronischer Musik und Twi-sprachigem Hiplife erreichte ein überraschend breites Publikum unter Musikfans unterschiedlichster Couleur. Das Rätsel um die Identität des Musikers wuchs. Schließlich trat Yaw Atta-Owusu aus dem Schatten - aus seinem ruhigen Zuhause in Kumasi - und tourte um die Welt, spielte energiegeladene, schweißtreibende Auftritte auf großen Festivals wie Glastonbury, Sónar und Pop Montreal. Nun veröffentlicht Ata Kak erstmals seit 1994 neue Musik. Über mehrere Jahre hinweg in Studios rund um Kumasi entwickelt, präsentieren die Songs den akrobatischen Rap und das charakteristische Scatting des Sängers-Rappers, dramatische Drums und sogar die traditionelle Akan-Harfe. Die Kompositionen sind ambitionierter als seine frühen Werke, mit komplexeren Arrangements und vielschichtigen Harmonien. Die neuen Stücke sind auch Ausdruck eines ruhelosen Künstlers - Ata Kak ist ein produktiver Dichter und Autor von rund einem halben Dutzend Büchern, zudem passionierter Gärtner und fleißiger Maler. Geboren 1960 in Ghana, war Ata Kak nicht immer in der Musik aktiv. Seine Reisen und seine Offenheit für die Welt führten ihn jedoch in die Musikszene. Während seines Aufenthalts in Deutschland wurde er eingeladen, in einer Reggae-Band Schlagzeug zu spielen, und trat später in Highlife-Bands in Ontario auf, nachdem er in die Gegend um Toronto gezogen war. Dort nahm er **,Obaa Sima"** in seinem Heimstudio auf und veröffentlichte es 1994 in Ghana. In den Jahren danach war er nur wenig musikalisch aktiv, bis ,Obaa Sima" 2015 neu aufgelegt wurde. Seitdem spielt er seine Songs live - unterstützt von einer brillanten Gruppe Londoner Musiker - und hat auf drei Kontinenten getourt, vor Tausenden von Fans in den unterschiedlichsten Locations.

Ata Kak schuf mit seinem Debütalbum **,Obaa Sima"** ein eigenwilliges Stück ghanaischer Musikgeschichte. Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1994 blieb es zunächst weitgehend unbeachtet, doch 2006 erlebte die Kassette online ein neues Leben. Als erster Beitrag auf dem Blog *Awesome Tapes From Africa* avancierte sie zu einer Art Manifest für das gesamte Projekt - und löste eine ungewöhnliche, aber nicht gerade leise Kultbegeisterung aus. Seine fesselnde Mischung aus experimenteller elektronischer Musik und Twi-sprachigem Hiplife erreichte ein überraschend breites Publikum unter Musikfans unterschiedlichster Couleur. Das Rätsel um die Identität des Musikers wuchs. Schließlich trat Yaw Atta-Owusu aus dem Schatten - aus seinem ruhigen Zuhause in Kumasi - und tourte um die Welt, spielte energiegeladene, schweißtreibende Auftritte auf großen Festivals wie Glastonbury, Sónar und Pop Montreal. Nun veröffentlicht Ata Kak erstmals seit 1994 neue Musik. Über mehrere Jahre hinweg in Studios rund um Kumasi entwickelt, präsentieren die Songs den akrobatischen Rap und das charakteristische Scatting des Sängers-Rappers, dramatische Drums und sogar die traditionelle Akan-Harfe. Die Kompositionen sind ambitionierter als seine frühen Werke, mit komplexeren Arrangements und vielschichtigen Harmonien. Die neuen Stücke sind auch Ausdruck eines ruhelosen Künstlers - Ata Kak ist ein produktiver Dichter und Autor von rund einem halben Dutzend Büchern, zudem passionierter Gärtner und fleißiger Maler. Geboren 1960 in Ghana, war Ata Kak nicht immer in der Musik aktiv. Seine Reisen und seine Offenheit für die Welt führten ihn jedoch in die Musikszene. Während seines Aufenthalts in Deutschland wurde er eingeladen, in einer Reggae-Band Schlagzeug zu spielen, und trat später in Highlife-Bands in Ontario auf, nachdem er in die Gegend um Toronto gezogen war. Dort nahm er **,Obaa Sima"** in seinem Heimstudio auf und veröffentlichte es 1994 in Ghana. In den Jahren danach war er nur wenig musikalisch aktiv, bis ,Obaa Sima" 2015 neu aufgelegt wurde. Seitdem spielt er seine Songs live - unterstützt von einer brillanten Gruppe Londoner Musiker - und hat auf drei Kontinenten getourt, vor Tausenden von Fans in den unterschiedlichsten Locations.

Ata Kak schuf mit seinem Debütalbum **,Obaa Sima"** ein eigenwilliges Stück ghanaischer Musikgeschichte. Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1994 blieb es zunächst weitgehend unbeachtet, doch 2006 erlebte die Kassette online ein neues Leben. Als erster Beitrag auf dem Blog *Awesome Tapes From Africa* avancierte sie zu einer Art Manifest für das gesamte Projekt - und löste eine ungewöhnliche, aber nicht gerade leise Kultbegeisterung aus. Seine fesselnde Mischung aus experimenteller elektronischer Musik und Twi-sprachigem Hiplife erreichte ein überraschend breites Publikum unter Musikfans unterschiedlichster Couleur. Das Rätsel um die Identität des Musikers wuchs. Schließlich trat Yaw Atta-Owusu aus dem Schatten - aus seinem ruhigen Zuhause in Kumasi - und tourte um die Welt, spielte energiegeladene, schweißtreibende Auftritte auf großen Festivals wie Glastonbury, Sónar und Pop Montreal. Nun veröffentlicht Ata Kak erstmals seit 1994 neue Musik. Über mehrere Jahre hinweg in Studios rund um Kumasi entwickelt, präsentieren die Songs den akrobatischen Rap und das charakteristische Scatting des Sängers-Rappers, dramatische Drums und sogar die traditionelle Akan-Harfe. Die Kompositionen sind ambitionierter als seine frühen Werke, mit komplexeren Arrangements und vielschichtigen Harmonien. Die neuen Stücke sind auch Ausdruck eines ruhelosen Künstlers - Ata Kak ist ein produktiver Dichter und Autor von rund einem halben Dutzend Büchern, zudem passionierter Gärtner und fleißiger Maler. Geboren 1960 in Ghana, war Ata Kak nicht immer in der Musik aktiv. Seine Reisen und seine Offenheit für die Welt führten ihn jedoch in die Musikszene. Während seines Aufenthalts in Deutschland wurde er eingeladen, in einer Reggae-Band Schlagzeug zu spielen, und trat später in Highlife-Bands in Ontario auf, nachdem er in die Gegend um Toronto gezogen war. Dort nahm er **,Obaa Sima"** in seinem Heimstudio auf und veröffentlichte es 1994 in Ghana. In den Jahren danach war er nur wenig musikalisch aktiv, bis ,Obaa Sima" 2015 neu aufgelegt wurde. Seitdem spielt er seine Songs live - unterstützt von einer brillanten Gruppe Londoner Musiker - und hat auf drei Kontinenten getourt, vor Tausenden von Fans in den unterschiedlichsten Locations.

Ein Album von bittersüßer Schönheit, voller Ambivalenzen und gutem Pop. Steiner & Madlaina veröffentlichen ihr viertes Studioalbum Nah Dran; zweieinhalb Jahre nach ihrem letzten Album. Es ist ein Werk, das in seinem warmen Pop-Sound und seiner wie immer exzellenten Textarbeit hält, was man sich von diesem Duo verspricht, dabei aber einen Schritt nach vorn macht. Inhaltlich verhandelt dieses Album die wichtigste Erkenntnis unserer Zeit: Die Welt ist widersprüchlich und wir müssen lernen, das auszuhalten. Die Songs erzählen präzise und poetisch von Selbstzweifeln, politischer Haltung, Beziehungen, Zeitgeist und Gesellschaft; sie sind witzig, tief, poetisch, doppeldeutig, zitatwürdig und gegenwärtig. In seinem Sound streift dieses Indie-Pop-Album Jazz, Singer-Songwriting und orchestrale Elemente. Bläser, Streicher, Kinderchor und Klavier treffen auf Gitarren und handgemachte Sounds. Die Produktion ist detailverliebt, mal organisch, mal elektronisch, in Vielem mutig, oft All In. Trotz aller Komplexität bleibt Nah Dran tanzbar, mitsingbar und zugänglich. Es ist gut gelaunte Popmusik mit Haltung - nostalgisch, verspielt, aber nie naiv. Ein Album, das Gesellschaftskritik durch Selbstkritik übt, das feiert und reflektiert, das sich nicht mit einfachen Antworten zufriedengibt. (Und die Liebe kommt auch nicht zu kurz.)

Ulver geben heute bekannt, dass ihr klassisches Promo-Tape aus dem Jahr 1993 auf Peaceville Records neu aufgelegt wird. 2023 markiert dreißig Jahre seit der Aufnahme und die Platte zeigt Ulvers Black-Metal-Wurzeln, bevor die Band begann, sich außerhalb der Grenzen des Genres zu entwickeln.

Weithin bekannt für hochkarätige Klanglandschaften und exquisite experimentelle und elektronische Kunst als Teil ihrer kontinuierlichen und sich ständig verändernden Entwicklung, verschmolzen Ulver's Anfänge ätherischen Black Metal mit zarten Folk-inspirierten Passagen. Trotz der rauen Kanten sticht das Material der Band mit seinen höchst unkonventionellen Kompositionen im Vergleich zu den primitiveren und roheren Angeboten anderer schnell aufstrebender Acts in der norwegischen Szene jener Zeit hervor.

Vargnatt war Ulvers erster Ausflug in die Wildnis und ein außergewöhnliches Debüt-Demo, das das verwendete, was zu einem Grundelement ihrer legendären Trilogie (Bergtatt, Kveldssanger und Nattens Madrigal) werden sollte, nämlich akustische Gitarren inmitten melodischer und oft komplexer und verworrener Arrangements, die mit einem bereits fortgeschrittenen Grad an Musikalität gezaubert und vorgetragen wurden, mit dem unheimlichen Gesang des langjährigen Frontmanns Kristoffer Garm" Rygg. Zu dieser frühen Inkarnation von Ulver gehörten auch Carl-Michael Eide von Aura Noir / Ved Buens Ende am Schlagzeug sowie Robin "Mean" Malmberg (von den norwegischen Pionieren Mysticum) am Bass.

Das auf dieser Platte enthaltene Audiomaterial besteht aus Originalmaterial, das vom Original-DAT stammt. Die Veröffentlichung enthält außerdem den Bonustrack "Vargnatt", der 1993 live bei Bootleg TV in Oslo aufgenommen wurde und aus der Nationalbibliothek Norwegens stammt.

Kristoffer "Garm" Rygg äußerte sich wie folgt zu der Wiederveröffentlichung:
Das ist das erste, was wir als Ulver aufgenommen haben. Wikipedia sagt, es sei unser zweites Demo, aber es ist unser erstes und einziges. Stovner, Oslo, 1993, zwei-drei Tage, wham, bam, thank you mam, mit sehr wenig oder gar keiner Erfahrung. Wir waren Kinder, 17-19 Jahre alt, und haben das Wasser getestet. Abgesehen vom Gesang und einigen merkwürdigen musikalischen Entscheidungen muss ich sagen, dass ich mich heute weit weniger dafür schäme, als ich es wahrscheinlich in den Neunzigern tat, und ich muss darüber lächeln, dass diese Aufnahme 30 Jahre später immer noch aktuell ist. Es erfüllt mich mit Freude (und etwas Traurigkeit), die verrückten Launen und Dinge, die wir erlebt haben, in relativ unberührter Form wiederzuhören. Peaceville, der Hauptlieferant vieler unserer Lieblingsplatten von damals, leistet hervorragende Arbeit bei der Wiederveröffentlichung einiger dieser alten Underground-Tapes. Also, nach ein paar limitierten Auflagen, "warum zum Teufel nicht", oder? (Kristoffer Rygg, Ulver)
Tracklisting

Die EP ist eine Sammlung von Songs, die von einer bedrohlichen, oft frenetischen Energie durchdrungen sind. Dieses Unbehagen wird durch Helado Negros intensiven Einsatz von Elektronik, Echo und Verzerrung noch verstärkt, die seinen Worten eine benommene, schockierte Qualität verleihen und die intensiven Gefühle der Angst und Unsicherheit unterstreichen, die seine tiefgründigen Betrachtungen über einen Planeten in der Krise prägen. ??An anderer Stelle auf „The Last Sound On Earth“ untersucht Helado Negro systemische Machtstrukturen, wie in „Sender Receiver“, das die inhärente Gewalt und Unausgewogenheit unserer technischen Terminologie reflektiert. Oder „Protector“ – aufgebaut um einen klassischen Jungle-Break – wo er eine zynische Reflexion über die zerbrochene Vorstellung bietet, dass diejenigen, die an der Macht sind, wirklich in unserem besten Interesse und zu unserem Schutz handeln. Trotz der oft schweren Themen bewegt sich die Musik selbst im Uptempo-Bereich, und die letzten Titel „Zenith” (die andere Seite des Tiefpunkts, das Gleichgewicht zwischen etwas und nichts) und „Don't Give It Up Now” (ein Song über das Durchhalten und den Kampf für Veränderung) versuchen, Helado Negros Gefühle in etwas Positives und Zukunftsorientiertes zu verwandeln.

„The Last Sound On Earth“ ist voller komplexer Emotionen und der Sound eines Künstlers, der sich mit der sich verändernden Welt um ihn herum auseinandersetzt und vorsichtig nach einem Weg in die Zukunft sucht.

Der bewegende Soundtrack zu 'I Love You, I Leave You', dem sehr persönlichen Dokumentarfilm von Regisseur Moris Freiburghaus, erscheint jetzt als Vinyl (inkl.CD). Der Film begleitet den Schweizer Musiker Dino Brandão auf seiner Reise nach Angola, der Heimat seines Vaters, wo er sich mit der Vergangenheit seiner Familie und seinem eigenen Identitätsgefühl auseinandersetzt.

Nach über zwanzig Jahren löst Dinos Rückkehr nach Angola eine tiefgreifende emotionale und psychologische Reise aus, die in einer manischen Episode gipfelt, die sowohl ihn als auch seine Nächsten herausfordert. Zurück in der Schweiz kämpfen seine Freunde und Familie darum, ihn bei der Bewältigung der Komplexität seiner psychischen Erkrankung zu unterstützen. Durch intimes Geschichtenerzählen und einfühlsame Beobachtung fängt Freiburghaus die außergewöhnlichen Bande der Freundschaft und die differenzierten Erfahrungen psychischer Gesundheit ein und schafft so einen Dokumentarfilm, der die Zuschauer tief berührt.

Der Soundtrack spiegelt diese emotionale Reise wider und verbindet die Rhythmen Angolas mit Dino Brandãos charakteristischem Musikstil. So bietet er den Zuhörern ein kraftvolles und eindringliches Erlebnis, das die Erzählung des Films ergänzt. Der Soundtrack zu "I Love You, I Leave You" lädt das Publikum ein, sich wieder mit Dinos Reise, der Musik seiner Herkunft und den universellen Themen Freundschaft, Identität und Widerstandsfähigkeit zu verbinden.